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Prima del nuovo numero di Kritik... Mostre    Iniziative culturali    Libri    E-mail Link Arte    Numeri precedenti    Cataloghi da mostre La Grecia contemporanea (1974-2006) di Rudy Caparrini, Vincenzo Greco, Ninni Radicini prefazione di Antonio Ferrari, giornalista, corrispondente da Atene per il Corriere della Sera ed. Polistampa, 2007 Presentazione | Articoli sulla Grecia

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Nosferatu: dal cinema al fumetto

Le Icone tra Sicilia e Grecia

Recensione "I Vicerè"

Locandine rassegne

Il cinema nella Repubblica di Weimar

Vivian Maier Mostre in Italia

«Pirandello» Poesia di Nidia Robba

1968-2018 Il Pianeta delle Scimmie Planet of the Apes - Review

Aroldo Tieri Un attore d'altri tempi An Actor from another Era

13 agosto 1978 Primo podio di Gilles Villeneuve First podium for G. Villeneuve

Mostre su Tazio Nuvolari

Maria Callas Articolo

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Mostre e iniziative a cura di Marianna Accerboni: 2020-2019 | 2018 | 2017 | 2016 | 2015 | 2014 | 2013 | 2012 | 2011 | 2010 | 2009 | 2007-08 | Lista mostre e conferenze 2007-2020

Grecia Moderna e Mondo Ellenico (Iniziative culturali): 2020-2019 | 2018 | 2017 | 2016 | 2015 | 2014 | 2013 | 2012 | 2011 | 2010-2009 | 2007-2008

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___ Nuovo numero della Newsletter Kritik pubblicato (03 agosto 2020)

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Omaggio a Lucio Del Pezzo
23 settembre - 30 ottobre 2020
Studio Marconi '65 - Milano
www.studiomarconi.info

Studio Marconi '65 ricorda Lucio Del Pezzo, recentemente scomparso, con una selezione di suoi disegni e opere grafiche. Particolarmente intensa è stata la collaborazione di questo artista con Giorgio Marconi: iniziata nel 1965 con la prima partecipazione alla mostra inaugurale di Studio Marconi, è passata attraverso le più recenti esposizioni del 2009 e 2014 alla Fondazione Marconi, per concludersi con l'ultimo omaggio a lui dedicato, in occasione di miart 2018. Napoletano per nascita e formazione, Lucio Del Pezzo si trasferisce a Milano dal 1960, dove partecipa al clima culturale della città. Sono gli anni cruciali della sua carriera, in cui è presente alla Triennale di Milano (1964) e alla Biennale di Venezia (1964 e 1966) e nel giro di pochi anni il suo lavoro acquista un respiro internazionale. Elaborate con accenti originali e con il gusto e la manualità dell'artigiano, le sue opere mostrano uno stile inconfondibile in cui convivono componente ludica e spirituale.

Ognuna delle sue pitture-oggetto è accuratamente progettata: emblemi figurali, come triangoli, cerchi, coni, bersagli, birilli, frammenti di cornicioni denotano l'intento dell'artista di dare un peso determinante all'elemento iconico. Ne deriva una continua tensione tra l'aspetto giocoso, di divertissement beffardo, e quello strutturale, morfologico e compositivo. Le opere qui raccolte per ricordare questo protagonista della nostra storia e della scena artistica contemporanea, scomparso lo scorso 11 aprile, sono comprese tra la fine degli anni Sessanta e i Settanta e presentano gli stessi caratteri distintivi dei più noti "quadri-oggetto" di Del Pezzo. In apparenza semplici e istintive, ma in realtà complesse e piene di contrasti, sono perlopiù realizzate a inchiostro e matita su carta, talvolta con collage e interventi all'acquarello e traboccano di elementi disparati e ricorrenti, segni di un linguaggio inconfondibile attraverso il quale l'universo fantasioso di Del Pezzo continua a esprimersi e a raccontare nuove storie, sempre in bilico tra gioco e metafisica. (Comunicato stampa Lara Facco P&C)

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The black days
26 settembre (inaugurazione ore 11.00) - 28 novembre 2020
Palazzo Borbonico - Ficuzza (Palermo)
www.studio71.it | Locandina della mostra

La mostra, realizzata in collaborazione con l'Istituzione Francesco Carbone è costituita da 44 opere di autori operanti in tutto il territorio nazionale dal Nord al Sud che hanno voluto rappresentare le angosce e le preoccupazioni di un evento ancora in corso anche se in toni minori ma indimenticabile sotto ogni punto di vista. "Siamo in questa lunga e oscura galleria pandemica e dentro il silenzio improvviso del treno che continua la sua corsa mentre fuori l'aria è tersa e i monumenti parlano diffidando della precaria armonia che i Sapiens sanno creare e disfare cercando il bello che l'universo nasconde nel silenzio del suo presunto vuoto." (Intervento in catalogo di Piero Longo)

Gli autori: Antonella Affronti, Eugenia Affronti, Luciana Anelli, Enzo Angiuoni, Maria Luce Balsamo, Liana Barbato, Adriana Bellanca, Om Bosser, Alessandro Bronzini, Sebastiano Caracozzo, Aurelio Caruso, Giorgio Chiesi, Elio Corrao, Lamberto Correggiari, Carlo Cottone, Clara Di Curzio, Rosa Lia Ferreri, Daniela Gargano, Giuseppe Gargano, Luigi Gatto, Ninni Iannazzo, Antonio Iannece, Rodolfo La Torre, Nadia Lolletti, Maria Pia Lo Verso, Gabriella Lupinacci, Rosalia Marchiafava Arnone, Luciana Mascia, Enrico Meo, Franco Nocera, Concetta Palmitesta, Yuri Emiliano Paolini, Rita Piangerelli, Massimo Piazza, Mariella Ramondo, Marisa Sapienza, Filippo Scimeca, Turi Sottile, Rosa Spina, Tina Stati, Enzo Tardia, Gianni Maria Tessari, Diego Valentinuzzi, Tiziana Viola-Massa.

Il catalogo comprende testi e dipinti dei 44 gli artisti e degli 11 critici d'arte e scrittori. Tutti gli artisti che ne hanno fatto richiesta sono stati inclusi perché non si è voluto dare un taglio di carattere esclusivo, ma inclusivo per dare spazio a quanti avessero voglia di manifestare il proprio disagio e la propria angoscia per una prigionia non desiderata. Testi in catalogo: Gonzalo Alvarez Garcia, Paola Caruso, Aldo Gerbino, Vanni Giuffrè, Sandra Guddo, Piero Longo, Tommaso Romano, Salvatore Rondello, Vinny Scorsone e Ciro Spataro. (Comunicato stampa Centro d'Arte e di Informazioni Studio 71)

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Petali e draghi tra i fili di seta
Rotazione di kesa, i pregiati mantelli rituali giapponesi

24 settembre 2020 al 28 marzo 2021
Museo d'Arte Orientale - Torino
www.maotorino.it

In Giappone la parola kesa indica la veste tipica dei monaci buddhisti, nonché l'abito indossato dal Buddha stesso. Il kesa non è però un semplice indumento e ha un significato simbolico estremamente profondo, legato al risveglio, alla consapevolezza del praticante che lo indossa e alla connessione con l'intero universo. Questa veste viene tradizionalmente confezionata dal monaco stesso assemblando strisce di tessuto con cuciture sovrapposte e, nel caso dei kesa rituali, può essere realizzato con tessuti preziosi e decorati. Le collezioni del Museo d'Arte Orientale vantano una raccolta di pregiati kesa giapponesi che necessitano di essere periodicamente messi a riposo per motivi conservativi, come accade con i dipinti su carta e seta o le stampe; benché vengano esposti in apposite teche con piano inclinato, necessarie ad evitare eccessive tensioni del filato, le stoffe sono particolarmente delicate e soggette allo stress dell'esposizione: le decorazioni minute presenti in alcuni esemplari sono infatti ottenute con fili di seta e strisce di carta dorata, una tecnica che le rende preziose e fragili allo stesso tempo.

Saranno esposti alcuni kesa a riposo ormai da diversi anni nei nostri depositi: si tratta di tre mantelli rituali in seta del XIX secolo, che presentano motivi e fantasie differenti. Il primo è un kesa in seta a sfondo rosso bruno, composto da sette fasce verticali ricavate probabilmente da un kosode, un tipo di kimono a maniche corte. Dallo sfondo emergono fiori stilizzati azzurri e verdi, ognuno dei quali inscritto in cerchi che si intersecano fra loro: una scelta cromatica e decorativa particolarmente essenziale e sobria. Il secondo kesa è caratterizzato da uno sfondo bianco con disegni di draghi marroni tra nuvole color pesca, arancioni, verdi, viola, e motivi di onde azzurre. Il drago si presenta con i tipici attributi dell'unryu, il drago signore delle nuvole: l'espressione è feroce, con le fauci spalancate e gli occhi sporgenti; questa creatura fantastica ha lunghi baffi, corna biforcute, folte sopracciglia, peli ispidi, numerose squame lungo il corpo serpentiforme e la sua zampa artigliata racchiude una nuvola.

Nel terzo kesa ritroviamo nuovamente il motivo dei draghi, con nuvole e fiori, che si stagliano questa volta su uno sfondo blu petrolio. I draghi, squamosi e simili a serpenti, procedono verticalmente verso l'alto, emergendo fra le nuvole, e si alternano alla decorazione floreale e alle rappresentazioni delle mitologiche fenici. I fiori, in questo caso le peonie, sono disposte in un disegno concentrico che ricorda il movimento di un vortice, simbolo di dinamismo e vibrazione creativa, a cui è spesso associata la raffigurazione del drago. Contestualmente alla rotazione dei tessuti, verranno esposti anche un kakemono e un contenitore per sutra in pietra, che andranno a sostituire il paravento attualmente visibile.

Il dipinto su carta di epoca Meiji (1868-1912) raffigura il Parinirvana del Buddha, ovvero la scena del Buddha morente attorniato da una schiera di esseri umani e divini, bestie reali e fantastiche, tema iconografico fra i più frequenti nell'arte buddhista giapponese. Il corpo dell'Illuminato è di color oro, a simboleggiare il massimo grado dell'Illuminazione raggiunto, ed è coperto da un kesa che lascia scoperta la spalla destra: attorno a lui, numerose figure dalle espressioni addolorate e compassionevoli, alcuni esseri divini e la schiera dei dieci discepoli più meritevoli, riconoscibili grazie al mantello rituale che indossano. Sempre legato all'ambito buddhista è anche il contenitore cilindrico con coperchio per scritture sacre, realizzato in pietra levigata e risalente al XII secolo, ispirato alla struttura della pagoda e dello stupa. Si tratta di un'opera piuttosto rara - gli scavi archeologici ne hanno portati alla luce pochi esemplari - e importante sotto il profilo artistico, archeologico e storiografico: l'iscrizione incisa sul contenitore rappresenta infatti un documento fondamentale per conoscere i dettagli della sua creazione. (Comunicato stampa)

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Costas Varotsos nel giardino di Castelvecchio
termina a febbraio 2021
Museo di Castelvecchio - Verona
www.studiolacitta.it

Studio la Città prosegue la collaborazione con i Musei Civici e in particolare con il Museo di Castelvecchio. Questa volta protagonista della collaborazione è l'installazione dell'artista ateniese Costas Varotsos, intitolata Orizzonte, un'opera del 1996 in ferro e vetro che l'artista, abituato a cimentarsi in grandi spazi spesso naturali, ha scelto di collocare nel Giardino di Castelvecchio. Il vetro è da sempre il protagonista della produzione artistica di Varotsos, che predilige le grandi dimensioni, a testimonianza della sua riflessione su temi essenziali della vita e dell'uomo quali lo spazio, il tempo, la natura, l'energia. Monumentalità e profondità poetica concorrono assieme alla realizzazione finale, che si concretizza in un gesto minimale come la linea di un orizzonte tra cielo e terra. Il minimalismo delle sue opere coincide con quello delle sue idee: luce, trasparenza, energia, movimento, tempo, equilibrio.

La sua è un'incessante ricerca di un equilibrio tra arte e contesto, che spesso non è quello chiuso di una galleria o di un museo, ma quello urbano o, più spesso ancora, naturale, nel tentativo di trovare la giusta proporzione tra azione umana e potere della natura. Penso che in questo caso la collocazione nel Giardino di Castelvecchio raccolga in un unico luogo tutti i diversi contesti indagati da Varotsos - afferma la gallerista Hélène de Franchis. Già in passato Studio la Città e il Museo di Castelvecchio hanno creato occasioni di incontro fra l'arte contemporanea e il suggestivo spazio del castello. Nel 2007 l'installazione Ultramarinblau Dunkel Pb 29.77007 composta da 18 lastre lunghe quattro metri in resina e dal colore blu intenso di Herbert Hamak esposte a cavallo delle merlature, illuminò la riapertura dei camminamenti di ronda del castello e la collocazione nella torre dell'orologio della statua di Mastino II della Scala. Nel 2012, in occasione del progetto "Guardiamoci intorno", l'installazione laser From a good absorber to a good emitter dell'artista Arthur Duff fu proiettata su una delle pareti del Museo.Orizzonte sarà esposta per un periodo di sei mesi durante i quali saranno organizzate visite guidate, approfondimenti e incontri con l'artista. (Comunicato stampa Studio la Città)

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Architetture e Nature
01-30 ottobre 2020
Galleria SpazioFarini6 - Milano
www.spaziofarini6.com

Mostra con lavori di Pier Paolo Fassetta, Fausto Meli, Antonella Sacconi, Gianna Spirito e Beba Stoppani, a cura di Giovanna Lalatta. In mostra una 40ina di opere, collages e fotografie digitali in b/n e a colori, stampe fine art a getto d'inchiostro ai pigmenti (Giclée), in diverse dimensioni ed in edizione limitata, firmate e autenticate, che ci fa viaggiare tra architetture e paesaggi in mondi reali e surreali. Esposti in anteprima assoluta i collage fotografici, pezzi unici, di Pier Paolo Fassetta da cui è stato ispirato il titolo della mostra: resti di architetture senza storia, costruite con immagini fotografiche ricomposte in modo da rappresentare la vitalità della natura plasmata dal lavoro dell'uomo, per abitanti di luoghi misteriosi. In mostra anche le lineari architetture contemporanee in bianco e nero di Antonella Sacconi dal progetto "Homo Faber" e gli interni e i notturni poetici, delicati e sognanti di Fausto Meli, oltre ai "Diari di Viaggio" di Gianna Spirito, paesaggi della Cina contemporanea interpretati con uno sguardo molto particolare.

Infine le fortissime immagini, strazianti e bellissime del work in progress dal 2015 di Beba Stoppani sul ghiacciaio del Rodano "0° a 5000mt", un richiamo al rispetto e all'amore per la Natura che pur colpita nella sua integrità ancora ci regala bellezze e risorse. "Questo studio vuole essere un richiamo soprattutto per i giovani a una responsabilità più forte verso il nostro pianeta e verso una ecologia integrale dove Uomo e Pianeta, sullo stesso piano, siano rispettati e vissuti come un Unico Organismo Vivente". Ogni sera dalle 18.30 alle 20.30 si potrà partecipare, su invito o prenotandosi, agli aperitivi con gli autori che in questi orari presenteranno personalmente i loro lavori e risponderanno alle curiosità dei loro collezionisti in un'atmosfera informale e protetta con ingressi contingentati: Fausto Meli (1 ottobre), Beba Stoppani (2 ottobre), Gianna Spirito (3 ottobre), Antonella Sacconi (4 ottobre). (Comunicato stampa)

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Caleidoscopica
Il mondo illustrato di Olimpia Zagnoli

28 novembre 2020 - 28 febbraio 2021
Chiostri di San Pietro - Reggio Emilia

Figure bidimensionali, immagini sinuose, illusioni ottiche, accostamenti a contrasto e tanti colori: un vero e proprio caleidoscopio. La Fondazione Palazzo Magnani porta negli spazi espositivi dei Chiostri di San Pietro lo stile eclettico dell'illustratrice di fama internazionale Olimpia Zagnoli, raccontato dalla mostra a cura di Melania Gazzotti. Dopo aver conquistato in pochissimi anni il mondo dell'editoria, della moda e della comunicazione, Olimpia Zagnoli torna a Reggio Emilia, con un progetto espositivo capace di valorizzare le innumerevoli sfaccettature del suo lavoro e la capacità delle linee e dei colori delle sue figure, paesaggi, geometrie, di offrire all'immaginazione sempre nuovi stimoli.

La mostra ripercorre dieci anni della carriera dell'illustratrice mostrando il suo tratto inconfondibile declinato in disegni, stampe, neon, tessuti, sculture in ceramica, legno e plexiglas e oggetti di uso comune. L'esposizione dimostra come questa artista sia in grado di esprimersi con la stessa disinvoltura con i linguaggi delle arti visive e con quelli del design e dell'editoria, raccontando in un ambiente immersivo la complessità dell'universo creativo dell'artista e le sue fonti d'ispirazione, che spaziano dalla storia dell'arte a quella del design e della grafica. Verrà allestito un "giardino di sculture" di grande formato realizzate grazie al contributo della casa di moda Marella, le opere sono accostate per "libera associazione" o per affinità di colore, soggetto e forma. La selezione di lavori esposti include alcune delle sue immagini più iconiche, come il manifesto per l'azienda dei trasporti di New York MTA e le sue copertine per The New Yorker; non mancano alcuni disegni giovanili inediti e bozzetti. Accompagnano la mostra un catalogo edito da Lazy Dog Press, casa editrice specializzata in libri di illustrazione e grafica. (Comunicato ufficio stampa Lara Facco P&C)

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Ylli Plaka
"Luna tra le donne"

18 settembre (inaugurazione) - 01 ottobre 2020
Galleria "Arianna Sartori" - Mantova
info@ariannasartori.191.it

Nuova mostra personale dell'artista albanese Ylli Plaka, a cura di Arianna Sartori inaugurata alla presenza dell'artista. Le sue opere sono già state esposte alla Galleria Arianna Sartori in occasione delle personali "Mistero - Donna" nel 2004, "Forme di vita" nel 2010, "Forma del pensiero" nel 2011 e alla mostra "La terra del mare" nel 2013 con altri quattro scultori di Savona.

Uno dei più interessanti e dotati scultori in ceramica del panorama italiano, Ylli Plaka (Tirana - Albania, 1966) si diploma in scultura e ceramica all'Accademia di Belle Arti di Tirana dove segue i corsi dello scultore Thoma Thomai. Nel 1991 si trasferisce in Italia. Le sue sculture fanno parte di numerose collezioni private e pubbliche in Italia e all'estero e sono esposte in permanenza presso: Galleria d'Arte Merighi, Genova - Galleria Arianna Sartori, Mantova - Galleria Arte è Kaos, Alassio - Galleria Gulli-Arte, Savona - Kelyfos Gallery, Albissola Marina - Giardino Museo Mazzotti, Albissola Marina - Museo La Stella di Angelo Carossino, Albisola Capo - Pinacoteca Civica, Vado Ligure (Savona) - Museo Pertini, Stella (Savona) - Museo della Ceramica, Castellamonte. Nel 2009 una sua opera ha ricevuto il 1° premio sezione Artisti al Festival Internazionale della Maiolica nel concorso "Brocche e Vasi del Futurismo risultando la migliore su oltre 500 opere partecipanti. Ha esposto in numerose e prestigiose rassegne internazionali. Nel 2016 espone in Francia (Istres) "La poesia delle emozioni" alla Ville d'Istres e in Grecia ad Atene "Dialoghi" al Centro culturale "Melina". Della sua attività artistica si sono occupati critici, poeti e giornalisti tra cui: Mario De Micheli, Luciano Caprile, Vittorio Amedeo Sacco, Riccardo Zelatore, Francesco Dufour e Sandro Lorenzini. (Estratto da comunicato stampa)

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Marco Maria Zanin
Strati di tempo nella Chiesa di Sant'Agnese

22 settembre - 18 ottobre 2020
Casa dei Tre Oci - Venezia

Marco Maria Zanin (Padova, 1983) è un artista e ricercatore che usa la fotografia come principale, ma non unico, mezzo espressivo: i suoi lavori sono un'immersione dentro a ciò che il tempo ha trasformato, la ricerca di un equilibrio e di una nuova strada verso il futuro che valorizzi il passaggio del tempo e le sue tracce; c'è l'attenzione per la tradizione, i segni dell'uomo e per gli strumenti con cui modifica l'ambiente e il territorio, dall'architettura agli utensili di ieri e di oggi. Con la fotografia cerca di ridare senso e contesto a queste stratificazioni nella società contemporanea: nelle sue opere passato e presente si sovrappongono, segni lievi e altamente poetici tracciano un nuovo percorso interpretativo fatto di spazi vuoti e silenzi, nel tentativo di allacciare e riallacciare legami che mettano sempre al centro l'uomo e il suo rapporto armonico con l'ambiente.

La Fondazione Alberto Peruzzo ha deciso di affidare a Marco Maria Zanin un progetto fotografico che interpreti la presenza fisica e scenografica degli spazi vuoti della Chiesa di Sant'Agnese, da anni oggetto di complessi restauri e presto pronta all'apertura, diventando sede della Fondazione stessa e luogo per progetti di arte e cultura. La Chiesa di Sant'Agnese a Padova, eretta in età anteriore al 1202, ex luogo sacro oggi sconsacrato, è una sorta di spazio scenico che, in più fasi della propria vita, ha visto avvicendarsi identità diverse: luogo di culto nel corso del Medioevo, nel Settecento la sua struttura è stata modificata per poi essere bombardata durante la Seconda Guerra Mondiale - la canonica venne parzialmente distrutta e mai più restaurata -, e sconsacrata nel 1947, fino a essere venduta a privati che, dalla fine degli anni Quaranta, l'hanno trasformata in un'autofficina la cui attività cessò alla fine degli anni Ottanta, per essere poi definitivamente abbandonata.

Zanin è intervenuto nell'edificio nel corso del restauro, cercando di immortalare quei segni e frammenti da cui scaturiscono le storie e le vicende di Sant' Agnese. La mostra alla Casa dei Tre Oci espone 13 scatti di grande e medio formato ed è accompagnata da un testo critico di Enrico Gusella, che sottolinea come "… la fotografia, quale sistema narrativo, diventa per Zanin la dimensione visiva in cui i segni presenti - travi, frammenti, campanelli, rilievi, capitelli, mattoni, lunette, squarci - sono gli elementi cardine come esempio su cui ricostruire e ri-comporre il tutto… E i frammenti immortalati da Zanin diventano i capitoli di un'opera aperta, che si snoda attraverso rinvii e rimandi, forme e segni o di una battaglia sul campo - Sant'Agnese del resto di guerre ne ha viste molte, e da ultima si è ritrovata a essere deposito, officina, ricovero per oggetti mobili e in movimento: le auto da riparare.

E leggere le fotografie di Zanin, lungo questa selezionata raccolta, è allora il modo per dare corpo a una storia, per individuare le fonti di un'archeologia contemporanea in discussione, in un'opera traversale dalla continua mutazione." E proprio sul frammento, o meglio sui frammenti, come sistema di segni - modo antico e archeologico di percepire e rappresentare le cose e gli oggetti, ma anche forme e configurazioni - si sviluppa l'indagine fotografica di Marco Maria Zanin sulla storia e le stratificazioni della Chiesa di Sant'Agnese a Padova. (Comunicato ufficio stampa Lara Facco P&C)

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Des Nebels
Parapluie (Andrée Julikà Tavares | Gianluca Monnier)

19 settembre (inaugurazione) - 13 dicembre 2020
MACT/CACT Museo e Centro d'Arte Contemporanea Ticino - Bellinzona
www.cacticino.net

La mostra, dedicata al duo Parapluie, costituito dagli artisti Andrée Julikà Tavares (1971) e Gianluca Monnier (1971), si concentra - come lo suggerisce, del resto, anche il titolo un po' impegnativo - sulla fluidità della percezione dell'immagine, attraverso un'opera totale a carattere installativo, laddove gli autori pensano le percezioni come restituzione di una società debole, parassitaria e viepiù senza punti saldi di riferimento al concetto di giustizia, in bilico tra rapporti di potere e mercati finanziari, e quant'altro.

La "nebbia", termine comunemente ricondotto alla meteorologia, si sviluppa, qui, soprattutto come elemento sociologico e/o filosofico, a rappresentare - nello specifico - il disagio nella percezione del vedere e dell'osservare esistenziale, ma anche come spunto per una critica politica al mondo dell'arte, che si manifesta e accresce sempre più attraverso criteri di mercato, più che attorno a spunti storico-artistici. I due autori affrontano l'uso dello stilema artistico come linguaggio politico, mettendo al centro della loro ricerca il senso del messaggio, e cercando così di decriptare la relazione immagine/rappresentazione… o meglio: come rappresentare una immagine o rappresentarsi attraverso una immagine. Come dire, che l'insegnamento di taluni maestri del concettualismo ci hanno pure insegnato a ritrovare il senso soggettivo del messaggio al di là e al di sopra del mezzo impiegato.

Aprire e rendere libere le menti, è uno sforzo che ogni autore d'arte fa, invitando il suo pubblico a entrare nella propria verità interiore. Ed è proprio attraverso questo gioco di giustapposizione di veli, che Parapluie chiedono al visitatore di svelare i loro sentimenti e le proprie autenticità. Veli, che, come le "coulisse" di un teatro quasi assurdo, si aprono al gioco di ruoli tra verità e menzogna, tra percezione privata intimista e personale, e i paramenti di un sistema socio-culturale invischiato con l'estetica della comunicazione in grado di adottare e assorbire l'individuo e la persona. Il momento storico attuale è quello di una crisi che spinge le persone verso una ricerca in disequilibrio tra riforma esistenziale e adattamento alle leggi societali, all'interno di un sistema fondamentalmente piccolo borghese e fortemente connotato dal pensiero unico. Essere tutti d'accordo, per essere tutti finalmente felici e intimamente e inconsapevolmente disintegrati.

Al di là di ogni previsione e prevedibilità, Parapluie, attraverso le modalità comunicative testé elencate, affrontano le tematiche legate alla manipolazione, quasi volessero creare un magico teatro tra realtà e finzione, tra oggetto e soggettività individuale, che è una fondamentale e irrinunciabile priorità dal fare artistico in perenne antitesi, invece, con il reale collettivo e sociale, contro cui ogni desiderio di forza e di libertà si frantumano. Più volte abbiamo speso parole attorno alla figura dell'autore d'arte, come elemento di disturbo e assolutamente univoco ed eterogeneo all'interno di un modello socio-politico omogeneo e omologato. Ma, tale figura quasi dionisiaca e a tratti zarathustriana riesce ancora ad avere il coraggio di imporre una propria visione del mondo, come essa lo fu in passato?

Ogni racconto s'intride di vissuto biografico, da un lato, e di visione o desiderio, dall'altro, ove la ricerca utopica di un mondo che non c'è, o che forse esiste invisibilmente, conta tra le priorità della pratica di produzione creativa in tutti gli ambiti della cultura artistica. Questo voluto spostamento bilanciato (e perennemente in equilibrio) della loro auto-riconoscibilità artistica tra esperienza reale e potenziale dentro un mondo che li rifiuta, fa di Des Nebels una sorta di grande diario personale, dove ready-made, fotografia, oggetti, riferimenti biografici, pittura e video potrebbero far rivivere emozioni e percezioni in un impasto total(izzant)e a piacevolmente ambiguo, liberatorio; una sorta di rituale esistenziale tra nascita e morte.

Se il sistema dell'arte è ormai ai margini di un vuoto culturale, ecco che l'istituzione, intesa come faro del fascismo politico, si conforma anch'essa ai criteri di crisi economica e istituzionale. Il ritorno, spesso, alla narrazione tematica della tradizione pittorica, altrettanto spesso viene tradito dall'incapacità di una lettura storica razionale (diciamo anche solo storica) basata sulla ricerca di una via dell'individuo in simbiosi con il mondo a lui circostante. Parapluie riescono a riappropriarsi di una sensazionalità emotiva, dove l'esistenza non è per forza bella e vera. Piacevole e verace si riflette nello sguardo di chi la osserva. (Mario Casanova - Bellinzona, luglio 2020)

__ EN

The MACT/CACT is devoting the last exhibition of the 2020 season to the Parapluie duo, comprising the artists Andrée Julikà Tavares (1971) and Gianluca Monnier (1971). The exhibition focuses - as the rather challenging title actually suggests - on the fluidity of our perception of imagery, taking the form of a complete work of installation, whose creators consider perception as the achievement of a society that is weak, parasitic and increasingly bereft of solid points of reference with regard to the concept of justice, balanced precariously between relationships of power and financial markets, and more besides.

In this case, the fog in question - a term that usually refers to the weather - develops primarily as a sociological and/or philosophical element, more specifically representing a sense of awkwardness in the perception of seeing and of existential observing, but also as a stimulus for a political critique of the art world that takes shape and grows increasingly by means of the criteria of the market more than around the tenets of art history. The two artists tackle the use of artistic style as a political language, focusing their research on the meaning of the message and so attempting to decrypt the relationship between image and representation… or maybe it would be more appropriate to say that they attempt to represent an image or to represent themselves by means of an image. It's as though the teachings of certain masters of conceptualism were to have taught us also how to discern the subjective meaning of the message, regardless of the medium employed for the purpose.

Opening minds and setting them free is a major task undertaken by every creator of art when he invites his audience to penetrate his own internal truth. And it is this self-same juxtaposed interplay of veils that Parapluie employ to ask visitors to unveil their own feelings, their own authenticity. These are veils that, like the wings of a theatre almost of the absurd, offer themselves up to role-playing that mixes truth with falsehood, intimate and personal private perception with the vestments of a sociocultural system involved with the aesthetics of communication capable of adopting and absorbing the individual and the person. The times we live in are those of a crisis that drives people towards a quest teetering in precarious imbalance between existential reform and adaptation to the rules of society, in a system that is fundamentally petit bourgeois and branded significantly by groupthink. Everyone agrees about everything, so at last they are all happy and intimately, unconsciously disintegrated.

Apart from all forms of prediction and predictability, Parapluie use the means of communication described here to tackle issues related to manipulation. It's almost as though they set out to create a magic theatre, somewhere between reality and fiction, between object and individual subjectivity, that is a fundamental and inevitable priority of artistic creativity, yet is permanently at loggerheads with the collective and social reality against which every aspiration to strength and freedom is destined to come to grief. This is by no means the first time that we have discussed the issue of the creator of art as an element of disruption, absolutely unequivocal and heterogeneous in the framework of an homogeneous, standardised socio-political model. But the question is this: is this almost Dionysiac and sometimes Zarasthustrian figure still capable of the courage to impose his own vision of the world, as he once was in the past?

Every narrative is permeated with biographical experience on the one hand and with vision or aspiration on the other, where the Utopian quest for a world that does not exist, or that maybe exists, but is invisible, is one of the priorities of the practice of creative production in all the fields of artistic culture. This intentional balanced shift (one that is also permanently in equilibrium) of their artistic self-recognisability between real and potential experience, in a world that rejects them, makes Des Nebels something of a major personal diary, where ready-made, photography, objects, biographical references, painting and video may revive emotions and perceptions in an all-embracing, pleasantly ambiguous and liberating blend: something of an existential ritual between birth and death.

If the art system is teetering on the edge of a cultural void, here we find institutions, construed as the lighthouses of political fascism, joining in conforming to the criteria of economic and institutional crisis. The frequent return to the thematic narration of the tradition of painting is equally frequently betrayed by the inability to achieve a rational historical interpretation (we could also just say historical) based on the individual's quest for a way in symbiosis with the world around him. Parapluie manage to acquire an emotional sensitivity, in which existence does not necessarily have to be beautiful and true. Pleasance and authenticity are reflected in the eyes of the observer. (Mario Casanova, Bellinzona, July 2020, Translation by Pete Kercher)

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Equi-libri
Tommaso Cascella e Lluìs Cera
Sculture

18 settembre (inaugurazione) - 24 ottobre 2020
Galleria Immaginaria - Firenze
www.galleriaimmaginaria.com

Mostra dedicata a due scultori diametralmente opposti: Tommaso Cascella e Lluìs Cera, così diversi nelle proprie composizioni artistiche, eppure con sottili punti di contatto. Dalla pesantezza del marmo e della pietra delle sculture di Cera, che con sapiente maestria, alla vista acquisiscono una impalpabile leggerezza e morbidezza, alle sottili e filiformi architetture di Cascella caratterizzate da simboli nascosti. Entrambi giocano con la vista e con la parola: lo sguardo è attratto non solo dalla materia, che muta al tatto, ma anche dalle immagini che sono evocate dalle composizioni. Le opere in mostra sono come dei "libri" aperti, in grado di raccontare storie, tratte dalla musica e dalla letteratura, o caratterizzate da lettere e simboli, piegate nel ferro, che riconducono ad ancestrali scritture. Equi-libri vuole giocare proprio su questo perenne oscillare tra possenza e flessuosità, in una precaria stabilità che è paradigma dei tempi moderni. Il mondo che le opere suggeriscono alla vista è metafora dell'ambiente che le ospitano. Uno spazio dove rifugiarsi, dove i sensi vengono ingannati, ma dove, fra i libri, la mente può trovare ristoro. (Comunicato stampa)

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Friday 18 September 2020, Galleria Immaginaria, inaugurates a new exhibition dedicated to two diametrically opposed sculptors: Tommaso Cascella and Lluìs Cera, so different in their artistic compositions, but with subtle points of contact. From the heaviness of the marble and stone of the Cera's sculptures, which with skilful mastery, at the sight acquire an impalpable lightness and softness, to the thin and threadlike architecture of Cascella characterized by hidden symbols. Both play with sight and word: the eye is attracted not only by the material, which changes to the touch, but also by the images that are evoked by the compositions. The artworks of the exhibition are like open "books", able to tell stories, drawn from music and literature, or characterized by letters and symbols, folded in iron, which lead back to ancestral writings. Equi-libri wants to play on this perennial oscillation between power and flexibility, in a precarious stability that is a paradigm of modern times. The world that the artworks suggest to the eye is an environment metaphor that hosts them. A space to take refuge, where the senses are deceived, but where, among books, the mind can find refreshment. (Press release)

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Attraverso le Avanguardie
Giuseppe Niccoli / visione e coraggio di una Galleria

19 settembre 2020 - 21 febbraio 2021
APE Parma Museo - Parma
www.apeparmamuseo.it

Mostra inedita, organizzata da Fondazione Monteparma, con la collaborazione di Roberto e Marco Niccoli, figli del fondatore della celebre e omonima Galleria con sede a Parma e oggi alla guida della stessa. Per ricordare la figura di Giuseppe Niccoli, la sua attività di scoperta e valorizzazione di talenti e la storia della Galleria fondata negli anni '70, che per la sua opera originale costituisce un unicum e ha saputo affermarsi a livello internazionale. La mostra, curata da Roberto e Marco Niccoli, presenta opere di artisti internazionali, come Afro, Agostino Bonalumi, Alberto Burri, Enrico Castellani, Alik Cavaliere, Ettore Colla, Piero Dorazio, Lucio Fontana, Conrad Marca-Relli, Fausto Melotti, Angelo Savelli, Salvatore Scarpitta, Mario Schifano e molti altri, in rappresentanza delle correnti artistiche che la Galleria Niccoli ha seguito, esposto e sostenuto nel corso degli ultimi 50 anni, anticipando in molti casi le tendenze di mercato e svolgendo inoltre un'importante attività di riordino e riscoperta di artisti e movimenti dimenticati.

In particolare, un posto di riguardo nel percorso espositivo è riservato al noto artista Conrad Marca-Relli, trasferitosi a Parma nel 1997, anno nel quale viene istituito presso la Galleria il suo archivio. Il titolo dell'esposizione si rifà alla collana Attraverso le avanguardie, cardine dell'intensa attività editoriale portata avanti dalla Galleria Niccoli, che ha dato vita a cataloghi e volumi divenuti veri e propri manuali di storia dell'arte, cui la mostra riserva un ampio spazio. L'editoria è del resto il mondo dal quale Giuseppe Niccoli proviene: da agente editoriale della Rizzoli, apre quattro punti vendita a Trieste, Firenze, Pescara e Parma, scegliendo poi quest'ultima come propria città adottiva dove si stabilisce aprendo una libreria specializzata in volumi d'arte, che diviene pian piano anche spazio espositivo, fino a trasformarsi definitivamente in galleria d'arte nel 1980. (Comunicato stampa)

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Sabino Galante | Anna Maria Maciechowska | Fulvio Rinaldi
19 settembre (inaugurazione) - 01 ottobre 2020
Galleria d'Arte Contemporanea Wikiarte - Bologna
www.wikiarte.com

La biologia è quella branca delle scienze che studia le basi della vita, i meccanismi, le interazioni e gli equilibri che la permettono, nel mondo animale e vegetale. L'arte è quella branca dei linguaggi umani in grado di esprimere le basi di ogni attività umana, i meccanismi, le interazioni e gli equilibri che la permettono, nel mondo animale e vegetale. Arte e Biologia emergono, dunque, essere due punti di vista dello stesso processo vitale che attiva ogni esistenza organica (e non). Anna Maria Maciechowska intuisce questa linea diretta tra scienza e creatività e la amalgama in un prodotto unico attraverso estratti, frammenti, finestre sul processo omeostatico che regola ogni corpo. Polpe di colori, schegge di materie, strappi di tessuti sono osservati e registrati sotto la luce focale e netta dello strumento scientifico.

Si tratta di un procedimento microchirurgico della fauna cellulare che grazie al filtro estetizzante ottiene l'immagine di quei stati psicofisici momentanei di reazione a percezioni o stimoli che turbano l'omeostasi definiti emozioni. La pittura tanto empirica quanto astratta di Maciechowska dimostra oggettivamente e inequivocabilmente l'eguaglianza tra scienza e arte, tra sentimento e ragione, tra essere e esistere. Il gioco è coinvolgimento, apprendimento, memoria. Il gioco è un flusso narrativo che trasforma azioni, sensazioni, produzioni, esperienze in abilità. Imparare a giocare significa imparare a ricordare e, quindi, imparare ad essere umani. L'essere umano, infatti, è l'unico animale capace di proiettare il proprio pensiero nel passato e nel futuro e non esistere solo hic et nunc come il resto del mondo animale terrestre.

In questa ottica l'arte di Sabino Galante si presenta come una pedagogia del gioco estetizzata che da forma al primo pensiero sequenziale che attiva la mente umana: quello del gioco. Gli strumenti ludici, che sono anche quelli immaginativi e teatrali, sono gli elementi del primo linguaggio articolato - quello visivo - che vincolano i processi mnemonici a determinate forme archetipiche in cui è sita la nostra capacità di ragionare. Pertanto, in accordo con il primo vero pedagogista contemporaneo Jean Piaget, l'attività ludica e i suoi strumenti orientano verso lo sviluppo dell'individuo come tale, poiché attivano la socializzazione, lo sviluppo cognitivo ed intellettuale e insegnano all'essere di narrare, ovvero immaginare la propria esistenza. Galante offre istantanee di questo processo è riattiva in chi fruisce i suoi quadri quei processi congeniti e vitali che danno senso all'intera esistenza umana.

Eigengrau, il colore del buio, è ciò che sembra trasparire come cardine della ricerca estetica di Fulvio Rinaldi. La percezione di questa specifica gradazione cromatica dottata di una sua luce intrinseca è un fenomeno originato dalla retina, insieme alle connessioni cerebrali associate alla visione, dove la percezione di questo strano colore è una sorta di residuo o rumore visivo dell'attività neuronale. Pertanto anche quando chiudiamo gli occhi diverse strutture neurali del sistema visivo rimangono attivi, generando attività cerebrale in assenza di luce che il cervello non è in grado di separare da una vera percezione di luminosità. Si tratta di un fenomeno che dimostra come la nostra mente è in grado di sentire la cromia anche in assenza di una luce fenomenica.

Un fenomeno che le opere di Rinaldi esplicitano chiaramente attraverso una lunga ricerca, dal 1970 ad oggi, non tanto della luce e le forme che prendono corpo attraverso essa, quanto della negatività luminosa, ovvero l'assenza di luce che produce forme e colori grazie unicamente al lavoro della mente. I negativi monocromi e policromi di Rinaldi emergono, prima ancora che situazioni fotografiche o giochi di luce, come rivelazioni mentali di un linguaggio visivo psico-fisiologico che non possiamo definire più solo immaginario. L'artista dimostra come i segnali inviati dai nostri nervi ottici dalla retina non sono distinguibili ai segnali cerebrali prodotte da fotoni reali quando siamo in presenza di luce, quelli che ci fanno vedere o creare un colore. (Presentazione a cura di Denitza Nedkova)

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Juliet compie quarant'anni e partecipa a Paratissima Art Station a Torino
23 ottobre - 08 dicembre 2020
www.juliet-artmagazine.com

Juliet art magazine a dicembre di quest'anno compie quarant'anni di attività. Per fare un primo festeggiamento della sua lunga e feconda attività, Juliet partecipa a Paratissima Art Station (la cui direzione artistica è affidata a Francesca Canfora), un nuovo modello di fiera d'arte, strutturata in maniera flessibile, rivolta all'innovazione e alle proposte nuove. Questa fiera, contro la logica di tutte le altre fiere del settore che concentrano la loro attività in pochissimi giorni si svilupperà lungo un arco di due mesi. In questo modo, a tutti gli effetti, Paratissima passa dall'essere una semplice fiera indipendente, realizzata da un team di giovanissimi curatori, a un vero e proprio incubatore d'arte, a una specie di porto di transito, dove si approda e ci si imbarca. La manifestazione non cambia luogo, confermando la sede dell'ex Accademia Artiglieria, un edificio storico con ambienti bellissimi, nel centro di Torino, ma varia il tempo di fruizione suddiviso nei quattro appuntamenti che compongono l'intero programma. Questi i quattro appuntamenti previsti: STOP 1, dal 23 ottobre all'1 novembre; STOP 2, dal 6 all'8 novembre (nelle medesime date di Artissima); STOP 3 dal 13 al 22 novembre; STOP 4 dal 27 novembre all'8 dicembre.

La rivista Juliet partecipa alle quattro fermate con uno stand di circa 40 metri quadri. Qui verranno esposte le opere di cinque artisti e nelle giornate dei vari vernissage verranno distribuite 4mila copie della rivista a titolo gratuito e cataloghi ed extra issue pubblicati da Juliet Editrice nel corso dei suoi quarant'anni di attività editoriale e di promozione artistica. Le opere proposte sono indice di un confronto tra cinque autori diversi per formazione e per provenienza geografica, ma tutti accomunati da un linguaggio che riconduce alla forma astratta o più semplicemente a-figurativa. Ecco i nomi degli autori proposti: Elisabetta Bacci, Nino Barone, Bonomo Faita, Carlo Fontana, Mirko Rajnar.

Attraverso le opere di questi autori verrà sviluppata una narrazione per immagini e costruita sulla falsariga di un dialogo continuo, come in un recitativo a più voci. Le note di congiunzione che conducono sulla frontiera dell'astratto per questi cinque autori sono queste: una condizione di sottrazione, secondo la filosofia del less is more; la cellula artificiale come fonte di luce interna dell'opera; la scomposizione geometrica della superficie; la vena coloristica; la citazione come spunto ironico. L'occasione è ghiotta e non va perduta, anche perché al banco Juliet ci sarà la possibilità di fare la sottoscrizione dell'abbonamento, chiedere informazioni o studiare un piano di promozione pubblicitaria. Il tutto perché dal livello primo della realtà (quella tangibile delle cose di prima necessità, della pranzo e della cena, del letto di Platone e delle incombenze domestiche) si deve poi transitare sul piano delle narrazioni e dei sentimenti, di cui la carta stampata è ancora nutrice adeguata e fedele custode.

La rivista Juliet, per estendere il suo lavoro di comunicazione e promozione nel campo dell'arte contemporanea, opera a quattro livelli: il cartaceo (rivista madre che a dicembre del 2020 pubblicherà il n 200); il notiziario online (juliet-artmagazine.com), il quotidiano notiziario fb (facebook associazione juliet); l'estensione cloud (juliet cloud magazine). (Comunicato stampa)

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"Orientarsi con le stelle"
18 settembre - 31 ottobre 2020
Casa Museo Boschi Di Stefano - Milano
www.deangelispress.it

Progetto espositivo da un'idea di Red Lab Gallery e Alessia Locatelli, curato da Gigliola Foschi e Lucia Pezzulla. La mostra presenta i lavori di nove fotografi: Alessandra Baldoni, Marianne Bjørnmyr, Joan Fontcuberta, Dacia Manto, Paola Mattioli, Occhiomagico (Giancarlo Maiocchi), Edoardo Romagnoli, Pio Tarantini e Yorgos Yatromanolakis. L'esposizione è anche l'occasione per presentare il primo catalogo d'autore di Red Lab Editore, arricchito da una copertina illustrata con un'opera inedita di Dacia Manto e da alcuni testi di Antonio Prete, narratore e poeta, autore della recente raccolta di poesie "Tutto è sempre ora" (Einaudi, Torino 2019).

"Orientarsi con le stelle" è il naturale proseguimento dell'omonima rubrica online di fotografia, arte e cultura ideata da Red Lab Gallery e condotta da Alessia Locatelli, direttore artistico dell'Archivio Cattaneo e della Biennale di Fotografia Femminile di Mantova, che durante tutto il periodo di lockdown ha dialogato virtualmente con fotografi e figure significative del mondo della cultura e della fotografia, per scoprire il loro rapporto segreto con lo spazio stellare e la natura. Gigliola Foschi: "La mostra vuole anche offrire uno spunto di riflessione affinché la pandemia che ci ha coinvolto sia occasione per ripensare il nostro rapporto con la natura. Una natura sempre più tradita e di conseguenza costretta a rivoltarsi contro l'essere umano, incapace di proporre uno sviluppo rispettoso dei suoi ritmi."

Osservare le stelle significa guardare al cielo per avere una guida nei momenti di difficoltà, ma anche per imparare ad avere un maggior rispetto della Natura che determina la vita di tutti noi sulla terra. I nove autori coinvolti inducono l'uomo, con visioni differenti ma tutte intensamente poetiche, a comprendere meglio il mondo che lo circonda, il visibile l'insondabile:

- Alessandra Baldoni propone un dittico e un trittico della serie Atlas. Cartografie del silenzio (2019), immagini essenziali ed evocative che s'impongono allo sguardo per la loro forza magica e perturbante: inviti a ritrovare percorsi interiori, corrispondenze tra Uomo, Arte e Natura;
- La norvegese Marianne Bjørnmyr con First Indicative Object (2020) presenta due mappamondi privi di informazioni geografiche illuminati da raggi luminosi orientati in modo diverso: immagini senza tempo, quasi metafisiche;
- Il catalano Joan Fontcuberta con il video Milagros & Co. (Miracoli & Co., 2002) mette in gioco con humor la veridicità della fotografia sfidando la fiducia dello spettatore fino a provocare in lui un dubbio critico;
- Dacia Manto con Humus Siderale (2020) propone una serie di opere realizzate appositamente per la mostra, dove immagina e fa rivivere il verde che si apriva di fronte alla Casa Boschi Di Stefano quando venne costruita tra 1929 e il 1931. In una sua istallazione i disegni della natura si trasformano in mappe ramificate illuminate da piccole luci simili alle stelle che compongono una costellazione;
- Paola Mattioli presenta la serie Eclissi (1999), incontro magico fra cosmo ed essere umano durante un'eclissi di sole a Sant'Anna di Stazzema. Il pergolato sotto il quale l'autrice si trovava crea, moltiplica e proietta su una tovaglietta decine di piccole eclissi: alla fotografa il compito di accoglierne la magia, per una fotografia evocativa che ci ricorda l'imprescindibile legame tra Uomo e Natura;
- Occhiomagico (Giancarlo Maiocchi) con il ciclo L'Ora Sospesa (2006-2009) presenta un lavoro dove il paesaggio diventa il soggetto principale, la natura riacquista un'intensità quasi arcaica, religiosa e mitica, mentre i luoghi perdono le loro connotazioni geografiche e temporali diventando spazi di silenzio e meditazione;
- Edoardo Romagnoli in La luna nel paesaggio (2006-2020) sembra trascinare magicamente sulla terra l'astro lunare, quasi fosse un dardo luminoso che squarcia la superficie terrestre e ondeggia sopra i campi immersi nell'oscurità;
- Pio Tarantini con Cosgomonie (2010-2015) riflette sul senso del nostro esistere tra le cose con teatrini fiabeschi creati per immergere lo spettatore in spazi e tempi sospesi e surreali;
- Il greco Yorgos Yatromanolakis con la recente serie The Splitting of the Chrysalis and the Slow Unfolding of the Wings (2014-2018) indaga, a partire dal ciclo della vita di una farfalla, i misteri e le metamorfosi della natura creando un intimo legame tra fotografia e poesia, tra emozioni e paesaggio. (Comunicato De Angelis Press)

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Giovanni Ciucci
"Compresenze"

Il Vicolo Galleria Arte Contemporanea - Cesena
19 settembre (inaugurazione) - 07 ottobre 2020

Chiesa di San Zenone - Cesena
26 settembre (inaugurazione ore 17.00) - 18 ottobre 2020
www.ilvicolo.com

Mostra, a cura di Marisa Zattini, dedicata alle opere di Giovanni Ciucci (Ravenna 1965), artista e teorico dell'arte, offre un'esperienza visivo-sonora specificamente ideata dall'artista per i due poli espositivi, entrambi posti nel cuore del centro storico di Cesena. La ricerca artistica perseguita intende approfondire il legame esistente tra immagini, spazio e ambientazione sonora. Seguendo la sequenza dei dipinti in esposizione si evince una personale rielaborazione del linguaggio pittorico in funzione di una libera proiezione di percorsi immaginativi offerti all'osservatore. L'interdipendenza di contenuti e forme si manifesta mediante richiami al rigore geometrico da un lato e agli interventi pittorici dall'altro, eludendo una lettura conclusiva, bensì in continua espansione dato che l'originalità compositiva alimenta rapporti inconsueti tra le componenti formali, caratterizzate da conformazioni enigmatiche e traslucide a un tempo.

Nelle sue opere il disegno-pittura si spande sulla superficie con stesura risoluta, direttamente su lastre di plexiglass. Un gioco di rimandi e riflessi che, a ben vedere, può perfino prevedere lo specchiamento dello spettatore stesso. A completare la dimensione immersiva dell'esposizione contribuisce efficacemente l'ambientazione sonora. L'immaginario presentato in questo contesto espositivo si nutre di sovrapposizioni, alterazioni, zone d'ombra e interrelazioni che conducono l'osservatore in un'alternanza di suggestioni. La peculiare combinazione di sonorità elettronica, canto corale rarefatto, spazio ambientale, trasparenza, segno, forma e colore coinvolge l'astante e stimola un recupero di quella condizione percettiva in grado di generare intuizioni che gradualmente mutano in riflessioni, facendo sì che la percezione si traduca in "origine di senso".

In questo preciso contesto ideativo le opere di Giovanni Ciucci potrebbero apparire quali annuncio di uno slittamento oggettuale dell'opera d'arte. Una proliferazione libera, pur ricongiunta, quale parte di un insieme organico, coerente nella sua elaborata stratificazione sia percettiva che intellettuale. Da questa idea di mostra è possibile cogliere un percorso diretto a ridisegnare mappe, topografie operative in divenire, traiettorie mobili con le quali rintracciare un nucleo pulsante, quel requisito dell'arte inteso come autonoma e autentica generazione del molteplice "atto interpretante". (Comunicato stampa)

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Carlo Invernizzi. Dove nasce il canto gli uccelli non volano
16 settembre - 24 ottobre 2020 (inaugurazione 19 settembre)
Fondazione Ado Furlan - Pordenone
www.fondazioneadofurlan.org

.. Carlo Invernizzi. Impercettibili nientità. Poesie 1950-2017
Libro presentato il 19 settembre 2020 all'Auditorium Istituto Vendramini di Pordenone

La Fondazione Ado Furlan, in collaborazione con il Centro Studi Carlo Invernizzi, inaugura la mostra, che presenta i molteplici aspetti del mondo poetico di Carlo Invernizzi (Milano 1932-2018) attraverso un percorso articolato in più sezioni tematiche. In mostra vengono presentate alcune poesie e i volumi pubblicati da Carlo Invernizzi sin dai "primi passi come poeta", quando entra a far parte del gruppo Poíesis, costituitosi nel 1961 attorno a Maria Vailati come Centro di attività e documentazione di poesia contemporanea.

Sin dai primi anni '60 l'interesse per l'espressività poetica e le problematiche teoriche delle arti figurative aveva condotto il poeta a instaurare rapporti di amicizia e di reciproco scambio culturale con i maggiori esponenti dell'arte visiva. Per approfondire questo significativo aspetto del mondo del poeta, il percorso prosegue con l'esposizione di testi sugli artisti accanto a opere di Rodolfo Aricò, Carlo Ciussi e Pino Pinelli così da attivare un dialogo, fatto di scambi e contaminazioni reciproche, presentato già nella mostra Divina mania. Una poetica bicipite. Aricò, Ciussi, Pinelli nel 1990. In quell'occasione «i due universi, plastico e poetico, apparivano come mondi complementari dove ciascuno di essi era autonomo. Ma in questa sovrana libertà, quanti ponti gettati tra i due mondi, quante assonanze, quanti accordi, flussi e riflussi, nutritori come l'oceano primitivo dove tutto si elabora. Armonia nella dismisura.» (Elisabeth Bozzi)

Viene poi presentato un focus che mette in connessione la poesia di Carlo Invernizzi con opere di Gianni Asdrubali, Bruno Querci e Nelio Sonego, artisti con i quali Invernizzi ha firmato il manifesto Tromboloide e disquarciata a Morterone nel 1996, il cui testo viene qui esposto. In esso è trascritta una riflessione poetico-filosofica incentrata sulla visione unitaria di mente/corpo, natura/cultura, filosofia/arte, poesia/pittura per cui "L'uomo per la sua costituzione fisica è parte intrinseca della Natura Naturans" e "l'arte (la poesia) è l'uomo Natura Naturans". L'approfondimento della connessione tra poesia e arte continua con la presentazione di libri d'artista e opere realizzate a quattro mani con Rudi Wach e Nicola Carrino.

Al centro della sala sono esposte alcune poesie di Invernizzi, per mettere il visitatore in contatto diretto con la visione poetica che sorregge la stessa relazione fra poesia e arte visiva. Inoltre sono esposti libri d'artista - editi a partire dagli anni Settanta da Vanni Scheiwiller - e realizzati in collaborazione con gli artisti Rodolfo Aricò, Carlo Ciussi, Dadamaino, Riccardo Guarneri, Pino Pinelli e Rudi Wach, insieme ai volumi fatti a mano creati insieme a Alan Charlton, Lesley Foxcroft, Nelio Sonego, Niele Toroni e Michel Verjux.

Nella mostra viene presentato anche il libro d'artista Come vedo quel che vedo realizzato con François Morellet il cui un disegno è stato riprodotto nella copertina del volume Carlo Invernizzi. Impercettibili nientità. Questo libro verrà presentato nell'ambito della XXI edizione di pordenonelegge.it presso l'Auditorium Istituto Vendramini con interventi di Massimo Donà, Caterina Furlan e Chiara Tavella. «In questo volume è raccolta per la prima volta l'intera opera poetica di Carlo Invernizzi. Dall'inizio degli anni '60 sino alla sua scomparsa nel 2018, la sua ricerca s'è fatta sempre più radicale, sino a trasformarsi in un vero e proprio "corpo a corpo" con l'impossibile. Le sue parole non descrivono, e neppure hanno mai voluto farsi mera testimonianza di uno stato d'animo; esse indicano piuttosto la lucida consapevolezza del fatto che ogni sforzo sarà vano, ma nello stesso tempo assolutamente necessario.

Sì, perché la realtà è per lui tutta espressione di quella Natura Naturans che sta prima di ogni distinzione concettuale; prima, cioè, della divisione tra essere e nulla, ma anche di quella tra buono e cattivo, tra bello e brutto. Ed è appunto a tale Natura Naturans, ossia all'"infondo senza fondo" di ogni esistenza singolare, che Invernizzi si decide a prestare la propria parola; mostrandosi perfettamente consapevole del fatto che, a prender forma, non può che essere un linguaggio risolutamente indifferente a qualsiasi esigenza comunicativa. Un linguaggio inaudito, fatto di parole destinate a diventare esse medesime "impercettibili nientità", generate dall'inedita consapevolezza che proprio di quel che non si può dire si deve continuare, indefessi, a parlare. Perciò il suo è un linguaggio che finisce per farsi rigorosa "metafisica"; non lontana, forse, da quella che Hugo von Hofmannsthal avrebbe voluto consegnare ad una ancora inedita "lingua delle cose mute".» (Massimo Donà) (Comunicato stampa)

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Carlo Invernizzi. Impercettibili nientità. Poesie 1950-2017
Presentazione del volume a Palazzo delle Paure di Lecco (06 settembre 2020)

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Columbus Continuum
24 settembre (inaugurazione ore 15.00-21.00) - 21 novembre 2020
Antonio Colombo Arte Contemporanea - Milano
www.colomboarte.com

Finalmente dopo indispensabili rinvii, riprende la corsa in prossimità del traguardo, terzo e ultimo atto di un percorso cominciato proprio un anno fa. Columbus Continuum procede dunque nell'esplorazione del carattere eclettico di Columbus, una corsa su due ruote e due gambe che ha voluto celebrare il centenario di un mito dell'industria italiana, Columbus, e l'unicità dello stile e del gusto contemporaneo di Cinelli nel mondo del ciclismo. La storia di questi due marchi si lega a quella dell'arte, un po' come la "doppia personalità" di Antonio Colombo: imprenditore e innovatore attento al linguaggio, alla sperimentazione, all'estetica applicata alla funzionalità, collezionista; e infine gallerista, curioso scopritore di talenti.

Nell'allestimento opere e oggetti volutamente si confondono per restituire l'idea di un'arte finalmente libera, mai prigioniera dello spazio né delle convenzioni. Dieci artisti sono stati chiamati a realizzare opere ispirate a telai, materiali tubolari e tecnologici, alla velocità e alla competizione: Ana Benaroya, Sam Binkow, Esteban Diacono, Futura 2000, Barry McGee, Gianni Piacentino, Russ Pope, Andy Rementer, Andrew Schoultz, Paolo Ventura, Zio Ziegler.

Altre opere invece sono state selezionate dalla collezione privata di Antonio Colombo, tra le più inerenti al connubio arte-ciclismo. Tra queste, un dipinto di Salvo, un rarissimo Maurizio Cattelan degli inizi, una tela di Mario Schifano che ha colpito talmente tanto il curatore Luca Beatrice da fargli intitolare il suo testo in catalogo proprio così: "Anquetil is my chief, not you". Consultando infine l'archivio Columbus-Cinelli, alla ricerca di curiosità, di documenti, di bici d'artista, di oggetti sorprendenti, emerge un universo colorato, anarchico, irregolare, con inserimenti e intrusioni nel gigantesco scaffale che occupa la prima parete di destra. Al piano inferiore, invece, i materiali d'archivio aiutano a ripercorre i momenti chiave del rapporto tra Cinelli e l'arte, dai formidabili anni Ottanta, quindi gli artisti italiani e americani che hanno accompagnato la storia della galleria. (Comunicato stampa)

___ Recensioni di Ninni Radicini a libri

Tour de France 1903. La nascita della Grande Boucle

Quando spararono al Giro d'Italia

Bottecchia - Il forzato della strada

Jan Ullrich: O tutto o niente

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Henri Chopin
Body Sound Space

21 settembre (inaugurazione) - 24 ottobre 2020
Quartz Studio - Torino

Prima mostra personale a Torino dell'artista francese Henri Chopin (Parigi, Francia, 1922 - Norfolk, UK, 2008), a cura di Eva Brioschi. La mostra prova a dar conto delle numerose strade che ha percorso questo artista poliedrico e sciamanico per attraversare i confini tra corpo, suono e spazio, i tre elementi che compongono il titolo. Il corpo. E' questo il mezzo che Chopin utilizza per realizzare le sue opere di poesia sonora. La gola, la lingua, le labbra, le corde vocali, la cassa toracica, vibrano, si muovono, interagiscono con l'aria, schioccano, fremono, in un esercizio di recupero delle proprietà primitive e ancestrali del linguaggio, che emerge potente e libero dallo stomaco dell'artista attraverso la cavità orale. Il suono. Le particelle di suono prodotte attraverso questi esercizi rappresentano il grado zero di lessico, sintassi, grammatica. La parola si fa pura energia vitale creatrice, priva di senso. Lo spazio. In esso il corpo libera l'urgenza creativa.

Henri Chopin è stato un artista, un poeta, uno scrittore, un performer, un curatore, un editore e un visionario. Dopo la scioccante esperienza della prigionia durante la Seconda Guerra Mondiale, decide di dedicare la propria vita all'arte. Nel 1955 riceve in regalo un magnetofono e comincia a sperimentare attraverso l'uso della voce, della poesia e del linguaggio. Lo spazio intorno a lui viene investito e attivato da parole e particelle sonore durante le performance che conduce con l'ausilio di un magnetofono, che gli permette di registrarle, sovrapporle, rallentarle e giustapporle. La poesia diventa così un mezzo per produrre suoni e immagini piuttosto che significati. I suoi famosi dattilopoemi, collages, sculture, realizzati attraverso l'uso di nastro magnetico di scarto, ritagli di giornali, disegni, macchie di caffè, oggetti trovati, compongono un universo unico e immaginifico. Sue mostre personali sono state realizzate fra le altre al Centre d'Art Contemporain, Ginevra, Svizzera (2018); Fundação Serralves, Porto, Portogallo (2011); MUKA, Anversa, Belgio (2011); Fondazione Morra, Napoli, (2005); Norwich Gallery, UK (1998); Whitechapel Art Gallery, Londra UK (1974). Quartz Studio ringrazia Giannantonio Morghen e Giovanni Bordino per la collaborazione. (Comunicato stampa)

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On Monday, September 21, 2020, at 7:00 pm, Quartz Studio is delighted to present Body Sound Space, the first solo exhibition in Turin by the French artist Henri Chopin (Paris, France, 1922 - Norfolk, UK, 2008), curated by Eva Brioschi. The exhibition strives to give an account of the many paths that this multi-faceted, shaman-like artist took in order to cross the boundaries between body, sound and space, the three elements in the title. Body. This is Chopin's medium to create his works of sound poetry. The throat, the tongue, the lips, the vocal cords, and the ribcage vibrate, move, and interact with the air. They click and quiver in an exercise about recovering the primitive, ancestral properties of language, emerging free and powerful from the artist's stomach through his oral cavity. Sound. The sound particles made through these exercises are the ground zero of vocabulary, syntax, grammar. The word becomes pure creative vital energy, without meaning. Space. In the space, the body releases the creative urge.

Henri Chopin was an artist, poet, writer, performer, curator, publisher, and a visionary. After the horrific experience of being imprisoned during the Second World War, he decided to devote his life to art. In 1955 he received a tape recorder as a gift and began to experiment with the use of voice, poetry, and language. The space around him is imbued and activated with words and sound fragments in performances he conducts with the help of a tape recorder, which lets him record, overlap, slow down, and juxtapose words and sounds. Poetry becomes a means of producing sounds and images rather than meanings. His famous dactylopoems, collages, and sculptures, made through the use of scraps of recording tape, newspaper clippings, drawings, coffee stains, and found objects, make up a unique, imaginative universe. His solo exhibitions have been put on at the Center d'Art Contemporain, Geneva, Switzerland (2018); Fundação Serralves, Porto, Portugal (2011); MUKA, Antwerp, Belgium (2011); Morra Foundation, Naples, (2005); Norwich Gallery, UK (1998); Whitechapel Art Gallery, London UK (1974), and many more locations. Quartz Studio would like to thank Giannantonio Morghen and Giovanni Bordino for their support. The exhibition will be open from September 21 to October 28, 2020, by appointment. (Press release)

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Jacopo Benassi. Vuoto
08 settembre - 01 novembre 2020
Centro per l'arte contemporanea Luigi Pecci - Prato
www.centropecci.it

Venticinque anni di fotografia al Centro per l'arte contemporanea Luigi Pecci, nella prima personale in un museo dedicata a Jacopo Benassi: con la mostra Vuoto, a cura di Elena Magini, il museo di Prato offre uno sguardo sul lavoro potente, personalissimo, privo di mediazioni, del fotografo spezzino. Dallo studio dell'artista parzialmente ricreato all'interno della mostra nelle sale del Centro Pecci, il progetto espositivo si sviluppa in una spazialità dilatata che accoglie alcune delle serie e dei lavori più significativi dell'autore, e si riversa anche negli spazi cittadini, in cui la mostra viene annunciata da un progetto site-specific di affissioni.

La sua prima fotografia è quella di un gruppo punk in un centro sociale: dalla fine degli anni Ottanta Jacopo Benassi si forma nell'alveo della cultura underground spezzina, sviluppando nel tempo uno stile particolare fatto di mancanza di profondità di campo e flash; una fotografia cruda, vera, pur nella totale mancanza di luce reale: un atto forzato, un evento creato dall'artista in cui lo scatto perfetto non esiste. I soggetti di Benassi sono i più disparati, dall'umanità che abita la cultura underground e musicale internazionale (a partire dall'esperienza del club Btomic, gestito dallo stesso fotografo con alcuni amici) a ritratti di modelle, attrici, artisti, stilisti pubblicati nelle più importanti riviste italiane, fino all'indagine sul corpo, che varia dalla documentazione autobiografica di incontri sessuali, allo sguardo intenso sulla statuaria antica e che può essere considerato il "filo rosso" della sua produzione pantagruelica.

Un posto speciale nell'opera di Benassi è occupato dall'autoritratto, spesso legato al suo percorso performativo: la sperimentazione sulla performance, sua o di altri, si lega costantemente alla musica e viene sempre mediata dall'immagine fotografica, soggetto e oggetto della sua ricerca. In mostra vengono presentate anche opere inedite legate all'interesse di Benassi per l'editoria e la produzione di libri; proprio da un lavoro editoriale in via di pubblicazione nasce la serie The Belt, progetto sul distretto industriale di Prato in collaborazione con l'Archivio Manteco, che oltre a essere esposto è protagonista delle affissioni pubbliche in città nei giorni precedenti alla mostra. Con The Belt, dal 31 agosto le attività, gli strumenti, gli uomini e le donne che animano il distretto tessile pratese diventano i soggetti delle immagini esposte su grandi cartelloni pubblicitari in vari punti della città.

"Lavorando nelle fabbriche di Prato una delle cose che mi ha più colpito è stata la presenza di immagini sacre - afferma l'artista -. Mi aspettavo un legame forte con la politica e invece ho trovato un legame con la religione. Il mio sguardo si è fermato perciò molto su questo aspetto e poi sul rito del mangiare e sui gesti delle mani, che sono forse le vere protagoniste di queste mie fotografie". La scelta di anticipare la mostra con una campagna di affissioni pubbliche che presenta il lavoro di Benassi su Prato e le sue fabbriche, risponde all'interesse del museo ad uscire dalle sue mura e a cercare un rapporto più dinamico e diretto con la comunità cittadina. In questa mostra il fotografo si concede interamente allo spettatore, consegnando il suo studio, i suoi strumenti, il panorama creativo che l'accompagna nella gestazione del lavoro, l'insieme degli scatti che danno vita a un'indagine ventennale sui temi dell'identità, della notte, del lavoro. (Comunicato ufficio stampa Lara Facco P&C)

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Gregorio Botta
"È materia delicata"

22, 23, 24 settembre (inaugurazione ore 14.00 - 21.00) - 14 novembre 2020
Peola Simondi Artecontemporanea - Torino
www.peolasimondi.com

È materia delicata: un bellissimo modo di dire, per indicare un argomento o un problema da trattare con attenzione, cautela, consapevolezza. E forse nessuna definizione aderisce meglio all'arte: materia delicata per eccellenza che va avvicinata senza fretta e senza superficialità, con amore e con cura, e persino con circospezione perché può, e qualche volta deve, essere pericolosa. Ma nel caso di Gregorio Botta la definizione è forse ancora più precisa: perché è un artista che, in un'epoca di cultura sempre più smaterializzata e digitale, ci richiama alla fisicità, all'importanza del corpo (nostro e di ogni cosa). Per questo lavora con elementi che abbiano un legame antico con l'uomo, che siano in qualche modo inscritti nel nostro Dna culturale, come la cera, il piombo, il vetro, l'acqua, il ferro, il fuoco, il marmo, ultimamente anche foglie e erbe e fiori: materie trasformate in qualcosa di più leggero, di aereo, di sospeso, ci parlano della nostra fragilità e impermanenza.

La mostra a Torino si inaugura poco dopo la personale alla Galleria Nazionale di Roma (4 febbraio-18 maggio) intitolata con un verso dell'amata Emily Dickinson, "Just measuring unconsciousness" che, malgrado la forzata interruzione causata dal virus, è stata visitatissima. La mostra di Torino evoca le stesse atmosfere. Ecco l'acqua, che scorre su una lastra di piombo segnata da quattro ferite-sorgenti. Ecco l'alabastro, il più luminoso e diafano dei marmi, che sembra racchiudere un mistero al suo interno: come se un respiro lo avesse scavato per depositarvi qualcosa, una foglia d'oro ad esempio. Ci sono poi le carte giapponesi e la cera dei Noli me tangere, dove foglie e fiori vengono composti insieme a tracce di sangue, come accade nella cella affrescata dall'Angelico nel convento di San Marco a Firenze: un'opera che sembra accogliere il dolore nella bellezza della natura. Ma quel che conta di più, al di là dei singoli lavori, è il luogo che l'artista cerca di creare: uno spazio estetico che invita al silenzio e alla contemplazione. Come dice la scultura che accoglie il visitatore all'ingresso: una campana tibetana sospesa nel vuoto. Non può suonare, ma il suo silenzio è più forte di qualsiasi rintocco. (Comunicato stampa)

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Cosetta Mastragostino
"Anime vagabonde"

17 settembre - 05 ottobre 2020
Cimitero Acattolico di Roma
www.salauno.com

Apre al Cimitero Acattolico di Roma la mostra site specific di Cosetta Mastragostino, nata da una lunga gestazione e dal confronto con la Direzione del Cimitero stesso: è un'occasione rara, perché l'antico cimitero "dei protestanti" - nato nel XVIII secolo all'ombra della Piramide Cestia - è un vero luogo di custodia dell'arte, dove le sepolture di letterati, musicisti e danzatori sono spesso opere di scultori celebri sopravvissute ai secoli. Per questo il Cimitero Acattolico permette di esporre a rarissimi e selezionati artisti ogni anno, chiedendo sempre un progetto che sia in precisa relazione con quel luogo storico.

A cura di Penelope Filacchione, in collaborazione con Sala 1, Cimitero Acattolico di Roma, ArtSharing Roma, Archivio Cosetta Mastragostino, la mostra è dedicata a sei anime vagabonde, protagoniste della cultura italiana, unite fra loro nel riposare in questo luogo inconsueto a causa dei diversi giochi del destino: cimitero a-cattolico, non cattolico, aperto a qualunque altra fede e alla non-fede. Dario Bellezza, Carlo Emilio Gadda, Amelia Rosselli, Luce d'Eramo, Antonio Gramsci, Andrea Camilleri: personaggi dalle biografie disparate e a volte ideologicamente agli antipodi, ai quali l'artista ha voluto dedicare un'opera che non sia un epitaffio, quanto un fotogramma dell'esistenza.

Cosetta Mastragostino li ricorda nella complessità delle loro vite: per questo ha messo in opera uno straordinario lavoro in leggerezza tanto formale quanto concettuale di opere in cartapesta, grandi pagine dall'apparenza impalpabile sulle quali si posano misuratissime patine, come una nebbia del tempo sulla vita di queste persone. Una leggerezza che, nel passare degli anni, è diventata cifra stilistica del lavoro dell'artista, conservando la sostanza sensualmente tattile, ma sempre più evanescente. Immagini ridotte al minimo, tentativi di catturare l'essenza degli spiriti tra i viventi. Perché, in fin dei conti, queste anime vivono davvero tra noi attraverso parole consegnate alla Storia. Così sono i lavori per questa mostra: precisi, centrati, essenziali, privi di ogni ridondanza e straordinariamente lievi. (Comunicato ufficio stampa Sala 1)

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Visioni laterali - L'arte irregolare tra ieri e oggi
12 settembre (inaugurazione) - 08 novembre 2020
Museo Mu.Vi - Viadana (Mantova)
Locandina di presentazione

Mostra, a cura di Paolo Conti, direttore del Mu.Vi, Francesca Baboni e Stefano Taddei, che intende indagare il rapporto tra artisti contemporanei e le opere di naifismo del patrimonio della Fondazione un Paese di Luzzara. L'esposizione, organizzata in collaborazione con la galleria Rizomi di Parma, e con il supporto delle gallerie D406, Martina's gallery, Antonio Colombo Arte Contemporanea, Casa Museo Pietro Ghizzardi e collezionisti privati, intende affiancare la produzione storica di artisti generalmente definiti naifs facenti parte del patrimonio del Museo Nazionale delle Arti Naïves gestito da Fondazione Un Paese di Luzzara, con alcuni nomi di artisti contemporanei mid-career già riconosciuti a livello nazionale ed internazionale e due artisti più "storicizzati" di raccordo. Si coglieranno così da un lato la visionarietà di artisti minori della storia dell'arte di cui alcune intuizioni sono sopravvissute fino ad oggi e dall'altro la persistenza di modelli laterali a quella che è l'arte contemporanea strettamente intesa.

Autori per la parte naif: Rina Nasi, Pietro Ghizzardi, Bruno Rovesti, Enrico Benassi, Rosario Lattuca, Donnino Carozzi, Gino Covili.
Per la parte contemporanea: Silvia Argiolas, Tommaso Buldini, Laurina Paperina, Buell, Laura Fortin, Gilberto Giovagnoli, El Gato Chimney.

"Può essere allora assai interessante, come in questa mostra, estrarre dalle collezioni del Museo Nazionale delle Arti Naïves di Luzzara, le opere degli autori naïfs per farsi un'idea non approssimativa di quanto abbiano vivacizzato la cultura pur restandone separati, relegati in un ghetto culturale, ignorati e fatti vegetare in una specie di terra di nessuno. Anche se in parziale parata, la Collezione del Museo permette stimolanti percorsi: un contributo alla conoscenza e al riconoscimento di un evento artistico che dovrebbe finalmente apparire in piena luce nella storia dell'arte italiana, mentre un certo tipo di cultura ufficiale ed elitaria ancora ignora un episodio tanto importante, sorto al di fuori dei rituali del sistema artistico, ma che appartiene pienamente e con ogni diritto alla cultura figurativa del nostro tempo" scrive Simone Terzi responsabile della Fondazione Un Paese.

Scrivono i curatori : "L'obbiettivo che ci si è posti è stato quello di evidenziare somiglianze e differenze,cercando di focalizzarsi su quanto è stato tramandato e quanto si è modificato nelle sensibilità individuali e nelle tematiche affrontate negli ultimi 50 anni. Immutata appare la totale negazione delle regole classiche del bel dipingere, della visione prospettica, della somiglianza realistica che vengono sostituite dall'immediatezza del gesto, dalla pulsione espressionistica, dal violento impatto visivo e dalla deformazione a volte drammatica, a volte grottesca, dei soggetti dipinti. Per entrambe le generazioni, le soluzioni formali sono geniali manifestazioni dell'istinto che trascendono la realtà ed esprimono la visione personalissima che ogni artista ha del suo mondo. (Paolo Conti, direttore Mu.Vi)

"Il filo rosso che lega entrambe le stagioni artistiche si potrebbe ritrovare proprio negli elementi di contemporaneità e nella persistenza di modelli "laterali" che non sempre possono fare riferimento ad outsider. Se difatti, partendo da alcuni nomi della collezione di naifismo della Fondazione Un Paese di Luzzara, che presenta autori anche già riconosciuti della scena irregolare, si arriva a rafforzare un'idea di contemporaneità ed a stabilire un proseguimento di percorso anche nelle giovani generazioni, si possono riscontrare caratteristiche comuni e complessita' formali decisamente intriganti. Questo per dimostrare come alcuni cosiddetti "brut", pur nella loro apparente ingenuità figurativa e a volte mancanza di studio e preparazione, abbiano in realtà elementi oltremodo in comune coi contemporanei che avvicinano le apparenti distanze." (Francesca Baboni)

"L'arte naïf è sovente considerata arte minore, laterale. Profondamente emozionante e sensibile. Oltre la tecnica o il buon gusto. Certe tematiche affrontate unite ad uno stile sommariamente stimato basilare o straniante sono in realtà ben presenti anche nelle ricerche contemporanee. Ora poi che il patologico si affianca tranquillamente al normale tempo vissuto, in una prospettiva di essere scisso in mille rivoli, tali ricerche possono avere sempre più inusuali letture. Viene inoltre da dire che un rimando così viscerale all'umano, in congiunture in cui dal post-umano siamo agevolmente arrivati all'oltre-umano, non può che rappresentare uno scarto rispetto al presente che ci appare, falsamente, così calmo e bello solo perché controllato. Qui invece è ben presente l'incontrollabile e la perseveranza di proporre ricerche fuori dai possibili canoni del gusto. Indagini non scevre dall'alleanza tra sentimento e intelletto che fa cultura." (Stefano Taddei)

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colore-astratto-informale
12 settembre (inaugurazione) - 19 novembre 2020
Vôtre spazi contemporanei (Palazzo del Medico) - Carrara

La mostra, curata da Fabio Cavallucci, raccoglie i lavori di carattere astratto non geometrico di una decina di artisti perlopiù italiani. Parte dall'osservazione che negli anni recenti, nelle gallerie e nelle fiere internazionali, si sta assistendo a un progressivo aumento di un tipo di pittura che solo dieci o venti anni fa sembrava bandita: una pittura non narrativa, non geometrica, astratta dunque, ma tendente all'uso di campi sfumati di colore se non addirittura pronta ad immergersi nel groviglio della materia informe, a riecheggiare i caratteri dell'informale storico. Se un fenomeno è così persistente, così largo, e persino in espansione, deve essere indagato. Ecco allora che la mostra mette insieme i lavori di artisti che, pur con modalità e intenzioni diverse, sono accomunati da una ricerca che procede in questa direzione.

Antonio Catelani, CCH, Maurizio Faleni, Federico Fusj, Hu Huiming, Giuseppe Linardi, Luciano Massari, Alfredo Pirri, Gianluca Sgherri, Serena Vestrucci: sono i dieci artisti raccolti in questa occasione. Ciascuno di loro porta con sé storie e ragioni diverse, ha specifiche motivazioni che lo conducono a toccare i tasti di queste forme di astrazione, spesso non assimilabili, e senza dubbio non riconducibili a un'unica origine. Sono storie e ragioni che verranno indagate in un catalogo pubblicato nel corso della mostra con immagini degli allestimenti in un Palazzo che per i suoi stucchi e le sue pitture decadenti si presta già a dare un'immagine di uno spazio ribollente e informe.

Intanto, però, restano le domande, le questioni sul perché queste modalità artistiche trovino oggi una ragione per entrare sotto i riflettori. Non si tratta solo di esigenze di mercato, che pure a livello internazionale ci sono e tendono a manifestare valori in crescita. C'è probabilmente l'avvertimento, che gli artisti intuiscono per primi, di una necessità di ribellarsi a una società sempre più rigida e imbrigliata. C'è magari la volontà di fuggire da un mondo sempre più complesso e tecnologicamente organizzato nel quale con sempre maggiore difficoltà siamo in grado di trovare in nostro ubi consistam, e pertanto tendiamo a rifugiarci in noi stessi, negli aloni sfumati e informi della nostra interiorità. Ma c'è forse anche un'eco delle scoperte scientifiche recenti, quelle che mostrano come la materia sia in realtà un flusso di vibrazioni, e come tutto l'universo sia percorso da onde, che dalle più grandi distanze tra le stelle ai moti delle microparticelle subatomiche rendono tutto ciò che vediamo, che pensiamo e immaginiamo molto più aleatorio, imprevedibile e incerto di quanto ci appaia. (Comunicato stampa)

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Silvina Spravkin
"El Cuarto de las Maravillas"

inaugurazione il 19 settembre 2020
Centro Culturale "Luigi Russo" - Pietrasanta (Lucca)
cuartodelasmaravillas.weebly.com | www.museodeibozzetti.it | www.silvinaspravkin.com

Mostra personale della scultrice argentina Silvina Spravkin, che presenta sculture intime e meraviglie personali. Lo studiolo era sede di straordinarie raccolte d'arte e oggetti rari. Derivato dallo studio dell'umanista, era uno spazio privato dove ci si poteva ritirare e dedicarsi ai propri interessi culturali. In uso specialmente nel Cinquecento e negli anni delle Grandi Esplorazioni planetarie, i Gabinetti delle Meraviglie divennero contenitori di oggetti rari e reliquie esotiche. "El Cuarto de las Maravillas" della scultrice argentina Silvina Spravkin contiene modelli, opere e documenti personali: un percorso che parte dall'incrocio del desiderio e del modello e si snoda in una architettura di opere e sguardi. (Comunicato stampa)

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Gian Maria Ferrario
"Le ragioni di una vita"

19 settembre (inaugurazione) - 29 settembre 2020
Sala Verratti - Varese
Locandina della mostra

Nella mostra retrospettiva, a cura del critico d'arte Fabrizia Buzio Negri, verranno esposte oltre venti opere dell'artista Gian Maria Ferrario, avvocato molto conosciuto in vita come professionista e come artista. Le opere, alcune delle quali inedite, metteranno in risalto la particolare formula espressiva, rivolta soprattutto a raccontare e riportare alla luce la storia significativa dell'artista, con temi esistenziali appartenenti al suo passato, in uno spazio compreso tra sogno e realtà. L'evento si configura di notevole rilievo in quanto evidenzia una interessante esperienza poliedrica, tra pittura, poesia, letteratura. Per l'occasione è stato pubblicato dall'Editore Macchione il romanzo inedito postumo "Nel tempo finito", presentato da Giuseppe Battarino il 26 settembre (ore 17.30), che richiamerà il pubblico della cultura varesina, sottolineando la vocazione eclettica dell'autore, nello stile attuale e coinvolgente del componimento, a confronto con la narrazione nella sua pittura. (Comunicato stampa)

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Jono Nussbaum
Endangered pieces

17 settembre (inaugurazione) - 14 ottobre 2020
Museo di Storia Naturale dell'Accademia dei Fisiocritici - Siena

Circa 20 opere di Jono Nussbaum (Londra, 1967): dai minuziosi disegni su carta agli scultorei arredi in legno. "Ciò che riesci a tirare fuori da un albero deve essere miracoloso almeno quanto l'albero che hai tagliato", disse Richard Powers. E questa è sicuramente una delle massime che descrive l'attento e preciso operare di Nussbaum, perché Endangered Pieces è un tentativo di catturare e celebrare pezzi del puzzle della nostra realtà, fissarla nel tempo, codificare la sua essenza, come si può vedere nella sua elegante poltrona Bugsy Chair o nelle sue sedie Pegasus dedicate al celebre cavallo alato.

Dopo gli studi in Art Design alla Chelsea School of Art e a Kingston University, nel 2003 Jono Nussbaum arriva in Toscana. Forme e tessitura, linee e colori, creature e movimenti: ogni oggetto, realizzato in legno dall'artista nel suo studio sul Monte Amiata - dove vive e lavora da quasi vent'anni - aspira all'irreducibile eleganza della Natura. L'affascinante ecosistema dell'Amiata che si svolge davanti ai suoi occhi e la ricchezza della fauna selvatica che circonda il suo podere sono stati gli elementi che hanno costruito la sua visione creativa, il ponte che ha legato arte e scienza, natura e mestiere. L'Accademia delle Scienze di Siena detta de' Fisiocritici è una delle più antiche istituzioni scientifiche d'Italia; nel corso del Settecento ebbe enorme prestigio nei circoli culturali di tutta Europa, annoverando alcuni dei più importanti intellettuali del tempo. Nata per ricercare la verità nei fenomeni naturali, l'Accademia è oggi uno spazio culturale a tutto tondo: ospita e organizza anche concerti, spettacoli teatrali, mostre di arti figurative, campus per bambini e molte altre iniziative. (Comunicato stampa)

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Present Perfect
12 settembre - 20 ottobre 2020
Galleria Alessandro Bagnai - Foiano della Chiana (Arezzo)

Il Present Perfect è usato per indicare un collegamento tra il presente e il passato. Il tempo dell'azione è prima di ora ma non è specificato, e noi siamo spesso più interessati al risultato rispetto all'azione in sé. Le opere in mostra racchiudono, seppur sintetizzandolo, il lavoro svolto in oltre trent'anni, che rappresenta un parziale punto di vista sull'arte degli ultimi decenni. Una "collezione" che ha come oggetto sette opere di grande formato di altrettanti artisti presenti nella Galleria: Sandro Chia, Gianni Dessì, Massimo Barzagli, Roberto Barni, Mario Schifano, Mimmo Paladino e Rainer Fetting. Opere scelte a rappresentare un intimo e personale concetto di "fare arte", un'azione che fa dialogare costantemente passato, presente e futuro. (Comunicato stampa)

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Sergio Breviario | Luca Pancrazzi | Giuseppe Stampone
Italian Imaginary

September 3 - October 15, 2020
MLF | Marie-Laure Fleisch - Brussels
www.galleriamlf.com

Drawing is not only a medium but can be described as a space for thought where the artist is at the centre of a dense network of relationships with things, their image, and the complexity of the tangible world. This is why drawing, as well as painting, takes on a political scope: because it includes in its own production and manifestation the presence of the other. In this continuous exchange the perception of the social world comes into play, with people and movements entering and leaving the work's surface and always being a constituent part of its existence. From the Middle Ages onwards, residents of Italian cities have constructed this relationship with art. In the great cycles of frescoes, in the representations of civic space and in the symbolic ones of myth or religion, they have observed the forms of art by intensely participating in an experience that concerns and enriches their lives.

They have not only found themselves and their world in the semblance of representation but in terms of an intelligent presence. What has changed today, after a century and a half of emancipation and aesthetic revolutions that have subverted the social culture of the European brand, is the position of artists; their independence won from the roles of hegemonic commissions has made it possible to free pictures from any didactic function. In this sense, in this dimension between the author, the work and their interlocutors, there is real room for the possible, the uninterrupted, and the autonomous: a synonym of freedom.

The three artists gathered in Italian Imaginary approach drawing with different motives and with original and very personal interpretations. For Giuseppe Stampone it is the cardinal medium of all his art. It is a vigorous and extensive aesthetic affirmation. For Luca Pancrazzi it is a meditation on the poetic questions and processes of representation, and runs alongside painting, sometimes preceding and sometimes eluding it. For Sergio Breviario it almost has the character of a breakthrough compared to the other languages used: drawing crosses them, supports them, and questions them. The common trait that frames the research of all three is the assumption of drawing as an exercise in knowledge, a practice as much intellectual as practical.

Artists always start from the observation of the tangible world that surrounds them: in the extension between the mind and the hand holding a pen, charcoal or pastel, the act of understanding takes shape, that is, literally, to understand by including and assimilating. The formal restitution of this process does not aim for the reproduction of the visible or for verisimilitude, which is never necessary except as an interpretative choice; but it is in this attention to truth, even in its heretical conjugations, in its critical implications, in terms of reinvention, the possible common trait of an Italian way of drawing, as described in the variety of the work of Breviario, Pancrazzi and Stampone. It is difficult to describe the layers of references that nourish Sergio Breviario's research. His work is conducted as a continuous critical review of the apparatuses of art and systems of channelling it set up by the system (which is sometimes confused with art).

His works occur at the convergence of different techniques, even if not mutually congruent, connecting the languages of tradition to performance, installation, video, and the combined use of completely irregular materials and objects. The results could be defined as devices for questioning; in their presence visitors find themselves faced with a challenge, for which they are fortunately unprepared. This could bring both them and the work closer to a new and unpredictable form of presence (and the latter seems to observe this development with pleasure and curiosity). Drawing is apparently a unifying factor between the various parts put in place by Breviario, having an almost classical aspect at first glance. But the heteroclite patrimony of iconographies to which the author looks instead requires a further shift: they precipitate a certain taste for medieval miniatures, grotesque Flemish and German hallmarks, the canon of Renaissance portrait and a whole series of symbolisms and metaphysical twists that seem to refer to a line of great twentieth century Italian authors.

With regard to all this, Breviario creates a texture of small disturbances of the compositional norm that have a centrifugal effect and are gathered, finally, in the extreme chiasmus concocted by the artist: the creation of a dimension that is almost sub specie aeternitatis. The drawings have a timeless surface, given both by the background and by the technique used: with specialised technologies the sheets of polyester paper are glued on a mirror, creating a lunar space, colourless and almost without depth (except for the phantasmatic reflection of the viewer's face floating in the mirror). On this plane the artist draws with a mixed technique that includes graphite, silver, aluminium and lead point. The choice of durable and resistant materials is part of the search for a place: that of the work's existence, perceptively eternal. The faces and shapes drawn by Breviario take on the appearance of everlasting idols, in contrast to the instability that surrounds them.

In Luca Pancrazzi's works there is a recurring perception of a movement that takes place on this side of the drawn or painted surface: a continuous shift of the gaze, almost always horizontal, at head height, or, more descriptively, at the height of a person seated in a vehicle. Whether it is aerial views of the Engadin Mountains, the hills of Lebanon, Milan's most famous skylines or peri-urban visions of any city or industrial district, Pancrazzi always infuses into his work the dynamic impression of the one-to-one relationship with which he has observed the environment. The photographic documentation of the urban landscape images, which the artist perceives as constantly changing, runs in parallel to their translation into drawing. In the observer's digital memory and retina the scenes wrap themselves as if they were part of a single narrative, an inexhaustible journey that spills over onto canvas, paper and other media.

In the series of Indian ink works on view the techniques of drawing and painting overflow into each other, and every single work is linked to all the others as if they were frames of a single video shot, made by shooting in a circle. The drawings follow one another like pages in the notebook of a (motorised) flâneur and share the character of scattered notes, glances at the city internalised and returned without the desire to illustrate it. Pancrazzi's work, in fact, has no documentary intent in its formal results; on the contrary, even in the representation of architecture or easily recognisable scenarios, the experimentation of the medium takes over.

The author presents in two-tone, monochrome, the dematerialisation of the canvas and the decomposition of the figuration, sometimes denying the very meaning of the image in order to enhance the poetic dimension of the technique, the gamble in the artist's vision, and the infinite possibilities of declination of reality through the language of art. In works in pen and ink, especially small-format works, this inclination is articulated through a series of gestures of freedom (with respect to balance, geometry, and initial inspiration) that takes an almost musical trend. The works follow one another as variations on a theme, a sequence of notes that is repeated as it changes and gives a very strong formal unity to each series.

Giuseppe Stampone has repeatedly defined his work as an artist as that of an 'intelligent photocopier'. These words which, in addition to the recognition of manual skill, are accompanied by a presumed minimisation of talent, instead hide an amazing ability to condense a strong poetic vision and a clear and unmistakable aesthetic. For the artist, pen drawing has an almost obsessive character and is similar to a discursive construction where, picture after picture, a cosmos of iconographic, philosophical, and political links takes shape. Among the artist's favourite subjects are scenes from Tuscany, taken from life or from famous artworks. It is the most famous among the landscapes represented in painting and any other language, now stratified through centuries of anthropisation. It is a universal model of balance, manifest between the work of man and the form of nature.

The genesis of the iconic Tuscan landscape is contextual to the genesis of the very concept of landscape and the optical and mental instruments to observe it: the modern systematisation of central perspective has its historical melting pot in early Renaissance Florence, with the works of Brunelleschi, Masaccio, Paolo Uccello and the studies of Leon Battista Alberti and Piero della Francesca. With central perspective the whole world is subjected to a mathematical transposition of the gaze, measured and disciplined by a grid of lines, celebrating the anthropocentric principle and the submission of nature. Stampone's work is a critical interpretation of this appropriation of the visible: his reinterpretations of the masterpieces of painting of past centuries always contain semantic distortions that call into question the primacy of European brand culture and its financial conception (it is in the period just mentioned that the root of capitalism developed). Representation in the monochrome stroke of pen or graphite reopens the control of the landscape and makes it problematic.

What we can observe in Stampone's works goes beyond the representation of a rural idyll: it is a mise en abyme in which the picture contains and declares its inability to duplicate. It is the picture that narrates a picture that in turn speaks of the desire to reduce the world to pictures. It is an accusation of the idolisation of pictures, where it is necessary to remember that 'eidos' (idol) in Greek means both 'figure' and 'representation of the figure'. We can conclude with Giorgio Vasari, the founder of modern art historiography, who, writing about drawing, said, "the parent of the three arts of ours, architecture, sculpture and painting", highlights its intellectual aspect.

At the root of the modern conception of Italian and European art lies therefore this profession of trust in the quality of drawing, which "has its origin in the intellect and draws out from many single things a general judgment" but is "a visible expression and declaration of our inner conception and of that which others have imagined and given form to in their ideas" (Giorgio Vasari, Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects, 1568). Even in the measured words of a man of the court, with the limits we recognise today, the description of the talent of art that presides over every expression of figurative ingenuity exalts the subjectivity and uniqueness of the vision with which every artist transgresses the existing. (Pietro Gaglianò, Italian Imaginary. A question of space)

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Piero Pizzi Cannella
Anni '80/'90

17 settembre (inaugurazione) - 01 dicembre 2020
Studio d'arte Cannaviello - Milano
www.cannaviello.net

Lo Studio d'arte Cannaviello inaugura il nuovo anno artistico con la personale di uno degli artisti che ne ha caratterizzato la storia: Piero Pizzi Cannella. Saranno esposte circa venti opere che includono tele di grandi dimensioni, cartoni di medio formato e piccole carte, realizzate tutte tra gli anni '80 e '90. Il lavoro di Pizzi Cannella, come emerge dalla selezione presentata, si basa sulla contrapposizione di oscurità e luce, sotto forma di un elegante equilibrio formale di questi due elementi che occupano lo spazio della superficie pittorica evidenziandosi l'uno con l'altro. Come ha scritto Démosthènes Davvetas, "luce e struttura esistono qui non per rappresentare nella loro forma esteriore le cose della quotidianità, ma per mostrare le cose nella loro dimensione interiore". Infatti, i soggetti che l'artista raffigura, siano essi paesaggi o oggetti come nelle opere in mostra, non sono descritti con una mano realista ma con un segno unico, intimo e soggettivo.

Nel 1975 Piero Pizzi Cannella (Roma, 1955) inizia a frequentare l'Accademia di Belle arti di Roma e, nello stesso periodo, si iscrive anche al corso di Filosofia dell'Università La Sapienza. Nel 1982 stabilisce il suo studio nell'ex pastificio Cerere dove, insieme agli artisti Ceccobelli, Dessì. Gallo, Nunzio e Tirelli, crea la Scuola di San Lorenzo. Delle sue mostre, oltre alle diverse personali tenutesi allo Studio d'arte Cannaviello, si segnalano: 1985, Annina Nosei Gallery, New York; 1988, Fabio Sargentini - L'Attico, Roma; 2006, MACRO, Roma; 2010, Palazzo Pitti, Firenze; 2009, Mart, Rovereto; 2011, Galleria d'arte Moderna, Udine; 2017, Palazzo d'Inverno, Ermitage, San Pietroburgo; 2017, Istituto italiano di Cultura, Londra. (Comunicato stampa)

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Demosthenes Davvetas: L'immagine al di là delle parole
Catalogo della mostra a cura di Alberto Mattia Martini e Maria Luisa Vezzali
Galleria Spazio Gianni Testoni LA 2000+45 - Bologna (14 settembre - 28 ottobre 2007)
Presentazione

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Meccaniche della Meraviglia 14
Brescia, 12 settembre - 11 ottobre 2020
Locandina

La quattordicesima edizione di "Meccaniche della Meraviglia", manifestazione culturale con la regia di Albano Morandi, promossa e sostenuta dal Comune di Brescia-Assessorato alla Cultura, coinvolge otto artisti di fama nazionale ed internazionale - Filippo Centenari, Giulio De Mitri, Arthur Duff, Andrea Francolino, Paolo Iacchetti, Rob Mazurek, Giovanni Oberti, Lucia Pescador - chiamandoli ad intervenire con installazioni e opere site-specific in diversi spazi di Brescia e di Puegnago del Garda. Mostre a cura di Alessia Belotti, Ilaria Bignotti, Elena Di Raddo, Mariacristina Maccarinelli, Melania Raimondi, Camilla Remondina, Bianca Trevisan.

Otto interventi che hanno la dimensione del solo show, caratterizzati dal comune principio di voler intervenire nello spazio in stretta relazione con le sue emergenze e caratteristiche, nel tentativo di esaltarne le peculiarità e la meravigliante identità, facendone risaltare aspetti nascosti eppure identitari. È questo infatti il filo rosso che unisce, nel loro susseguirsi, tutte le edizioni di "Meccaniche della Meraviglia", un progetto che sin dal titolo evidenzia la capacità dell'artista di innescare meccanismi ed ingranaggi attivatori dello sguardo e della sensibilità del riguardante: ne consegue quella meraviglia che è stupore e immersione, sorpresa e scoperta, ma anche messa in crisi radicale dell'abitudine ad una modalità fruitiva rapida e superficiale dello spazio e delle cose. I linguaggi visuali selezionati per questa edizione di "Meccaniche della Meraviglia" sono fortemente legati alla svolta epocale che stiamo attraversando e paiono infatti riflettere sui temi della solitudine e dell'isolamento, della frattura e della rigenerazione, del bisogno di dialogo e confronto, empatia e condivisione, intessendo con gli spazi che li accolgono uno scambio fertile e profondo e chiedendo al pubblico un percorso contemplativo ed immersivo.

Il buio, il silenzio, la stasi e l'immobilità nella quale siamo stati confinati sono i temi sui quali intervengono gli artisti Giulio De Mitri (Taranto, 1952), Arthur Duff (Wiesbaden, 1973) e Filippo Centenari (Cremona, 1978), a ciascuno dei quali è affidata una sala che affaccia sul chiostro del Museo Diocesano di Brescia: la luce, nelle sue declinazioni di visualizzazione, decontestualizzazione, intervento e ridisegno dell'ambiente, è al centro della loro indagine che in De Mitri si pone come suggestiva e fluida dimensione spirituale e onirica, in Centenari diventa attivatrice di nuove relazioni alchemiche tra i materiali e gli oggetti, in Duff messa in crisi dei paradigmi narrativi e dei codici di lettura dello spazio e del tempo.

La dimensione dell'uomo è al centro dell'indagine di Andrea Francolino (Bari, 1979): a Spazio Contemporanea la crepa è immagine ricorrente, declinata in molteplici dimensioni e diversi materiali, dalla terra al cemento al vetro, e interpretata nella sua funzione positiva e rigenerante come segno e direzione di una nuova possibilità, di un riscatto dell'uomo e della sua storia. Gli oggetti e gli interventi di Giovanni Oberti (Bergamo, 1982) minano il rapporto consueto con la quotidianità e intervengono con poetica inquietudine negli ambienti dell'Ateneo di Palazzo Tosio: l'artista da sempre trova nella poetica delle cose più semplici una potente empatia che lo porta a riattivarne la capacità meravigliante.

Rigoroso e metafisico, il lavoro sul colore e la relazione tra superficie, supporto e metodologia del dipingere caratterizza l'intera ricerca di Paolo Iacchetti (Milano, 1953) al quale sono assegnate le sale degli Scacchi al MO.CA: qui saranno presentate le ultime opere pittoriche che sviluppano la sua ricerca "dentro" la materia della pittura in reticolati complessi: alcuni distesi e ariosi, quasi attraversati dallo spazio, altri decisamente più chiusi su se stessi, risultato di segni colorati sovrapposti. Infine, negli spazi carichi di memoria della Fondazione Vittorio Leonesio, a Puegnago del Garda, Rob Mazurek (Jersey City, New Jersey - Usa, 1965), musicista e compositore di fama internazionale, presenta un'opera composita che racchiude installazione, pittura, scultura, suono, unendo chiarezza neo-espressiva e materialità densa, a volte in collisione corrosiva, altre volte in totale armonia, modellando luce, superficie, colore e linea.

Nel corso dell'inaugurazione Gabriele Mitelli, musicista sodale di Mazurek, eseguirà "Un solo". "Appropriarsi di uno spazio e del sentire di chi lo abita in quell'istante, il solo del musicista e performer bresciano non è un concerto e neanche una performance ma l'occupazione di uno spazio fisico ed emotivo, il tentativo di ricreare la propria intimità e raccontare la propria storia tramite il suono, il rumore, cercando di ritrovare il proprio essere nel contatto diretto con le persone, i muri e le opere, che ne determinano la struttura". Lucia Pescador (Voghera, 1943) interviene con la sua narrazione iconica: il suo è un archivio di oggetti e immagini, storie e sogni, donato al pubblico come un diario che si sfoglia sala dopo sala, sulle pareti e tra gli arredi dello spazio ospitante. (Comunicato stampa)

«Questa proposta nasce dalla sistematica volontà di presentare sempre e comunque un prodotto artistico che ponga nello stupore il modo per attirare l'attenzione dello spettatore, una maniera nuova ed intelligente per definire un proprio senso di visibilità delle cose. Un'occasione per riflettere sul senso dell'arte a prescindere dalle mode o dalle famiglie. Situata fra lo sguardo già codificato e la conoscenza riflessiva, esiste una regione mediana che offre l'ordine nel suo essere stesso: potremmo chiamarla regione dell'evidenza evidente. Dove ci si può muovere senza tenere conto delle sovrastrutture che le culture hanno assegnato alle cose, alle parole, alle immagini. E' noto quanto vi è di sconcertante nella prossimità degli estremi, o anche semplicemente nella vicinanza improvvisa delle cose senza rapporto; l'enumerazione che le fa cozzare le une contro le altre possiede in se un potere d'incantesimo.

Le meccaniche della meraviglia ci riportano, almeno come affinità linguistica, al pensiero di Borges. Le eterotopie (come quelle che troviamo tanto frequentemente nello scrittore argentino) inaridiscono il discorso, bloccano le parole su se stesse, contestano, fin dalla sua radice, ogni possibilità di grammatica; dipanano i miti e rendono sterile il lirismo delle frasi. Minano segretamente il linguaggio, sconvolgono la sintassi che costituisce le frasi e che fa tenere insieme "le parole e le cose". Ho sempre fatto in modo che le opere degli artisti che stanno in queste mostre, appartenessero a quella che Foucault ha definito la quarta forma di somiglianza quella garantita dal gioco delle Simpatie e, naturalmente, di riflesso, delle Antipatie.

"La simpatia agisce allo stato libero nelle profondità del mondo... ma il suo potere è tale che essa non si contenta di scaturire da un solo contatto e di percorrere gli spazi; suscita il movimento delle cose nel mondo e provoca l'avvicinamento delle più distanti. Essa è principio di mobilità: attira le cose pesanti verso la gravezza del suolo e le cose leggere verso l'etere senza peso;...La simpatia è una istanza del Medesimo di forza e urgenza tali da non contentarsi di essere una delle forme del simile: ha il pericoloso potere di assimilare, di rendere le cose identiche le une alle altre, di mescolarle, di farne svanire l'individualità, e dunque di renderle estranee a quello che erano. La simpatia trasforma... Proprio per questo la simpatia è compensata dalla sua figura geometrica l'Antipatia. Quest'ultima serba le cose nel loro isolamento ed impedisce l'assimilazione" (Foucault)

Rifugiandosi nella regione dell'"evidenza evidente" e trascinando con se lo spettatore, l'artista intende sottolineare una propria identità, una propria autonomia, indicare la strada dell'abbandono delle certezze, mostrare che ogni massificazione, ogni mondanità è bugiarda. E' un invito a dimenticare ciò che sappiamo ad affrontare un esercizio che ci abitui a far sì che l'occhio non serva solo a vedere e l'orecchio solo a sentire. La mano solo a toccare e il palato solo a gustare. Tornando a percepire le cose in maniera "totale", tale da poterci permettere di "Toccare con gli occhi". In questo modo vogliamo sottolineare come l'arte non serva a costruire artifici ma a risvegliare nella visione comune potenzialità dormienti, entrare nella coscienza dello spettatore senza far violenza, con passo lento ma inarrestabile, guidandolo verso ciò che conosce ma che non ricorda di conoscere. Ho sempre pensato a Beuys come padre spirituale della mia concezione sociale dell'arte, sempre mi riecheggiano in testa le parole che sottolineano come la più grande opera d'arte sia la realizzazione della "scultura sociale". Per tornare ad avere una funzione sociale, l'artista deve trovare il modo di dedicarsi anche a questo. Il progetto "Meccaniche della Meraviglia" vuole semplicemente inserirsi in questa forma di pensiero artistico.» (Albano Morandi)

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Robert Breer: "Time out"
12 settembre (inaugurazione) - 05 giugno 2021
Fondazione Antonio Dalle Nogare - Bolzano

La prima grande mostra personale in Italia di Robert Breer (Detroit, 1926 - Tucson, 2011), a cura di Vincenzo de Bellis e Micola Brambilla. Pioniere nelle tecniche di animazione, Breer fu uno dei fondatori dell'avanguardia americana ed è oggi considerato uno degli autori più innovativi nel cinema sperimentale. L'intera opera di Breer è una riflessione sulla possibilità di catturare il tempo, confondendo i confini tra l'immagine astratta e figurata, il movimento e la staticità, l'oggetto e il soggetto. Attraverso una selezione di più di settanta opere la mostra ripercorre tutti i sessant'anni di carriera dell'artista: dalle prime ricerche nell'ambito della pittura astratta e del neo-plasticismo, attraverso la sperimentazione con l'immagine in movimento e con una forma di animazione del tutto anticonvenzionale, fino ad arrivare ai Floats, le celebri sculture mobili, vere e proprie evoluzioni nello spazio tridimensionale delle forme astratte e anti-narrative che caratterizzano la ricerca pittorica e cinematografica dell'artista. (Comunicato stampa Lara Facco Press & Communication)

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The Antonio Dalle Nogare Foundation presents the first major solo exhibition of Robert Breer (Detroit, 1926 -Tucson, 2011)in Italy. A pioneer in animation techniques, Breer was one of the founders of the American avant-garde and is considered today one of the most innovative authors in experimental cinema. Breer's entire ouvre is a reflection on the possibility of capturing time, blurring the boundaries between abstract and figurative, movement and stillness, object and subject. Through a selection of more than seventyworks, the exhibition retraces sixty years of the artist's career: from his first research in the field of abstract painting and neo-plasticism, through his experiments with the moving image and a completely unconventional form of animation, to the Floats, the well-knownmobile sculptures, real evolutions in the three-dimensional space of the abstract and anti-narrative forms that characterize the artist's pictorial and cinematographic research. (Press release Lara Facco Press & Communication)

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Vegetalia
Tra Alberi, Fiori e Frutti

06-27 settembre 2020
Casa Museo Sartori - Castel d'Ario (Mantova)

Le ottantacinque opere d'arte, raccolte in questa significativa rassegna dedicata al mondo vegetale, sono state realizzate a partire dagli anni '60 del secolo scorso fino ai nostri giorni, dagli ottantacinque artisti invitati. L'offerta per il visitatore è ricca di proposte, sia per le varie interpretazioni dei soggetti presentati con stili molto diversi gli uni dagli altri che per le varie tecniche utilizzate per la loro realizzazione: dipinti ad olio, acrilico, tecnica mista, smalto, tempera, acquerello, chine, gessi a olio, acquaforte, acquatinta, monotipo, collage, foglia oro, stampa digitale, pannelli e sculture in acrilico termoformato, legno, nastri, carta, terracotta, ceramica.

La mostra propone opere che raffigurano paesaggi incontaminati reali o fantastici e paesaggi inquinati; le colline toscane, la Lessinia, i colli euganei, le rive dei fiumi Po, Mincio e Adige, ed il Lago Maggiore e di Ledro; boschi, grandi alberi e alberi spogli, i platani, i salici, la betulla, i glicini, gli ulivi di Puglia, pini marittimi, i fichi d'India, le 4 stagioni, sezioni di tronchi, i frutteti e i vigneti, pianure, campi fioriti, giardini e giardini all'italiana; omaggi a Castel d'Ario e a Monzambano, la denuncia degli incendi in Australia, alberi morti, Amazzonia Zero, Berkshire's foliage; vasi e composizioni con fiori, rose, camelie, stelle di Betlemme, passiflora, bardana maggiore, garofani, iris, gerani, germogli, nature morte, composizioni di frutta, mele, pere, ciliege, limone, uva, banane, melograni, noci, peperone, cavolo, bietola, zucca, aglio e peperoncini…

Gli artisti (22 donne e 63 uomini), nati tra il 1908 e il 1981, provengono per nascita o residenza, dall'intero territorio nazionale e precisamente dalle varie città e province di Torino, Biella, Vercelli, Alessandria, Milano, Monza Brianza, Bergamo, Brescia, Lodi, Cremona, Mantova, Verona, Vicenza, Treviso, Padova, Venezia, Reggio Emilia, Modena, Ravenna, Genova, La Spezia, Lucca, Firenze, Terni, Roma, Teramo, Pescara, Chieti, Napoli, Salerno, Cosenza, Foggia, Bari, Lecce, Catania, Ragusa e anche dall'estero: Inghilterra, Svizzera e Libano, e presentano ciascuno un'opera significativa che rispecchia le peculiarità della propria espressione artistica e spesso anche del territorio in cui vivono.

Artisti: Acerbo Domenico, Achilli Ernesto, Alatan Anna Rita, Baglieri Gino, Baldassin Cesare, Bedeschi Nevio, Bellomi Federico, Bianco Lino, Bolis Maria Teresa, Bongini Alberto, Brambilla Maurizio, Businelli Giancarlo, Capraro Sabina, Carradore Vittorio, Castagna Angelo, Castaldi Domenico, Cattaneo Claudio, Chieppa Manlio, Cibi, Ciotti Valeria, Coccia Renato, Colombo Maria Anastasia, Costanzo Nicola, Cropelli Fausta, Dall'Acqua Mario, D'Amico Antonio, Della Valle Marcello, De Luigi Giuseppe, Denti Giuseppe, Desiderati Luigi, Fabri Otello, Faccioli Giovanni, Ferri Massimo, Garuti Giordano, Gentile Domenico, Ghidini Pier Luigi, Ghisleni Anna, Gnocchi Alberico, Guala Imer, Gualtieri Ulisse, Keith Rosalind, Lo Presti Giovanni, Luchini Riccardo, Mafino Beniamino, Mantovani Gianni, Merik Milanese Eugenio Enrico, Moccia Palvarini Anna, Molinari Mauro, Montini Danilo, Morelli Guido, Mori Giorgio, Morselli Luciano, Nastasio Alessandro, Negri Sandro, Nigiani Impero, Paggiaro Vilfrido, Paolini Parlagreco Graziella, Parmiggiani Alessandra, Pastorello Gianguido, Pauletto Mario, Pauletto Tiziana, Peretto Enrico Dennj, Piaser Egle, Pirondini Antea, Prinetti Silvana, Rampinelli Roberto, Restelli Lucilla, Rezzaghi Teresa, Romani Maurizio, Romilio Nicola, Rossato Kiara, Rossi Giorgio, Rostom Camelia, Rovati Rolando, Sebaste Salvatore, Settembrini Marisa, Somensari Anna, Somensari Giorgio, Spazzini Severino, Tambara Germana, Venditti Alberto, Viviani Vanni, Zanetti Enzo, Zangrandi Domenico, Zitelli Fabrizio. Catalogo pubblicato da Archivio Sartori Editore, Mantova, 192 pagine con testo critico di Maria Gabriella Savoia, riproduce tutte le 85 opere a colori e le biografie degli artisti, € 25,00.

Mostra, a cura di Arianna Sartori (curatrice anche del catalogo), da un'idea e progetto di Adalberto Sartori, con i patrocini di Regione Lombardia, Provincia di Mantova, Comune di Castel d'Ario, FAI Delegazione di Mantova, Parco del Mincio, Ecomuseo della risaia, dei fiumi, del paesaggio rurale mantovano, Terra Crea - Museo d'arte ceramica di Castel d'Ario e Pro Loco di Castel d'Ario. Durante la mostra è possibile visitare il Museo d'Arte Ceramica "Terra Crea - Sartori". Nel Museo, ancora in divenire, è presentato il primo nucleo della raccolta di Opere ceramiche, collocate in modo permanente negli spazi predisposti nel cortile interno del palazzo. Oltre 140 sono le piastre ceramiche che, modellate ed elaborate secondo le varie tecniche e ispirazioni dagli artisti, sono fissate alle pareti.

«Nel linguaggio comune, si dice pianta un organismo vegetale costituito da radici, fusto e foglie, eventualmente anche da fiori e frutti; questa definizione è spesso usata come sinonimo di albero, rispetto a cui ha tuttavia significato più ampio comprendendo anche gli arbusti e le erbe. In botanica sono considerati piante i vegetali con pareti cellulari tipicamente costituite di cellulosa. La mostra che inauguriamo ci porta nel mondo dei vegetali che comprende un vero e proprio regno, fatto di alberi, fiori, frutti, erbe e radici, che volente o nolente hanno un peso rilevante in tutta la nostra esistenza. È vero che quando mangiamo la frutta la cogliamo senza danneggiare la pianta, ma quando mangiamo verdura la tagliamo o la estirpiamo da terra.

Usiamo verdure ed erbe come medicinali e per abbellirci; respiriamo grazie all'ossigeno prodotto dalle piante; quando vogliamo rendere omaggio a una persona regaliamo fiori; mentre se vogliamo rilassarci cerchiamo paesaggi completamente verdi o facciamo veri e propri bagni di verde… tagliando senza alcun problema i tronchi che ci serviranno per fare case con travi, travetti, o strumenti musicali, pianoforti viole e violini; e riempiamo le nostre case con piante e fiori per arredare salotti, balconi e giardini. A tutte queste necessità dovrebbe corrispondere un atteggiamento positivo che dovrebbe portarci a pensare quanto sia il rispetto che l'uomo dovrebbe avere, rispetto al 'verde', ma non è proprio e sempre così, infatti, nonostante ultimamente e forse solo qualche cosa stia cambiando, noi continuiamo a incendiare, disboscare e inquinare.

Non abbiamo affatto cura delle piante che si ammalano tanto è che se un albero lungo la strada si ammala, una X rossa indicherà che quello sarà un albero da abbattere; le piante, i fiori, apparentemente ci servono solo a fare scenografia e spesso preferiamo usare piante autenticamente finte per scansare il fastidio di dovercene occupare. Mi piace anche soffermarmi sul fatto che le religioni, le tradizioni e la letteratura e il business hanno portato qualche frutto all'attenzione generale: l'albero con la mela di Adamo ed Eva, l'albero della manna, le mele delle Esperidi, il monte degli ulivi, la mela di Newton, i dipinti dell'Arcimboldo, le nature morte di Caravaggio, il famoso detto "una mela al giorno leva il medico d'intorno", la mela di Biancaneve e i sette nani, gli spinaci di Bracciodiferro, le disneyane lenticchie di Babilonia, le pozioni magiche di Asterix, oppure vogliamo parlare delle piante vampiro?

No, non esageriamo, però, più recenti, quelle create dall'ingegneria genetica, le piante ottenute con i temuti organismi geneticamente modificati Ogm non le conosciamo, ma già le mangiamo! Insomma in realtà le piante - più grandi, più piccole, più lente, più veloci, più giovani, più potenti, più vecchie, sono quelle che decidono, continuano nonostante tutto a creare l'aria, e si nutrono della luce del sole. Senza di loro, nulla… e gli alberi secolari sono tra gli esseri viventi più longevi esistenti sulla nostra Terra. Si conoscono alcuni alberi millenari; per la loro longevità hanno acquisito un aspetto sempre più maestoso che pare custodisca una saggezza infinita. Il fascino di questi esemplari è di una potenza e di un magnetismo incredibile da portarli ad essere considerati davvero Alberi magici. Per concludere, considero la mostra Vegetalia tra Alberi, Fiori e Frutti come un viaggio attraverso il mondo vegetale che troppo sottovalutiamo e spesso diamo per scontato, come opinabile e anche inutile ornamento, ma che in realtà, costituisce una parte essenziale della nostra esistenza su quel sasso orbitante nello spazio che è il pianeta Terra. (…)» (Con i piedi per Terra, di Maria Gabriella Savoia, dal catalogo della mostra)

___ Presentazione di altre mostre di prossima inaugurazione alla Galleria "Arianna Sartori"

Patrizio Marigliano: "Libri d'artista"
05 settembre - 24 settembre 2020
Presentazione

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Vito Tumiati: "Non dimentichiamoci della natura"
05 settembre (inaugurazione) - 22 ottobre 2020
MUSAP Museo degli Artisti Polesani (Cittadella della Cultura) - Lendinara (Rovigo)
Locandina

L'esposizione, ideata e curata da Guido Signorini - critico e storico dell'arte, direttore del MUSAP - presenta una selezione di opere grafiche eseguite dal 1960 al 2012. Dopo aver terminato gli studi presso l'Istituto d'Arte Dosso Dossi di Ferrara, Vito Tumiati (Ferrara, 1938) ha svolto, per oltre un decennio, l'attività di decoratore. Da sempre attratto dalla potenzialità espressiva del segno, fin dagli anni giovanili privilegia il linguaggio grafico trovando nel disegno e nei pastelli colorati i più congeniali mezzi espressivi per le sue composizioni. I primi contatti con l'incisione calcografica risalgono ai tempi dell'Istituto, grazie all'incontro con l'incisore Nemesio Orsatti, ma solo all'inizio degli anni '80 Tumiati inizia ad incidere con regolarità. A tutt'oggi ha realizzato 240 matrici calcografiche, prevalentemente in acquaforte e acquatinta, stampate da lui stesso in stesso in tirature molto basse. Firma da sempre i suoi lavori con la sigla "T.Vito". (Comunicato stampa)

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Elisabetta Bacci | Mirko Rajnar
"Dialoghi"

25 settembre (inaugurazione ore 18.00) - 15 ottobre 2020
Atelier Ferdy Poloni - Conegliano (Treviso)
www.juliet-artmagazine.com

La mostra è indice di un confronto tra due autori - Elisabetta Bacci (Trieste) e Mirko Rajnar (Murska Sobota) - che, diversi per formazione e per provenienza geografica, e che di primo acchito sembrano rispondere a istanze emotive distanti fra loro, in seconda battuta denotano, tuttavia, nel loro linguaggio espressivo delle note comuni. Ecco dunque perché la mostra è costruita sulla falsariga di un dialogo continuo tra opera e opera, come in un recitativo a due voci. La prima possibile nota di congiunzione evidente in questo dialogo è la sottrazione che viene posta in essere nel processo costruttivo di ogni singola opera (una sottrazione che non nega la complessità, ma che vi si adagia nella somma di segni minimali); la seconda è la luce come punto di riferimento primario (e non solo riferita a una fonte luministica esterna, ma anche a una luce intrinsecamente generata dall'opera); la terza è la dominante cromatica che si manifesta in contrasti forti e decisi. La realizzazione di questa mostra, firmata da Roberto Vidali, è stata realizzata da Associazione Juliet, con il sostegno di Vigneti Le Monde. (Comunicato stampa)

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Giovanni Motta: "Thanks"
11 settembre (inaugurazione) - 09 ottobre 2020
Galleria Doppia V - Lugano
www.galleriadoppiav.com | www.giovannimotta.it | Locandina mostra

Mostra personale di Giovanni Motta (Verona, 1971), a cura di Ivan Quaroni, in cui saranno esposti i dipinti, le sculture e i disegni della recente produzione dell'artista veronese. Come molti della sua generazione - quella che lo scrittore Douglas Coupland ha definito Generazione X - Motta è cresciuto guardando i cartoni animati, le cui storie fantastiche ed eroiche hanno contribuito alla sua formazione. "Thanks" è, infatti, un ringraziamento ai creatori di quei personaggi originali che Motta recupera non tanto nella forma o nell'aspetto, ma nel loro contenuto lirico ed emotivo. Come afferma l'artista, i suoi lavori rappresentano "un viaggio nella memoria sensoriale, un esperimento che mi ha permesso di isolare e valorizzare un contenuto fondamentale della mia formazione, i cartoni animati, per allargare la ricerca del tempo perduto".

Quella espressa dalle sculture, dai dipinti e dalle carte di Motta non è una banale tensione nostalgica di stampo revivalistico o, peggio, citazionistico, ma una sincera ricognizione sui temi della memoria e del ricordo e su come sia possibile, attraverso l'arte, restituire alla vita adulta lo sguardo incontaminato e, insieme, l'acuta sensibilità nella percezione e interpretazione del mondo. La ricerca artistica di Motta, caratterizzata da un forte impatto visivo, attraverso l'elaborazione di un alfabeto di immagini e figure contemporanee, contaminate tanto dalla cultura nipponica, quanto da quella dei cartoon anglosassoni. Nel suo linguaggio, dove lo studio del colore e della forma sono protagonisti indiscussi - anche grazie a un complesso e raffinato mix di tecniche pittoriche e serigrafiche e di scultura analogica e tecnologia digitale - l'artista riesce a costruire una versione personale e lirica dei codici Superflat, animata da un approccio più caldo e partecipe ai temi universali dell'immaginario.

Tutto il suo lavoro ruota attorno alla natura prodigiosa dell'esistenza umana, alla qualità portentosa, e a tratti terrificante, della vita stessa, a quella particolare energia che nell'età adulta sembra opacizzarsi e depotenziarsi drasticamente, ma che è, invece, vivida e pulsante durante i periodi dell'infanzia e dell'adolescenza. Attraverso la pittura, il disegno e la scultura, l'artista intende evocare quelle forze primigenie e soprannaturali che producono ogni vera esperienza vitale e restituiscono all'esistenza un valore magico. Ha iniziato a esporre nel 2000 con mostre personali e collettive in Italia e all'estero. Ha partecipato a premi di cui è stato finalista, come il Premio Arte Laguna (Venezia, 2016), l'Aletti Award (2009) e il Premio Arte (Cairo Editore, 2004). Insieme alla Galleria Forni ha partecipato a numerose fiere d'arte contemporanea, Art Verona, e St-Art Strasbourg, Art Helsinki e Roma Contemporary. "Thanks" è la seconda mostra personale alla Galleria Doppia V di Lugano, dopo quella del 2015 intitolata "When We Were Younger". (Comunicato stampa)

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Brian Eno e David Tremlett
05 settembre - 21 novembre 2020
Galleria Michela Rizzo - Venezia
www.galleriamichelarizzo.net

La mostra che, per la prima volta in assoluto, mette in dialogo e in confronto i due artisti inglesi di levatura internazionale Brian Eno e David Tremlett. Entrambi gli artisti hanno già collaborato in passato con la galleria veneziana ed è grazie a queste precedenti occasioni che è nato questo straordinario connubio artistico. Il percorso della mostra prevede sia opere che nascono da un dialogo stretto tra i due artisti che lavori site specific con sale dedicate a ciascuno.

Brian Eno, considerato uno dei maggiori artisti contemporanei, eclettico e fervente sperimentatore, fondatore della musica ambient, da anni indaga parallelamente il mondo del sonoro e del visuale, spesso creando una connessione tra le due realtà. Attraverso opere quali i Lightbox e Lenticulars, gioca con la mutevolezza delle forme e dei colori, sottoponendoli ai nostri occhi come fossero elementi liquidi. È infatti nella fissa e lenta osservazione dei lightbox che ci sentiamo sprofondare in un'atmosfera acquosa, nella quale il tempo si dilata e dove il nostro sguardo, guidato dai toni cangianti, può concentrarsi su ciò che abbiamo dentro, accompagnandoci in un tentativo di meditazione.

L'opera di Brian non è semplicemente l'oggetto ma l'ambiente, uno spazio nel quale le atmosfere dai profili soffusi e brillanti delle opere visuali si accompagnano alle composizioni sonore, dando origine a una dimensione nella quale potersi perdere, nel fluire di una musica che trascende dall'essere musica e nella contemplazione di elementi mutevoli che si trasformano in stati d'animo. Colore e suono si amalgamano, diventando in qualche modo elementi della stessa cosa, fondendosi in un fluido che scorre in modo continuo e senza intervalli. Le opere di Eno sono strumenti di osservazione che ci trasportano, attraverso le sonorità, in un mondo ovattato e inaspettatamente silenzioso.

David Tremlett, artista dal vissuto intenso, i cui numerosi viaggi e ricerche hanno fortemente inciso sulla sua pratica artistica, è conosciuto in particolare per i suoi grandi interventi murali site specific che ha realizzato in diverse parti del mondo. Attraverso i colori compatti, densi e corposi, ci racconta della concreta bellezza delle cose: le forme semplici e le campiture piatte descrivono i profili di un mondo osservato e tradotto nella semplicità del segno e della materia. Dalle opere su carta ai grandi wall drawing, il disegno di Tremlett si esprime nella sua essenziale purezza, tanto nell'estetica quanto nella realizzazione. Il pigmento è steso sulla parete direttamente con le mani, senza l'utilizzo di strumenti, in un rimando, anche attraverso il gesto, alle origini primitive della pittura.

Molti sono stati gli interventi di David Tremlett realizzati in Italia, paese molto amato dall'artista come lui stesso afferma "Non riesco a pensare a un posto migliore nel mondo, dove avrei potuto lavorare. E lo dico proprio perché ho viaggiato e ho esposto in molte parti del mondo." Le opere di Tremlett, infatti, hanno contraddistinto paesaggi e luoghi caratteristici dell'Italia in modo unico e inconfondibile. Dalla Puglia alle Langhe svariati sono stati gli interventi pubblici negli spazi di antichi edifici, luoghi di culto e costruzioni moderne, sui quali l'artista ha apposto il suo tratto distintivo, inserendolo in modo armonico nel contesto. I wall drawing di David cambiano il volto alle costruzioni già esistenti, ridando loro nuova vita nel rispetto del luogo e del contesto culturale del quale fanno parte, creando una liaison tra il presente e il passato.

Dal colore impalpabile ed etereo alla polvere del pigmento, dalle forme mutevoli e vacue dalle geometrie precise e astratte, le personalità forti e definite di Brian Eno e David Tremlett trovano, all'interno degli spazi della galleria, un terreno fertile dove poter comunicare, innescando un dialogo e un confronto che potenzia e amplia, in maniera incantevole e ammaliante, il lavoro dei due artisti. In appendice alla mostra, la Galleria è felice di esporre un doppio lavoro a firma dei due artisti al di fuori del suo perimetro, nel nuovo spazio "Cosmo", presso Campo San Cosmo, nella ex Chiesa dei Santi Cosma e Damiano. Una innovativa piattaforma professionale per lo sviluppo di progetti e processi artistici, con particolare riferimento all'ambito musicale e sonoro, che nasce per rispondere alla necessità di nuovi modelli di produzione e fruizione con la volontà di valorizzare le professionalità artistiche e tecniche del territorio, attraverso un perimetro in grado di costruire nuovi ponti tra le realtà esistenti, amplificando le ricadute delle eccellenze culturali che risiedono ed attraversano la città. (Comunicato stampa)

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Patrizio Marigliano
"Libri d'artista"

05 settembre (inaugurazione) - 24 settembre 2020
Galleria "Arianna Sartori" - Mantova
info@ariannasartori.191.it

Mostra in concomitanza con il Festival della Letteratura di Mantova in cui il libro è protagonista. L'artista, infatti, ha prescelto proprio i libri - quelli da altri scartati e destinati al macero e da lui riscattati - quale materiale elettivo per le proprie sculture, a tutto tondo o rilievi a parete, arricchite delle più inattese, sorprendenti intrusioni e quindi policromate. La loro qualificazione pittorica essendo non solo il suggello finale dell'iter creativo, ma il momento in cui davvero si opera la metamorfosi e la materia assume il suo significato: non sarà un caso che Marigliano, pur lavorando sui volumi, si senta soprattutto pittore. Un filone della sua ricerca verte tra l'altro proprio sulla correlazione arte-letteratura, come la serie degli Inferni dove libri flamboyants, risolti tra un effetto di combustione ed un prezioso rosso fiamma, recano esplicite citazioni dal III Canto, che proprio all'Inferno introduce.

Ben più prorompente l'incendio de Il grande rogo che esplicita il discorso recando una xilografia di demoni e il frontespizio del cinquecentesco De Maleficiis, mentre un'altra opera della serie Gemmazioni rivela la propria natura offrendo allo sguardo pagine del settecentesco Le grand Théatre Historique di cui è costituito. Queste ultime due opere documentano la svolta monumentale della produzione mariglianea, rispetto alla prima mostra del 2018 della stessa Galleria Sartori: impilati gli uni sugli altri, i libri osano dare la scalata al cielo in forma di nuove torri di Babele, di alberi o di fiori alieni di un pianeta sconosciuto, dominato evidentemente dalla nigredo di un astro senza luce.

Un pianeta in cui una civiltà perduta sembra aver lasciato di sé frammenti archeologici - Ingranaggi preziosi - che paiono manufatti aurei, essendo gli effetti metallici, che coniugano lucentezza e preziosità, i più ricorrenti nell'opera dell'artista. Non necessariamente, però, il logos viene esplicitato con l'ausilio di pagine a stampa o di testi, anzi; di norma, infatti, è la téchne ad avere il sopravvento con i suoi soli strumenti: la sapiente modellazione plastica, le variazioni tonali e luministiche, i ritmi lineari che innervano il pezzo, come nell'Achrome a parete che, con una successione di libri sezionati, costruisce un percorso labirintico, elegantissimo con le sue sfrangiature ma antigeometrico: non è un caso che sia imperniato su un cuore. Non c'è affatto bisogno di appalesare il senso del discorso, svelando il testo di cui l'opera è costituita; a ben vedere, se da un tronco vetusto germinano come boccioli libri modellati, nella serie delle Gemmazioni, non sarà difficile cogliere la relazione legno-pagina e concluderne la derivazione della seconda dal primo.

Ne discende il corollario, esplicitato nel titolo di un'opera (Ex natura enim cultura oritur), della figliazione della stessa cultura dalla natura. È un tema che rivela una marcata sensibilità ecologica del pensiero mariglianeo, postulata anche dal bisogno di arricchire la scultura con intrusioni prevalentemente botaniche, ma in ogni caso naturalistiche. Infine la più recente serie Librarsi in cui i volumi letteralmente lievitano nell'aria e sembrano vincere la forza di gravità seguendo quasi correnti ascensionali e oscillare, se sollecitati, fluttuando nello spazio quasi come gli oscilla degli antichi giardini romani o come i moderni mobiles, ma con un moto dal basso a rappresentare la vocazione verso un'ascesa che è anche fuga dalla realtà, pure presente nel pensiero dell'artista, che arriva talvolta a liberare il libro dal suo esoscheletro, dalla sua copertina rigida, per ottenere il massimo della leggerezza e della duttilità. (Anna Maccabelli)

Patrizio Marigliano (Cremona, 1959) dimostra fin da giovane grande propensione per l'arte. L'attività sartoriale del padre e del fratello, contribuisce a svilupparne il senso del bello. L'assenza, all'epoca, di un Liceo Artistico a Cremona gli impedisce di seguire questa passione. Dopo la Laurea a pieni voti in Economia e Commercio, la carriera bancaria lo porta a ruoli di dirigenza. Non abbandona tuttavia il suo amore per l'Arte. Il matrimonio con Anna Maccabelli, storico dell'Arte, e la comune frequentazione di mostre, musei e città d'arte, arricchiscono la sua conoscenza dei grandi maestri del passato e dei protagonisti dell'arte contemporanea. Di Lui hanno scritto: Tiziana Cordani, Simone Fappanni, Gianluigi Guarneri, Anna Maccabelli, Ezio Maglia, Donatella Migliore, Flavia Motolese, Elena Poli, Vittorio Venturini. La mostra "Libri d'artista" è curata da Arianna Sartori. (Comunicato stampa)

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Archivio
Mensile di Arte - Cultura - Antiquario - Collezionismo - Informazione

Anno XXXII - N. 7 - Settembre 2020

Anno XXXII - N. 6 - Giugno/Luglio/Agosto 2020
Anno XXXII - N. 5 - Maggio 2020
Anno XXXII - N. 4 - Aprile 2020

Raccolta delle Stampe Adalberto Sartori
www.raccoltastampesartori.it

___ Catalogo Sartori d'Arte Moderna e Contemporanea 2020
a cura di Arianna Sartori, ed. Archivio Sartori Editore
Presentazione

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Marianna Accerboni presenta il catalogo su Gillo Dorfles alla trasmissione RadioRai "Sconfinamenti"
Pagina per ascoltare il file mp3

Su RadioRai la trasmissione "Sconfinamenti", con la regia di Massimo Gobessi e la conduzione di Francesco Zardini, presentato il catalogo della mostra "Il segno rivelatore di Gillo", conclusasi alla Biblioteca Statale Stelio Crise di Trieste.

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Icaro delle cadute
Lucia Lamacchia - Franco Raggi

09 settembre (inaugurazione ore 11-21) - 01 ottobre 2020
Galleria Francesco Zanuso - Milano

La mostra è il racconto per immagini di Lucia Lamacchia e Franco Raggi intorno al tema della caduta evocata nel metaforico viaggio di Icaro. Un connubio concettuale e iconico caratterizza le opere dei due artisti dove i soggetti che cadono, realizzati da Lucia Lamacchia, trovano luoghi simbolici sui quali atterrare nei lavori di Franco Raggi. Un parallelismo che allude al mito di Icaro sia per quanto concerne l'atto della caduta, sia nel ricordo di suo padre, Dedalo, architetto e creatore, in questo caso, di strutture pronte ad accogliere e attenuare lo schianto.

Lucia Lamacchia dal 2010 dedica la sua ricerca artistica allo studio del vuoto. Le figure che ritrae, persone, animali e oggetti sono rappresentati in caduta libera, in posizioni differenti, con atteggiamenti di resistenza o di abbandono nei confronti della gravità. Attorno a loro, lo spazio totalmente bianco del foglio descrive il vuoto, l'assenza, che, in una sorta di gioco fra elementi contrapposti con i personaggi disegnati, assume fondamentale importanza. La selezione di opere in mostra, realizzate fra il 2018 e il 2020, presenta persone e animali; si passa da un boxeur ad una calciatrice che nel movimento atletico perdono l'equilibrio, fino a un direttore che a braccia aperte, sprofonda in uno spazio sconosciuto. Caratterizzati da un tratto delicato e dai colori sfumati, questa serie disegni a pennarello su carta vuole essere come afferma l'artista "un'esortazione a godersi la caduta, nell'ottica positiva che questa sia una metamorfosi, un nuovo inizio…".

In direzione analoga sono orientati i disegni di Franco Raggi, pensati come risposta alle figure cadenti di Lucia Lamacchia; paesaggi immaginari dal titolo "Luoghi organizzati per cadute improbabili" che danno vita ad ambienti adatti alle cadute, predisposti ad attutire il colpo, a salvare, coloro che precipitano. L'artista inserisce in scenari naturali e desolati, scarsi di vegetazione, delle costruzioni arcaiche e irreali, tralicci, muri, stanze senza soffitti, zattere, strutture labirintiche, con al loro interno teli, cuscini, tappeti erbosi, parti morbide per alleviare l'impatto al suolo. In questi lavori ad inchiostro nero e acquerello emerge la vena ironica e paradossale legata alla poetica di Franco Raggi che, nei suoi disegni, allestimenti, scenografie e oggetti, spesso si sofferma su collegamenti tra concetti opposti come "Stabile/Instabile", "Mobile/Immobile", "Antico/Moderno". Un dualismo che si intuisce anche nella lampada "La Classica" progettata nel 1975, prodotta oggi dall'artista in serie limitata ed esposta al centro della Galleria.

Lucia Lamacchia esordisce lavorando come grafica e art director per F.C.Internazionale a Milano, affiancando Roberto Carra per Oliviero Toscani. Il suo portfolio viene selezionati da Fabrica, centro di ricerca Benetton, e un suo progetto dal dipartimento in Arti e nuove tecnlogie, M-Node (NABA/Planetary-Collegium). Nel 2016 lavora per Radio24 e collabora all'allestimento di eventi per il quotidiano Il Sole 24 Ore. In occasione del Salone del Mobile 2017 cura per Ron Gilad, direttore creativo di Danese Milano-Artemide, il nuovo catalogo storico illustrato, selezionato nel 2018 da ABC Aiap Book Community, esposizione dei migliori progetti di grafica editoriale. Nello stesso anno si svolge la sua prima personale presso lo Spazio32 per la Fondazione Carispezia. Nel 2019 un suo disegno entra a far parte di UDHR Posters, progetto di esposizione itinerante dedicato alla dichiarazione universale dei diritti dell'uomo. Il poster è stato selezionato da Aiap per la mostra "Italian design" presso il Taiwan Design Museum in occasione di un focus sul visual design e sulla produzione grafica contemporanea italiana.

Franco Raggi architetto e designer, dal 1971 al 1976 è stato redattore di Casabella diretta da Alessandro Mendini con il quale ha fondato nel 1977 la rivista Modo di cui è stato caporedattore e direttore. Ha fatto parte dei gruppi del Radical design. Nel 1975-76 ha collaborato alla Sezione Arti visive Architettura della Biennale di Venezia; nel 1980 ha curato la Raccolta del Design per la Triennale di Milano e nel 1989 ha curato la Sezione Design nella mostra "Il futuro delle metropoli" alla XVIII Triennale; dal 1996 al 1998 ha coordinato il Dipartimento di Architettura all'Istituto Europeo di Design di Milano. Ha tenuto corsi e seminari in Italia presso Politecnico di Milano, Domus Academy e NABA; all'estero presso l'Architectural Association di Londra, Scuola d'Arti e Mestieri di Tolosa e l'istituto ENSAD di Parigi. Dal 2001 insegna Interior Design all'ISIA di Firenze. Come designer ha progettato per varie aziende tra le quali Fontana Arte, Cappellini, Poltronova, Luceplan, Barovier & Toso, Artemide, Danese e Zeus. Sue opere sono nelle collezioni del MoMA, New York, del Centre Pompidou di Parigi, del FRAC Centre di Orléans e della collezione del Museo della Triennale di Milano.

La Galleria Francesco Zanuso, fondata nel 2010 dall'omonimo medico e collezionista milanese con una particolare predilezione per la Scuola Romana, l'Arte Povera ed il Nouveau Realisme, prosegue nella sua fervida ricerca e nella stimolante attività espositiva con l'obiettivo di promuovere giovani artisti emergenti. Le scelte stilistiche vedono una forte attenzione rivolta alla pittura astratta e figurativa, alla fotografia, alla scultura ed al design. Situata in uno dei quartieri storici più caratteristici di Milano, la galleria rappresenta quindi un importante punto di riferimento per i collezionisti interessati alla produzione artistica contemporanea internazionale. (Comunicato ufficio stampa IBC Irma Bianchi Communication)

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IIIa Biennale d'arte di Ciminna
"BellezzArtEstetica"

inaugurazione 29 agosto 2020, ore 18.00
Polo Museale ex Ospedale Santo Spirito - Ciminna (Palermo)

Dedicata alla memoria dell'artista Michele Dixit è un'immagine sintetica della pittura, non ci sono orpelli non ci sono inutili particolari che può distoglierci dalla pittura e dal rapporto con l'opera. La mostra è curata da Vito Mauro che ha scelto per la IIIa edizione, 34 artisti e sono Giacinto Alessi, Angelo Amato, Eliana Avanzato, Gaetano Barbarotto, Liana Barbato, Alessandro Bronzini, Samuel Campagna, Francesco Maria Cannella. Ilaria Caputo, Sebastiano Caracozzo, Aurelio Caruso, Giorgio Chiesi, Elio Corrao, Giuseppa D'Agostino, Angelo Denaro, Giusy Di Falco, Daniela Gargano, Vincenzo Michele Grimaldi, Ninni Iannazzo, Caterina Lala, Anna Giuseppina La Paglia, Maria Pia Lo Verso, Gabriella Lupinacci, Sara Mineo, Maria Giovanna Peri, Antonino G. Perricone, Giorgio Puleo, Caterina Rao, Clotilde Rinella, Cinzia Romano La Duca, Angela Sarzana, Enzo Tardia, Elide Triolo, Giuseppe Uzzaco.

Scrive nel suo testo in catalogo Tommaso Romano "Avere nuovamente puntato in un momento così capitale a riprendere il filo della proposta estetica come soluzione di continuità ma anche come atto di coraggio è un segno alto di intrapresa culturale ed etica che la città di Ciminna con la sua biennale giunta alla III edizione e attraverso l'opera di tanti artisti che in modo plurale declinano una tale consapevolezza e altro piccolo ma miracoloso evento che certamente si deve alla comunità ciminnese, ma soprattutto alla determinazione coerente del suo curatore". Testi in catalogo di Gonzalo Alvarez Garcia, Vito Mauro e Tommaso Romano. La mostra si avvale della direzione tecnica dell'Associazione Culturale Studi 71 di Palermo. (Comunicato stampa)

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Ritorno al passato - Matera 1920
07 agosto - 26 settembre 2020
www.fondazionesassi.org/ritorno-al-passato-matera-1920

Un tuffo nel passato per rivivere la Matera del 1920 e il clima di un tipico vicinato dei rioni Sassi, assistendo alle dinamiche fra i suoi abitanti, riscoprendo gli ambienti e le attività che vi si svolgevano. Dall'incontro tra il laboratorio teatrale di comunità, a cura delle associazioni Giallo Sassi e Mysterium Materiae, i suggestivi ambienti della Fondazione Sassi e i racconti delle donne e degli uomini che li hanno vissuti, nasce il primo tassello di un progetto di ampio respiro. Un percorso esperienziale che permetterà al visitatore di rivivere le atmosfere del forno di vicinato e delle corti, luoghi di lavoro che diventavano lo scenario naturale di storie, pettegolezzi, invidie e segreti. Per conoscere le altre date e tutte le indicazioni per poter partecipare a questo inusuale tour del Sasso Barisano occorre visitare il sito.

Non è possibile comprendere i Sassi di Matera se non si coglie l'anima pulsante dello spirito del vicinato. Oggi giorno una parte molto limitata degli antichi rioni è realmente abitata da cittadini, per cui passeggiando tra vicoli e piazze non è facile intuire quello spirito che caratterizzava la vita nei Sassi. Il fulcro dell'insediamento umano nei Sassi era il vicinato, micro aggregazione familiare e sistema autonomo, con un suo equilibrio interno, con sistemi di valori e comportamenti accettati da tutti. Lo schema insediativo del vicinato generalmente comprendeva una decina di abitazioni, alcune semi interrate, tutte affacciate su cortili e piazzette. Dalla coabitazione esterna scaturiva l'esigenza di far sapere dove si andava, cosa si faceva, o eventualmente di mentire e fingere, per cui il vicinato era un "teatro" pubblico e i vicini erano il pubblico.

C'era una sorta di teatralità nei movimenti e nella gestualità soprattutto delle donne. Erano loro a vivere maggiormente i Sassi e alle madri era demandata la gestione della famiglia e delle relazioni sociali, l'uomo era in genere solidale con la sua donna, ma erano le madri a gestire liti, amicizie, fidanzamenti e matrimoni. Le ragazze da marito, le vacantje, per salvaguardare la propria onorabilità non comparivano mai in pubblico da sole, le madri erano infatti molto rigide nell'educare le figlie al rispetto delle norme sociali della comunità e le difendevano strenuamente dalla malignità e dall'invidia delle vicine. Nei cortili, nelle strade e negli ambienti ipogei del vicinato della Fondazione Sassi, nel rione San Biagio, rivivranno liti, sogni e aspirazioni di un gruppo di madri e figlie vissute esattamente 100 anni fa, al tempo dell'epidemia di Spagnola. Un parallelo con il 2020 e il covid-19 che permetterà di giustificare in chiave ironica e teatrale, la presenza del distanziamento sociale e delle misure precauzionali, ma anche di dare un messaggio di speranza. (Comunicato stampa)

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Piero Gilardi
inaugurazione 29 agosto 2020
CollAge Collection Storage - Todi (Perugia)

CollAge - Collection Storage è bottega delle arti nata dall'incontro delle passioni di Matteo Boetti per il mondo dell'arte e per la natura. Un luogo, nel cuore di Todi, che accoglie opere della sua ampia collezione raccolte dal 1993 al 2019 e che ospita, tra gli altri, anche autorevoli nomi del secondo Novecento. Uno spazio pensato per ospitare mostre temporanee, presentazioni di libri, reading di poesie e dove ricordare le giovanili esperienze musicali con i CD a tiratura limitata con copertine d'autore.

La programmazione prende avvio con una personale di Piero Gilardi, che per l'occasione presenta una serie di lavori inediti accompagnati da un testo critico di Roberto Lambarelli. Artista di fama internazionale, attivista, teorico e promotore culturale, conosciuto per i suoi numerosi interventi artistici in ambito sociale e per opere legate al tema della natura - esplorato attraverso l'utilizzo avanguardistico della tecnologia e con l'intento di una fruizione interattiva dell'opera - Gilardi condivide, in questa sede, il suo divertissement per il disegno. Realizzate in giro per il mondo con matite colorate e pennarello nero, le carte esposte ci raccontano, sotto forma di immagini, di una personale esperienza immersiva nella natura. Una produzione intima, distante dai suoi tipici dispositivi espressivi, legata a un'essenza più riservata del suo lavoro e frutto dell'osservazione dettagliata della natura, tesa a introiettarne le immagini. È l'artista stesso a indicarcene le ragioni più profonde: coltivare il reincanto per la natura, che d'altronde è uno dei più incisivi leitmotif del suo lungo percorso. (Comunicato stampa)

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Paolo Ventura
Carousel

17 settembre - 08 dicembre 2020
CAMERA Centro Italiano per la Fotografia - Torino
www.camera.to

Un percorso nell'eclettica carriera di Paolo Ventura (Milano, 1968), uno degli artisti italiani più riconosciuti e apprezzati in Italia e all'estero. Dopo aver lavorato per anni come fotografo di moda, all'inizio degli anni Duemila si trasferisce a New York per dedicarsi alla propria ricerca artistica. Sin dalle sue prime opere Ventura unisce alla grande capacità manuale una particolare visione poetica del mondo, costruendo delle scenografie nelle quali prendono vita brevi storie fiabesche e surreali, immortalate poi dalla macchina fotografica. Con «War Souvenir» (2005), rielaborazione delle atmosfere della Prima Guerra Mondiale attraverso piccoli set teatrali e burattini, ottiene i primi importanti riconoscimenti, come l'inserimento nel documentario della BBC «The Genius of Photography» nel 2007. Dopo dieci anni negli Stati Uniti, rientra in Italia dove realizza alcuni dei suoi progetti più celebri, nei quali mescola fotografia, pittura, scultura e teatro, come ad esempio nella scenografia di «Pagliacci» di Ruggero Leoncavallo, frutto dell'importante collaborazione con il Teatro Regio di Torino, di cui Camera ha esposto alcuni lavori preparatori a gennaio del 2017.

In quest'occasione le sale del museo ospitano alcune delle opere più suggestive degli ultimi quindici anni - provenienti da svariate collezioni, oltre che dallo studio dell'artista - in un'assoluta commistione di linguaggi che comprende disegni, modellini, scenografie, maschere di cartapesta e costumi teatrali. Non si tratta, tuttavia, di un percorso lineare né di una retrospettiva, quanto piuttosto di una messa in scena di tutti i temi ricorrenti della sua poetica, fra i quali spiccano quello del doppio e della finzione. Le prime sale dello spazio espositivo torinese diventano quindi un'autentica full immersion nella poetica di Ventura, un vero e proprio ingresso all'officina dove nascono e si compongono le storie elaborate dall'artista. Un viaggio e un racconto, dunque, secondo quelli che sono i temi e le modalità espressive predilette da Ventura, rappresentante di una fotografia volutamente narrativa: non a caso, i testi che accompagneranno questo percorso saranno stesi e scritti direttamente dall'artista, che diviene la voce narrante della mostra.

La seconda metà dell'esposizione sarà invece dedicata interamente a due nuovi e inediti progetti: il primo è "Grazia Ricevuta", rivisitazione affettuosamente ironica del tema dell'ex voto, che Ventura naturalmente rielabora a partire dalla manipolazione dell'immagine e dalla presenza costante della sua figura e di quella delle persone a lui vicine. Un ulteriore affondo nella cultura popolare, così amata e ben conosciuta da Ventura, una cultura che da sempre fornisce icone e tematiche al multiforme artista milanese. Il secondo lavoro inedito è l'esito della partecipazione di Ventura al programma "ICCD/Artisti in residenza", avviato a partire dal 2017 dall'Istituto Centrale per il Catalogo e la Documentazione di Roma. Dalla riflessione sulla rappresentazione delle vicende risorgimentali, Ventura indaga il tema della guerra e della sua rappresentazione in fotografia, influenzata dalla difficile accettazione della modernità del mezzo fotografico in un paese fortemente legato alla tradizione come l'Italia del XIX secolo. Tutto questo attraverso il romanzesco rinvenimento di una serie di rare carte salate risalenti al periodo risorgimentale, nel corso della residenza romana dell'artista.

Conclude la mostra, curata da Walter Guadagnini, una grande e spettacolare installazione, che trasforma l'intero lungo corridoio di Camera nel palcoscenico sul quale appare e si sviluppa una città immaginaria, composta dalle tante architetture realizzate da Ventura nel corso degli anni, riassemblate e reinventate per questa occasione in un allestimento di grande suggestione. La mostra sarà accompagnata da un volume monografico, pubblicato da Silvana Editoriale, che ripercorre per la prima volta in modo esaustivo e organico tutte le tappe salienti della ricerca dell'artista. (Comunicato stampa Studio Esseci)

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Ragnar Kjartansson
The Sky in a Room

22 settembre - 25 ottobre 2020
Chiesa di San Carlo al Lazzaretto - Milano
www.fondazionenicolatrussardi.com

Il progetto dell'artista islandese Ragnar Kjartansson (Reykjavík, 1976), a cura di Massimiliano Gioni, pensato per la Chiesa di San Carlo al Lazzaretto di Milano, è stato concepito in seguito al difficile periodo di quarantena che ha segnato la vita pubblica e privata di milioni di italiani, in particolare dei cittadini della Lombardia: ancora una volta un intervento dalla forte valenza simbolica, voluto dalla Presidente Beatrice Trussardi e dal Direttore Artistico Massimiliano Gioni nel diciottesimo anno di attività nomade della Fondazione Nicola Trussardi, per entrare in dialogo con la storia passata e recente della città di Milano.

Ogni giorno, cantanti professionisti si alterneranno, uno alla volta, all'organo della Chiesa di San Carlo al Lazzaretto - detta anche San Carlino - per eseguire un etereo arrangiamento della celebre canzone di Gino Paoli, Il cielo in una stanza, che si ripeterà ininterrottamente per sei ore al giorno, come una ninna nanna infinita. "Il cielo in una stanza è l'unica canzone che conosco che rivela una delle caratteristiche fondamentali dell'arte: la sua capacità di trasformare lo spazio." spiega l'artista. "In un certo senso, è un'opera concettuale. Ma è anche una celebrazione del potere dell'immaginazione - infiammata dall'amore - di trasformare il mondo attorno a noi. È una poesia che racconta di come l'amore e la musica possano espandere anche lo spazio più piccolo, fino ad abbracciare il cielo e gli alberi... L'amore sa leggere ciò che è scritto sulla stella più lontana, diceva Oscar Wilde."

Le opere di Ragnar Kjartansson - che alternano video, performance, musica e pittura - sono caratterizzate da un senso di profonda malinconia e sono spesso ispirate alla tradizione del teatro e della letteratura nordica del Novecento, con riferimenti che si possono ricondurre all'opera di Tove Janson, Halldór Laxness, Edvard Munch e August Strindberg, tra gli altri. Cresciuto in un contesto artistico e musicale colto - i genitori sono attori teatrali di successo, la madrina è una cantante folk professionista - Kjartansson intraprende la carriera di musicista con diversi gruppi, tra cui i Kanada, i Kósý, e i Trabant, con cui gira in tournée sia in Islanda sia a livello internazionale. Dal 2007 si dedica interamente alle arti visive, ma i rapporti con la musica e con il teatro - come strumenti espressivi e universi sentimentali - restano centrali in molte sue opere.

In particolare, la ripetizione di suoni e gesti è un elemento fondamentale nelle sue composizioni e coreografie, che sono state spesso descritte come forme di meditazione e di riflessione nelle quali ritornelli, frasi e arie musicali sono trasformate in litanie toccanti e mantra ipnotici. Dopo mesi trascorsi nello spazio chiuso delle proprie abitazioni, accanto ai propri cari o, più tristemente, lontani dai familiari e dagli affetti - rendendosi conto della propria solitudine e soffrendo per le persone perse nella lotta contro la pandemia - la performance di Kjartansson può essere letta come un poetico memoriale contemporaneo: un inusuale monumento e un'orazione civile in ricordo dei dolorosi mesi passati a immaginare il cielo in una stanza e a sognare nuovi modi per stare insieme e per combattere la solitudine e l'isolamento.

The Sky in a Room - performance inizialmente commissionata da Artes Mundi e dal National Museum of Wales di Cardiff, con il supporto del Derek Williams Trust e dell'ArtFund - per questa presentazione verrà messa in scena nella Chiesa di San Carlo al Lazzaretto, un luogo la cui storia è intimamente legata a precedenti epidemie, dalla peste del 1576 a quella del 1630, resa celebre da I promessi sposi di Alessandro Manzoni che cita in più occasioni il Lazzaretto nel romanzo e vi ambienta uno dei capitoli più noti. Concepita inizialmente come un altare da campo nel centro del Lazzaretto edificato dall'architetto Lazzaro Palazzi, la chiesa venne progettata da Pellegrino Tibaldi su commissione del cardinale Carlo Borromeo nel 1576.

Originariamente aperta su tutti i lati così che i malati potessero assistere alle funzioni rimanendo all'esterno, la chiesa è stata poi trasformata dall'architetto Giuseppe Piermarini a cavallo tra Settecento e Ottocento. Sopravvissuta alle trasformazioni di quasi cinque secoli, San Carlino è un luogo che racconta la storia di Milano e dei suoi cittadini attraverso stratificazioni profonde. Nel 2017 la chiesa è stata oggetto di un restauro completo finanziato dalla Fondazione Rocca in ricordo di Roberto Rocca. The Sky in a Room di Ragnar Kjartansson fa parte di una serie di progetti realizzati dal 2013 dalla Fondazione Nicola Trussardi: mostre temporanee, incursioni, performance e interventi pop-up che hanno portato a Milano artisti internazionali tra cui Ibrahim Mahama, Jeremy Deller, Sarah Lucas, Gelitin, Darren Bader e Stan VanDerBeek.

La Fondazione Nicola Trussardi è un'istituzione no profit privata, un museo nomade per la produzione e la diffusione dell'arte contemporanea in contesti molteplici e attraverso i canali più diversi, che nasce a Milano nel 1996. Le sue attività sono rese possibili grazie alla generosità delle socie fondatrici e di un gruppo di sostenitrici e sostenitori che ne supporta i progetti. Con The Sky in a Room continua così il percorso intrapreso dalla Fondazione nel 2003, per portare l'arte contemporanea nel cuore della città di Milano, riscoprendo e valorizzando luoghi dimenticati o insoliti. Dopo importanti mostre personali tra cui quelle di Allora & Calzadilla, Pawel Althamer, Maurizio Cattelan, Tacita Dean, Michael Elmgreen & Ingar Dragset, Urs Fischer, Peter Fischli e David Weiss, Paul McCarthy, Paola Pivi, Pipilotti Rist, Anri Sala e Tino Sehgal e le due grandi mostre a tema La Grande Madre (2015) e La Terra Inquieta (2017).

Ragnar Kjartansson è uno degli artisti contemporanei più noti della sua generazione. Negli ultimi dieci anni il suo lavoro è stato celebrato dai più importanti musei internazionali. Nel 2019 è stato uno degli artisti più giovani ad avere una mostra personale al Metropolitan Museum di New York. Ha esposto due volte alla Biennale di Venezia, dove ha anche rappresentato l'Islanda nella partecipazione ufficiale del 2009, e ha presentato il suo lavoro all'Hangar Bicocca di Milano, alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino e all' EX3 di Firenze, oltre che al New Museum di New York, il Kunstmuseum di Stoccarda, il Palais de Tokyo di Parigi, il Barbican di Londra e la Carnegie di Pittsburgh. Kjartansson ha vinto prestigiosi premi tra cui nel 2019 l'Ars Fennica Award e nel 2011 il Performa Malcolm McLaren Award. (Comunicato ufficio stampa Fondazione Nicola Trussardi)

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Tutti al mare
09 agosto - 11 ottobre 2020
www.alangattamorta.it

Il pittore Alan Gattamorta presenterà sul sito antologico una rassegna di 20 acrilici su carta.

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Marc Chagall: "Anche la mia Russia mi amerà"
19 settembre 2020 - 17 gennaio 2021
Palazzo Roverella - Rovigo

Una selezione di oltre cento opere, circa 70 i dipinti su tela e su carta oltre alle due serie di incisioni e acqueforti pubblicate nei primi anni di lontananza dalla Russia, "Ma Vie", 20 tavole che illuminano la sua precoce e dolorosa autobiografia, e "Le anime morte" di Gogol, il più profondo sguardo sull'anima russa della grande letteratura. Le opere esposte provengono oltre che dagli eredi dell'artista, con un vasto e generoso prestito, dalla Galleria Tretyakov di Mosca, dal Museo di Stato Russo di S. Pietroburgo, dal Pompidou di Parigi, dalla Thyssen Bornemisza di Madrid e dal Kunstmuseum di Zurigo e da importanti e storiche collezioni private, con alcuni dei più grandi capolavori dalla "Passeggiata" all'"Ebreo in rosa", a "Il matrimonio", "Il Gallo", "Guanto nero" e altri.

Una mostra che non intende raccontare "di tutto un po'" ma sceglie un tema preciso e lo approfondisce attraverso una selezione dei suoi capolavori imprescindibili. Il tema su cui la curatrice Claudia Zevi ha scelto di misurarsi è quello dell'effetto che la cultura popolare russa ha avuto su tutta l'opera di Chagall, con maggiore impatto realistico quando viveva nella Russia del primo ventennio del Novecento, ma altrettanto prepotentemente, nelle figure di animali, case e villaggi, sempre presenti nei dipinti dei suoi lunghi anni successivi a Parigi, in America, nel Sud della Francia. Questa mostra intende analizzare in modo ampio e perfettamente documentato l'altro terreno di coltura della stessa iconografia dell'artista, ovvero la tradizione popolare, della Russia profonda.

Un'iconografia fatta di religiosità, in cui si ritrovano echi dell'iconografia religiosa stratificatasi nelle icone e nelle vignette popolari dei "lubki" i cui personaggi come il gallo, le capre e le vacche che popolavano la quotidianità dei villaggi russi, ritroveremo anche nelle opere tarde di Chagall. Questi elementi si metamorfizzano nell'opera di Chagall in una sorta di realismo poetico che attinge dalla tradizione della favola russa la propria sintassi espressiva, mentre deriva dal mondo ebraico e cristiano ortodosso la propria cifra intellettuale e spirituale. La rielaborazione, attuata attraverso i fili della sua memoria, della cultura popolare russa con la sua ricchezza di immagini e di leggende, coniugata con il misticismo fantastico della tradizione chassidica, verranno a costituire l'armamentario specifico cui l'artista ricorrerà sempre, nel corso della sua lunga vita, per definire un linguaggio che ancora oggi è in grado di comunicare come pochi con la nostra sensibilità postmoderna.

Nelle sue opere i ricordi divengono "presenze", popolano i suoi dipinti comparendo anche là dove non te li aspetti, come le capre o le isbe inserite nella rappresentazione di un bouquet che è a sua volta composto da fiori e da visioni. Questa mostra intende porre in discussione anche il tema della posizione singolare che Chagall occupa nella storia dell'arte del XX secolo. Senza mai confondersi con il dibattito delle avanguardie, la sua pittura tuttavia rimane sempre aperta alle esigenze del modernismo, ma senza necessitare di alcuna rottura con il mondo della memoria e delle forme tradizionali. Nella sua opera straordinaria e originalissima non viene mai a mancare l'esigenza utopica propria dell'avanguardia, senza mai interferire con il mondo delle emozioni e dell'affettività, che divengono, nella sua opera, un elemento di arricchimento e di originalissima definizione formale.

E così, pur scegliendo di vivere, come lui stesso dice 'voltando le spalle al futuro', Chagall si trova ad avere codificato un linguaggio e una sintassi espressiva che sopravvivranno, ben più delle avanguardie tradizionali del '900, al trascorrere del tempo e al modificarsi delle situazioni politiche e sociali del XX secolo. E in tutto ciò la Russia rimane il luogo delle radici, della memoria di un amore che avverte deluso e che sogna potersi realizzare. "Anche la mia Russia mi amerà", sono le parole con cui conclude "Ma Vie", l'autobiografia illustrata che Chagall pubblicò, appena trentaquattrenne, a Berlino all'inizio dell'esilio, consapevole che questa volta la separazione dalla Russia sarebbe stata definitiva. La mostra, che si avvarrà della collaborazione della Fondazione Culture Musei e del Museo delle Culture di Lugano, è accompagnata da un catalogo - a cura di Claudia Zevi - pubblicato da Silvana Editoriale, con saggi di Maria Chiara Pesenti, Giulio Busi, Michel Draguet e Claudia Zevi. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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L'opera di Paolo Gubinelli
Monastero di Camaldoli (Arezzo), 10 luglio - 23 agosto 2020
Monastero di Fonte Avellana (Pesaro e Urbino), 01 agosto - 30 settembre 2020

"Nunc videmus per speculum et in enigmate…", aveva detto San Paolo. Vediamo come attraverso uno specchio e sotto forma di enigma. Un giorno vedremo in verità e splendore. Ma intanto, che fare? Se il mondo visibile è lo specchio del mistero, come può la poesia in parole o la poesia in figura ("ut pictura poesis", vale ancora e varrà sempre l'antica equivalenza, questo catalogo ce ne fornisce persuasiva testimonianza) come può la poesia sciogliere l'enigma? O, per meglio dire, come può tentare di avvicinarsi alla soluzione dell'enigma? Aprite un qualsiasi manuale di storia dell'arte e vi accorgerete che i modi tentati dai pittori per attraversare lo specchio paolino sono innumerevoli; dai grafiti rupestri del Sahara agli sberleffi Dada, dagli affreschi di Piero della Francesca ai sacchi di Burri. Non è dato a nessun artista, sotto il cielo, sciogliere l'enigma ma nessuno merita l'arduo e scomodo titolo di artista se non ci prova.

Paolo Gubinelli ci ha provato e ci prova con ascetica pazienza ma anche (mi si perdoni l'ossimoro) con una specie di furiosa determinazione. Cosa sono le sue ermetiche carte trasparenti, le sue criptiche incisioni, le sue piegature esatte melodiose e misteriose, simili ai segni che le onde lasciano sulla sabbia? Sono "icone del disordine" (Venturoli) o piuttosto di un ordine sepolto che un giorno ci sarà dato comprendere? Sono i crittogrammi di un alfabeto incognito che allude ai segreti della "razionalità induttiva" (Argan). Oppure sono, le carte di Gubinelli, i segni di "un poeta nel tempo della povertà", come ha detto con una bella immagine Carmine Benincasa? Io non so rispondere. So però che - se privilegio e destino dell'artista è auscultare il mistero del mondo e mettere in figura le chiavi della interpretazione possibile - Paolo Gubinelli è un artista vero. (Antonio Paolucci, febbraio 2004)

Paolo Gubinelli (Matelica - Macerata, 1945) si diploma presso l'Istituto d'arte di Macerata, sezione pittura, continua gli studi a Milano, Roma e Firenze come grafico pubblicitario, designer e progettista in architettura. Giovanissimo scopre l'importanza del concetto spaziale di Lucio Fontana che determina un orientamento costante nella sua ricerca: conosce e stabilisce un'intesa di idee con gli artisti e architetti: Giovanni Michelucci, Bruno Munari, Ugo La Pietra, Agostino Bonalumi, Alberto Burri, Enrico Castellani, Piero Dorazio, Emilio Isgrò, Umberto Peschi, Edgardo Mannucci, Mario Nigro, Emilio Scanavino, Sol Lewitt, Giuseppe Uncini, Zoren. Partecipa a numerose mostre personali e collettive in Italia e all'estero. Le sue opere sono esposte in permanenza nei maggiori musei in italia e all'estero. Nella sua attività artistica è andato molto presto maturando, dopo esperienze pittoriche su tela o con materiali e metodi di esecuzione non tradizionali, un vivo interesse per la "carta", sentita come mezzo più congeniale di espressione artistica: in una prima fase opera su cartoncino bianco, morbido al tatto, con una particolare ricettività alla luce, lo incide con una lama, secondo strutture geometriche che sensibilizza al gioco della luce piegandola manualmente lungo le incisioni.

In un secondo momento, sostituisce al cartoncino bianco, la carta trasparente, sempre incisa e piegata; o in fogli, che vengono disposti nell'ambiente in progressione ritmico-dinamica, o in rotoli che si svolgono come papiri su cui le lievissime incisioni ai limiti della percezione diventano i segni di una poesia non verbale. Nella più recente esperienza artistica, sempre su carta trasparente, il segno geometrico, con il rigore costruttivo, viene abbandonato per una espressione più libera che traduce, attraverso l'uso di pastelli colorati e incisioni appena avvertibili, il libero imprevedibile moto della coscienza, in una interpretazione tutta lirico musicale. Oggi questo linguaggio si arricchisce sulla carta di toni e di gesti acquerellati acquistando una più intima densità di significati. Ha eseguito opere su carta, libri d'artista, su tela, ceramica, vetro con segni incisi e in rilievo in uno spazio lirico-poetico. (Comunicato stampa)

___ EN

"Nunc videmus per speculum et in enigmate...", Saint Paul told us. What are we to do in the meantime? If the visible world is a mirror of the mystery, how can poetry in words or poetry in images ("ut pictura poesis", an ancient and forever valid equivalence to which the present catalogue persuasively testifies), how can poetry solve the enigma? Or, better yet, how can it best endeavor to approach a solution of the enigma? Open any history of art manual and you will see the countless ways attempted by painters to cross through that mirror of Saint Paul's; from the Sahara rock graffiti to the Dada pranks, from Piero della Francesca's frescoes to Burri's famous sack paintings. No artist under the sun has the ability to solve the enigma, but an artist who does not even try does not deserve to be called an artist, as arduous and inconvenient as the title may be.

Paolo Gubinelli has consistently tried, with his ascetic patience, and even with (excusing the oxymoron) a sort of furious determination. What else are those hermetic transparent works of his on paper, his cryptic incisions, his musical and mysterious, yet exact, folds, reminiscent of the marks incoming waves leave on a sandy seashore? Are they "icons of disorder" (Venturoli) or else a buried order which we shall be allowed to understand one day? Are they cryptograms of an unknown alphabet alluding to the secrets of the "inductive method of reasoning" (Argan), or are Gubinelli's works on paper the signs of "a poet in times of poverty," as Carmine Benincasa described them in a particularly fine image? I wouldn't know how to answer that. But I do know - if it is the privilege and destiny of an artist to sound out the mystery of the world and to transpose the keys of a possible interpretation into images - that Paolo Gubinelli is a true artist. (Antonio Paolucci, February 2004)

Born in Matelica (province of Macerata) in 1945, Paolo Gubinelli lives and works in Florence. He received his diploma in painting from the Art Institute of Macerata and continued his studies in Milan,Rome and Florence as advertising graphic artist, planner and architectural designer. While still very young, he discovered the importance of Lucio Fontana's concept of space which would become a constant in his development: he became friends with such artists as : Giovanni Michelucci, Bruno Munari, Agostino Bonalumi, Alberto Burri, Enrico Castellani, Piero Dorazio, Emilio Isgrò, Ugo La Pietra, Umberto Peschi, Emilio Scanavino, Edgardo Mannucci, Mario Nigro, Sol Lewitt, Giuseppe Uncini, and Zoren, and established a communion of ideas and work. His works have also appeared as an integral part of books of previously unpublished poems by major Italian poets foreigners. He participated in numerous personal and collective exhibitions in Italy and abroad.

Following pictorial experiences on canvas or using untraditional materials and techniques, he soon matured a strong interest in "paper" which he felt the most congenial means of artistic expression. During this initial phase, he used a thin white cardboard, soft to the touch and particularly receptive to light, whose surface he cut with a blade according to geometric structures to accent the play of light and space, and then manually folded it along the cuts. In his second phase, he substituted thin white cardboard with the transparent paper used by architects, still cutting and folding it, or with sheets arranged in a room in a rhythmic-dynamic progression, or with rolls unfurled like papyruses on which the very slight cuts challengingperception became the signs of non-verbal poetry. In his most recent artistic experience, still on transparent paper, the geometric sign with its constructive rigor is abandoned for a freer expression which, through the use of colored pastels and barely perceptible cuts, translates the free, unpredictable motion of consciousness in a lyrical-musical interpretation. Today, he expresses this language on paper with watercolor tones and gestures which lend it a greater and more significant intensity. He made white and colour pottery where engraved and relief signs stand out in a lyrical-poetic space. (Press release)

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"Mio vanto, mio patrimonio"
29 agosto 2020 - 10 gennaio 2021
Museo della Città - Pienza (Siena)

Mostra sull'arte del Novecento. A precisare il titolo viene "la visione di Leone Piccioni", a indicare che quel Novecento in pittura è quello che è stato scelto, riunito e appeso alle pareti della sua casa da un fine intellettuale, Piccioni appunto, nel corso di una intera vita. Ciascun collezionista crea una collezione che lo rispecchia, che di lui è un po' il reale ritratto. La collezione d'arte - davvero magnifica - che Leone Piccioni (Torino, 9 maggio 1925 - Roma, 15 maggio 2018) ha riunito nel corso di tutta la sua lunga esistenza, è il chiaro specchio del suo essere stato uno dei più fini intellettuali che l'Italia abbia potuto vantare la seconda metà del "secolo lungo". Dietro ciascuna delle oltre 95 opere esposte al Museo della Città c'è una frequentazione, una precisa assonanza, un richiamo con la poesia o la letteratura, un pensiero condiviso. Ma anche la semplice emozione d'un momento.

L'elenco, in rigoroso ordine alfabetico degli artisti della Collezione Piccioni, recita i nomi di: Afro Basaldella, Remo Bianco, Alberto Burri, Giuseppe Capogrossi, Carlo Carrà, Mario Ceroli, Filippo De Pisis, Piero Dorazio, Jean Fautrier, Lucio Fontana, Remo Formichi, Giosetta Fioroni, Franco Gentilini, George Grosz, Renato Guttuso, Carlo Guarienti, Mino Maccari, Mario Mafai, Giacomo Manzù, Mario Marcucci, Giorgio Morandi, Ennio Morlotti, Aleardo Paolucci, Ottone Rosai, Piero Sbarluzzi, Mario Schifano, Gregorio Sciltian, Graham V. Sutherland, Venturino Venturi. Presenti in Collezione talvolta con più opere, anche diversissime per caratteristiche e dimensioni.

Piero Pananti e Gloria Piccioni, figlia di Leone, che curano la mostra pientina, sottolineano lo spirito con cui è stata nel tempo costituita la Collezione: «l'amore per il bello e per la cultura, l'impulso per la condivisione delle arti e della conoscenza, le affinità elettive che legano il critico ai pittori, poeti, intellettuali suoi amici». E viene subito alla memoria la lunga vicinanza di Piccioni con Ungaretti e la scelta di Dorazio per illustrare "La Luce", sua raccolta di poesie degli anni 1914-1961. Perché Piccioni, da autentico intellettuale, non si pone steccati, cercando semmai assonanze tra pittura, letteratura, poesia, musica, teatro. In quella Cultura che sapeva realmente divulgare nelle sue trasmissioni televisive, quando la tv era ancora uno strumento, forse "lo" strumento, di crescita anche culturale di un'Italia alla ricerca di una nuova identità negli anni difficili ma vitali del secondo dopoguerra. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Il segno emozionato
Raccolta di opere incisorie di Mario Alimede

21 agosto - 27 settembre 2020
Museo Civico d'Arte (Palazzo Ricchieri) - Pordenone
Locandina della mostra

«È mia opinione che l'attività calcografica, per Mario Alimede, non sia laterale o complementare rispetto alla pittura, ma sia invece uno strumento espressivo altrettanto importante, e in grado di raggiungere risultati estetici che hanno forza non inferiore a quella del dipingere. Sono perciò lieto che egli abbia deciso di dedicare questa mostra presso il Museo Civico di Pordenone proprio a questo settore della sua attività, e con un numero di opere probante, in grado di far conoscere ad un pubblico più vasto ed avvertito un ambito di lavoro che ha alle spalle decenni di impegno, e un numero considerevole di lastre realizzate. Chiunque visiterà la mostra vedrà subito che l'artista adopera, per ottenere i suoi risultati, due mezzi espressivi essenziali, la traccia e il segno, usati in combinazioni varie anche cromaticamente, e volti ad ottenere un impatto visivo di chiara sostanza emozionale, talora di qualità nettamente drammatica, più raramente di dimensione lirica anche se - ci pare - di un lirismo mai del tutto appagato da se stesso.

Mi riferisco, quando parlo di lirismo, a certe incisioni di dimensione piccola o media, in cui Alimede allude a paesaggi, a vegetazioni, a monti che tagliano l'orizzonte con ripidi versanti, ma mi riferisco anche a tavole dove traccia e segno, pur non alludendo ad alcuna riconoscibile figurazione, si dispongono in scansioni più limpide e ferme, quasi che l'esplorazione della punta sulla lastra di metallo venga suggerita dalla ricerca di una più riposata spazialità. Il segno, certo, mantiene sempre una sorta di sollecitudine, si allarga e si addensa non soltanto - io credo - per esigenze ritmiche, ma anche perché vuol essere comunque un traslato d'esistenza, una vibrazione, non una descrizione. E tuttavia rimane innegabile che, nell'arte di Alimede, questi momenti lirici non solo sono presenti, ma emergono anche in una loro precisa visualità, in ciò aiutati da una sapienza cromatica che sa usare in modo tonalmente molto raffinato le diverse gradazioni chiaroscurali.

Se poi ci si vuol riferire alla drammaticità dell'arte di Alimede, cioè ad una visione della realtà ben consapevole delle contraddizioni e delle tragedie che l'attraversano - a livello soggettivo come a livello sociale - è sufficiente, all'inizio, riferirsi a come appare in queste tavole, quando appare, la figura umana. Essa è allusa, sopraffatta, stravolta. Non ha alcuna centralità. In una piccola, limpida incisione tenuta su registro visibilmente figurativo ci sono delle case, alberi, una ciminiera con il fumo e sulla destra una figura che fa, anch'essa, paesaggio, che appare del tutto assorbita nel contesto. In una bella xilografia in bianco e nero figure indistinte fanno folla, la citazione espressionista appare d'obbligo, sono figure-massa, dispersi attimi d'esistenza. Altre si distinguono a fatica, confuse in un assieparsi di segni che quasi ne mettono in dubbio l'esistenza, e se per una volta la figura appare centrale, assume tuttavia una centralità enigmatica, quasi aliena, più creatura d'incubo che di quotidiana realtà. Questa stessa drammaticità si ripete in molte tavole, anche di dimensione notevole, in cui tutto il discorso espressivo è poggiato, come si diceva, su traccia e segno, senza alcun riferimento antropomorfo.

La contrapposizione decisa di un nero naturalistico - nel suo fingere di essere quasi un'erba di campo - e di un rosso biologico, strinato, bruciato, massa che incombe dall'alto, è l'evidente metafora di un accadimento drammatico, minaccioso; un bianconero dinamico crea, mediante segni e strisce che attraversano lo spazio, un movimento aperto, convulso, spalancato in ogni direzione; un astratto palcoscenico è attraversato da una sorta di balletto di forme, una specie di strana, notturna messa in scena; la stessa immagine, trattata con diverse cromie, assume invece un'aria più distaccata e preziosa, e tuttavia sempre densa di domanda; una figura curvilinea percorsa da segni sembra cranio o medusa, comunque presenza inquietante. La densità stessa del segno, la sua forza visiva bastano a volte a creare atmosfere sospese, in apprensione, come ad esempio nella piccola incisione dove sembra che un volto sia stato cancellato da un assieparsi violento di segni, o come là dove sembra che il segno si accanisca a rendere non percepibile la figura. E così via così via, altri esempi si potrebbero fare. Si tratta di un'arte che non lascia spazio a edonismi di maniera, di un'arte che persuade.» (Il segno emozionato, di Giancarlo Pauletto)

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Diciassette passi. Poesie e opere grafiche
di Mario Alimede
Presentazione

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Giancarlo Cerri
"Quando l'orbo ci vedeva bene"

28 ottobre (inaugurazione ore 18.00-22.00) - 15 novembre 2020
Centro Culturale di Milano
www.deangelispress.com

Dopo aver esposto la scorsa primavera ventuno opere della serie "I quadri dell'orbo", Giancarlo Cerri (Milano, 1938), pittore da oltre dieci anni ipovedente, ritorna al Centro Culturale di Milano con un'antologica possente dedicata interamente alla forza espressiva del bianco e nero. Quarantacinque opere, la maggior parte disegni su carta, divise su quattro sezioni - ritratti, paesaggi, figure morte, sequenze, dipinti di arte sacra - molti dei quali mai esposti sino ad ora, sono stati tutti realizzati tra gli anni Sessanta e il 2004, anno in cui la grave maculopatia ha costretto l'artista prima a rallentare e poi a fermare per oltre dodici anni la propria attività pittorica.

Artista e grafico pubblicitario sin dagli anni Cinquanta, convinto da sempre che la pittura e la personalità di un pittore si esprimano "in parete", Giancarlo Cerri ha attraversato appieno gli anni 60/70 dell'arte milanese conoscendone alcuni dei principali protagonisti. Sebbene come artista abbia trovato il maggiore riscontro di notorietà a partire dalla seconda metà degli anni Settanta, in realtà Cerri si era già fatto notare con due personali alla storica galleria Barbaroux di Milano, nel 1969 e nel 1972, ovvero in uno dei templi della grande pittura figurativa novecentesca, che lo aveva subito percepito come la "costola" di due suoi campioni, Carrà e Tosi. Dal 1956 al 1976 l'attività di Giancarlo Cerri si svolge fra pittura e grafica pubblicitaria. Dal 1977 si dedica esclusivamente alla pittura. Dal 1988 al 1995 è direttore artistico del Centro Culturale De Gasperi di Milano. Per una grave malattia oculare non dipinge più da diversi anni e le sue ultime opere risalgono alla primavera del 2005. Tra il 2001 e il 2005, dipinge un ciclo di quadri di arte sacra aventi quale principale soggetto la Croce, intesa come simbolo della umana tragica sofferenza.

Giancarlo Cerri: «Il bianco e nero racchiude in sé la struttura portante del quadro futuro. Esprime i valori plastici dell'opera, i suoi significati. Custodisce l'idea, ma può farlo solo se lo sorregge una tecnica esecutiva solida. Ecco perché le etichette "figurativo", "informale" e "astratto" sono, e nel mio caso più che mai, soltanto le definizioni di un periodo: il disegno resta sempre la base più solida per ogni tipo di pittura». È dunque la consapevolezza del valore assoluto del disegno nel processo creativo che Giancarlo Cerri vuole rimarcare e che appare evidente nelle opere esposte, per ribadire - come sottolinea Elisabetta Muritti nel suo testo in catalogo - che il disegno è l'idea prima del colore, e di conseguenza è l'anima dell'opera, di ogni opera. Dopo il disegno, solo dopo, e solo eventualmente, ci potrà essere il "corpo a corpo" con il colore.

Il bianco e nero possono essere entrambi sinonimi di eleganza, assolutezza e purezza, oppure l'uno l'opposto dell'altro, luce e ombra, idea di unione vs idea di vuoto. Tuttavia, per Giancarlo Cerri c'è un colore onnipresente e onnipotente che lo ha sempre accompagnato nella sua crescita artistica, il nero, fondamentale per un pittore come lui che intende la pittura come energia. Non solo. Nei suoi quadri l'artista mutua l'uso del nero a seconda dei soggetti, anche perché, come ha sempre sottolineato, per lui non si deve parlare di Nero ma di Neri, al plurale, in quanto il nero è stato di volta in volta rielaborato con l'aggiunta di altri colori come il rosso carminio o il blu oltremare, a seconda del colore primario che gli sarebbe andato contro.

Il corpo più ampio delle opere esposte a Milano sono 20 disegni su carta fra ritratti di donne e nudi femminili dove l'uso del nero, una volta scevro il campo dalla distrazione del colore, ne esalta la sensualità di una curva del corpo o semplicemente di uno sguardo. Il secondo gruppo di opere in mostra comprende 11 lavori, tutti realizzati tra gli anni Sessanta e Ottanta, dei quali 9 su carta (7 paesaggi e 2 nature morte), e 2 studi su tela (1 cava e 1 foresta), dove è chiara la vocazione informale dell'artista e dove i segni agiscono in maniera forte e decisa sul sistema percettivo di chi guarda. Le ultime due sezioni della mostra sono invece composte da 8 sequenze, disegni astratti su carta e su tela degli anni Novanta, sviluppo consequenziale delle ricerche naturalistiche del decennio precedente ed approdo all'astrazione pura, dove ciò che conta non è più il racconto ma l'immagine, e da 6 opere di arte sacra, cinque su tela e un disegno su carta applicato su tavola.

Se negli studi delle Sequenze il nero mostra chiaramente come sarà la densità e la forza del quadro, nelle opere di arte sacra il nero, profondo come una crepa o una ferita, sommato all'assenza del colore, vuole sottolineare la gravità e allo stesso tempo la spiritualità di scene drammaticamente tragiche. Opere che nascono dalla visione di uomini e donne che, sperando di fuggire alle fiamme e alla morte certa, si lanciano nel vuoto a braccia aperte, come croci capovolto, nella vana fede di un destino differente. La mano del Giancarlo Cerri "religioso", lui che è da sempre laico, incide la tela con semplicità e sofferenza, riuscendo ugualmente a trasmettere i valori spirituali della misericordia e del senso di pace che si possono trovare anche nella tragedia. La mostra, nata in collaborazione con il Centro Culturale di Milano, con testo critico di Elisabetta Muritti, vuole essere un omaggio all'incanto del bianco e nero, ricerca dell'essenziale, le due estremità della tavolozza. (Estratto da comunicato stampa De Angelis Press)

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Maria Cristina Carlini

Arte che incontra l'Arte
scultura | pittura | fotografia in masseria

31 luglio (inaugurazione) - 27 settembre 2020
Masseria Palombara - Oria (Brindisi)
www.masseriapalombararesosrt.com | www.irmabianchi.it

Un grande segnale artistico e culturale viene dal cuore della Puglia con la mostra a cura di Diego Viapiana. L'importante rassegna approfondisce il dialogo tra molteplici linguaggi artistici internazionali della contemporaneità e si sofferma sull'intenso rapporto fra arte e natura. Gli artisti coinvolti si confrontano sul tema della natura e le loro opere - sculture, fotografie, installazioni, pittura e video - ben si integrano nello spazio espositivo della Masseria, luogo in cui la natura ha un ruolo preponderante e privilegiato da secoli, simbolo della cultura pugliese e della sostenibilità ambientale. Il percorso espositivo, che vede un alternarsi di opere di alto profilo artistico, si snoda nell'area archeologica, nella tipica torre colombaia, nei prati, nei viali alberati, nel capannone agricolo in tufo dell'antica Masseria Palombara - edificata tra il 1500 e il 1700 -, immersa nella vegetazione pugliese.

Maria Cristina Carlini è presente con quattro sculture monumentali che confermano l'interesse dell'artista verso la natura e i suoi elementi. Le opere istituiscono un legame profondo con il luogo; Babele, torre in legno di recupero e malta bianca, richiama arcaiche costruzioni ed è in sintonia con l'ambiente che la circonda. Incontro, in acciaio corten, alta oltre 3 metri, è collocata accanto a ulivi secolari e simboleggia una sorta di grande abbraccio che allude all'unione e al rispetto dell'uomo per l'ambiente. La grande scultura in legno di recupero e foglia d'oro, La Chiusa omaggio a Leonardo, si collega al lavoro rurale e al progresso in armonia con la natura. Di grande effetto la scultura Legni che, accolta al centro della torre colombaia caratterizzata dall'alternarsi di pieni e vuoti, crea una visione di forte impatto grazie alle sue linee morbide proiettate verso l'alto. Un perfetto connubio originato dall'intima attenzione e dal rispetto che l'artista ripone nei confronti della terra e di tutto ciò che ad essa è connesso.

Gli artisti presenti in mostra sono: Elizabeth Aro, Silvia Celeste Calcagno, Maria Cristina Carlini, Davide Coltro, Felix Curto, Ines Fontenla, Domenico Grenci, Maria Lai, Antonio Marchetti Lamera, Enrico Minguzzi, Alessandro Saturno, Elisabeth Scherffig, Eltjon Valle, Alec Von Bargen. L'esposizione è inoltre un omaggio a Dino Clavica, artista pugliese prematuramente scomparso lo scorso anno. L'evento è realizzato in collaborazione con la Nuova Galleria Morone di Milano, con il sostegno di Allianz Bank e grazie all'Architetto Alessio Carbone. (Comunicato ufficio stampa IBC Irma Bianchi Communication)

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A volte penso che...
01 agosto (inaugurazione) - 30 settembre 2020
Ex Chiesa di San Matteo - Lucca
www.prometeogallery.com

Mostra collettiva che nasce da una particolare prospettiva, ovvero quella di lasciare che ventitré artisti raccontino un pensiero ricorrente attraverso le loro personali intuizioni e idee visive. Julieta Aranda, Filippo Berta, Fabrizio Cotognini, Democracia, Zehra Dogan, Sarah Entwistle, Regina José Galindo, Omar Hassan, Diango Hernandez, Iva Lulashi, Edson Luli, Maria Evelia Marmolejo, Carlos Martiel, Ruben Montini, Ivan Moudov, Natalia LL, Luis Navarro, Silvia Rivas, Rosanna Rossi, Marinella Senatore, Santiago Sierra, Giuseppe Stampone e Mary Zygouri. Non offrono schemi concettuali, né prospettive di verità o di valore, e nemmeno indugiano su narrazioni aneddotiche. Nelle giornate di sabato 1, domenica 2 e lunedì 3 agosto, l'artista Ruben Montini performerà "Eterna".

Con il linguaggio artistico che li contraddistingue, ognuno di loro esprime un pensiero, come una qualità fondamentale dell'essere, concorrendo a comprendere meglio la realtà vivente attraverso il proprio relativo, particolare quanto specifico e imprescindibile apporto. In un momento storico come quello che stiamo vivendo, che ha tutte le sembianze della tempesta perfetta, con effetti psicologici, economici, sociologici e in sintesi culturali capaci di resettare il nostro sistema, Prometeo Gallery cerca di dare il giusto valore a uno degli strumenti di conoscenza di cui l'uomo ha un bisogno primario: l'interpretazione, che non lascia dietro di sé un senso, ma innumerevoli sensi. Con questo spirito ha scelto di derivare una totalità dall'incorporazione di differenti punti di vista, singolarmente tradotti in arazzi, opere video, fotografie, pitture, disegni, collage, sculture e performance. (Comunicato stampa)

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Fondo patrimoniale del MAC Guarcino
www.macguarcino.it

Sabato 8 agosto alle ore 17.00, nell'ambito dell'Estate Guarcinese 2020, apre al pubblico nella sua sede definitiva il MAC Museo d'Arte Contemporanea di Guarcino. Nell'antico complesso monumentale di Sant'Angelo - Palazzo della Cultura, sarà possibile la fruizione dell'intera collezione, caratterizzata dal piccolo formato, con opere che hanno dimensioni massime di 50x50x50 cm. Da poche settimane, infatti, l'Amministrazione del paese montano in provincia di Frosinone, ha consegnato all'associazione culturale Azioni d'Arte, incaricata di attendere alla gestione, gli spazi destinati ad accogliere il "fondo patrimoniale" del museo. Il piccolo formato, scelto fin dall'istituzione del MAC, permette una costruttiva riflessione sui percorsi plurimi della ricerca contemporanea, muovendosi su un territorio inversamente proporzionale alla spettacolarizzazione del gigantismo che sembra caratterizzare l'espressione artistica degli ultimi decenni. Il formato ridotto, scelto come discrimine per la costruzione di una collezione di grande interesse dilata, infatti, l'estensione di un racconto visivo e si propone come strumento privilegiato per la canalizzazione dell'attenzione, spaziando dal segno pittorico a quello scultoreo, fino all'ibridazione tra media differenti per natura. Accanto alle opere degli artisti acquisite, si propone una "selezione di libri d'artista" dell'Archivio Rea che sarà ospitata fino al 30 settembre 2020.

Artisto del Fondo patrimoniale del MAC Guarcino: Minou Amirsoleimani, Caterina Arcuri. Renzo Bellanca, Rosetta Berardi, Franca Bernardi, Mario Maria Bianchi, Anna Boschi, Francesco Calia, Vito Capone, Antonella Capponi, Lamberto Caravita,,Antonio Carbone, Elisabetta Catamo, Pietro Celani, Elettra Cipriani, Luisa Colella, Carmela Corsitto, Carla Crosio, Maria Pia Daidone, Rita De Giorgio, Nino De Luca, Giulio De Mitri, Adolfina De Stefani, Luce Delhove, Piero Delucca, Lucia Di Miceli, Gabriella Di Trani, Elisabetta Diamanti, Giovanna Donnarumma, Anita Dorazio, Patrizia D'Orazio, Mavi Ferrando, Marco Ferri, Alfonso Filieri, Giovanni Fontana, Giancarla Frare, Claudio Gaddini, Annamaria Gelmi, Delio Gennai, Salvatore Giunta, Paolo Gobbi, Gennaro Ippolito, Margherita Levo Rosenberg, Daniele Lisi, Francesca Loprieno, Vincenzo Ludovici, Silvana Maglione, Giuliano Mammoli, Venanzio Manciocchi, Franco Marrocco, Giovanna Martinelli, Cosetta Mastragostino, Rita Mele, Patrizia Molinari, Alessandro Monti, Franco Nuti, Luigi Pagano, Antonio Picardi, Antonio Poce, Teresa Pollidori, Giuseppe Ponzio, Antonio Pugliese, Lucilla Ragni, Fernando Rea, Rosella Restante, Sauro Rollandi, Marcello Rossetti, Gianni Rossi, Lucia Rotundo, Massimo Salvoni, Ninì Santoro, Alba Savoi, Grazia Sernia, Elena Sevi, Lucia Sforza, Stefano Soddu, Nicoletta Testi, Ilia Tufano, Vittorio Vanacore, Oriano Zampieri.

Artisti dell'Archivio Rea: Claudio Adami, Giovanni Albanese, Ferdinando Andolcetti, Lucilla Caporilli Ferri, Fili Cusenza, Michele De Luca, Yvonne Ekman, Virginia Fagini, Licia Galizia, Massimo Luccioli, Fabio Mauri, Elisa Montessori, Bruno Munari, Gloria Pastore, Luca Patella, Pasquale Polidoro, Giustina Prestenti, Punzo e Testa, Cloti Ricciardi, Anna Maria Vancheri, William Xerra. (Comunicato stampa)

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Francesco Candeloro. Luoghi Misure Variazioni
24 settembre (inaugurazione ore 18.30) - 10 novembre 2020
Galleria A arte Invernizzi - Milano
www.aarteinvernizzi.it

Nella prima sala del piano superiore sono esposti, nella versione verticale, alcuni skyline in plexiglass di fisionomie di città o sezioni di esse rese nel loro carattere di superficie e contorno - testimonianza di un momento vissuto dall'artista. Nella seconda sala troviamo Vie di Luci nel Tempo (Beirut) (2018), opera attraverso cui Candeloro indaga i molteplici aspetti della realtà con immagini in trasparenza che ampliano la percezione dell'osservatore in un continuo alternarsi di nascondimento e rivelazione. Al piano inferiore vengono presentati dodici "libri" costituiti da fogli colorati che riportano delle fessure che possono essere definite come "occhi" disposti in giochi combinatori che tengono conto delle geometrie dei supporti e delle colorazioni prodotte dai "filtri" di acetato che l'artista vi sovrappone. I "libri" hanno una struttura chiusa rettangolare ma, come fossero pagine di un volume, possono svilupparsi sulla parete consentendo una lettura aperta dell'opera e in questa occasione i lavori sono presentati nelle due versioni, aperta e chiusa. In occasione della mostra verrà pubblicato un catalogo bilingue contenente un saggio di Francesco Tedeschi, la riproduzione delle opere in mostra e un aggiornato apparato bio-bibliografico.

"L'immagine dalla quale, nella sua rivelazione fotografica, proviene tutta l'opera di Candeloro, e la sua qualificazione fisica, in una concezione sempre più autonoma della forma rispetto alle istanze della rappresentazione, costituisce di per sé un filtro tra la materialità della cosa e la sua idealizzazione. Questo carattere di intermedialità che pone di per sé l'opera su un limite fra la presenza e l'assenza, si rivolge da una parte a forme note, in certa misura verificabili, e dall'altra a sagome in via di definizione, che ricevono la loro consistenza momentanea nel loro riproporsi, sotto diverse ipotesi, nel modo in cui i lavori appartenenti alla categoria delle composizioni a molteplici strati possono essere squadernate a parete secondo logiche geometriche variabili. In entrambe le soluzioni le opere di Candeloro operano sul piano di un trasferimento. Da una parte la sagoma di un profilo di città si materializza, in una posizione non necessariamente riconoscibile, come ripresa di un luogo altro assorbito nella luce che essa stessa genera nello spazio in cui la sua immagine sintetica e astratta si trova; dall'altra le composizioni a parete alludono a un inoltrarsi in una dimensione nascosta, intima, che si rivela nascondendosi. La superficie, in entrambi i casi, diventa parte di un processo complesso, dal piano al labirinto." (Francesco Tedeschi)

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Orientarsi con le stelle
18 settembre - 31 ottobre 2020
Casa Museo Boschi di Stefano - Milano

Progetto espositivo "Orientarsi con le stelle", da un'idea di Red Lab Gallery e Alessia Locatelli e curato da Gigliola Foschi e Lucia Pezzulla. Con opere di Alessandra Baldoni, Marianne Bjørnmyr, Joan Fontcuberta, Dacia Manto, Paola Mattioli, Occhiomagico, Edoardo Romagnoli, Pio Tarantini e Yorgos Yatromanolakis. Nove autori, sei italiani e tre stranieri, per un unico racconto intorno al tema del rapporto tra uomo, natura e cosmo. Trenta opere fra fotografie, video e installazioni che svelano differenti modi di riflettere sulle figurazioni magiche e poetiche attraverso cui l'uomo, lui stesso prodotto dell'universo, si rivolge e interpreta le stelle, miracolo di bellezza e mistero. L'esposizione è anche l'occasione per presentare il primo catalogo d'autore di Red Lab Editore, arricchito da una copertina illustrata con un'opera inedita di Dacia Manto e da alcuni testi di Antonio Prete, saggista, narratore e poeta, autore della recente raccolta di poesie "Tutto è sempre ora" (Einaudi, Torino 2019). I libri fotografici e i cataloghi d'arte di Red Lab Editore affiancheranno di volta in volta l'attività dell'omonima galleria d'arte (Red Lab Gallery) con lo scopo di promuovere e diffondere la cultura dell'arte visiva proponendo il confronto con discipline diverse, dalla poesia alla letteratura, alla musica.

La mostra è il naturale proseguimento dell'omonima rubrica online di fotografia, arte e cultura ideata da Red Lab Gallery e condotta da Alessia Locatelli, direttore artistico dell'Archivio Cattaneo e della Biennale di Fotografia Femminile di Mantova, che durante tutto il periodo di lockdown ha incontrato virtualmente una volta alla settimana diversi fotografi affermati a livello internazionale, oltre ad alcune figure significative del mondo della cultura e della fotografia, per conoscerli meglio e scoprire il loro rapporto segreto con lo spazio stellare e la natura. Gigliola Foschi: "La mostra intente indagare quali corrispondenze esistano tra la geografia celeste e la geografia delle passioni, del nostro essere sulla terra. Ma vuole anche offrire uno spunto di riflessione affinché la pandemia che ci ha coinvolto sia occasione per ripensare il nostro rapporto con la natura. Una natura sempre più manipolata, tradita e di conseguenza costretta per certi versi a rivoltarsi contro l'essere umano, incapace di proporre uno sviluppo sostenibile e rispettoso dei suoi ritmi."

Osservare le stelle, fonte di energia dinamica e catartica, significa contemplare, immergersi nell'infinito, guardare al cielo - quale espressione massima della natura - per avere una guida nei momenti di difficoltà ma anche per imparare ad avere un maggior rispetto della Natura che determina la vita sulla terra, che è anche la nostra vita. I nove autori coinvolti in mostra inducono l'uomo, con visioni differenti ma tutte intensamente poetiche, a interrogarsi su se stesso per trovare in se stesso le risposte che cerca, così da comprendere meglio il mondo che lo circonda, il visibile e l'insondabile:

- Alessandra Baldoni, fotografa intima ed eterea, propone un dittico e un trittico della serie Atlas. Cartografie del silenzio (2019), immagini essenziali ed evocative, che s'impongono allo sguardo per la loro forza magica e perturbante. Pervase da una sottile inquietudine si offrono come enigmi da interrogare, come inviti a ritrovare percorsi interiori, corrispondenze tra Uomo, Arte e Natura;

- La norvegese Marianne Bjørnmyr con First Indicative Object (2019) presenta due mappamondi privi di informazioni geografiche illuminati da raggi luminosi orientati in modo diverso: immagini dal fascino ambiguo, senza tempo, quasi metafisiche;

- Il catalano Joan Fontcuberta con il video Milagros & Co. (Miracoli & Co., 2002) mette in gioco con humor la veridicità della fotografia sfidando la fiducia dello spettatore fino a provocare in lui un dubbio critico;

- Dacia Manto, propone Humus Siderale (2020) una serie di opere realizzate appositamente per la mostra, dove immagina e fa rivivere il verde che si apriva di fronte alla Casa Boschi Di Stefano quando venne costruita dall'architetto Piero Portaluppi tra 1929 e il 1931. In una sua istallazione i disegni della natura si trasformano in mappe ramificate illuminate da piccole luci simili a quelle pulsanti delle stelle che compongono una costellazione;

- Paola Mattioli presenta la serie Eclissi (1999), incontro magico fra cosmo ed essere umano durante un'eclissi di sole a Sant'Anna di Stazzema. Il pergolato sotto il quale l'autrice sta pranzando si trasforma all'improvviso in una sorta di camera oscura che crea, moltiplica e proietta su una tovaglietta decine di piccole eclissi: alla fotografa il compito di accogliere la magia di questo evento e fissare l'immagine creata dalla natura stessa. Il risultato è una fotografia evocativa che ci ricorda ancora una volta l'imprescindibile legame tra Uomo e Natura;

- Occhiomagico (Giancarlo Maiocchi) con il ciclo L'Ora Sospesa (2006-2009) presenta un lavoro dove il paesaggio diventa il soggetto principale, la natura riacquista un'intensità quasi arcaica, religiosa e mitica, mentre i luoghi perdono le loro connotazioni geografiche e temporali e diventano spazi di silenzio e meditazione;

- Edoardo Romagnoli in La luna nel paesaggio (2006-2020) sembra trascinare magicamente sulla terra l'astro lunare, quasi fosse un dardo luminoso che squarcia la superficie terrestre e ondeggia sopra i campi immersi nell'oscurità;

- Pio Tarantini con Cosgomonie (2010-2015) continua la sua personale narrazione con raffinatezza di pensiero sul senso del nostro esistere tra le cose, e strizza l'occhio a un altro modo di guardare a noi stessi nel cosmo, con teatrini fiabeschi creati per immergere lo spettatore in spazi e tempi sospesi e surreali;

- Il giovane autore greco Yorgos Yatromanolakis con le suggestive e poetiche immagini immerse nel blu della notte della recente serie The Splitting of the Chrysalis and the Slow Unfolding of the Wings (2014-2018) indaga, a partire dal ciclo della vita di una farfalla, i misteri e le metamorfosi della natura creando un intimo legame tra fotografia e poesia, tra le proprie emozioni e il paesaggio. (Estratto da comunicato stampa De Angelis Press)

___ Presentazione di altre mostre di fotografia e concorsi fotografici in questa pagina della newsletter Kritik

Franco Donaggio: "Reflections"
termina lo 03 ottobre 2020
Galleria della Gondola e dell'ecosistema lagunare - Venezia
Presentazione

Forma/Informe. La fase non-oggettiva nella fotografia Italiana 1935-1958
24 giugno - 27 settembre 2020
Wunderkammer GAM Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea di Torino
Presentazione

Lori Nix. Il Potere della Natura
dal 19 maggio 2020
Galleria Paci contemporary - Brescia
Presentazione

"Opere in Vetrina"
Paci contemporary gallery - Brescia
Presentazione

"What is Europe to you?"
Festa dell'Europa, 9 maggio 2020
Presentazione

Photology Air 2019/2020 | Il nuovo parco per l'arte contemporanea in Sicilia
22 giugno - 03 novembre 2019
09 aprile - 27 settembre 2020
Tenuta Busulmone - Busulmone, Noto (Siracusa)
Presentazione

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71° edizione del Premio Michetti
L'aureola nelle cose: sentire l'habitat

18 luglio - 30 settembre 2020
Museo Michetti - Francavilla al Mare (Chieti)

Gli interventi di modifica sugli oggetti che ci circondano di Francesco Alberico, la percezione di déjà-vu straniante provocata dai dipinti di Thomas Braida, le opere visionare del duo Calori & Maillard, le forme astratte e sensibili che celano una dimensione antropomorfa di Sara Enrico, gli ex voto di Maurizio Finotto, il magma visivo che sfugge al prevedibile e alla logica di Enej Gala, le superfici materiche di Valerio Nicolai, il piacevole incanto che scaturisce da uno sguardo più penetrante nelle opere di Serena Vestrucci.

Sono trenta, nel loro complesso, gli artisti selezionati per la 71° edizione del Premio Michetti e espongono le loro opere nella mostra a cura di Guido Molinari. La mostra sottolinea come tutto ciò che ci circonda possa costituire un punto di contatto con la nostra dimensione interiore. L'intensità emotiva emanata dagli oggetti, dalla loro forma, viene avvertita dagli artisti come una sorta di aura sacrale da reinterpretare attraverso le proprie opere. Alcuni oggetti sono evocativi perché fanno parte del vissuto, altri interessano per la loro forma o perché, accostati ad altri, conducono a un'emozione particolare. Infine, molti diventano il soggetto stesso dell'opera e la percezione di questo alone di energia non può che condurre a risultati estetici differenti.

La maggior parte dei trenta artisti invitati al Premio Michetti testimonia la vivacità intellettuale della nuova generazione oggi protagonista nel sistema dell'arte, ed è affiancata da un nucleo ristretto di artisti di più lungo corso, che hanno dimostrato straordinari aspetti di affinità e anticipazione verso le più recenti espressioni. La mostra vede esposte opere che utilizzano medium differenti, dalla pittura alla scultura, dalla fotografia al disegno, all'installazione, offrendo allo spettatore la pluralità di mondi estetici caratteristica del contemporaneo. L'eterogeneità delle soluzioni formali pone l'accento su quanto oggi ogni artista si senta libero di stabilire il proprio percorso di confronto con il mondo circostante. La dimensione individuale è divenuta il perno esclusivo attorno a cui ruota la sfera estetica, e lo stile non risiede più in un segno riconoscibile, ma in un confronto "mentale" tra l'artista, l'ambiente e le esperienze.

Artisti in mostra: Francesco Alberico, Thomas Braida, Calori & Maillard, Pierpaolo Campanini, Edoardo Ciaralli, Giovanni Copelli, Lucia Cristiani, Giovanni De Francesco, Sara Enrico, Lorenzo Kamerlengo, Sacha Kanah e Lisa Dalfino, Maurizio Finotto, Enej Gala, Niccolò Morgan Gandolfi, Corinna Gosmaro, Giuseppe Lana, Francesca Longhini, Maurizio Mercuri, Valerio Nicolai, Mattia Pajè, Marta Pierobon, Giulia Poppi, Luca Pozzi, Davide Rivalta, Marco Samorè, Ivana Spinelli, Marcello Tedesco, Natàlia Trejbàlova, Devis Venturelli, Serena Vestrucci. (Comunicato stampa Lara Facco P&C)

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Il tempo 00:00:00:00 di Saloon Milano
L'archivio on line dei progetti in quarantena
www.saloonmilano.org

Saloon Milano è la piattaforma online che dal 21 marzo al 21 giugno per 93 giorni ha mappato, condiviso quotidianamente e conservato in forma di archivio partecipativo del presente 96 progetti e pratiche culturali dedicate alla collettività e 41 interviste ad esperti e professionisti con diverse competenze. I 96 progetti, le 41 interviste presentati in 93 giorni sul sito web e sui canali social di Saloon hanno costruito un percorso di iniziative variamente utilizzabili e fruibili da casa durante il tempo dell'emergenza sanitaria.

I progetti provenienti dall'Italia e dall'estero sono stati catalogati principalmente sotto tre hastag #qualenatura #qualerigenerazione #qualiponti. Indagando lo spazio in trasformazione: "Anumani -Urban Landscapes", nell'ambito dell'interior design - ideato dal gruppo di progettisti Claudia Caselli, Elisa Ciliberti, Giulia D'Aleo, Marta Reati, Martina Paggi, Giulia Picasso, Ilaria Vettoretti - tenta di tessere le basi di un ritrovato legame oltre i limiti di specie, invitandoci a sperimentare punti di vista inusuali per riflettere sul nostro ruolo rispetto agli ecosistemi naturali; ci si potrebbe trovare a lavorare accovacciati a terra come anfibi o sospesi a mezz'aria come uccelli. "Arquitecturas Colectivas", rete internazionale che ha l'obiettivo di consolidare un modo condiviso di fare città/quartieri per e con le persone, propone una call con un focus attuale sull'urgenza di condividere un nuovo immaginario come antidoto alla paura, capace di ri-connettere specie, persone, ambienti e città. Il progetto "Gita", animato dalla omonima rete nazionale di artisti e creativi, invece è un orizzonte in divenire, una disconnessione dai contenuti online per ritrovarci offline.

Tante le iniziative che hanno proposto l'uso delle parole tra l'immagine e l'immaginario, diffuse in diversi formati accessibili, tra cui: "Parole buone" (di Sergio Astori con Martina Gerosa, Luca Rolandi, Silvia Sanchini con Lavì Abeni, Antonio Bianchi, Marilena Lionetti, Marcantonio Lunardi) pillole di resistenza per superare la crisi; "Quartino Project" (gestito da Giuseppe Mendolia Calella e Baloon Project) raccoglie in un quartino 4 contenuti in bianco e nero, di 4 autori: testo, disegno, fotografia, grafica/tipografia, chiamati a riflettere su un tema sempre differente; "Alfabeto Pandemico" (ideato dalla rete lo Stato dei Luoghi) esercizio di scrittura collettiva di testi e immagini per il post pandemia, un vocabolario che serve nel presente e guarda al futuro. "Radio Traum-Sogni Pandemici" (condotta da Vanessa Alessi, Giusi Diana, Luca Cinquemani, Mara Jvonne Raja, Gabriele Valerio, Angelo Leonardo) propone una trasmissione radiofonica collettiva fatta di sogni in cui a raccontarli sono i sognatori con le loro voci. Tracce di narrazione sommersa, uno speciale brusio che ci accompagna in queste notti pandemiche.

E ancora progetti che hanno usato i drive dell'arte e la creatività per generare momenti di reale condivisione: "La Casa del Pane" (da un'idea di Gandolfo G. David con un contest che invita alla realizzazione di simboli di pane come esercizio di augurio e rinascita, da documentare, condividere sui social e poi con chi ci è accanto; "#10cents -Art at the supermarket" in cui l'artista Giuseppina Giordano con una performance diffusa porta l'arte contemporanea tra i banconi e gli scaffali dei supermercati, facendola entrare nella vita di tutti i giorni a contatto con le persone, in un momento in cui il contatto è vietato o limitato. Saloon ha poi dato voce a molte iniziative che hanno significativamente aiutato chi si è trovato in difficoltà a causa Del Coronavirus tra questi citiamo: "Poster Quotidiano" di Rischa Paterlini, Giuseppe Frangi, Adrian Paci, Iva Lulashi, Fabio Roncato; "Io ho cura di te" di Lorenzo Barbera, Ignazio Mortellaro, Agata Polizzi; "I have a gift" curato da Francesca Guerisoli con il sostegno di Wunderbar Cultural Projects ; "Mettiamoci la faccia in collaborazione con 100 fotografi per Bergamo"; "Art to stop Covid-19" organizzato da una rete di artisti galleristi e professionisti del mondo dell'arte.

Tra i contenuti, oltre ai progetti, resteranno i tanti pensieri legati a questa situazione nuova ed intensa delle interviste informali generosamente rilasciate da Marco Bay, Fabrizio Bellomo, Diego Bergamaschi, Bianco-Valente, Claudio Bissoli, Leonardo Caffo, Giuliana Ciancio, Mario Cigada, Vittorio Corsini, Raffaella Cortese, Carmen Decembrino, Michela Eremita, Mauro Ferrari, Dino Ferruzzi, Barnaba Fornasetti, Pietro Gaglianò, Giorgio Galli, Olga Gambari, Manuela Gandini, Giovanni Lanzone, Ugo La Pietra, Claudia Losi, Laura Malacart, Marco Mancuso, Stefano Mirti, Luca Molinari, Antonio Moscogiuri, Francesca Pasini, Jacopo Perfetti, Mario Piazza, Maurizio Piseri, Andrea Quartarone, Michele Rocco, Pierpaolo Romio, Francesco Ronzon, Noemi Satta, Gabi Scardi, Francesca Spiller, Marina Spreafico, Alexa Tamburrini.

"GifClash" un abecedario della pandemia animato dal remix artistico di NIcola Di Caprio. Composto da 23 Gif, condivise day by day sui canali social, è stato in conclusione montato in un video accompagnato da un brano musicale come commento sonoro di Ramuntcho Matta. "Come se fosse pagina 99" una sezione di libri che in questo tempo sospeso abbiamo letto con l'intenzione di distogliere lo sguardo e l'immaginazione da chat, webinar e conference call che hanno inondato di parole e di volti lo schermo del computer e le nostre vite e una sezione di contributi di archivisti che hanno valorizzato l'importanza dell'archivio come memoria e traccia. Saloon si ferma nel tempo 00 00 00 00 del countdown -dall'equinozio di primavera al solstizio d'estate del 2020- ma rimane archivio vitale, sempre accessibile e bene comune, in un'eco di continuità e generatività nella sua visione di ecologia di mente e spirito. I progetti rimarranno consultabili e visibili sul sito documentando tutto il valore culturale e sociale che hanno generato e che continuano a produrre in termini di ricaduta sui processi educativi plurigenerazionali, su nuovi modelli di coinvolgimento e costruzione dell'audience, partecipazione diffusa, ridisegno e riprogettazione degli spazi urbani e della loro fruizione e pratiche dell'arte nella sfera pubblica. (Estratto da comunicato stampa Ch2 eventi culturali)

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"Revival"
Abate, Innocente, Lodola, Plumcake, Postal

09 luglio - 30 settembre 2020
Studio d'Arte Raffaelli (Palazzo Wolkenstein) - Trento
www.studioraffaelli.com

Torna in mostra allo Studio d'Arte Raffaelli il gruppo dei Nuovi Futuristi costituito da Gianantonio Abate, Innocente, Marco Lodola, Plumcake (Cella, Pallotta, Ragni) e Umberto Postal con un allestimento che ripercorre le estetiche degli anni Ottanta e Novanta attraverso le opere dei cinque artisti. Gioco e leggerezza decretarono il successo internazionale del movimento neofuturista, sviluppatosi a Milano tra il 1983 e il 1984 e rapidamente diffusosi in tutta Europa. Grazie all'immediatezza di lettura e a messaggi fruibili e pienamente aderenti al proprio tempo, gli esponenti del Nuovo Futurismo si fecero profeti in ambito artistico di una temperie culturale che avrebbe investito tutti gli ambiti della creatività, dal design, alla moda, alla musica, alla televisione.

Oggi, a distanza di oltre trent'anni dalla prima collettiva del gruppo in galleria, lo Studio Raffaelli propone un revival senza nostalgia, e capace invece di mantenere intatto lo stupore nei confronti di una stagione artistica proiettata in avanti, a cui periodicamente si avverte l'esigenza di ripensare. Gli assemblaggi di Abate, le sculture di Innocente, le installazioni luminose e i disegni di Lodola, le sculture, i teloni in PVC e le opere su carta dei Plumcake, i lightbox, gli arazzi, le tele e le grafiche di Postal compongono un variegato mosaico di stili e linguaggi accomunati da una visione dell'arte "totale". (Comunicato stampa)

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Franco Donaggio: "Reflections"
termina lo 03 ottobre 2020
Galleria della Gondola e dell'ecosistema lagunare - Venezia
www.francodonaggio.it

Roberta Semeraro, curatrice della mostra, presenta una selezione di immagini della laguna veneta, con visioni trasognate dove il passato e presente cessano di esistere in un unico ed eterno intervallo di tempo, che è quello introspettivo di chi le osserva. La libertà incondizionata che si respira nella laguna di Donaggio, rende le opere dell'artista così "pure" da sembrare oniriche. Ma l'Arte è una realtà e non un sogno, anche se dispiega le sue grandi ali per volare sopra al mondo. Le magnifiche geometrie con le quali s'inscrive l'habitat lagunare nelle opere di Donaggio, con le linee flessuose che si perdono all'orizzonte lungo i punti di fuga, le linee verticali che segnano i possibili percorsi da seguire e soprattutto il senso di sospensione che si riceve quando il cielo si specchia nell'acqua, sono un grado molto alto di realtà, che possono vedere solo alcuni uomini iniziati e liberi come Donaggio.

Riconoscere le proporzioni nella realtà, saperle cogliere e rispettarle non dovrebbe riguardare solamente l'Arte che cerca nuova bellezza, ma anche gli uomini affnché abbiano un approccio più armonico con l'ecosistema nel quale vivono. Questa saggezza della quale ci rendono partecipi le opere fotografiche di Donaggio, porta ad una rifessione universale sulla laguna come metafora di vita con i suoi delicati e complessi equilibri, le sue fuide proporzioni e molteplici verità. Le opere fotografiche di Reflections sono il risultato di una riflessione matura, che l'autore dopo una brillante e fortunata carriera internazionale ha dedicato alla sua terra d'origine, scrivendo con la luce uno dei capitoli più belli della storia della fotografa dedicata alla laguna Veneta.

Franco Donaggio (Chioggia, 1958) opera a Milano come fotografo e graphic designer dal 1979. L'alta professionalità e la continua sperimentazione in tutte le tecniche di camera oscura e ripresa, portano presto l'artista ad approfondire nuovi linguaggi estetici che ne rinnovano costantemente il livello professionale e creativo. Il lavoro dell'autore é spesso presente nelle più importanti rassegne internazionali d'arte e fotografia negli Stati Uniti - 'Photo LA', Los Angeles; 'AIPAD Show', New York; 'Art Fair, Cicago'; Art Miami. Donaggio ha esposto in numerose gallerie e musei Italiani, Europei e negli States. Molte opere di Donaggio sono presenti in collezioni d'arte pubbliche e private. L'artista ha ricevuto vari premi e riconoscimenti tra quali: Gran Prix italia, Kodak European Award, B/W Spider Awards, Premio alla carriera Rotary Club, Premio alla carriera città di Benevento. Donaggio è stato inoltre commissario di tesi allo IED di Milano, visiting professor all'accademia di Brera, Milano e all'università Ca' Foscari di Venezia. Oggi l'autore si dedica completamente alla ricerca artistica, ed è considerato uno dei più originali e apprezzati artisti italiani che privilegiano la sperimentazione con il mezzo fotografico.

"Non posso descrivere quali e quante emozioni mi ha donato la laguna, questa chiesa a cielo aperto, con il tetto della notte e del giorno, lungo un continuo rincorrersi tra luna e sole." Franco Donaggio (Dall'intervista di Mariateresa Cerretelli, Arte, mostra Reflections, Galleria Doria, Parigi 07.11-21.12 2013). (Comunicato stampa)

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Alfredo Pini: "Il tempo sospeso"
dal 6 luglio 2020
Bottega d'Arte Lacerba - Ferrara
www.lacerba.com | www.alfredopini.com

In questa mostra on-line, la galleria Lacerba propone una serie di dipinti che Alfredo Pini ha realizzato nel periodo in cui, a causa della recente pandemia, ci siamo ritrovati a vivere una situazione mai provata in precedenza, una lunga quarantena in isolamento, in cui lo stato emotivo di ciascuno di noi è stato messo alla prova, sollecitato da sensazioni difficilmente descrivibili a parole. Un tempo, che non è ancora terminato e che indubbiamente lascierà una traccia profonda: "... e di questo momento, voglio soprattutto dare un volto al silenzio, ad un mondo che incredibilmente sembra si sia fermato, ad un mondo sospeso che non sa se guardarsi dentro o guardare timoroso al domani, ad una vaga sensazione catartica che aleggia nell'aria, sopra tutti noi. E voglio dipingere la luce di questi giorni, non quella reale ma quella interiore, quella che vive dentro di noi, contrastante, ambigua. E voglio dipingere i miei luoghi, la mia terra...la mia anima." (Comunicato stampa)

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Daniele Cestari: "Tempo sospeso"
Barbara Frigerio Contemporary Art - Milano
Presentazione on line

Nuova serie di lavori dell'artista ferrarese, che esplora, accanto ai già noti temi cittadini, paesaggi marini e di montagna. Il titolo di questa selezione rievoca l'orfismo campaniano di sospensione del tempo ("E del tempo fu sospeso il corso." Cit. D.C.) di cui tutti abbiamo avuto esperienza durante questi mesi nelle contingenze sfaccettate della realtà. Con questi nuovi lavori l'autore non si limita più alla dimensione metafisica, ma indaga quella più strettamente individuale  e collettiva della quotidianità. (Comunicato stampa)

__EN

We are pleased to present a new series of works by the artist from Ferrara, who explores marine and mountain landscapes alongside the already well-known city themes. The title of this selection recalls the Campanian orphism of suspension of time ("And of time the course was suspended." Cit. D.C.) which we have all experienced during these months in the multifaceted contingencies of reality. With these new works the author is no longer limited to the metaphysical dimension, but investigates the more strictly individual and collective dimension of everyday life. (Press release)

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Stoner. Landing pages
05 settembre 2020 - 10 gennaio 2021
Palazzo Pretorio - Certaldo (Firenze)
www.museiempolesevaldelsa.it

Nell'ambito della seconda edizione di "Ci sono sempre parole. [non]Festival delle narrazioni popolari (e impopolari)", l'esposizione, liberamente ispirata al romanzo "Stoner" di John Williams, è curata da Cinzia Compalati ed Andrea Zanetti con opere di Emiliano Bagnato, Mauro Fiorese, Stefano Lanzardo, Roberta Montaruli, Eleonora Roaro, Jacopo Simoncini, Giuliano Tomaino e Zino. Dopo l'anteprima tenutasi a Pescara nel 2016, a seguito di una campagna di crowdfunding che ha coinvolto appassionati d'arte e bibliofili, il progetto si presenta a Certaldo nella sua completezza, con l'aggiunta di un lavoro inedito di Emiliano Bagnato e la rimodulazione contest specific delle installazioni.

La mostra trae origine dal noto romanzo di John Williams, un caso letterario che ha appassionato migliaia di lettori nel mondo: la biografia di un anonimo professore universitario che a cavallo tra la prima e la seconda guerra mondiale affronta i drammi e le passioni di una vita normale. Ad otto autori contemporanei, diversi per poetica e formazione, è stato chiesto di far vivere i personaggi e le atmosfere del romanzo attraverso il proprio linguaggio: fotografia, istallazioni, musica, performance e video. Non solo la riproduzione espressiva delle pagine di "Stoner", bensì l'appropriarsi dei protagonisti per scavarne le profondità, per esternarne il non-detto e il non-scritto, per incanalare la narrazione nelle suggestioni della forza visiva.

Emiliano Bagnato (La Spezia, 1993) - compositore e sound designer - interpreta Grace, la figlia di Stoner. In una rilettura musicale e interattiva, tutto il dramma di un personaggio che ha subito le storie dei genitori, senza colpe. Resterà imprigionato o si salverà dal suo passato?

Mauro Fiorese (Verona, 1970-2016) è stato uno dei cento fotografi più quotati al mondo. Sono esposte, dopo la sua morte prematura, alcune opere tratte da www.libraincancer.it, il blog in cui ha raccontato la sua personale battaglia contro il cancro. Tenendo fede all'impostazione letteraria dell'esposizione, l'autore ha composto dodici dittici fotografici che si sviluppano nell'immagine pura e nel suo, arbitrario, rimando testuale. In mostra interpreta Gordon Finch, l'amico fraterno di Stoner e filtra attraverso i suoi occhi - e quindi attraverso il grande tema dell'amicizia - la vita del protagonista.

Stefano Lanzardo (La Spezia, 1960) è Stoner. Con quattro scatti fotografici sono descritti altrettanti momenti simbolo dell'esistenza del protagonista: dalla terra che lo ha generato, e alla quale torna, ai corridoi dell'università in cui passeggia come un fantasma, allo studio di casa, dove poteva dedicarsi alle amate letture, fino alla relazione con le donne del romanzo. Un viaggio dal forte impiano anti-eroico e anti-epico che trasforma la vita di un uomo dimenticato da tutti in un racconto collettivo.

Roberta Montaruli (Torino, 1978) è Katherine, l'amante di Stoner. L'artista torinese racconta la loro storia d'amore in una video-installazione in cui - mancando la presenza antropica - sono gli oggetti a narrare le loro vite, fatte di respiri e sospiri, gioie e dolori, fatica e tensione verso la felicità. Un video d'animazione che si crea e si cancella attraverso l'uso del carboncino e della gomma, in bilico tra eterno ed effimero.

Eleonora Roaro (Varese, 1989) ha realizzato per la mostra una video installazione dedicata ad Edith, la moglie di Stoner, in cui porta alla luce tutte le fobie del personaggio, una donna distante, anaffettiva. Attraverso una sineddoche - Edith è rappresentata solo dal suo occhio ceruleo - diventa la "telecamera di sorveglianza" delle vite di chi la circonda. In esposizione anche il video-documento di una performance in cui ha interpretato Edith in uno dei momenti topici del romanzo dipingendo di rosa, in preda a una sorta di controllata follia, la scrivania e tutti gli oggetti di Stoner.

Jacopo Simoncini (Carrara, 1979) ha composto per l'esposizione un pezzo inedito per viola - eseguito da Ignazio Alayza - che racconta attraverso sussulti lo stridore dell'esistenza. Le corde, come le vite dei personaggi del romanzo, sono quasi portate a rompersi, lo vorrebbero, ma non ci riescono. Una tensione continua che accompagna lo sguardo sulla mostra. La stessa tensione che attraversa tutta la musica di Simoncini, una musica che vuole evocare paesaggi interiori, teatrale nel suo continuo mettere in scena emozioni contrastanti e stati d'animo.

Giuliano Tomaino (La Spezia, 1945) - l'artista che tutti hanno potuto vedere con le sue sculture nel decumano di Expo Milano 2015 - interpreta il padre di Stoner, portando avanti la storica serie dei "Santi" con una cruda installazione che ferma il momento della sua morte. Solo una frase, ad evocare la caducità delle azioni compiute e dell'esistenza, la sua e quella di tutti. Anche il segreto della morte svela il peso dell'assenza e riconduce alla semplicità della terra. Attorno solo il silenzio e la sua musica.

Zino (Teramo, 1973) - noto per le opere realizzate con i lego e la realtà aumentata - qui interpreta l'antagonista di Stoner e lo immortala nel momento in cui fa la sua prima apparizione nel romanzo: fisicamente menomato, Lomax ha un viso da attore del cinema sul quale l'artista riporta le parole della sua presentazione all'interno del testo. (Estratto da comunicato stampa CSArt - Comunicazione per l'Arte)

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"Open"
01 luglio - 27 settembre 2020
Residenza d'Epoca Hotel Club I Pini - Lido di Camaiore (Lucca)
www.clubipini.com

Rassegna di pittura, curata da Gianni Costa, organizzata in collaborazione con la galleria Mercurio Arte Contemporanea di Viareggio, patrocinata dal Comune di Camaiore. L'iniziativa vuole lanciare un forte segnale di ripartenza, offrendo al pubblico una proposta culturale che coniughi l'arte contemporanea con la raffinata atmosfera della villa in stile Liberty, fatta costruire dal pittore e ceramista Galileo Chini (Firenze, 1873 - 1956) agli inizi del '900 per crearvi la propria dimora nei periodi di vacanza. Completamente ristrutturata lasciando inalterato il fascino originario, la Residenza d'Epoca Hotel Club I Pini accoglie ancora oggi numerose opere di Chini - dipinti, affreschi e oggetti d'arredamento - perfettamente conservate.

Nella mostra "Open" sono esposti recenti dipinti di Daniela Caciagli, Riccardo Corti, Beppe Francesconi e Valente Taddei. I quattro artisti, seppur diversi tra loro per formazione estetica, scelte stilistiche e tecniche pittoriche, sono accomunati da un profondo spirito di ricerca nell'ambito della figurazione contemporanea. Nei suoi acrilici su tela, Daniela Caciagli (Bibbona, 1962) cerca di plasmare la realtà, creando libere associazioni fantastiche di frammenti di vita quotidiana, in cui i riferimenti spazio-temporali appaiono sfumati. Riccardo Corti (Firenze, 1952) realizza oli dall'intenso impatto visivo e dalla forte valenza simbolica, creano un gioco testuale di notevole pregio stilistico, nell'ambito di una pittura di sintesi, volta a indagare il sensibile con lirismo. Negli oli di Beppe Francesconi (Marina di Massa, 1961), le composizioni con buffi animali che tendono a librarsi in volo esprimono l'aspirazione a superare i problemi del reale e a immergersi in un fiabesco mondo di utopie. Valente Taddei (Viareggio, 1964) è autore di dipinti a olio e china dal taglio narrativo e minimalista, nei quali un minuscolo individuo conduce una paradossale esistenza, sospesa in tempi e spazi indefiniti. L'artista offre una metafora dei limiti umani, sdrammatizzando con ironia il senso di caducità che l'uomo può provare di fronte al proprio destino. (Comunicato stampa)

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Ulisse: L'Arte e il Mito
19 maggio - 31 ottobre 2020
Musei San Domenico di Forlì
www.mostraulisse.it

Il tema affrontato dalla mostra è quello di Ulisse e del suo mito, che da tremila anni domina la cultura dell'area mediterranea ed è oggi universale. Mito che si è fatto storia e si è trasmutato in archetipo, idea, immagine. E che oggi, come nei millenni trascorsi, trova declinazioni, visuali, tagli di volta in volta diversi. Specchio delle ansie degli uomini e delle donne di ogni tempo. La vasta ombra di Ulisse si è distesa sulla cultura d'Occidente. Dal Dante del XXVI° dell'Inferno allo Stanley Kubrick di 2001 - Odissea nello spazio, dal capitano Acab di Moby Dick alla città degli Immortali di Borges, dal Tasso della "Gerusalemme liberata" alla Ulissiade di Leopold Bloom l'eroe del libro di Joyce che consuma il suo viaggio in un giorno, al Kafavis di Ritorno ad Itaca là dove spiega che il senso del viaggio non è l'approdo ma è il viaggio stesso, con i suoi incontri e le sue avventure.

Il contributo dell'arte è stato decisivo nel trasformare il mito, nell'adattarlo, illustrarlo, interpretarlo continuamente in relazione al proprio tempo. Una grande viaggio dell'arte, non solo nell'arte. Una grande storia che gli artisti hanno raccontato in meravigliose opere. La mostra racconta un itinerario senza precedenti, attraverso capolavori di ogni tempo: dall'antichità al Novecento, dal Medioevo al Rinascimento, dal naturalismo al neo-classicismo, dal Romanticismo al Simbolismo, fino alla Film art contemporanea. Un percorso emozionante, a scandire una vicenda che ci appartiene, che nello specchio di Ulisse mostra il nostro destino. Poiché Ulisse siamo noi, le nostre inquietudini, le nostre sfide, la nostra voglia di rischiare, di conoscere, di andare oltre. Muovendo alla scoperta di un "al di fuori" sconosciuto e complesso che è dentro di noi. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Insieme per un segno
termina il 15 ottobre 2020
Centro Internazionale d'Arte Contemporanea Sala 1 - Roma
www.salauno.com

Sala 1 in collaborazione con la Fondazione Tito Amodei presenta una selezione di opere sul tema e il simbolo della croce, a cura di Mary Angela Schroth ed Eloisa Saldari. Gli artisti invitati a partecipare sono Enrico Bentivoglio, Bruno Ceccobelli, Francesco China, Ottaviano D'Egidio, Stefano Fontebasso De Martino, Cosetta Mastragostino, Salvatore Meo, Sandro Sanna. A questi si aggiungono le opere di Tito Amodei, padre Passionista, fondatore di Sala 1, che al tema ha dedicato scritti e pubblicazioni dagli anni Sessanta ad oggi. Tutti gli artisti coinvolti hanno avuto un rapporto di fiducia e stima con Tito e hanno affrontato l'argomento da diversi punti di vista e con approcci, media e attitudini differenti, manifestando un trasversale interessamento personale al tema.

Il segno della croce, nella sua tradizione ed evoluzione iconografica, è interpretato da Enrico Bentivoglio come immagine misteriosa che emerge dalla combinazione cromatica della pittura; da Bruno Ceccobelli in croci greche in cui la preziosità è data dal collage di materiali poveri; mentre Francesco China astrae il simbolo con l'uso della pittura; Ottaviano D'Egidio ne rilegge filosoficamente il valore, in poesia. Stefano Fontebasso De Martino è presente con una fotografia inkjet in cui lo sguardo ravvicinato su vecchi chiodi portano alla croce per associazione; Cosetta Mastragostino vede la croce in un relitto ligneo di una antica porta, mentre Salvatore Meo rimanda alla croce indirettamente, con una corona di spine e ancora la croce riecheggia palpitante nella tela di Sandro Sanna, in cui la spiritualità emerge nell'equilibrio di bagliori e ombre. Tito, presente stabilmente a Sala 1 con alcune sculture lignee, è in mostra con un dipinto del 1963 che raffigura Cristo adagiato a terra insieme alla figura dell'artista. Un catalogo digitale della mostra sarà editato da Sala 1 edizioni con testi di Mary Angela Schroth ed Eloisa Saldari. (Comunicato stampa)

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Georges De La Tour: l'Europa della luce
termina il 27 settembre 2020 (prenotazione obbligatoria)
Palazzo Reale - Milano
www.palazzorealemilano.it

La prima mostra in Italia dedicata a Georges de La Tour, attraverso mirati confronti tra i capolavori del Maestro francese e quelli di altri grandi del suo tempo - tra cui Gerrit van Honthorst, Paulus Bor, Trophime Bigot - porta una nuova riflessione sulla pittura dal naturale e sulle sperimentazioni luministiche, per affrontare i profondi interrogativi che ancora avvolgono l'opera di questo misterioso artista. Un'esposizione unica considerato che, come ebbe a sottolineare Roberto Longhi, in Italia non vi è conservata nessuna opera di La Tour e sono circa 40 le opere certamente attribuite al Maestro, di cui in mostra ne sono esposte 15 più una attribuita. La mostra è curata dalla Prof.ssa Francesca Cappelletti e da Thomas Clement SalomonL; il comitato scientifico è composto da Pierre Rosenberg (già direttore del Louvre), Gail Feigenbaum (direttrice, Getty Research Institute), Annick Lemoine (direttore, Musée Cognacq-Jay).

Tra i capolavori presenti in mostra, spicca la I giocatori di dadi (Stockton-on-Tees, Preston Park Museum & Grounds, 1650-1651), uno dei pochi dipinti di La Tour che si conservano in Gran Bretagna; la straordinaria tela La Negazione di Pietro (Nantes, Musée des Beaux-Arts, 1650), dove La Tour somma agli effetti di luce dei notturni il carattere drammatico del tradimento dell'apostolo; il magnifico quadro Giobbe deriso dalla moglie (Epinal, Musée départemental d'Art ancien e contemporain, 1650 circa), particolarmente rappresentativo del lavoro sulla luce svolto dal Maestro. Completano le opere autografe di La Tour altri dipinti a tema religioso: i due ritratti di apostoli, San Giacomo Minore e San Giuda Taddeo dal Musée Toulouse-Lautrec di Albi; San Filippo dal Chrysler Museum of Art di Norfolk; San Giovanni Battista nel deserto dal Museo de La Tour di Vic- sur-Seille, città natale del pittore. E due incisivi ritratti - Old man e Old woman - dai Fine Arts Museums di San Francisco.

Il percorso della mostra è arricchito da una ventina di splendide opere di artisti coevi come Paulus Bor, Jan Lievens, Throphime Bigot, Frans Hals, Jan van Bijlert, Gerrit Van Honthorst (noto in Italia come Gherardo delle Notti), Adam de Coster, Carlo Saraceni. Accompagna l'esposizione l'importante catalogo edito da Skira con saggi di Francesca Cappelletti, Pierre Rosenberg, Jean-Pierre Cuzin, Gail Feigenbaum, Dimitri Salmon, Gianni Papi, Rossella Vodret con Giorgio Leone, Matteo Mancinelli, Manfredi Merluzzi, comprensivo delle schede delle opere molto approfondite dal punto di vista critico e bibliografico e le relative immagini e seguito da una estesa bibliografia.

"Le immagini di La Tour - afferma la curatrice - sono assolutamente coinvolgenti, spingono ad aguzzare la vista per scoprire cosa si celi nelle tenebre, dove la luce della candela non riesce ad arrivare; o sono quadri che ci mostrano più di quello che vorremmo vedere - la disperazione e la miseria della vita, che giganteggia vicino a noi. Osservando i suoi quadri lo spettatore è coinvolto al pari del pittore nella stessa impresa; non riesce a distogliere lo sguardo dall'opera, fino a essere catturato dal suo autore: questo uno dei segreti del suo ascendente". (Estratto da comunicato Ufficio stampa Skira - Lucia Crespi)

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Forma/Informe
La fase non-oggettiva nella fotografia Italiana 1935-1958

24 giugno - 27 settembre 2020
Wunderkammer GAM Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea di Torino

Mostra dedicata alla nascita della fotografia non-oggettiva e informale in Italia. Una selezione di 50 stampe vintage e originali in gran parte inedite di 7 grandi fotografi, provenienti da importanti archivi italiani e da prestigiose collezioni d'arte internazionali e 23 rare pubblicazioni. La mostra è frutto di una originale indagine sulla fotografia sperimentale italiana dalla metà degli anni Trenta alla fine degli anni Cinquanta del Novecento, curata da Antonella Russo, storica e teorica della fotografia. Forma/Informe può essere definita come "Un viaggio al termine della forma" della fotografia italiana del dopoguerra, partendo dalle indagini sul luminismo fotografico di Giuseppe Cavalli (1904-1961) e dalla sperimentazione di Luigi Veronesi (1908-1998), per poi passare a considerare la fase più compiuta dell'immagine non oggettiva con il grafismo ottico di Franco Grignani (1908-1999), le cosmografie cromatiche di Pasquale De Antonis (1908-2001), la pioneristica ricerca sul materico di Piergiorgio Branzi (1928), fino a esaminare una serie di "scomposizioni" di Paolo Monti (1908-1982) e di Nino Migliori (1926), considerato oggi il protagonista indiscusso dell'informale fotografico empatico del secondo dopoguerra.

Il percorso prende il via dai lavori di Giuseppe Cavalli. In mostra opere come Pallina (1949) o Muretto (1950): immagini dai toni alti, volti a cogliere la valenza plastica delle cose e il "ritmo palpitante" negli oggetti. Pittore, grafico, scenografo e fotografo, Luigi Veronesi nella sua lunga carriera produce immagini di accoppiamenti di positivo-negativo, inversioni tonali, sovraimpressione e immagini solarizzate. Tra queste, l'opera in mostra Le stelle dalla mia finestra (1940), immagine di un cielo senza luna attraversato da scie luminose e puntini bianchi, reso con graffiature che alternano il bianco e nero e grigio che danno movimento alla fotografia.

Franco Grignani, pittore e fotografo autodidatta e graphic designer, mette la fotografia a servizio della grafica con esperimenti di esposizioni multiple e sovrapposizioni di diversi negativi. A fine anni quaranta affina la sua ricerca moltiplicando le sue sperimentazioni: nascono così le "dissonanze percettive", le "vibrazioni visive", le "rotazioni formali" e le "tensioni visive". Del grande fotografo umanista Piergiorgio Branzi sono esposti scatti inediti della serie Montmartre (1954), vedute urbane del quartiere parigino ancora sconvolto dalle ferite della guerra, insieme a Mykonos (1957), che descrive la struttura e la materia stessa del paesaggio.

Uno dei protagonisti più autorevoli della fotografia italiana, Paolo Monti, dedica buona parte della sua ricerca alla fotografia "astratta" che, come scrive la curatrice in catalogo: "è una investigazione nel cuore della materia del mondo, un andare alle fondamenta della produzione di forme primordiali". Se l'Informale di Monti, almeno fino agli anni Cinquanta, è ancora legato alla ripresa fotografica, altri autori a lui contemporanei, avevano già iniziato a distaccarsene. Pasquale De Antonis elabora una sua personale e particolare tecnica basata sull'utilizzo di più fonti luminose filtrate da uno schermo cartaceo forato in più punti, e in seguito perfeziona queste prime esperienze spingendosi a fissare direttamente sulla carta sensibile le mille forme che andavano assumendo gocce e liquidi oleosi o inchiostri densi versati su una lastra di vetro retroilluminata.

Nino Migliori ha iniziato a fine anni Quaranta lavorando in una minuscola camera oscura allestita in un angolo della cucina di casa, facendo uso di acidi per lo sviluppo e fissaggio applicati su ritagli di carta, perché un foglio intero era troppo prezioso. La carta veniva cosparsa di liquido di sviluppo e poi esposta alla luce artificiale, o solare o di una fiamma. Migliori denominò questo procedimento Ossidazioni. Altre esperienze, i Pirogrammi, sono ricavate da registrazioni di piccole bruciature inferte alla pellicola con una punta riscaldata o esposte a una fiamma, mentre gli Idrogrammi fissano tracce di gocce di acqua o liquidi schiumosi applicati sul lastrino dell'ingranditore; allora l'immagine appare un organismo vivente, una costellazione di cellule sospese come in un liquido amniotico.

La mostra è accompagnata da un catalogo bilingue in italiano e inglese curato da Antonella Russo ed edito da Silvana Editoriale, include 60 immagini, comprese le riproduzioni di tutte le fotografie esposte, una cronologia ragionata delle principali mostre, pubblicazioni ed eventi fotografici dell'epoca, saggio teorico e appartati biografici. (Comunicato stampa)

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La poesia del paesaggio
Rotazione di dipinti giapponesi su rotolo verticale

13 giugno - 25 ottobre 2020
Museo d'Arte Orientale - Torino
www.maotorino.it

Le opere su carta o seta presenti al MAO sono estremamente delicate e necessitano, a differenza di altre, di un periodo di riposo. Per questa ragione, e per consentire ai visitatori di godere di un'esposizione sempre rinnovata, vengono effettuate rotazioni periodiche, come quella visibile nella galleria dedicata al Giappone a partire da sabato 13 giugno: in occasione della riapertura si rinnova infatti la sezione dei kakemono, classici dipinti giapponesi su rotolo verticale, e delle stampe. Questa nuova rotazione di kakemono ha come soggetto la pittura di paesaggio, prevalentemente a inchiostro su carta o su seta, con opere che esemplificano alcune modalità espressive degli artisti giapponesi tra il XVI e la metà del XIX secolo, i cui temi e stile rivelano in taluni casi una dichiarata ispirazione al modello cinese, in altri una rielaborazione originale.

Partendo dagli scenari rarefatti di Sesson Shukei (1504-1589), dove una leggera doratura restituisce l'atmosfera soffusa della montagna avvolta in una vaporosa foschia, e dai paesaggi incorporei e astratti del famoso Kano Tan'yu (1602-1674), la selezione del MAO si concentra su diversi artisti attivi nella prima metà del 1800 tra cui spicca il poliedrico Kishi Ganku (1749 o 1756-1838), che oscilla tra l'adesione al modello sinico e i temi o le modalità pittoriche tipicamente nipponiche. Contestualmente alla rotazione di dipinti sarà effettuata la rotazione delle stampe giapponesi al secondo piano del museo, dove verrà presentata la seconda metà della famosa serie "Le 53 stazioni della Tokaido" orizzontale di Utagawa Hiroshige (1797-1858). Alcune "stazioni" celebri, come la n. 43 Yokkaichi e la n. 45 Shono, sono entrate a buon titolo nel gotha dell'espressione artistica moderna riconosciuta a livello internazionale. (Comunicato stampa)

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Paolo Gubinelli, Opere su carta

Una vecchia conoscenza, una vecchia stima. Una sua poetica costante nei tempi lunghi ma con variazioni sul tema sorprendenti. Si tratta di far parlare la carta, di dare una lingua e un mandato a questo materiale dall'artista privilegiato da decenni e che in tempi recenti si si è diversamente ingentilito con l'uso dell'acquerello. Ben lunga, invece, il pattern carta-segno. La carta è segnificante, e sarebbe una condizione autoreferenziale ma in ogni caso sostanziale, se Gubinelli non intervenisse aggiungendo al segno naturale della carta i suoi segni immaginifici che vorrei dire omofoni, proprio come in musica do diesis e re bemolle hanno lo stesso suono ma appartengono a due condizioni armoniche diverse.

La carta che Gubinelli sceglie gli offre una certa potenzialità segnica che l'artista percepisce ed esplicita proprio col suo modo, appunto omofono, di incidere su di essa. Affascinantissimi i suoi libri-oggetto, peraltro. Questo soprattutto quando, ormai è cosa vecchia di decenni, Gubinelli abbandona il segno astratto geometrico a favore di uno lirico-fenomenico. Sicché emerge, lungo la narrazione di baluginii cromatici e di segni connotativi, "l'invisibile bellezza" di cui parla Fernando Miglietta nell'introdurre una recente mostra dell'artista marchigiano-toscano alla Fondazione Sassi di Matera. La precedeva di poco un'altra personale a Milano, all'università Bocconi per la cura di Elena Pontiggia. Un curriculum intenso e soprattutto rigoroso come rigorosa e tesa è la sua ricerca. (Carmelo Strano, 05 giugno 2020)

Paolo Gubinelli (Matelica - Macerata, 1945) si diploma presso l'Istituto d'arte di Macerata, sezione pittura, continua gli studi a Milano, Roma e Firenze come grafico pubblicitario, designer e progettista in architettura. Giovanissimo scopre l'importanza del concetto spaziale di Lucio Fontana che determina un orientamento costante nella sua ricerca: conosce e stabilisce un'intesa di idee con gli artisti e architetti: Giovanni Michelucci, Bruno Munari, Ugo La Pietra, Agostino Bonalumi, Alberto Burri, Enrico Castellani, Piero Dorazio, Emilio Isgrò, Umberto Peschi, Edgardo Mannucci, Mario Nigro, Emilio Scanavino, Sol Lewitt, Giuseppe Uncini, Zoren. Partecipa a numerose mostre personali e collettive in Italia e all'estero.

Nella sua attività artistica è andato molto presto maturando, dopo esperienze pittoriche su tela o con materiali e metodi di esecuzione non tradizionali, un vivo interesse per la "carta", sentita come mezzo più congeniale di espressione artistica: in una prima fase opera su cartoncino bianco, morbido al tatto, con una particolare ricettività alla luce, lo incide con una lama, secondo strutture geometriche che sensibilizza al gioco della luce piegandola manualmente lungo le incisioni. In un secondo momento, sostituisce al cartoncino bianco, la carta trasparente, sempre incisa e piegata; o in fogli, che vengono disposti nell'ambiente in progressione ritmico-dinamica, o in rotoli che si svolgono come papiri su cui le lievissime incisioni ai limiti della percezione diventano i segni di una poesia non verbale.

Nella più recente esperienza artistica, sempre su carta trasparente, il segno geometrico, con il rigore costruttivo, viene abbandonato per una espressione più libera che traduce, attraverso l'uso di pastelli colorati e incisioni appena avvertibili, il libero imprevedibile moto della coscienza, in una interpretazione tutta lirico musicale. Oggi questo linguaggio si arricchisce sulla carta di toni e di gesti acquerellati acquistando una più intima densità di significati. Ha eseguito opere su carta, libri d'artista, su tela, ceramica, vetro con segni incisi e in rilievo in uno spazio lirico-poetico. Le sue opere sono esposte in permanenza nei maggiori musei in Italia e all'estero.

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Paolo Gubinelli,Works on paper

An old acquaintance, an old high consideration. His poetics has always been stable over long times but characterized by surprising variations on the theme. His interest is letting the paper speak, giving a language and a mandate to this material that the artist has privilegedfor decades and which in recent times has become differently refined with the use of watercolor. The story of his paper-sign pattern is very long. The paper by itself is a signifier, and it would be a self-referential condition(even though in any case substantial), if Gubinelli did not intervene by adding to the natural sign of the paper his imaginative sign. A sign that I would like to say homophone, according to what happens in music: the note C sharpand Dflat have the same sound but belong to two different scales.

The paper that Gubinelli chooses provides him with certain potential signs that the artist perceives and makes explicit through his way, precisely homophone, to affect it. His object-books are very fascinating, however. This especially happens when, decades ago, Gubinelli abandons the abstract geometric sign in favor of a lyrical-phenomenic one. Thus, along the narrative of chromatic shimmers and connotative signs, you can catch the "invisible beauty" of which Fernando Miglietta speaks in introducing a recent exhibition of the Marches-Tuscan artist at the Sassi Foundation in Matera. This initiative has just been preceded by a solo show in Milan, at Bocconi University, curator Elena Pontiggia. An intense and above all rigorous artistic curriculum, likely rigorous and tense is his research. (Carmelo Strano, 05/06/2020)

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Gaetano Previati
Tra simbolismo e futurismo

termina il 27 dicembre 2020
Castello Estense - Ferrara

La rassegna organizzata dalla Fondazione Ferrara Arte e dalle Gallerie d'Arte Moderna e Contemporanea, a cura di Chiara Vorrasi, presenta al pubblico più di sessanta opere, accostando olii, pastelli e disegni delle collezioni civiche ferraresi (circa trentacinque) ad un notevole nucleo di opere concesse in prestito da collezioni pubbliche e private. Completano la selezione alcuni importanti documenti inediti. L'esposizione vuole evidenziare la tensione costante nella ricerca di Previati verso il superamento dei tradizionali confini della pittura "da cavalletto", intesa come mezzo espressivo, come codice visivo o ancora come modalità di interazione con il pubblico. Affascinato dall'espressione dei sentimenti e dall'impegno nei grandi formati per la sua educazione tardoromantica, l'artista mette in gioco un approccio sperimentale ai soggetti e ai meccanismi della visione che gli permette di raggiungere esiti inediti.

Per questo la sua ricerca occupa un fondamentale ruolo di snodo nel rinnovamento dell'arte italiana al volgere del secolo: Previati è stato considerato un erede dei maestri del passato, una figura guida del divisionismo italiano, ma anche un esempio per i giovani futuristi. Proprio per questa posizione affascinante e complessa, la sua vicenda artistica ha ancora diverse zone d'ombra che meritano di essere esplorate. Ad aprire la mostra sarà un bozzetto del visionario dipinto "Gli ostaggi di Crema" del 1879, che vale a Previati, non ancora trentenne, la prima affermazione pubblica e la reputazione di «indole artistica ardita fino all'esagerazione». All'interesse per i temi storici si affianca presto la fascinazione per i soggetti maudit, come testimonia la "Cleopatra". La svolta fondamentale coincide con l'adesione al Divisionismo: a segnare questo passaggio sarà un'opera emblematica, "Nel prato di Palazzo Pitti", il «primo tentativo della tecnica nuova della spezzatura del colore, una tecnica che dà l'impressione di una maggiore intensità di luce», come afferma lo stesso pittore.

Grandi disegni, dipinti e materiali inediti documentano quindi il progetto di trasferire in pittura le impressioni musicali, intorno alla vicenda ferrarese di Ugo e Parisina. Un'altra celebre storia d'amore, quella di Paolo e Francesca, sollecita a più riprese la fantasia di Previati, culminando nel capolavoro del 1909, una vera e propria pittura di "stati d'animo" che si espandono oltre i confini della tela: per questa ragione il dipinto è considerato una delle matrici del celebre trittico degli "Stati d'animo" di Umberto Boccioni. L'approccio innovativo dell'artista ferrarese investe anche i tradizionali generi pittorici, come testimonia la sezione dei dipinti a tema religioso. Quanto al paesaggio, Previati procede a spogliare la scena di dettagli per lasciare spazio alla gioiosa espressività del colore e della luce. Nello straordinario "Colline liguri" una distesa di prati cosparsi di gerani è, insieme alla volta celeste, l'assoluta protagonista di una visione che trasmette una sensazione di pienezza e immensità.

Valorizzando le nuove possibilità offerte dall'industria editoriale, con le illustrazioni per i "Racconti di Edgar Allan Poe" e con quelle per "I promessi sposi" manzoniani, il ferrarese sperimenta un nuovo codice di illustrazione che mette in scena le atmosfere psicologiche e gli stati d'animo dei protagonisti del testo letterario. Con il ciclo delle "Vie del commercio" (1914-16) per la Camera di Commercio di Milano il cerchio si chiude: le tematiche della modernità al centro della poetica di Marinetti e Boccioni offrono nuove possibilità alla pittura decorativa dell'anziano maestro. Uno dei grandi pannelli del ciclo, "La ferrovia del Pacifico", sarà eccezionalmente esposto in mostra, corredato di disegni. Si tratta di una delle prove più affascinanti della tarda maturità, con cui Previati dà prova di sapersi muovere oltre il recinto dei temi tradizionali per cimentarsi con l'immaginario tecnologico e "globale". (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Antonio Ligabue
Incompreso
La vita di Antonio Ligabue attraverso le sue opere

06 giugno - 08 novembre 2020
Palazzo Bentivoglio - Gualtieri (Reggio Emilia)
www.museo-ligabue.it | Locandina della mostra

Apre nuovamente al pubblico la mostra promossa dalla Fondazione Museo Antonio Ligabue e dal Comune di Gualtieri. Per accompagnare l'uscita nelle sale del film "Volevo nascondermi" di Giorgio Diritti e la magistrale interpretazione di Elio Germano nei panni di Antonio Ligabue, premiata con l'Orso d'Argento alla Berlinale e con il Nastro dell'Anno 2020, l'esposizione è stata trasferita dalla Sala Giove al Salone dei Giganti, uno spazio di rappresentanza interamente affrescato, le cui dimensioni monumentali garantiranno l'accesso del pubblico in totale sicurezza. Il percorso della mostra, a cura di Sergio e Francesco Negri, comprende 22 dipinti, alcuni bronzi ed un calco in terracotta. Le opere, tutte provenienti da collezioni private, sono esposte in ordine cronologico, con suddivisione in periodi, per consentire al visitatore di osservare l'evoluzione dello stile, della tecnica, ma anche dei temi che cambiano con il passare del tempo.

«L'opera di Antonio Ligabue - spiega, infatti, Sergio Negri - può essere suddivisa in tre periodi. Nel primo periodo (1927-1939) i colori sono molto tenui e diluiti. Sono usuali i temi legati alla vita agreste e le scene con animali feroci in atteggiamenti non eccessivamente aggressivi; pochissimi gli autoritratti. Il secondo periodo (1939-1952) è segnato dalla scoperta della materia grassa e corposa e da una rifinitura analitica di tutta la rappresentazione. Il terzo periodo (1952-1962) è la fase più prolifica. Il segno diventa vigoroso e continuo, al punto da stagliare nettamente l'immagine rispetto al resto della scena. È densa in quest'ultimo periodo la produzione di autoritratti, diversificati a seconda degli stati d'animo vissuti al momento dell'esecuzione».

Nel Salone dei Giganti sono presentati alcuni capolavori, come "Il serpentario" e "Aquila con volpe", che ritraggono animali in movimento, "Castelli svizzeri", che non veniva esposto a Gualtieri dagli anni Settanta, il celebre "Autoritratto con spaventapasseri" e "Diligenza con paesaggio", un'opera inserita, così come altre presenti in mostra, nel film di Giorgio Diritti. Lo stesso regista aveva infatti raccontato a Francesco Negri, durante le riprese, di essere stato a Gualtieri nel 1975 e di essersi innamorato della ricerca di Ligabue dopo aver visto il dipinto intitolato "Diligenza con paesaggio". Ad arricchire ulteriormente l'esposizione, la presenza di documenti sulla vita dell'artista, la proiezione del film documentario di Raffaele Andreassi del 1961 e diverse foto risalenti agli anni Cinquanta, scattate dal reporter Walter Breveglieri, che ritraggono Ligabue alle prese con la sua Moto Guzzi.

La storia di Antonio Ligabue ha inizio il 18 dicembre 1899 a Zurigo. Nonostante la nascita in territorio elvetico, le sue origini sono legate profondamente all'Italia. Viene registrato con il cognome della madre, Elisabetta Costa, che abita a Frauenfeld, nel cantone di Turgau, dove fa l'operaia. Elisabetta ben presto conosce un altro emigrante italiano, Bonfiglio Laccabue, nativo di Gualtieri; i due si sposano il 18 gennaio 1901 e il 10 marzo dello stesso anno Bonfiglio legittima il piccolo Antonio, dandogli così il proprio cognome. A soli nove mesi d'età, nel settembre 1900, è affidato a una coppia svizzero-tedesca. Il bambino è colpito da rachitismo e carenza vitaminica che gli causano una malformazione cranica e un blocco dello sviluppo fisico - di qui, l'aspetto sgraziato che conosciamo attraverso le sue fotografie da adulto.

Nel settembre del 1913, viene affidato agli svizzeri Else e Johannes Valentin Göbel. A causa delle disagiate condizioni economiche e culturali la coppia è costretta a continui spostamenti. Il carattere difficile e i problemi negli studi lo portano a cambiare scuola varie volte: prima a San Gallo, poi a Tablat e infine a Marbach. Nell'istituto, in ogni caso, Ligabue impara a leggere con una certa velocità e pur non essendo capace in matematica e in ortografia, trova costante sollievo nel disegno. Tra il gennaio e l'aprile del 1917, dopo una violenta crisi nervosa, viene ricoverato per la prima volta in un ospedale psichiatrico a Pfäfers. Nel 1919, dopo aver aggredito la madre adottiva durante una lite, su denuncia della stessa, viene espulso dalla Svizzera. Da Chiasso è condotto a Gualtieri, luogo d'origine di Bonfiglio Laccabue ma, non sapendo una parola di italiano, fugge tentando di rientrare in Svizzera. Riportato al paese, vive grazie all'aiuto dell'Ospizio di mendicità Carri.

Nel 1920 riceve l'offerta di un lavoro presso gli argini del Po come scarriolante. Proprio in quel periodo inizia a dipingere. Nel 1928 incontra Renato Marino Mazzacurati, che ne comprende l'arte e gli insegna l'uso dei colori ad olio, guidandolo verso la piena valorizzazione del suo talento. In quegli anni si dedica completamente alla pittura, continuando a vagare senza meta lungo il fiume Po. Nel 1937 viene ricoverato in manicomio a Reggio Emilia per atti di autolesionismo. Nel 1941 lo scultore Andrea Mozzali lo fa dimettere dall'ospedale psichiatrico e lo ospita a casa sua a Guastalla. Durante la seconda guerra mondiale fa da interprete alle truppe tedesche. Nel 1945, per aver percosso con una bottiglia un militare tedesco, rientra in manicomio, rimanendovi per tre anni. Nel 1948 si fa più intensa la sua attività artistica tanto che giornalisti, critici e mercanti d'arte si interessarono a lui.

Nel 1957, Severo Boschi, firma de "Il Resto del Carlino", ed il fotoreporter Aldo Ferrari gli fanno visita a Gualtieri: ne scaturisce un servizio sul quotidiano con immagini tuttora celebri. Nel 1961 viene allestita la sua prima mostra personale alla Galleria La Barcaccia di Roma. Subisce un incidente in motocicletta e, l'anno successivo, rimane vittima di una paresi. Nel 1963 Guastalla gli dedica una grande rassegna antologica, curata da Sergio Negri. Chiede di essere battezzato e cresimato: muore il 27 maggio del 1965, all'età di 65 anni. Viene sepolto nel cimitero di Gualtieri e sulla sua lapide viene posta la maschera funebre in bronzo realizzata da Mozzali. In paese è soprannominato, nel dialetto locale, Al Matt (il matto) o Al tedesch (il tedesco).

La Fondazione Museo Antonio Ligabue nasce nel 2014. Il Museo Antonio Ligabue nasce nel 2018 dalla volontà della Fondazione che ne porta il nome di dotare Gualtieri di un polo espositivo stanziale per l'opera di Antonio Ligabue, valorizzando inoltre il patrimonio documentale di proprietà del Comune di Gualtieri - che conta quasi 150 documenti originali - attraverso la costituzione di un centro di studio e ricerca sull'opera e sulla vicenda biografica di Antonio Ligabue. Dopo la grande antologica del 2015, intitolata "Ligabue, Gualtieri. Il ritorno", la Fondazione Museo Antonio Ligabue diviene il punto di riferimento in Italia per l'organizzazione di mostre temporanee dedicate all'artista. (Estratto da comunicato stampa CSArt - Comunicazione per l'Arte)

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William Kentridge
Waiting for the Sibyl and other histories

La mostra è visitabile solo su appuntamento
Galleria Lia Rumma - Milano
www.liarumma.it

Nuova mostra personale di William Kentridge, che consolida il rapporto ultraventennale dell'artista sudafricano con la galleria e con l'Italia. Waiting for the Sibyl è il titolo dell'ultimo progetto di Kentridge, commissionato dal Teatro dell'Opera di Roma, che lo ha presentato in anteprima mondiale lo scorso settembre, per affiancare Work in Progress (1968), l'unico lavoro teatrale concepito dallo scultore statunitense Alexander Calder. Ispirato dal movimento e dalla rotazione delle opere di Calder, Kentridge rievoca la figura della Sibilla, la sacerdotessa citata anche da Dante che, interrogata, trascriveva gli oracoli su foglie di quercia.

Nel video omonimo, un "flipbook" animato da una sequenza di disegni ad inchiostro o carboncino presentati in anteprima per la mostra in galleria ed esposti a piano terra, la Sibilla contemporanea è immaginata come una danzatrice africana che si muove, accompagnata dalle composizioni vocali di Nhlanhla Mahlangu, sullo sfondo di pagine di libri dove l'inchiostro tratteggia alberi con rami e foglie nere che si scompaginano e si rimescolano, riportando profezie in cui un algoritmo implacabile indica l'esito del nostro destino, come una nuova Sibilla. A contrastare l'automatismo che sembra guidare la nostra sorte, le immagini disegnate su pagine di vecchi libri ed antiche edizioni della Divina Commedia, mostrano alberi, foglie, oggetti animati, forme geometriche colorate e figure in trasformazione che restituiscono vita e umanità al tentativo di scoprire il proprio futuro e ai sentimenti di paura e incertezza che ne derivano.

Al primo piano, i set di piccole sculture in bronzo come Lexicon (2017) e Paragraph I (2018), o le sculture d'acciaio e alluminio Leaf/Ampersand (2019), e Returning Leaf (2019), elementi e segni apparentemente statici, simili a caratteri tipografici, si trasformano come nei video e nei disegni, assumendo forme e combinazioni diverse, secondo il punto di vista scelto dall'osservatore. La lunga sequenza di figure in bronzo Processione di Riparazionisti (2019), e i carboncini con lo stesso titolo, raffigurano invece le grandi silhouettes in acciaio rigido dell'opera monumentale ideata per le OGR di Torino, dedicata a chi in quel luogo, in origine, svolgeva il mestiere di riparare i treni. Figure di operai e macchine fisse ma, allo stesso tempo, dinamiche e in movimento, ricordano la nostra storia industriale, la migrazione verso il Nord per lavorare in fabbrica, e la fatica umana, temi universali cari a Kentridge.

Il secondo piano della galleria è riservato alla coinvolgente installazione video KABOOM! (2018), adattata dall'acclamata produzione teatrale The Head & the Load, presentata in anteprima alla Tate Modern di Londra nel 2018, che racconta la storia di circa due milioni di africani reclutati da inglesi, francesi e tedeschi durante la prima guerra mondiale in Africa. Esplorando la memoria personale e collettiva e servendosi del topos ricorrente della processione, Kentridge costruisce strati dinamici di disegni, testi e immagini in movimento. "The Head & the Load parla dell'Africa e degli africani della prima guerra mondiale. Vale a dire di tutte le contraddizioni e i paradossi del colonialismo, che sono stati alimentati e compressi dalla guerra. Parla di incomprensione storica (e di inudibilità e invisibilità). La logica coloniale nei confronti dei partecipanti neri si potrebbe riassumere così: 'Per evitare che le loro azioni meritino un riconoscimento, le loro azioni non devono essere registrate'. L'obiettivo di Head & the Load è di riconoscere e registrare". (W.K.)

Dal 1997, anno della sua partecipazione alla X edizione di Documenta a Kassel, mostre personali di William Kentridge si sono susseguite nei musei e gallerie di tutto il mondo. Oltre alle produzioni citate sopra, tra i progetti italiani si ricordano: il lavoro teatrale e video Zeno writing del 2002, nato dalla rilettura del romanzo di Italo Svevo La coscienza di Zeno; la retrospettiva al Castello di Rivoli nel 2004, a cura di Carolyn Christov-Bakargiev; la regia e le scenografie de Il Flauto Magico, al Teatro San Carlo di Napoli e al Teatro alla Scala di Milano (2006-2008): il progetto (REPEAT) from the beginning/Da capo alla Fondazione Bevilacqua La Masa e al Teatro la Fenice di Venezia, a cura di Francesca Pasini, nel 2008; Streets of the city e altri arazzi, mostra personale al Museo di Capodimonte del 2009; il grande mosaico e la scultura Il Cavaliere di Toledo, opre permanenti nella Metropolitana di Napoli; la personale al Maxxi di Roma Vertical Thinking nel 2013; Paper Music: a Ciné Concert, con musiche di Philip Miller nel 2014, presentato in anteprima al Museo Bargello di Firenze; infine il monumentale ed effimero fregio Triumphs and Laments, presentato nel 2016 sul Lungotevere a Roma. Nel 2010 Kentridge ha ricevuto il prestigioso Kyoto Prize per le Arti e la Filosofia e nel 2017 il Princess of Asturias Award for the Arts. Sono in corso le seguenti personali dedicate a Kentridge: William Kentridge: Why Should I Hesitate? Putting Drawings to Work / Sculpture, al museo Zeitz MOCAA e alla Norval Foundation a Cape Town e A Poem that Is Not Our Own al Musée Metropole d'art moderne di Lille. (Comunicato stampa)

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L'ultimo romantico
Luigi Magnani il signore della Villa dei Capolavori

12 settembre - 13 dicembre 2020
Fondazione Magnani-Rocca - Mamiano di Traversetolo (Parma)
www.magnanirocca.it

La Fondazione Magnani-Rocca propone un omaggio espositivo al suo Fondatore, e lo fa nella dimora che Luigi Magnani (1906-1984) trasformò in una casa-museo sontuosa e sorprendente, la 'Villa dei Capolavori' a Mamiano di Traversetolo, nel parmense. Uno dei massimi collezionisti di opere d'arte al mondo, nella sua casa delle meraviglie realizzò un vero Pantheon dei grandi artisti di ogni epoca, un tempio che si andò animando lentamente con l'acquisizione di dipinti e arredi unici, dai Morandi e i fondi oro degli inizi, poi il Tiziano, il Goya, fino al Monet, ai Renoir e al Canova degli ultimi anni della sua vita.

La mostra, con oltre cento opere provenienti da celebri musei e prestigiose collezioni, intende raccontare nei saloni destinati alle mostre temporanee - in parallelo alla sua Raccolta d'arte permanente, allestita nei saloni storici della Villa - la figura di Luigi Magnani, che amava il dialogo tra la pittura, la musica, la letteratura, attraverso i suoi interessi e le personalità che frequentò o alle quali si appassionò. L'esposizione - a cura di Stefano Roffi e Mauro Carrera - presenta dipinti, ritratti, autoritratti e documenti autografi dei celeberrimi artisti, critici, musicisti, letterati, registi, aristocratici, capitani d'industria frequentati da Magnani, da Bernard Berenson a Margaret, sorella della regina d'Inghilterra, da Eugenio Montale allo stesso Giorgio Morandi.

Inoltre omaggi pittorici alla passione per la musica di Magnani, resi dai più grandi artisti italiani del Novecento, da Severini a de Chirico a Guttuso a Pistoletto e importanti strumenti musicali antichi. Infine, il sogno di altri 'capolavori assoluti' inseguiti da Magnani ma non conquistati, che in occasione della mostra raggiungeranno la Villa dei Capolavori e verranno svelati. Il primo grande sogno realizzato è il celeberrimo dipinto "Il cavaliere in rosa" di Giovan Battista Moroni, capolavoro cinquecentesco, gemma di Palazzo Moroni a Bergamo, che, dopo la Frick Collection di New York, viene ora esposto per la durata della mostra.

Attraverso le cose tornano a vivere gli incontri memorabili e le conversazioni finissime che lì ebbero luogo, quando insieme a Magnani, Morandi e Arcangeli trovavano magicamente argomenti di condivisione poco tempo prima della clamorosa rottura fra il pittore e il critico, o quando Ungaretti, dopo una passeggiata nel parco, lasciava una poesia per l'amico Luigi, o ancora quando Guttuso festeggiava il Capodanno nella Villa. L'élite culturale e aristocratica europea è passata per questi saloni, ha commentato un dipinto, ha ascoltato gli affascinanti racconti del padrone di casa, mentre le note di Mozart facevano da contrappunto ai capolavori dei celeberrimi maestri antichi e contemporanei, testimoni della grande storia d'Europa.

Un dipinto da solo varrebbe il viaggio alla Villa di Luigi Magnani: è il grande quadro di Francisco Goya "La famiglia dell'infante don Luis" (1783-1784), forse il ritratto di corte più rivoluzionario di tutta la storia della pittura. Eccezionali sono anche le tre "Madonne col Bambino" di Filippo Lippi, Albrecht Dürer, Domenico Beccafumi, dipinte a cinquant'anni l'una dall'altra; altre opere imperdibili sono il Ghirlandaio, il Carpaccio, il Rubens, il Van Dyck, i Tiepolo, il Füssli, ma unici sono "Stimmate di San Francesco" di Gentile da Fabriano e la "Sacra conversazione" di Tiziano (1513). La magnificenza dei capolavori pittorici si traduce in scultura nella Tersicore di Canova e nelle due figure femminili di Bartolini. Il nucleo contemporaneo è dominato dalle ben cinquanta opere di Giorgio Morandi, riunite durante la vita del pittore in un rapporto di stima e di amicizia con Magnani.

Altro pittore emiliano presente nella collezione è Filippo de Pisis, con un gruppo di dipinti intensi e drammatici. Tra le altre opere di artisti italiani spiccano una "Danseuse" futurista di Gino Severini, una piazza metafisica di Giorgio de Chirico, alcuni lavori di Renato Guttuso e considerevoli sculture di Giacomo Manzù e Leoncillo. Importantissimo anche il "Sacco" di Alberto Burri del 1954, che Magnani considerava il proprio baluardo avanguardistico. Fra i non italiani, la Villa ospita l'unica sala di opere di Paul Cézanne in Italia; incantevole è il paesaggio marino di Claude Monet e splendide le opere di Renoir, Matisse, de Staël, Fautrier, Hartung. Della capacità dell'arte di conchiudere significati assoluti Magnani era convinto, come pure del suo afflato metafisico; per questo, dopo un lungo soggiorno romano dedicato all'insegnamento, si era ritirato nella sua Villa di Mamiano, fra gli amici eletti e le amate opere d'arte.

Qui come già per Magnani, dimora per noi tutti la gioia silenziosa del posare lo sguardo su questi sublimi frammenti della vicenda umana, raccolti fino alla morte, avvenuta nel 1984 a settantotto anni, dopo una vita trascorsa in dialogo spirituale con i grandi della cultura, ospiti reali o ideali della sua splendida residenza. Il percorso della Fondazione Magnani-Rocca era stato avviato con la sua istituzione da parte di Magnani nel 1977, nel disegno di destinare i suoi tesori d'arte al godimento di tutti, nel ricordo dei propri genitori, donando a Parma e all'Italia una piccola Versailles. L'apertura al pubblico della Villa avvenne trenta anni fa, nell'aprile 1990. Venivano così svelate le opere di una raccolta quasi leggendaria appartenuta a una delle più eclettiche personalità culturali del XX secolo: Magnani fu infatti scrittore, saggista, storico dell'arte, compositore, critico musicale e, con le sue ricerche e i suoi scritti su Correggio, Morandi, Mozart, Beethoven, Goethe, Stendhal, Proust, seppe, come pochi, ricongiungere le ragioni del sentimento e quelle dell'intelletto. (Estratto da comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Argenti preziosi
Opere degli argentieri piemontesi nelle collezioni di Palazzo Madama

02 luglio - 15 novembre 2020
Palazzo Madama - Torino

L'esposizione, curata da Clelia Arnaldi di Balme, propone una selezione di lavori d'argento dalle collezioni di Palazzo Madama e traccia la storia dell'argenteria in Piemonte dal primo Settecento alla fine dell'Ottocento. Il percorso inizia con l'illustrazione delle tecniche di lavorazione del prezioso metallo, duttile e malleabile, e dei sistemi di controllo fissati dalla corte sabauda al fine di garantire al compratore il valore e la qualità dei manufatti. La normativa piemontese più antica risale al 1476, ma si deve a Maria Giovanna Battista di Savoia Nemours l'editto del 1677 che regolamenta rigidamente l'attività dell'Università degli Orafi e Argentieri della città di Torino e istituisce la figura dell'assaggiatore di stato. Si tratta di un funzionario incaricato di certificare con un marchio il titolo della lega, cioè la quantità di argento presente nel metallo con cui è realizzato ogni oggetto che esce dalle botteghe cittadine. La lettura dei punzoni degli argentieri e dei marchi di assaggio fa emergere personalità raffinate di maestri che segnano una linea di gusto di assoluta originalità nella produzione piemontese del Settecento e dell'Ottocento.

I lavori esposti offrono al visitatore una panoramica sull'argenteria da tavola, con posate, zuppiere, caffettiere, teiere, cioccolatiere e alcune delle espressioni più tipiche dell'argenteria piemontese come le paiole, ovvero le tazze da puerpera, dono prezioso che il marito faceva alla moglie per farle sorseggiare il primo brodo dopo il parto. Altro oggetto caratteristico della nostra produzione è la zuccheriera, legata al consumo del caffè: all'epoca lo zucchero è merce preziosa, importata dalle Americhe soprattutto attraverso il commercio inglese, venduta dagli speziali a caro prezzo come medicina e utilizzata per sciroppi, impacchi e enteroclismi.

L'uso come dolcificante è riservato ai ricchi, in alternanza al miele, e gli argentieri di tutta l'Europa fanno a gara per realizzare contenitori degni di questo raro e raffinato prodotto. Agli argenti da tavola seguono gli oggetti da arredo, come i candelieri, con una bella coppia di doppieri su cui è apposto il punzone del mastro argentiere Carlo Bartolomeo Minutto. Tra gli argenti destinati al culto emerge un reliquiario di san Maurizio (1740 circa), che nel corso del restauro per la mostra ha rivelato la presenza del punzone con san Rocco da riferire a Giovanni Francesco Paroletto, membro di un'importante famiglia di argentieri e autore con il fratello Paolo Antonio dello splendido paramento d'altare in lamina d'argento raffigurante la scena del Miracolo del SS. Sacramento, che oggi si ammira al Museo Diocesano di Torino.

Per il pieno Settecento, vanno poi citati il calice di Giovanni Battista Boucheron, eseguito nel 1789 in memoria di Carlo Emanuele III, e alcuni argenti ebraici come un bel piatto per la cena durante le celebrazioni della Pasqua ebraica (Seder), e un calice per la benedizione sul vino recitata nel giorno del riposo (Kiddush). Accanto agli oggetti d'argento sono esposti grandiosi disegni di Giovanni Battista Boucheron per centrotavola, lampade pensili, brocche e candelieri, che trasferiscono sulla carta, attraverso la penna e l'acquerello, l'effetto raffinato delle oreficerie. Boucheron si dimostra in linea sia con la moda romana e le invenzioni decorative alla Piranesi, sia con il più aggiornato gusto parigino Louis XVI diffuso a Torino nei cantieri di corte dagli anni Settanta del Settecento.

Con i disegni, vengono presentati i ritratti degli argentieri della sua famiglia, da cui escono generazioni di maestri orfèvres: Simone Giuseppe (Orléans? - Torino 1681), autore della campana che Carlo Emanuele II fa realizzare nel 1670 per l'orologio della torre romana di mezzogiorno di Palazzo Madama: la campana fu rimossa nel 1874 e - entrata a far parte delle collezioni del Museo Civico - tornò nel palazzo nel 1934; Andrea (Torino 1693 - 1760), che viene ritratto sullo sfondo dei modelli del repertorio dell'orefice parigino Thomas Germain (1748), fonte di ispirazione per tutta la produzione di argenti rococò fino all'Encyclopedie di Diderot e d'Alembert; e lo stesso Giovanni Battista (Torino 1746 - 1815), direttore dell'Orfèvrerie Royale creata nel 1775 per volere di Vittorio Amedeo III.

La vetrina centrale è dedicata a un'opera restaurata ed esposta al pubblico per la prima volta: la mazza cerimoniale della Città di Torino, realizzata in argento sbalzato e cesellato tra il 1814 e il 1824, dopo la Restaurazione. La mazza veniva portata in mano dall'usciere comunale nelle occasioni ufficiali e riprende i tre progetti della prima mazza civica, realizzata da Francesco Ladatte nel 1769. Gli stessi motivi della testa taurina e della corona sono ripetuti nella decorazione della Sala dei marmi a Palazzo Civico. Dalle origini fino al 1849, la corona dello stemma di Torino è quella comitale chiusa da una serie di palle: la mazza presenta invece come terminazione una corona turrita che reca il punzone dell'argentiere di corte Carlo Balbino (Torino 1777 - post 1858): questo significa che, quando il Sindaco nel 1849 cambia il tipo di corona nello stemma della Città, la mazza viene rimaneggiata e alla corona originale viene sostituita quella turrita di Balbino.

Chiudono il percorso una serie di monete - i primi oggetti a essere realizzati in argento - che ripercorrono la storia del ducato di Savoia dalla metà del Cinquecento alla metà dell'Ottocento; una scelta di disegni di Lorenzo Lavy (Torino 1720 - 1789) per monete e medaglie sabaude, alcune tavole dell'Encyclopedie e un nucleo di "dorini" della seconda metà dell'Ottocento, ornamenti da acconciatura e spilloni in argento lavorato a filigrana, tipico vezzo delle donne piemontesi che venivano appuntati sulle trecce e tra i capelli nelle occasioni festive. Il percorso della mostra è arricchito da opere provenienti da due raccolte private: argenti da tavola raffinati come le tre campane portavivande realizzate dall'Orfèvrerie Royale de Turin negli anni della direzione di Giovanni Battista Boucheron, e una selezione di bastoni da passeggio con il pomo d'argento, segno distintivo di particolare lusso ed eleganza. (Comunicato stampa Fondazione Torino Musei)

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Goethe-Institut
La cultura a casa vostra!

www.goethe.de/palermo





- Bando di concorso: Virtual Partner Residencies
Alla luce dei recenti cambiamenti nel panorama lavorativo musicale derivanti dalla pandemia, il Goethe-Institut ha creato questo programma di sostegno per le collaborazioni internazionali nell'ambito della musica. Il bando è rivolto ad artisti/e solisti/e e piccoli ensemble tedeschi e stranieri. È richiesta la partecipazione di almeno un artista o un ensemble residente in Germania. Le domande possono essere inviate da subito e fino al 31/12/2020 (con possibilità di proroga, a seconda dell'andamento della pandemia).
Presentazione

- Borghi digitali, città verdi
Le città tedesche più sostenibili fanno affidamento sulla partecipazione dei loro cittadini, dimostrando in questo modo che, anche con risorse finanziarie relativamente scarse, si può fare molto.
Presentazione

- Il mondo che verrà
Una rubrica pensata per dare spazio alle diverse voci che animano il mondo della cultura. Non solo a Napoli, ma anche in Germania. L'epidemia ha fermato i concerti e le manifestazioni pubbliche, i musei, i cinema e i teatri sono inaccessibili. Qual è l'impatto della crisi per i creativi e i lavoratori del settore? Ogni settimana pubblicheremo delle interviste con i protagonisti per ricordarci della magia dell'arte e per immaginare il mondo che vogliamo dopo la pausa forzata.
Presentazione

- Il DOK.fest di Monaco è diventato un FESTIVAL @HOME
Presentazione

- Uomo vs macchina: Robots in Residence
Viviamo in tempi difficili. La pandemia di Covid-19 ha colpito l'intero globo terrestre, cambiando profondamente la nostra quotidianità. Ci rendiamo conto proprio ora di quanto siano importanti per noi la vicinanza e il contatto reale con le altre persone. Ciononostante, e proprio ora, è importante affrontare le questioni che concernono l'intelligenza artificiale. In che modo robot intelligenti possono aiutarci ed essere impiegati a beneficio della società? E quali requisiti devono essere soddisfatti affinché non vengano trascurati aspetti come la sicurezza e l'etica? Per affrontare queste e altre questioni, una serie di attività insieme a molte istituzioni partner in Europa nel biennio 2020/2021. Si parte con una Robots-In-Residence.
Presentazione

- Film: #GoetheOnDemand
In collaborazione con la Filmgalerie 451, il Goethe-Institut ha creato un programma chiamato #GoetheOnDemand con un'accurata selezione di film disponibili online gratuitamente in tutto il mondo da oggi fino al 30 giugno 2020. I film sono disponibili in lingua originale tedesca con sottotitoli in inglese, alcune pellicole hanno più opzioni per i sottotitoli. Si otterrà la password per guardare i film inviando un'email a: info-palermo@goethe.de

- Livestream da tutto il mondo: Kulturama
Il calendario digitale delle iniziative culturali online di tutto il mondo - da Tokyo a Londra, da Milano a Berlino... -  direttamente a casa vostra. Potete trovare il vostro evento preferito, caricarne di nuovi se siete operatori culturali e sostenere artisti e artiste. Il motto è "insieme e solidali attraverso questi tempi duri".
Presentazione

- Film: Filmografia Werner Herzog in streaming
Reputato tra i più influenti e considerevoli esponenti del "nuovo cinema tedesco", niente meno uno dei più validi cineasti viventi, nel suo lungo percorso artistico ha prodotto, scritto e diretto più di 50 pellicole, oltre ad aver pubblicato libri e diretto opere liriche. Grazie a DSDA Documentari streaming è ora possibile vedere online questa magnifica raccolta di pellicole.
Presentazione

- "I festival producono rete"
In un periodo in cui molti festival sono costretti a disdire i loro appuntamenti e in attesa che la nostra pubblicazione sul progetto "Il Paese dei Festival" veda la luce, vogliamo riproporre l'intervista fatta a Pietro Maltese, direttore artistico di MainOFF Festival Internazionale delle Musiche e delle Arti Elettroniche a Palermo. Perché si può restare uniti e continuare a fare rete anche in tempi di coronavirus.
Presentazione

- Biblioteca digitale: Onleihe - Libri, Film, Giornali...
Il servizio gratuito "Onleihe" permette di prendere a prestito per un certo periodo e senza spostarsi da casa media digitali come e-book, audiolibri, giornali online e film, scaricandoli con un semplice click.
Presentazione

- Rubrica multimediale: Cultura online
Conoscete già le pagine culturali del Goethe-Institut? L'attualità e la cultura a 360 gradi: video, interviste, talk, articoli, racconti, fumetti, reportage multimediali e altro ancora, in una prospettiva non solo tedesca ma ampiamente interculturale.
Presentazione

- Concerti online: Berliner Philharmoniker
L'orchestra Berliner Philharmoniker mette a disposizione per 30 giorni accesso gratuito a tutti i concerti e i filmati della Concert Hall. (Comunicato Goethe-Institut Palermo)
Presentazione

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Maria Cristina Carlini: "Alfabeto Materico"
Sculture a parete, opere su carta e video

25 maggio - 29 settembre 2020
Mostra virtuale

Viaggio virtuale in 3D sul lavoro della scultrice Maria Cristina Carlini nella mostra online sulla piattaforma kunstmatrix.com. Una selezione di sculture a parete, opere su carta e un video commentato dall'artista, organizzata dalla galleria Artespressione a cura di Matteo Pacini e ideata da IBC Irma Bianchi Communication, mette in risalto espressioni artistiche diverse, che come lettere vanno a costituire un alfabeto caratterizzato da lavori materici che spaziano dal grès alla carta, al ferro. In mostra alcune sculture a parete sono rappresentative di una matericità che emerge in maniera immediata e forte, come si osserva nei due trittici Ignoto, in grès e foglia d'oro e Senza confine, a tecnica mista. Di particolare rilievo Cuciture, in cui l'artista tramite un filo di ferro unisce frammenti di un'ipotetica pelle fatta di grès; anche in Le stanze di Galileo superfici in grès sono collegate con interventi in ferro. Paesaggio etrusco, attraverso piani sovrapposti ciascuno caratterizzato da una trama e da un colore diverso, pone invece l'accento sul legame dell'artista con la terra e con le sue caratteristiche naturali.

Nelle carte attraverso pigmenti e polveri prevalgono la leggerezza delle forme e le tonalità delle terre, del grigio e dell'ocra infatti, come sottolinea il curatore Matteo Pacini, "Maria Cristina Carlini affronta da scultrice ogni genere di materia: che sia grès, metallo, legno, seguendo una vocazione atavica che la spinge verso la tridimensionalità anche nelle opere su carta, creando forme impeccabili nella loro imperfezione". L'artista trova, infatti, nelle diverse tipologie di carta: riciclata, fatta a mano, velina e cartone valori tattili, cromatici, plastici e crea, nella composizione, movimenti armonici ed equilibri espressivi, come si può osservare nella serie Carte appoggiate su supporto in ferro. Sono inoltre presenti nel percorso espositivo alcuni collages di grandi dimensioni (cm 100x150 ca), dove forme geometriche interagiscono con proporzioni, simmetrie e colore. Da composizioni cromaticamente più contrastate come Iliade e Divinità domestiche si giunge a La Divina Commedia e a Georghiche dai toni molto uniformi.

Spessori lisci, ondulati con irregolarità e imperfezioni si sovrappongono, mantenendo il racconto originale della materia. Questa tendenza a non modificare lo stato e le caratteristiche dei materiali, a non voler cercare la perfezione delle forme è un aspetto che contraddistingue il fare arte di Maria Cristina Carlini sia nelle carte, sia nelle sculture di piccole e grandi dimensioni. Le sfaccettature della carta sono spesso simili a quelle della terra che l'artista ama in ogni suo mutamento soprattutto laddove viene a contatto con elementi naturali come l'acqua, il vento, il fuoco, che aggiungono una storia alla condizione di partenza. Nel video in mostra sono presenti numerose opere fra cui installazioni e sculture monumentali esposte e collocate in permanenza nel mondo; l'artista parla del suo lavoro, sottolinea la sua ricerca continua sui materiali e il fascino esercitato dagli elementi di recupero, soprattutto da quelli che hanno un ingombrante vissuto. Afferma infatti Maria Cristina Carlini: "quando lavoro sento la necessità di raccontare una storia e più il materiale è tormentato più mi suggerisce qualcosa, nella creazione delle opere la ricerca della perfezione passa in secondo piano, non mi attira, preferisco l'autenticità del gesto artistico".

Maria Cristina Carlini inizia il suo percorso artistico con la lavorazione della ceramica a Palo Alto in California, successivamente prosegue la sua attività a Bruxelles dove contemporaneamente insegna a lavorare al tornio; si trasferisce poi a Milano e si dedica esclusivamente alla scultura. Da questo momento, oltre al grès e alla terra entrano a far parte della sua espressività materiali come il ferro, la lamiera, l'acciaio corten, la resina, la carta e il legno di recupero. Maria Cristina Carlini dà vita a opere che spaziano dalle piccole dimensioni alle monumentali, la sua carriera è costellata da riconoscimenti, mostre personali e collettive in diverse sedi pubbliche e private, nazionali e internazionali, e le sue sculture monumentali sono presenti in permanenza in Europa, America e Asia. (Comunicato ufficio stampa IBC Irma Bianchi Communication)

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Viaggiamo Insieme - a Reggio e nel suo territorio

Anche la Direzione regionale Musei Calabria, diretta dalla dottoressa Antonella Cucciniello, partecipa alla campagna social per la valorizzazione del patrimonio storico, artistico e culturale della città metropolitana di Reggio Calabria. Saranno, infatti, pubblicati, con lo slogan "Reggio ti aspetta", immagini e video sui canali social istituzionali della Direzione regionale Musei Calabria finalizzati alla promozione e divulgazione dei Beni culturali di questo incantevole, meraviglioso territorio, ricco di motivazioni e di opportunità. Pertanto "racconteranno" cultura, storia e bellezza del patrimonio materiale e immateriale della Città Metropolitana di Reggio Calabria le seguenti Sedi afferenti all'Istituto. (Comunicato stampa)

.. La Cattolica - Stilo (Reggio Calabria)
.. Museo Archeologico e Parco Archeologico dell'antica Kaulon - Monasterace (Reggio Calabria)
.. Musei e Parco Archeologico Nazionale di Locri - Locri (Reggio Calabria)
.. Museo Archeologico di Metauros - Gioia Tauro (Reggio Calabria)
.. Museo e Parco Archeologico "Archeoderi" - Bova Marina (Reggio Calabria)

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Lawrence Carroll Photographs
Fondazione Rolla - Bruzella (Svizzera)
termina il 30 settembre 2020
rolla.info | Catalogo della mostra e delle precedenti | Approfondimenti su Lawrence Carroll

A un anno dalla prematura scomparsa di Lawrence Carroll, la Fondazione Rolla ha deciso di prorogare la mostra e di riaprire su appuntamento garantendo ai visitatori totale sicurezza nel pieno rispetto delle norme di legge indicate dalle autorità: l'accesso sarà infatti consentito esclusivamente previa prenotazione telefonica o via mail. (Comunicato stampa)

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Buon viaggio, Nanda

È con profondo dolore che l'Archivio Nanda Vigo comunica la scomparsa di Nanda, avvenuta sabato 16 maggio, dopo un breve ricovero. L'Archivio, fondato per volere della stessa artista nel 2013, continuerà con ancor più convinzione e slancio nell'opera di promozione e di protezione del suo sessantennale lavoro, che già negli ultimi anni aveva dato visibilità alla sua vivace carriera, con mostre importanti quali - solo per citarne alcune recenti - ITALIAN ZERO & avantgarde 60's al MAMM Museum di Mosca nel 2011. Nel 2014/2015 espone al Guggenheim Museum di New York, al Martin-Gropius-Bau di Berlino e allo Stedelijk Museum di Amsterdam nelle retrospettive dedicate a ZERO.

Tra il 2013 e l'inizio del 2016 realizza diverse personali: Nanda Vigo Lights Forever, Galleria Allegra Ravizza, Lugano, Affinità elette al Centro San Fedele di Milano e in seguito alla Fondazione Lercaro di Bologna, Zero in the mirror alla Galleria Volker Dhiel di Berlino, Nanda Vigo alla galleria Sperone Westwater di New York. Ha partecipato alla XXI Triennale. 21st Century. Design After Design e nel 2016 ha presentato la sua prima opera monumentale, Exoteric Gate, esposta nel cortile Ca' Granda dell'Università degli Studi di Milano. Nel 2017 partecipa alla mostra Fantasy access code a Palazzo Reale di Milano e al K11 Museum di Shanghai in collaborazione con Alcantara, a Socle du Monde. Biennale 2017 all'Heart Museum di Herning in Danimarca e alla mostra Lucio Fontana. Ambienti/Environment a Pirelli Hangar Bicocca, Milano.

Nel 2018 realizza per il MAXXI di Roma in collaborazione con Alcantara la mostra Arch/arcology e inaugura la mostra personale presso la Galleria San Fedele di Milano dal titolo Sky Tracks e Global Chronotopic Experience nello Spazio San Celso di Milano e le mostre collettive Welt ohne Außen. Immersive Spaces since the 1960s al Martin-Gropius-Bau di Berlino, Zero MONA Museum di Hobart in Tasmania, Multiforms a Palazzo Rocca Contarini Corfù di Venezia, Opere aperte 1955-1975 alla Fundació Catalunya La Pedrera di Barcellona e 100% Italia al Museo Ettore Fico di Torino. Nel 2019 inaugura la mostra personale Nanda Vigo. Light Project a Palazzo Reale, Milano, e le collettive Object of desire. Surrealism and Design, Vitra Design Museum, Weil am Rhein e Mondo Mendini.

The World of Alessandro Mendini, Groninger Museum, Groninger. È attualmente in corso la mostra Light project 2020 al museo MACTE di Termoli. Molte sono le pubblicazioni, le interviste, le catalogazioni con una visibilità sempre maggiore e riconosciuta nel mondo dell'arte. Ripercorrere le tappe del suo lavoro, dal 1959 a oggi, come rammentare la sua presenza nel mondo artistico e del design milanese, sarebbe troppo lungo: ci limitiamo a ricordare i tratti personali del suo carattere, così brusco e deciso, da combattente, che chi l'ha incontrata ha sicuramente percepito, e che i suoi amici ben conoscevano. Era lo specchio di convinzioni radicali sull'arte, il design, l'architettura, che Nanda ha contribuito a creare e a consolidare con le sue opere, e con la coerenza a volte scomoda delle sue idee, manifestate senza paura e senza ipocrisia sia negli anni di festosa rivoluzione dell'arte, che nei periodi di riflusso. Spirito intransigente, artista indipendente, ha sempre scelto la sua vita. Le esequie, che avverranno in forma privata, saranno seguite non appena possibile da una commemorazione pubblica, come desiderato dall'artista. Ciao Nanda, buon viaggio. (Comunicato ufficio stampa Lara Facco P&C)

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Lori Nix
Il Potere della Natura

19 maggio - 30 settembre 2020
Galleria Paci contemporary - Brescia
www.pacicontemporary.com

Mostra dedicata agli scatti dell'americana Lori Nix, fotografa contemporanea del Kansas, insignita del "Guggenheim Fellowship" nel 2014, famosa per le sue immagini surrealistiche e per la sua personalissima interpretazione della Staged Photography. Come per molti interpreti di questa corrente i suoi lavori si collocano al confine tra fotografie ed installazione: infatti l'artista ricostruisce manualmente dei mondi in miniatura, utilizzando diversi materiali comuni, per ricreare scene surreali di un mondo apocalittico, che andrà poi ad immortalare in fotografie di largo formato. La mostra offrirà, in particolar modo, una panoramica del suo ultimo ciclo, ancora in corso d'opera, intitolato "The City" ma, al tempo stesso, anche l'occasione di ammirare i suoi lavori d'esordio.

La galleria adotterà tutti i presidi necessari per consentire la fruizione della mostra nel pieno rispetto delle norme vigenti. Gli ampi spazi della galleria consentiranno il mantenimento delle distanze richiesto e le prenotazioni anticipate della visita, per quanto suggerite, non sono obbligatorie. In caso di gruppi numerosi, è gradita la prenotazione comunicandoci date ed orari privilegiati in modo da distribuire le presenze.

In questi scatti Nix racconta di un mondo in cui l'umanità non esiste più e dove la natura si sta riappropriando degli spazi che le erano stati privati dall'uomo, proiettandoci in uno scenario a tratti tristemente realistico e simbolico. In "The City" diviene labile il confine tra verità e illusione. L'unione di un pensiero romantico del paesaggio e l'illuminazione teatrale sublimano l'opera facendo avvertire nello spettatore un senso di isolamento e di malinconia. L'evidente artificiosità delle scene stimola il piacere dell'illusione. Un quesito domina gli scenari dal sapore apocalittico della serie "The City": Come apparirebbero gli ambienti urbani se l'umanità scomparisse? Strade ed edifici diverrebbero spopolati ed abbandonati, e la natura successivamente se ne approprierebbe. Questa serie di fotografie è la visione di come potrebbe essere un futuro post-umano.

I soggetti principali di questa serie sono spazi pubblici in passato dedicati alla storia e alla scienza, come musei o piazze storiche, ambienti iconici della vita quotidiana e della storia della nostra civiltà abbandonati, privi di vita: le scene sono delle miniature realizzate dalla stessa Nix e poi fotografate, e rappresentano le conseguenze di una calamità ignota in cui i teatri dell'esistenza umana vengono lentamente riassorbiti da un mondo che è tornato al suo ciclo originario. Costruite come diorami, ovvero le ricostruzioni in scala tradizionalmente utilizzate nei musei di storia naturale, le immagini di Lori Nix denunciano l'insostenibilità dell'attuale modello di sfruttamento delle risorse, e al tempo stesso esorcizzano con la giusta ironia i timori catastrofisti che sollevano. (Comunicato stampa)

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Sala 1 Mémoires
ed. Gangemi, 2007

Sala 1 Centro Internazionale d'Arte Contemporanea - Roma
www.salauno.com

La galleria propone un percorso della sua storia giorno per giorno, visibile sulle sue pagine social. Il progetto, iniziato a marzo 2020, proseguirà anche nei prossimi mesi, finchè Sala 1 non riaprirà al pubblico. Il libro Mémoires ne illustra l'attività dalla fine degli anni Sessanta al 2007, con foto, testi, programmi e date che hanno reso Sala 1 una delle gallerie italiane pioniere dell'arte contemporanea sperimentale... e forse la più longeva. (M.A. Schroth)

_ Eng

The gallery, closed due to the Corona virus, proposes (starting from March 2020) a series of stories from its history, one each day, on our social media accounts, until we reopen to the public. This book illustrates our activity from the end of the 1960's to 2007, with images, essays, programs and dates that have rendered our space one of the pioneers of contemporary experimental international art in Italy, and perhaps the oldest. (M.A. Schroth)

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Giambattista Piranesi. Architetto senza tempo
20 maggio - 19 ottobre 2020
Palazzo Sturm - Bassano del Grappa (Vicenza)
www.museibassano.it

La mostra - a cura di Chiara Casarin e Pierluigi Panza - propone tutti i capolavori grafici di Giambattista Piranesi (1720-1778). Il patrimonio grafico dell'artista di origini venete, che conta a Bassano circa 570 opere, viene esposto negli spazi destinati alle esposizioni temporanee, inaugurati dopo l'ultima campagna di restauro, con la mostra "Albrecht Dürer. La collezione Remondini". L'esposizione, che ha riscosso un gran successo di pubblico e di critica, ha inaugurato il filone dedicato all'arte incisoria - di cui Palazzo Sturm conserva uno dei patrimoni più importanti al mondo - esponendo in teche in acciaio e vetro quelle opere che per motivi conservativi non sono tradizionalmente esposte al pubblico. L'allestimento è costituito da cinquantasei teche progettate dallo studio APML architetti, strutture pensate per preservare le condizioni ottimali di conservazione delle opere sia da un punto di vista microclimatico che luministico.

«Giambattista Piranesi. Architetto senza tempo è la mostra completa delle incisioni piranesiane conservate a Bassano» afferma Chiara Casarin, curatore della mostra, «una mostra che risponde alla volontà di esporre al pubblico i tesori conservati nella sala stampe e negli archivi della Biblioteca e che conferma, ancora una volta, quanto l'insegnamento degli antichi sia vivo nell'arte contemporanea». «La mostra che i Musei Civici di Bassano dedicano al genio di Piranesi» dichiara Pierluigi Panza, curatore della mostra, «testimonia un importante progresso nello studio delle collezioni permanenti della città e consente di sottolineare alcune precisazioni sulle vicende biografiche dell'artista e della sua famiglia».

Disegnatore, incisore, antiquario e architetto, Giambattista Piranesi è considerato il più grande esponente dell'incisione veneta del Settecento. La sua attività ha influenzato non solo architetti ma anche scenografi e pittori oltre che lasciare un forte impatto anche sulla fantasia letteraria. Veneto di nascita ma romano d'adozione, Piranesi si presenta in questa mostra con tutta la sua incredibile potenza grafica. Giunto a Roma appena ventenne, decide di trasferirvisi definitivamente a partire dal 1746, iniziando la produzione delle celebri Vedute di Roma: raccolte di tavole raffiguranti ruderi classici e monumenti antichi, tra cui quelle presenti nelle collezioni di Bassano del Grappa. Architetto di un unico edificio, la chiesa di Santa Maria del Priorato a Roma, Piranesi diede vita nelle sue incisioni ad architetture che stupirono il mondo, magnificamente oniriche ma al contempo potentemente concrete e per questo destinate a colpire la fantasia di molti. Di lui parlarono con ammirazione sconfinata non solo esperti d'arte e di architettura ma anche poeti e scrittori; tra i molti Marguerite Yourcenar (...).

Per la prima volta nella loro storia i Musei Civici di Bassano del Grappa espongono al pubblico il corpus completo di incisioni piranesiane presenti nelle collezioni permanenti cittadine. Un corpus completo che comprende le più celebri Vedute di Roma: tavole raffiguranti i monumenti antichi realizzate dall'artista nell'intero arco della sua vita. A queste si aggiungono i quattro tomi delle Antichità Romane, preziosi volumi che costituiscono il fulcro della visione archeologica di Piranesi. Fondamentali per l'intera opera piranesiana e, allo stesso tempo, punto di partenza per le opere successive di argomento analogo e complementare, queste tavole forniscono un quadro unitario organico della città di Roma attraverso l'individuazione dei monumenti, delle zone e degli spazi, della cinta muraria, della rete degli acquedotti e delle porte urbane. (...)

In mostra due video approfondiscono il percorso espositivo e narrano il successo di Giambattista Piranesi all'estero, i punti salienti della vita dell'artista a partire dal ritrovamento dell'atto di battesimo. Si tratta di The Lumière Mystérieuse, scritto e diretto da Massimo Becattini e Giovan Battista Piranesi 1720-1778, realizzato in occasione della grande mostra dedicata all'artista nel 1978 dalla Fondazione Giorgio Cini di Venezia. La mostra si completa con il film - video di animazione - che Factum Arte ha realizzato in occasione della mostra "Le arti di Piranesi. Architetto, incisore, antiquario, vedutista, designer", organizzata dalla Fondazione Giorgio Cini nel 2010. In mostra sono esposte anche le lettere tra il conte Remondini di Bassano del Grappa e Francesco Piranesi, figlio di Giovambattista e continuatore dell'attività.

Nel catalogo sono inoltre presentati nuovi documenti relativi alla genealogia di Piranesi e ai suoi rapporti con Venezia. Luca Pignatelli è l'artista contemporaneo con il quale i curatori della mostra vogliono testimoniare quanto, ancora una volta, l'insegnamento artistico degli antichi sia vivo nella produzione artistica del presente. Come in Piranesi, anche nei lavori di Pignatelli la storia è assoluta protagonista e diventa di volta in volta quella che lo stesso artista definisce una "rappresentazione stratificata del tempo". Gli orologi inseriti nella Veduta del Castello dell'Acqua Felice di Pignatelli, oggi, raccontano questa storia e lo fanno mostrandosi in qualità di piccoli oggetti perfetti che hanno scandito il passato e determinato la vita di molti uomini.

Il catalogo scientifico della mostra edito da Silvana Editore, a cura di Chiara Casarin e Pierluigi Panza, presenta tutte le opere e le incisioni di Piranesi esposte a Palazzo Sturm con i testi di Chiara Casarin, Pierluigi Panza, Luca Massimo Barbero, Enzo Di Martino, Manlio Brusatin e Stefano Pagliantini. In attesa dell'apertura delle porte al pubblico il prossimo 20 giugno, i Musei Civici raccontano la mostra nei canali social con video d'approfondimento e incursioni nel backstage, dettagli e curiosità sulle opere. (Estratto da comunicato ufficio Stampa Studio Esseci)

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Archivi tematici del XX secolo
Galleria Allegra Ravizza - Lugano
www.allegraravizza.com

Dal Futurismo al Decadentismo. Le piccole raccolte, frutto di studio approfondito, hanno l'ambizione di far riscoprire le sensazioni dimenticate o incomprese del nostro bagaglio culturale e la gioia che ne deriva. La cultura è come il rumore, per citare John Cage (Los Angeles, 1912- New York, 1992): "Quando lo vogliamo ignorare ci disturba, quando lo ascoltiamo ci rendiamo conto che ci affascina" (J. Cage, "Silenzio", 1960). Il rumore della cultura è imprescindibile e continuo in ogni aspetto della nostra vita. (...) Ma quando lo ascoltiamo, l'eco del rumore della Cultura, sentiamo che rimbalza su ogni parete intorno a noi e si trasforma per essere Conoscenza e Consapevolezza. (...) Chi ama la musica tecno, metallica e disco non può ignorare Luigi Russolo (Portogruaro, 1885 - Laveno-Mombello, 1947), probabilmente, lo dovrebbe venerare, in quanto la sua intuizione ha trasformato per sempre il Rumore. (...)

In questa epoca dove, per naturali dinamiche evolutive del pensiero, la ragione del figlio prevale su quella dei padri, come nel Futurismo o nel '68, il desiderio di annullamento è comprensibile e necessario ma la conoscenza storica di quello che si vuole rinnovare ne è il fondamento. Per questo motivo proponiamo dodici archivi tematici con oggetto di ricerca proprio la comprensione. La troviamo adatta a questo periodo storico che ci racchiude nelle nostre stanze e ci sta cambiando profondamente. La speranza è che ci sarà un nuovo contemporaneo, forse più calmo ma più attento, una nascente maturità verso un nuovo Sincrono. Cassaforti come scatole del Sin-Crono (sincrono dal greco sýnkhronos "contemporaneo", composta di sýn "con, insieme" e khrónos "tempo") per la comprensione dell'arte dei Rumori e del teatro Futurista, della Poesia e della musica che ci hanno traghettato lungo il secolo scorso.

Un libro prezioso, una musica rara, un centenario giornale quotidiano, un foglietto manoscritto, un emozionato libretto della Prima rappresentazione, uno spartito firmato ad un amico, una lettera e un augurio, una fotografia accartocciata sugli angoli e dedicata in bella scrittura, una vecchia fiaba illustrata, uno pentagramma mai scritto prima per note che non esistevano ancora, il ricordo di una Diva o di un editore anti-filosofo, una struggente dedica d'amore con microscopica musica inedita, un calendario illustrato, un aperitivo musicato da un breve jingle...

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Galleria Allegra Ravizza is pleased to propose a selection of 20th Century Thematic Archives

With their precious content, these archives deal with, and get to the heart of, the specific and exact arguments of the last century. From Futurism to Decadentism. These small collections, the result of deep studies, have the ambitious aim of permitting the rediscovery of forgotten or misunderstood sensations of our cultural heritage and the joy that comes from them. The 20th Century Thematic Archives can be sent anywhere to whoever might be interested, even by those who do not believe they could be interested. Culture is like noise, to quote John Cage (Los Angeles 1912 - New York 1992): "When we ignore it, it disturbs us. When we listen to it, we find it fascinating" [1]. "Silence does not exist" [2].

Ignorance does not exist! Culture's noise is inescapable and continuous in every aspect of our life; if we want to ignore it we become upset, it torments us from childhood, it is the soundtrack of a widespread social obligation, it is a buzzing that embarrasses like flatulence and, in the same way, it makes us feel inadequate and badly digested. But when we listen to the echo of the noise of Culture, we hear it rebound from every wall around us and it is transformed to become Knowledge and Awareness. At this point we can no longer turn back: the noise will be transformed into melody and our ears will decode each vibration and will become hungry for them. Those who love techno, metallic, or disco music cannot ignore Luigi Russolo (Portogruaro, 1885 - Laveno-Mombello, 1947) and, probably, ought to venerate him, inasmuch as his intuition transformed the music of noise forever [3].

It's done by now and there is no going back; noise has become music and our ears love it. We believe in the history of art and its developmental contribution to individual and collective awareness. As is well known, "Contemporaneity" would not be such if there were not a "Precedent". In this epoch where, for the natural evolutionary dynamics of thought, the motives of children prevail over those of their parents, as in Futurism or in 1968, the desire for annulment is understandable and necessary, but historical knowledge of what one wants to renew is its basis. For this reason we are proposing twelve thematic archives with an understanding of them as their aim. This is, we find, adapted to this historical period that we enclose in our rooms and that we are deeply changing.

The hope is that there will be a new contemporaneity, one that is perhaps calmer but more attentive, a dawning maturity towards a new Synchrony. Strongboxes of Sin-Crono [4] for an understanding of the art of Noises and of Futurist theatre, of the poetry and music that have led us through the last century. We have great masters; so let's listen and enjoy their intuitions, let's listen to their echoes on the walls of our rooms. Each archive contains a genuine collection of original documents and objects contained in a strongbox: an Art Collection for an understanding of the argument. A precious book, rare music, a centennial daily newspaper, a handwritten sheet of paper, an emotional letter about a debut, a score signed for a friend, a letter and best wishes, a photo crumpled at the corners and with a beautifully written dedication, an old, illustrated fairytale, a stave never before written on for notes that did not yet exist, the memory of a Diva and an anti-philosophical editor, the writing of a revolutionary, a moving dedication of love with microscopic and previously unseen music, an illustrated calendar, an aperitif set to music with a short jingle... Scents, colours, Noises.
[1] J. Cage, "Silence", 1960
[2] J. Cage, "Silence", 1960
[3] For a greater understanding, see L. Russolo, Futurist manifesto "L'Arte dei Rumori", 1913
[4] Synchrony, sinkrono/ adj. [from the Greek sýnkhronos "contemporary", composed of sýn "with, together" and khrónos "time"]. - 1. [that happens in the same moment: oscillation, noun].

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Viaggio in Italia
Varie Sedi del Polo museale della Calabria

Il Polo museale della Calabria, diretto dalla dottoressa Antonella Cucciniello, ha aderito al flash mob digitale Viaggio in Italia, promosso dal MiBACT in collaborazione con il Touring Club Italiano e l'ENIT, con i luoghi della cultura statali di propria competenza di seguito riportati.

- Galleria Nazionale di Cosenza (Cosenza)

La Galleria nazionale di Cosenza, partecipa sui canali social con il MiBACT alla quinta edizione del flash mob fotografico Art you Ready, condividendo con gli hashtag #viaggioinitalia e #paesaggioitaliano due delle più antiche raffigurazioni della Città dei bruzi. La prima, risalente al 1584 e oggi conservata nella Biblioteca Angelica di Roma, commissionata ad un autore sconosciuto proprio dal fondatore della biblioteca romana, il monaco e vescovo agostiniano Angelo Rocca. La seconda, è un'incisione ad acquaforte della città di Cosenza realizzata da Michele Luigi Muzio e tratta dal volume Il Regno di Napoli in prospettiva ad opera dell'abate Giovan Battista Pascichelli pubblicato nel 1703.

Questa monumentale opera si propone di raccontare la storia politico-militare, religiosa, urbanistica, economica ed artistica di 148 città e degli annessi territori, nelle 12 provincie costituenti quello che fu un tempo il Regno di Napoli. L'opera è ancora oggi considerata di estremo interesse per gli studiosi perchè espressione della conoscenza diretta del Regno e frutto di accurate e puntuali ricerche, tanto da essere definita già nel XIX secolo "il lavoro più compiuto che venisse pubblicato a quel tempo intorno a quella vasta regione d'Italia". L'iniziativa è a cura della dottoressa Camilla Brivio, funzionario del Polo museale della Calabria.

- La Cattolica - Stilo (Reggio Calabria)

La Cattolica è attivamente presente alle varie iniziative di comunicazione che il MiBACT sta portando avanti in questo periodo. In particolare, per Art you Ready ha condiviso la veduta della vallata dello Stilaro, immortalata su una litografia dall'artista olandese Escher ai primi del '900. Il punto d'osservazione è la zona limitrofa alla Cattolica di Stilo. Ancora oggi questa rappresentazione è fedele alla realtà visibile dallo stesso punto.

- Le Castella - Isola Capo Rizzuto (Crotone)

La fortezza aragonese di Le Castella partecipa condividendo con gli hashtag #viaggioinitalia e #paesaggioitaliano due raffigurazioni del golfo di Squillace. La prima, risale al 1525, la seconda, è una carta nautica dell'area marina rotetta di Capo Rizzuto del Ministero dell'Ambiente e della Tutela del Territorio e del Mare risalente al 1991, anno dell'istituzione dell'area protetta con la duplice finalità di preservare il pregevole tratto di costa dal punto di vista ambientale e tutelare il ricco patrimonio archeologico, presente sui fondali marini. 

- Museo Archeologico Nazionale "Vito Capialbi" di Vibo Valentia - (Vibo Valentia)

Il viaggio parte da Vibo Valentia con una bellissima stampa del 1710. Si tratta della pianta delle città di Vibo Valentia, che allora si chiamava Monteleone, contenuta nell'opera dell'abate Giuseppe Bisogni de Gatti, Hipponii seu Vibonis Valentiae, vel Montisleonis, Ausoniae Civitatis accurta Historia, pubblicata a Napoli. Continua poi con una incisione del cartografo Giovanni Maria Cassini e si conclude nel Museo dov'è conservata una litografia con la pianta della città di Monteleone.

- Museo Archeologico Nazionale di Crotone (Crotone)
- Museo e Parco Archeologico Nazionale di Capo Colonna (Crotone)

Anche il Museo archeologico nazionale di Crotone ed il Museo e Parco archeologico nazionale di Capo Colonna hanno partecipato sui canali social. Un filmato dedicato alla barchetta nuragica in bronzo (youtu.be/5r49Tcw6h3s), reperto apprezzato e significativo appartenente alle collezioni del Museo archeologico nazionale di Crotone, ha permesso di dare luogo ad una narrazione per immagini, con la quale il reperto è stato inquadrato nel suo contesto esplicitandone le funzioni che ebbe nell'antichità come lucerna e simbolo della luce che la divinità garantiva ai naviganti. Con l'occasione abbiamo invitato i followers a pubblicare sulle proprie pagine social, delle foto di luoghi cui sono affezionati, magari cercandoli sulle tante carte geografiche condivise dal Mibact e dal TCI, o in antichi atlanti che si hanno a casa, per dare così vita sul web ad un viaggio nel nostro paese attraverso cammini, vie, tracciati e antichi percorsi, già intrapresi nel passato o ancora da immaginare e programmare per il futuro.

- Museo e Parco Archeologico Nazionale della Sibaritide - Cassano all'Ionio (Cosenza)

Sulle pagine dei social network del Museo della Sibaritide sono state condivise alcune riproduzioni di antiche mappe della Calabria e dell'area archeologica di Sibari. Nel 730-720 i Greci fondarono Sybaris, fiorente centro commerciale in cui transitavano le merci provenienti dall'Asia Minore. La sorte di Sibari fu segnata dalla guerra contro un'altra importante città greca, Crotone, che culminò con la battaglia del Traente (510 a.C.) e un assedio di settanta giorni, a seguito del quale il sito fu distrutto e allagato dalla deviazione del fiume Crati. I sopravvissuti fondarono nel 444 a.C. la nuova colonia di Thurii, sullo stesso sito progettata dal famoso architetto Ippodamo da Mileto. Nel 192 a.C. la città fu nuovamente fondata come colonia romana, col nome di Copiae, che fu cambiato nuovamente in Thurii, in segno di continuità con l'antico passato della città. Sono state, inoltre, proposte, una planimetria del Parco del Cavallo, il sito tra i più estesi e importanti del Mediterraneo per quanto riguarda l'età arcaica e classica. Si trova al km 24,00, a monte della S.S.106 jonica (E90) e le cartine geografiche provengono dal volume Calabria Citeriore - Archeologia in provincia di Cosenza di G. Troiano e A. Paladino

- Musei e Parco Archeologico Nazionale di Locri - Locri (Reggio Calabria)
- Museo Archeologico e Parco Archeologico dell'antica Kaulon - Monasterace (Reggio Calabria)

I musei archeologici di Locri e Kaulon hanno partecipato postando sui rispettivi canali social immagini tratte: dall'itineraio pictum di età romana ripreso in età medievale e noto con il nome di Tabula Peutingerina. L'immagine evidenziata riprende il tratto di costa della odierna Calabria ionica dove ricade il sito archeologico dell'antica Kaulon; dal Codice Carratelli, un interessante  documento cartaceo del XVI secolo dove con la tecnica dell'acquerello sono riprodotti luoghi fortificati del territorio della Provincia di Calabria Ultra del Regno di Napoli. Per Locri è stato scelta la raffigurazione della Torre di Pagliapoli, ritenuta una vera e propria opera fortificata della costa ionica meridionale.

- Museo e Parco Archeologico Nazionale di Scolacium - Roccelletta di Borgia - Borgia (Catanzaro)

Il museo e parco archeologico nazionale di Scolacium aderisce attraverso quattro foto. Si inizia la giornata con la carta geografica della Calabria nell'affresco di Egnazio Danti nella Galleria del Belvedere in Vaticano, datata al 1580. Si prosegue con la tabula Peutingeriana raffigurante la Calabria, una copia del XII-XIII secolo di un'antica carta romana che mostra le vie militari dell'Impero romano. Nella terza foto, l'immancabile sagoma della nostra #roccelletta così come raffigurata nel Codice Romano-Carratelli, un manoscritto cartaceo risalente alla fine XVI secolo. Si compone di 99 acquerelli raffiguranti città fortificate, castelli, apprestamenti difensivi e territorio della Provincia di Calabria Ultra del Regno di Napoli.

L'ultima foto è una cartolina d'epoca, una immagine di altri tempi: raffigura S.Maria della Roccella vista i grandi viaggiatori del passato. In questo caso dall'Abate di Saint-Non tra il 1759 e il 1761 visitò l'Inghilterra e successivamente l'Italia, rimanendo particolarmente impressionato dal Sud Italia, soprattutto dalla Calabria e dalla Sicilia. Scrisse un'opera enciclopedica illustrata da lui stesso intitolata Voyage pittoresque ou Description des Royaumes de Naples et de Sicile, dove riporta resoconti e impressioni da lui raccolte tra il 1781 e il 1786. Questa sua opera è stata illustrata con disegni dei migliori artisti, tra cui Jean Duplessis-Bertaux, in parte riprodotti proprio dallo stesso Saint-Non.

- Museo Archeologico Lametino - Lamezia Terme (Catanzaro)

Il Museo archeologico Lametino ha preso parte sulla sua pagina facebook (www.facebook.com/museoarcheologicolametino) ad ArTyouReady. Per l'occasione in un primo post si è pubblicato un estratto della Tabula Peutingeriana, famosissima copia medievale di un itinerarium pictum di epoca romana. Si tratta non già di una realistica rappresentazione cartografica del paesaggio, ma di una raffigurazione schematica del cursus publicus, la grandiosa rete viaria costruita dai romani, con l'indicazione delle varie stazioni di sosta, dei principali luoghi di interesse e delle distanze fra le varie tappe. Oggi conservata nella Biblioteca Nazionale di Vienna, la Tabula è disegnata su un rotolo di pergamena lungo 6,80 m e suddiviso in 11 parti.

Mostra 200.000 Km di strade, arrivando fino al Vicino Oriente e all'India. Nel Segmento VI è raffigurata la regione, il Bruttium, in cui il territorio lametino si situa nell'area compresa tra il fiume Tanno (Amato?) e il fiume Crater' (Savuto?), ove sorgeva la statio di Aque Ange, da localizzare forse presso Bagni di Caronte. In un secondo post si è reso un omaggio al borgo di Nicastro, che ospita il nostro Museo, con la pubblicazione della più antica rappresentazione grafica della città: un'incisione ad acquaforte tratta dall'opera di Giovan Battista Pacichelli Il Regno di Napoli in prospettiva diviso in dodeci provincie, composta nel 1693, ma stampata postuma a Napoli nel 1703.

- Museo Archeologico di Metauros - Gioia Tauro (Reggio Calabria)

Il museo archeologico di Metauros rimane aperto virtualmente condividendo le immagini di una carta nautica del 1627 che mostra le Due Calabrie e della Tabula Peutingeriana, copia del XII-XIII secolo di un'antica carta romana che mostra le vie militari dell'Impero romano, che illustrando i raccordi viari tra i luoghi traccia anche il collegamento con Metauria (nome romano di Gioia Tauro) attraverso la Via Popilia (pressoché l'attuale tracciato dell'autostrada A3) occasione per valorizzare e riscoprire il segno dei luoghi attraverso vie, tracciati e antichi percorsi. (Comunicato stampa)

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Fondazione Marconi ricorda Lucio Del Pezzo
www.fondazionemarconi.org

Un'intensa collaborazione che non si è mai interrotta quella di Lucio Del Pezzo (Napoli 1933 - Milano 2020) con Giorgio Marconi, iniziata nel 1965 con la prima partecipazione alla mostra inaugurale di Studio Marconi e passata attraverso le più recenti esposizioni del 2009 e 2014 alla Fondazione Marconi, per poi concludersi con l'ultimo omaggio a lui dedicato da Studio Marconi '65, nel 2018, in occasione di Miart. Napoletano per nascita e formazione, Lucio Del Pezzo si trasferisce a Milano dal 1960, dove partecipa al clima culturale della città. Sono gli anni cruciali della sua carriera, in cui è presente alla Triennale di Milano (1964) e alla Biennale di Venezia (1964 e 1966) e nel giro di pochi anni il suo lavoro acquista un respiro internazionale.

Elaborate con accenti originali e con il gusto e la manualità dell'artigiano, le sue opere mostrano uno stile inconfondibile in cui convivono componente ludica e spirituale. Ognuna delle sue pitture-oggetto è accuratamente progettata: emblemi figurali, come triangoli, cerchi, coni, bersagli, birilli, frammenti di cornicioni denotano l'intento dell'artista di dare un peso determinante all'elemento iconico. Ne deriva una continua tensione tra l'aspetto giocoso, di divertissement beffardo, e quello strutturale, morfologico e compositivo. Protagonista della nostra storia e della scena artistica contemporanea, scomparso lo scorso 11 aprile, Pierre Restany scrisse nel 1967 a commento del suo lavoro e che ci sembrano particolarmente attuali:

"La nostra epoca ha bisogno di una nuova preziosità che non corrisponde a un lusso del raffinato, ma a un'igiene necessaria del linguaggio, a una profilassi della visione... Si aspira a un nuovo ossigeno, senza crederci veramente. Ed ecco che un naîf saggio, un perverso di buona compagnia, un arlecchino in borghese senza tamburello né tromba, ci invita a giocare con lui. È la calma dopo la tempesta, il sospiro dopo l'angoscia. Tutto scorre e ci si sente meglio..." (Estratto da comunicato ufficio stampa Lara Facco P&C)

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Ottone Rosai
05 aprile - 12 luglio 2020 (posticipata 25 ottobre 2020 - 31 gennaio 2021)
Palazzo del Podestà - Montevarchi

Ottone Rosai (Firenze 1895 - Ivrea 1957), uomo dalle travolgenti passioni, fu artista che scelse di leggere le novità del suo tempo alla luce della grande arte del Tre-Quattrocento toscano. Nel centenario (1920) della prima personale fiorentina di Rosai, che lo impose all'attenzione del mondo dell'arte, la città di Montevarchi, nell'aretino, ha deciso di proporre un'ampia e del tutto originale retrospettiva dedicata al maestro toscano. A curarla è il professor Giovanni Faccenda, massimo esperto di Rosai e curatore del catalogo generale delle sue opere. La mostra riunisce cinquanta opere di Rosai, per metà disegni e altrettanti oli. Tutti riferiti ad un momento preciso dell'artista: gli anni tra il 1919 e il 1932, il ventennio tra le due Grandi Guerre. Le opere provengono tutte da collezioni private, e il pubblico potrà ammirare tele notissime ma anche - e questa è una delle peculiarità di questa mostra - opere del tutto inedite, emerse dalle ricerche che il prof. Faccenda continua a compiere nelle collezioni private e nelle case di chi, in Toscana ma non solo, ebbe rapporti con Rosai o con i suoi galleristi ed eredi.

«Una delle maggiori peculiarità di questa esposizione pubblica - anticipa il professor Faccenda - deriva dalla riscoperta di una decina di capolavori assoluti di Rosai degli anni Venti e Trenta, tutti provenienti da una raccolta privata romana, presenti alla mostra di Palazzo Ferroni, a Firenze, nel 1932, e documentati nel primo volume del Catalogo Generale Ragionato delle Opere di Ottone Rosai (Editoriale Giorgio Mondadori, Milano, 2018), da me curato. Accanto ad essi, le eccellenze più note di un periodo - quello fra le due guerre (1918-1939) - che rappresenta l'aristocrazia della pittura e del disegno di Rosai. Vi si aggiunga la volontà di superare una lettura esegetica ormai antiquata e limitata dell'opera di questo Maestro fra i maggiori del Novecento, sovente priva dei necessari riferimenti culturali che vi si debbono cogliere (Dostoevskij, Campana e Palazzeschi, fra gli altri) e di una riflessione filosofica che tenga conto delle affinità con il pensiero di Schopenhauer e il pessimismo cosmico di Leopardi.» (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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"Opere in Vetrina"
Paci contemporary gallery - Brescia
www.pacicontemporary.com/shop-online_cinema

- Colazione da Tiffany

Una pagina interamente dedicata ad un'esclusiva selezione di scatti vintage tratti dai set cinematografici delle pellicole più famose del XX secolo tra cui Colazione da Tiffany, Caccia al Ladro, Per qualche dollaro in più, Frankenstein Junior, Matrix, Superman. Colazione da Tiffany è la pellicola che ha portato al successo internazionale l'attrice britannica Audrey Hepburn. Il film, distribuito nell'anno 1961 e diretto dal regista statunitense Blake Edwards, è considerato uno dei più famosi del cinema del Novecento. Nella pellicola Audrey Hepburn indossa il mitico tubino nero firmato Givenchy diventato icona del cinema. Per il film sono stati realizzati tre abiti uguali, uno dei quali è stato venduto all'asta per oltre 600 mila euro nel 2006. Il secondo abito, sempre disegnato da Givenchy, è un altro tubino nero (corto) in seta lavorata fino al ginocchio dove è svasato e decorato con una fila di piume, insieme al quale Audrey indossa lunghi guanti neri, un ampio cappello con un nastro di seta color crema e scarpe di coccodrillo.

Per consentire le riprese, la gioielleria Tiffany & Co. aprì eccezionalmente i battenti domenica 2 ottobre in modo che alcune scene del film potessero essere girate nel negozio sulla Quinta Strada a Manhattan. Finite le riprese Audrey si prestò ad un servizio fotografico per la gioielleria durante il quale le fu fatto indossare il preziosissimo diamante giallo più grande del mondo, dal taglio cuscino a 82 faccette di 128,54 carati. Per l'occasione, fu creato appositamente un gioiello per valorizzarlo: la collana Ribbon Rosette in oro e diamanti bianchi, con al centro il diamante giallo. Era il 1961 quando Audrey Hepburn, nei panni della protagonista Holly Golightly, fumava da uno storico bocchino da cui spuntava una sigaretta accesa, trasformando questa azione in un gesto di estrema eleganza. Audrey Hepburn con questa lunga sigaretta è subito diventata una vera e propria icona di stile. Numerosi curiosi seguirono il ciak della celebre scena in cui Holly fa shopping insieme a Paul.

Ciò innervosì Audrey Hepburn che sbagliò diverse battute e fu costretta a ripetere la scena più volte. Colazione da Tiffany è una commedia sentimentale, ricca di stile e ironia in cui trionfa la figura di Holly, una donna fragile e un'autentica icona di stile che, pur essendo alla ricerca di un ricco uomo da sposare, alla fine cede ai sentimenti e si lega allo scrittore squattrinato. Ecco una battuta pronunciata proprio da Paul (George Peppard): "vuoi sapere qual è la verità sul tuo conto? Sei una fifona, non hai un briciolo di coraggio, neanche quello semplice e istintivo di riconoscere che a questo mondo ci si innamora... (...) tu ti consideri uno spirito libero un essere selvaggio e temi che qualcuno voglia rinchiuderti in una gabbia. E sai che ti dico? Che la gabbia te la sei già costruita con le tue mani ed è una gabbia dalla quale non uscirai... finirai sempre per imbatterti in te stessa!".

L'autore del romanzo da cui è stato tratto il film, Truman Capote, voleva Marilyn Monroe nella parte della protagonista, ma l'agente dell'attrice Lee Strasberg le suggerì di rifiutare perché non avrebbe giovato alla sua carriera, indirizzandola verso altri film. Più tardi anche un'altra celebrità dell'epoca, Kim Novak, rifiutò il ruolo. Il successo del film al botteghino fu straordinario. Candidato a 5 premi Oscar, ne vinse 2: miglior colonna sonora e miglior canzone (Moon River). La stessa Audrey ottenne una nomination agli Oscar come "miglior attrice protagonista" ma fu battuta da Sophia Loren che trionfò grazie alla strepitosa interpretazione in La Ciociara, pellicola del 1960 di Vittorio De Sica. (Comunicato di presentazione da Paci contemporary gallery)

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"What is Europe to you?"
Festa dell'Europa, 9 maggio 2020

www.whatseurope.eu | www.lisaborgiani.com

Lavoro ideato dalla fotografa e artista Lisa Borgiani. Un viaggio fotografico itinerante in corso di realizzazione nelle principali capitali europee. L'idea è di ritrarre varie tipologie di persone (imprenditori, immigrati, professori, studenti, intellettuali, casalinghe, pensionati etc...) in diverse zone della città porgendo a tutti la stessa domanda: What is Europe to you? La risposta viene rappresentata in due ritratti di ogni persona che risponde alla domanda mettendo in risalto la parola chiave che riassume la loro idea di Europa in questo particolare e delicato momento storico.

L'obiettivo è descrivere il sentimento dei cittadini europei verso questa complessa questione con immagini e parole. Il risultato è un mosaico di immagini e sentimenti. Il lungo reportage attraverso l'anima europea rappresentata dai suoi cittadini è iniziato con due viaggi: Atene e Berlino. Le interviste sono state realizzate sul posto dalla giornalista Marta Ottaviani. Nel 2020 Lisa Borgiani ha realizzato questo lavoro anche a Milano, città di partenza del progetto - dal 28 gennaio al 6 marzo 2020 - Covid-19. Seguiranno Roma, Londra, Bruxelles, Parigi, Madrid per poi proseguire con le altre capitali. I risultati sono raccolti in volumi fotografici consultabili sul sito www.whatseurope.eu curati da Alessandro Colombo. Il progetto è stato concepito per raccontare con immagini e parole questo viaggio nell'anima europea con un approccio diretto e spontaneo; il ritratto è il mezzo scelto per scoprire e immortalare storie di vita quotidiane, pensieri, emozioni.

Il lavoro di Lisa Borgiani spazia fra fotografia, installazioni e sculture mobili. Ha esposto in varie gallerie, musei, fiere d'arte internazionali e Istituzioni pubbliche. Da diversi anni collabora con architetti, ricercatori, università italiane e americane, registi, economisti. La visione concettuale dei suoi lavori consiste nel creare una interazione tra l'installazione mobile e l'architettura. Le sue installazioni mobili (create con materiali leggeri e flessibili) e sculture mobili (dotate di ruote) creano, infatti, un dialogo continuo con lo spazio che le circonda, offrendo al pubblico nuovi modi di osservare le proprie creazioni.

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Materie Prime. Artisti italiani contemporanei tra terra e luce
Catalogo interattivo e multimediale

www.ferrarinarte.it/antologie/senigallia/materie_prime.html

Dopo il successo nel 2019 alla Rocca Roveresca di Senigallia (Ancona) con l'esposizione "Materie prime. Artisti italiani contemporanei tra terra e luce", a cura di Giorgio Bonomi, Francesco Tedeschi e Matteo Galbiati, e la presentazione del catalogo Silvana Editoriale al Museo del Novecento di Milano, nell'ambito di un incontro moderato da Gianluigi Colin, la Galleria FerrarinArte di Legnago (Verona) rilascia una nuova edizione del volume, completamente interattiva e multimediale, per rivivere la straordinaria esperienza della mostra attraverso le parole degli artisti e dei curatori.

Il libro, sfogliabile liberamente e gratuitamente online, si arricchisce con contenuti inediti, videointerviste e approfondimenti dedicati alla poetica dei quindici artisti coinvolti - Carlo Bernardini, Renata Boero, Giovanni Campus, Riccardo De Marchi, Emanuela Fiorelli, Franco Mazzucchelli, Nunzio, Paola Pezzi, Pino Pinelli, Paolo Radi, Arcangelo Sassolino, Paolo Scirpa, Giuseppe Spagnulo, Giuseppe Uncini e Grazia Varisco - appartenenti a diverse generazioni, ma accomunati da curricula di altissimo livello e dal lavoro condotto con e sulla materia.

Un viaggio alla scoperta delle opere e della mostra allestita a Senigallia attraverso le schede testuali e gli apparati iconografici, ma anche e soprattutto attraverso la testimonianza diretta degli autori coinvolti, accompagnati da Matteo Galbiati. (...) All'iniziativa, faranno seguito ulteriori progetti sviluppati online in collaborazione con Kromya Art Gallery di Lugano per portare idealmente l'arte a casa delle persone, così da offrire momenti di approfondimento e di svago in una quotidianità incerta, gettando insieme le basi per una nuova comunità dell'arte.

La Galleria FerrarinArte nasce nel 2004 a Legnago (Verona) come spazio dedicato alla grande arte italiana e ai suoi protagonisti. Una ricerca costante, sostenuta da entusiasmo e volontà, che si fonda sul dialogo diretto con gli artisti. Giorgio Ferrarin, amante dell'arte e collezionista per passione, nel tempo ha creato, infatti, legami forti e sinceri con i maestri del secondo dopoguerra. Grandi personali di Carla Accardi, Agostino Bonalumi, Achille Perilli, Alberto Biasi ed approfondimenti dedicati alla Pittura Analitica, con mostre pubbliche al Palazzo della Gran Guardia di Verona, a Villa Contarini di Piazzola sul Brenta (Padova), alla Rocca di Umbertide (Perugia), ai Musei di San Salvatore in Lauro (Roma), alla Rocca Roveresca di Senigallia (Ancona) e al Palazzo del Monferrato (Alessandria), hanno permesso alla Galleria di distinguersi per la coerenza espositiva, divenendo punto di riferimento per appassionati e collezionisti, raggiunti anche attraverso nuove strategie di comunicazione.

Il web diventa fondamentale, infatti, non solo per far conoscere gli autori e le opere, ma anche per condividere i numerosi contributi video che, testimoniando rapporti di stima e di amicizia, consentono al fruitore di entrare nei luoghi in cui l'arte prende forma. Fondamentale attività della Galleria è poi la produzione dei cataloghi dedicati alle mostre e agli artisti proposti negli spazi di Legnago e nelle sedi istituzionali: volumi che raccontano e completano i progetti espositivi attraverso raffinati confronti tra arte e letteratura, accompagnati anche da numerose videointerviste pubblicate sul canale www.youtube.com/user/ferrarinarte. La Galleria partecipa, infine, alle principali fiere di settore, come Arte Fiera Bologna e ArtVerona. (Comunicato stampa CSArt Comunicazione per l'Arte)

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"#FondazioneMerzRewind"
www.fondazionemerz.org

Progetto social che raccoglie quotidianamente attraverso i profili Instagram e Facebook, immagini, testi e video per raccontare i 15 anni della sua storia espositiva. Il 29 aprile 2005 la Fondazione venne inaugurata con una mostra dedicata a Mario Merz. A questa sono poi succeduti numerosi progetti che hanno visto alternarsi esposizioni dedicate a Mario e Marisa Merz a grandi progetti site-specific di artisti nazionali e internazionali invitati a confrontarsi con lo spazio della Fondazione. Anche il Dipartimento Educazione attraverso il suo profilo Instagram accompagna il racconto, ricordando i workshop e le attività formative affidate agli artisti che ne hanno segnato con i loro interventi la storia. (Comunicato stampa)

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#FondazioneMerzRewind is an online project that daily brings together images, texts and videos to illustrate the 15 years of its exhibition history through its Instagram and Facebook profiles. On 29 April 2005, the Fondazione was inaugurated with an exhibition dedicated to Mario Merz. This was followed by numerous projects that saw exhibitions dedicated to Mario and Marisa Merz alternate with large site-specific projects by national and international artists, who over the years have been invited to make the most of the Fondazione's unique spaces. Through its Instagram profile, the Education Department is also participating in the telling of the story, recalling the workshops and training activities undertaken by the artists who have written a page of its history with their work. (Press release)

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Ferrara ebraica online
ferraraebraica.meis.museum

Il Museo Nazionale dell'Ebraismo Italiano e della Shoah ha voluto allestire la mostra "Ferrara ebraica" per spiegare perché il museo sia nato proprio in questa città e oggi, in tempi di Coronavirus, vuole dare a tutti la possibilità di visitarla e di conoscere almeno una parte della grande ricchezza del patrimonio ebraico della città estense. Nel sito ferraraebraica.meis.museum chiunque potrà fare un salto virtuale nel tempo, visitare, conoscere, incontrare, approfondire alcune storie ebraiche ferraresi. L'esposizione, organizzata pienamente dal MEIS, voluta dal Direttore Simonetta Della Seta, curata da Sharon Reichel e allestita da Giulia Gallerani, è un viaggio tra passato e presente che racconta una delle comunità ebraiche più antiche d'Italia, con una eredità culturale e artistica unica.

Oltre a valorizzare la straordinaria fattura di oggetti cerimoniali e ricostruire l'ambiente sinagogale, "Ferrara ebraica" si interroga anche sul rapporto tra gli ebrei e la città, portando alla luce racconti affascinanti intrecciati con la Storia. Il percorso è arricchito dal video introduttivo e le interviste agli ebrei ferraresi firmate da Ruggero Gabbai e dalle foto di Marco Caselli Nirmal. Le musiche della tradizione ebraica ferrarese, incise appositamente per il MEIS, sono curate ed eseguite da Enrico Fink. La mostra è stata resa possibile grazie alla collaborazione del Comune di Ferrara e della Comunità ebraica di Ferrara, che ha prestato al MEIS gran parte degli oggetti esposti e qui presentati, ed è stata sostenuta da Holding Ferrara Servizi, con il patrocinio della Regione Emilia-Romagna e dell'Unione delle Comunità Ebraiche Italiane.

Il video introduttivo è realizzato in collaborazione con l'Istituto di Storia Contemporanea di Ferrara con un contributo della Regione Emilia Romagna, legge Memoria del Novecento. In un momento di incertezza come quello che stiamo vivendo, il MEIS vuole condividere almeno in via digitale alcuni dei valori che hanno permesso agli ebrei di continuare a costruire la loro vita anche in momenti difficili. Con la speranza di riaprire presto le porte del museo, il MEIS non si ferma e continua ad essere un luogo di libertà, scambio di opinioni e condivisione di idee. (Comunicato stampa Lara Facco P&C)

"Se io non sono per me, chi è per me? E se io sono solo per me stesso, cosa sono? E se non ora, quando?" (R. Hillel, Pirkei Avot I:14), dalle Massime dei Padri.

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Viaggi da camera
Fondazione Nicola Trussardi - Milano
www.fondazionenicolatrussardi.com

Progetto online della Fondazione Nicola Trussardi che raccoglie e distribuisce quotidianamente immagini, video e testi, scelti da artisti invitati a raccontare il proprio spazio domestico e privato. Ogni giorno, dal 27 marzo 2020, verrà pubblicato un nuovo contributo sul sito web e i canali social della Fondazione. Ispirato al celebre romanzo settecentesco di Xavier De Maistre Viaggio intorno alla mia camera - scritto durante un soggiorno obbligato di 42 giorni in una stanza di Torino - Viaggi da camera invita gli artisti ad aprire le porte delle loro stanze reali e immaginarie.

Viaggi da camera diventa "social". In pochi giorni la Fondazione ha infatti ricevuto innumerevoli messaggi di persone che vogliono contribuire con i loro "viaggi da camera", raccontando il loro universo privato in questo periodo di reclusione domestica forzata. La Fondazione ha quindi deciso di aprire a tutti la partecipazione al progetto: chiunque potrà postare sui social network il proprio "viaggio da camera", aggiungendo l'hashtag #viaggidacamera e taggando la Fondazione Nicola Trussardi. La Fondazione condividerà quotidianamente tutti i contributi nelle stories dei suoi account Instagram e Facebook.

Negli anni molti artisti ci hanno insegnato a guardare gli spazi che ci circondano da nuovi punti di vista: da Giorgio Morandi, chiuso nel suo studio nel mezzo della Seconda Guerra Mondiale, a Marisa Merz, che nella sua casa di Torino ci spronava a guardare il mondo con gli occhi chiusi, che per lei erano "straordinariamente aperti", gli artisti hanno immaginato lo spazio domestico come un territorio aperto a infinite scoperte. In questi momenti di chiusura forzata in casa, Viaggi da camera stimola a intraprendere nuovi viaggi nel perimetro della propria stanza, per provare a scoprire nuove mappe della fantasia e nuovi punti di fuga.

Tra i molti artisti invitati, hanno già aderito al progetto (in ordine alfabetico): Marco Belfiore, Carlo Benvenuto, Simone Berti, Maurizio Cattelan, Andrea Contin, Genuardi/Ruta, Massimo Grimaldi, Emilio Isgrò, Luisa Lambri, Marcello Maloberti, Domenico Antonio Mancini, Masbedo, Marzia Migliora, Giuseppe Penone, Diego Perrone, Gabriele Picco, Paola Pivi, Farid Rahimi, Marinella Senatore, Elisa Sighicelli, Federico Tosi, Patrick Tuttofuoco, Grazia Varisco, Nanda Vigo, Luca Vitone. (Comunicato Ufficio stampa Fondazione Nicola Trussardi)

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___ Tape Mark 1: Poesia Informatica

L'importanza della Storia | Nanni Balestrini
Galleria Michela Rizzo - Venezia
www.galleriamichelarizzo.net

Tape Mark 1 è una poesia di Nanni Balestrini che risale al 1961, frutto di una collaborazione virtuosa tra Autore e Tecnologia, in questo caso rappresentata da uno dei primi calcolatori IBM. Balestrini, in quell'occasione, predispone tre brevi testi di Michihito Hachiya - di Paul Goldwin (autore di cui si mette in dubbio l'esistenza) e di Lao Tse - e, attraverso l'assegnazione di alcuni codici e di poche regole, lascia al computer l'onere e l'onore di procedere alla stesura della poesia, attraverso un causale sistema di combinazioni. Nel mondo solo quattro - cinque persone stavano contemporaneamente lavorando a esperimenti simili e questo testo è considerato da molti come il primo esempio di poesia informatica.

La natura di grande innovatore e sperimentatore, che caratterizzerà tutta la carriera di Balestrini, si rivela già in quel momento. L'arte della combinazione sarà fondamentale in tutta la poetica di Balestrini, interessato a 'lasciare scaturire un movimento da connessioni imprevedibili' per superare, in questo modo, 'l'aggregazione statica di energie diverse'. Nel 1961, concepisce anche il progetto di un romanzo, Tristano, da riprodurre in un numero illimitato di esemplari, una copia unica e originale per individuo, ma le idee corrono più veloci della tecnologia e Feltrinelli riuscì a pubblicarne, nel 1966, un solo esemplare. Le tecniche di stampa di allora, infatti, non ne consentirono la realizzazione e ci vollero 40 anni e l'avvento della stampa digitale per portare a compimento quell'avvenieristico progetto.

Stiamo inoltrandoci nelle sperimentazioni linguistiche di Balestrini ma, in realtà, quello che è interessante per noi fare emergere qui, è quanto stretto fosse il rapporto tra le varie discipline in cui Nanni si cimentava. E come gli fosse consono collegare la ricerca letteraria e poetica con quella artistica visiva e teatrale performativa. Infatti, Tape Mark 1 nel 2017 diventa un'opera visiva che aprirà la grande retrospettiva allo ZKM Center for Art and Media di Karlsruhe. Da Tristano scaturisce invece Tristanoil, il film più lungo del mondo, ottenuto grazie al software ideato da Vittorio Pellegrineschi, che approderà niente meno che a Documenta 13, curata quell'anno da Carolyn Christov-Bakargiev. E sarà proprio questa predisposizione di Balestrini verso una 'poesia fatta di impulsi, che andava a rompere la linearità tipografica, a fargli venire l'idea di ritagliare titoli di giornali e farne dei collages'. (...) (Estratto da comunicato della Galleria Michela Rizzo)

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Busto femminile in basanite nella Sezione romana del Museo "Vito Capialbi" di Vibo Valentia

E' ritornato, dopo otto anni di assenza, l'atteso busto femminile in basanite, importante testimonianza del passato romano della Calabria. Si tratta del busto femminile in basanite, risalente ad età Claudia (41-54 d.C.), rinvenuto nelle vicinanze di Vibo Valentia Marina durante la realizzazione della ferrovia e la costruzione di limitrofe abitazioni di campagna. Il contesto di rinvenimento è da riferire ad un'importante villa suburbana e lo scavo, che ha permesso di definirne meglio le caratteristiche, è avvenuto a più riprese fra il 1894 e la prima metà del '900.

L'opera è di ottima fattura, caratterizzata da una raffinata tecnica di esecuzione e da una perfetta resa della capigliatura, acconciata come prevedeva la moda dell'epoca, che ha consentito di datare la statua al principato di Claudio, imperatore dal 41 al 54 d.C. Al momento del ritrovamento si propose l'identificazione con Messalina, moglie dell'imperatore Claudio, tuttavia tale ipotesi venne accantonata nei decenni successivi per la mancanza di confronti iconografici convincenti.

La scultura era stata concessa con prestito di lunga durata nel 2012 al Princeton University Art Museum e a seguito dell'impegno della Direzione Generale Musei e del Segretariato Generale del Ministero per i Beni Culturali e il Turismo, è rientrata al Museo "Vito Capialbi" dove sarà esposta nella sezione romana. L'emergenza sanitaria attuale, che ha portato alla chiusura dei Musei, non consente nell'immediato, una adeguata valorizzazione dell'importante reperto; l'esposizione è pertanto rinviata alla riapertura del Museo e sarà occasione di riflessione scientifica attraverso l'organizzazione di una tavola rotonda sul tema della scultura romana, con l'augurio di poterne consentire in seguito, una migliore fruizione grazie anche al supporto delle nuove tecnologie con applicativo digitale. (Comunicato stampa)

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Street Art Bus Tour #Catania
Percorso alla scoperta dell'arte pubblica della città

www.industria01.it

CityMap Sicilia, mappa della città Catania, attiva da più di dieci anni sul territorio con progetti on e off line volti a far conoscere e promuovere il territorio e Alice Valenti, detta anche "l'artista guerriera" per i soggetti dei suoi lavori e per le numerose campagne sociali che porta avanti - in occasione della 15esima edizione della Giornata del Contemporaneo 2019, promossa da Amaci - hanno organizzato lo "Street Art Bus Tour #Catania", un percorso alla scoperta di alcuni tra i più importanti interventi d'arte pubblica della città.

Forti del riscontro positivo ottenuto da parte del numerosissimo pubblico lo scorso 12 ottobre, gli organizzatori hanno richiesto e ottenuto, per il periodo che va da febbraio 2020 a gennaio 2021, il Patrocinio Gratuito e il Servizio Speciale (utilizzo esclusivo del bus d'arte con le livree disegnate da Alice Valenti e approvazione dell'itinerario) da parte dell'Amt - Azienda Metropolitana Trasporti S.P.A, il Patrocinio Gratuito del Comune di Catania e l'inserimento dello "Street Art Bus Tour #Catania" nel calendario dell'iniziativa nazionale "Domenica al Museo".

«Connettere la città, i quartieri, e fare che ogni cittadino sia custode consapevole della bellezza che c'è nel nostro territorio - affermano Bice Guastella e Sarah Bersani e di Industria01, ideatori e editori di CityMap Sicilia - è uno degli obiettivi che ci siamo posti come Citymap. Dalla mappa turistica lanciata nel 2006 di cui ancora oggi distribuiamo migliaia di copie direttamente dal nostro ufficio, al portale visitato quotidianamente da turisti e cittadini, abbiamo compreso che la forza del nostro piccolo progetto editoriale è quello di alimentare e tenere viva una positiva rete di relazioni fra chi lavora con etica e visione per rendere sempre migliore questa città».

Lo Street Art Bus Tour #Catania parte da tre intenti:

1_ far conoscere ai catanesi e ai turisti alcuni tra i più significativi interventi d'arte pubblica cittadina attraverso un percorso, in autobus e parzialmente pedonale, ragionato e programmato con l'AMT di Catania;
2_ far incontrare cittadini di quartieri diversi portando materialmente gli uni a "casa" degli altri;
3_ mettere in relazione i cittadini con la Città, sensibilizzare all'uso dei mezzi di trasporto pubblico, far riconoscere come valore comunitario il patrimonio artistico culturale di Catania

«L'Arte Urbana - dichiara l'artista Alice Valenti - regala ai cittadini una lettura alternativa degli spazi, ne sottolinea le fratture e fa riflettere sull'identità dei quartieri. E l'autobus non è solo un mezzo di trasporto, è il simbolo di tante cose in cui credo. Cose che hanno a che fare con la democrazia partecipata, la mobilità sostenibile, il bene comune, la bellezza diffusa, la speranza nel cambiamento di questa città».

Lo Street Art Bus Tour #Catania ricomincia la sua "corsa" riservata alle prime cinquanta persone che acquisteranno il biglietto online. Il prossimo appuntamento è domenica 2 febbraio alle ore 10.00. Il tour partirà e si concluderà presso l'Ex Rimessa R1 (via plebiscito 747 - Catania) nella quale nel 2018 il murale Agave di Alice Valenti ha ulteriormente arricchito il progetto di Emergence Festival realizzato da artisti di fama internazionale per rendere quello spazio pubblico un museo a cielo aperto. I partecipanti saranno accompagnati da Grazia Previtera, Guida Turistica Autorizzata e dall'artista Alice Valenti. (Estratto da comunicato ufficio stampa Valentina Barbagallo | Industria01)

Per ricevere il pdf con tutte le informazioni riguardanti il percorso visita www.citymapsicilia.it/percorso/street-art-a-catania

Per acquistare il biglietto e avere maggiori informazioni sulle prossime date, consulta www.citymapsicilia.it/evento/street-art-bus-tour-catania-febbraio-2020

Calendario Street art bus Tour# Catania - febbraio 2020 - gennaio 2021
12 MESI / 10 Domeniche

___ 2020
- 02 febbraio
- 01 marzo
- 05 aprile
- 03 maggio
- 07 giugno
- 06 settembre
- 04 ottobre
- 01 novembre
- 06 dicembre

___ 2021
03 gennaio

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Nasce a Matera il MIB - Museo Immersivo della Bruna
www.mibmatera.it

Un museo per conoscere la festa patronale, in onore di Maria Santissima della Bruna, che da 630 anni si svolge il 2 luglio a Matera, un piccolo museo che si sviluppa su 200 metri quadrati ma che al suo interno contiene un carro trionfale in scala 1:1 e che grazie alle più moderne tecnologie permette ai visitatori, indossando occhiali in 3D, di trovarsi al centro del momento più emozionante della festa: lo strazzo del carro in cartapesta. Il MIB - Museo Immersivo della Bruna, è stato inaugurato il 30 novembre, nel cuore del Sasso Barisano.

Il 2 luglio, il giorno più lungo come i cittadini di Matera definiscono il 2 luglio, con la festa che si svolge dalle prime luci dell'alba con la processione dei pastori, fino allo strazzo del carro e ai fuochi pirotecnici di mezzanotte, nel percorso museale viene raccontato con immagini e suoni che consentono di scoprire i momenti salienti della Festa della Bruna e di poter vedere un carro realizzato in scala 1:1. Una struttura di imponenti dimensioni, con i suoi 12 metri di lunghezza, 3 di larghezza e alto ben 7 metri. Costruito in cartapesta dall'artista Andrea Sansone, il manufatto è ricco di statue, angeli, putti, fregi e dipinti. Il MIB - Museo Immersivo della Bruna non prevede giorni di chiusura, le visite si potranno effettuare tutti i giorni dalle 9 alle 21 previa prenotazione.

"La visita si svolge in 20 minuti - illustra Alessandro Tortorelli, l'architetto che ha allestito il museo - il pubblico viene accompagnato da un susseguirsi di video, su testi di Antonio Andrisani e immagini di Rvm Broadcast con la regia di Vito Cea, e effetti sonori a scoprire la processione dei pastori, la cavalcata dei cavalieri in costume che accompagnano la effige della Madonna della Bruna nel percorso processionale, i tre giri beneauguranti che il carro compie in piazza Duomo, l'ultimo tragitto del manufatto in cartapesta verso piazza Vittorio Veneto dove lo attende la folla per l'assalto e la distruzione del carro. Questo momento di grande adrenalina lo si potrà rivivere con occhiali in 3D, ritrovandosi sul carro insieme agli assaltatori". (Estratto da comunicato stampa)

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Forme uniche della continuità nello spazio
Nella Galleria nazionale di Cosenza la versione "gemella" dell'opera bronzea di Umberto Boccioni

La notizia che nei giorni scorsi, presso la casa d'aste Christie's di New York, è stato venduta l'opera bronzea di Umberto Boccioni (1882-1916) Forme uniche della continuità nello spazio per oltre 16 milioni di dollari (diritti compresi), pari a oltre 14 milioni di euro, dà, di riflesso, enorme lustro alla Galleria nazionale di Cosenza. Nelle sale espositive di Palazzo Arnone, infatti, i visitatori possono ammirare gratuitamente una versione "gemella" della preziosa opera del grande scultore reggino donata alla Galleria nazionale di Cosenza dal mecenate Roberto Bilotti. L'opera è uno dei bronzi numerati, realizzati tra il 1971 e 1972 su commissione del direttore della galleria d'arte "La Medusa" di Roma, Claudio Bruni Sakraischik.

Forme uniche della continuità nello spazio è stata modellata su un calco del 1951 di proprietà del conte Paolo Marinotti, il quale, nel frattempo, aveva ottenuto l'originale dalla vedova di Filippo Tommaso Marinetti, ritenuto il fondatore del movimento futurista. La celebre scultura è stata concepita da Boccioni nel 1913 ed è oggi raffigurata anche sul retro dei venti centesimi di euro, proprio quale icona del Futurismo che più di tutte ha influenzato l'arte e la cultura del XX secolo. Il manufatto originale è in gesso e non è stato mai riprodotto nella versione in bronzo nel corso della vita dell'autore. Quella presente nella Galleria nazionale di Cosenza, dunque, rappresenta un'autentica rarità, insieme ai tanti altri tesori artistici e storici esposti negli spazi di Palazzo Arnone. (Comunicato stampa)

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La GAM Galleria d'Arte Moderna Empedocle Restivo di Palermo insieme a Google Arts & Culture porta online la sua collezione pittorica

Disponibili su artsandculture.google.com oltre 190 opere e 4 percorsi di mostra: "La nascita della Galleria d'Arte Moderna", "La Sicilia e il paesaggio mediterraneo", "Opere dalle Biennali di Venezia" e "Il Novecento italiano". La GAM - Galleria d'Arte Moderna Empedocle Restivo - di Palermo entra a far parte di Google Arts & Culture, la piattaforma tecnologica sviluppata da Google per promuovere online e preservare la cultura, con una Collezione digitale di 192 opere.

Google Arts & Culture permette agli utenti di esplorare le opere d'arte, i manufatti e molto altro tra oltre 2000 musei, archivi e organizzazioni da 80 paesi che hanno lavorato con il Google Cultural Institute per condividere online le loro collezioni e le loro storie. Disponibile sul Web da laptop e dispositivi mobili, o tramite l'app per iOS e Android, la piattaforma è pensata come un luogo in cui esplorare e assaporare l'arte e la cultura online. Google Arts & Culture è una creazione del Google Cultural Institute.

- La Collezione digitale

Grazie al lavoro di selezione curato dalla Direzione del Museo in collaborazione con lo staff di Civita Sicilia, ad oggi è stato possibile digitalizzare 192 opere, a cui si aggiungeranno, nel corso dei prossimi mesi, le restanti opere della Collezione. Tra le più significative già online: Francesco Lojacono, Veduta di Palermo (1875), Antonino Leto, La raccolta delle olive (1874), Ettore De Maria Bergler, Taormina (1907), Michele Catti, Porta Nuova (1908), Giovanni Boldini, Femme aux gants (1901), Franz Von Stuck, Il peccato (1909), Mario Sironi, Il tram (1920), Felice Casorati, Gli scolari (1928), Renato Guttuso, Autoritratto (1936).

- La Mostra digitale "La nascita della Galleria d'Arte Moderna"

La sezione ripercorre, dal punto di vista storico, sociale e artistico, i momenti fondamentali che portarono all'inaugurazione, nel 1910, della Galleria d'Arte Moderna "Empedocle Restivo". Un'affascinante ricostruzione di quel momento magico, a cavallo tra i due secoli, ricco di entusiasmi e di fermenti culturali che ebbe il suo ammirato punto di arrivo nell'Esposizione Nazionale di Palermo del 1891-92, evento chiave per la fondazione della Galleria e per le sue prime acquisizioni, le cui tematiche costituiscono la storia di un'epoca.

- La Mostra digitale "La Sicilia e il paesaggio Mediterraneo"

Un viaggio straordinario nel secolo della natura, come l'Ottocento è stato definito, attraverso le opere dei suoi più grandi interpreti siciliani che hanno costruito il nostro immaginario collettivo: dal "ladro del sole" Francesco Lojacono ad Antonino Leto, grande amico dei Florio in uno storico sodalizio artistico, per giungere al "pittore gentiluomo" Ettore De Maria Bergler, artista eclettico e protagonista dei più importanti episodi decorativi della Palermo Liberty, e infine Michele Catti, nelle cui tele il paesaggio si fa stato d'animo e una Palermo autunnale fa eco a Parigi.

- La Mostra digitale "Opere dalle Biennali di Venezia"

In anni di fervida attività espositiva, la Biennale di Venezia si contraddistinse subito come eccezionale occasione di confronto internazionale e banco di prova delle recenti tendenze dell'arte europea. Dall'edizione del 1907 presente all'evento con la sua delegazione, la Galleria d'Arte Moderna seppe riportare a Palermo opere che ci restituiscono oggi la complessa temperie della cultura artistica del primo Novecento, dalle atmosfere simboliste del Peccato di Von Stuck, protagonista della Secessione di Monaco, alla raffinata eleganza della Femme aux gants di Boldini.

- La Mostra digitale "Il Novecento italiano"

Un percorso che si snoda lungo il secolo breve e ne analizza le ripercussioni sui movimenti artistici coevi, spesso scissi tra opposte visioni e ricchi di diverse sfumature e declinazioni. Tra il Divisionismo di inizio secolo, figlio delle sperimentazioni Ottocentesche, e l'Astrattismo degli anni Sessanta, si consumano in Italia i conflitti mondiali, il Ventennio fascista, i momenti del dopoguerra. La lettura delle opere d'arte può allora funzionare come veicolo attraverso il quale comprendere le complesse evoluzioni e gli eventi cardine che hanno caratterizzato la prima metà del Novecento italiano. (Comunicato stampa)

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Francobollo dedicato a Giovanni Antonio de' Sacchis detto "il Pordenone"

Il 23 novembre 2019 è stato emesso un francobollo ordinario appartenente alla serie tematica "il Patrimonio artistico e culturale italiano" dedicato a Giovanni Antonio de' Sacchis detto il Pordenone, relativo al valore della tariffa B zona 3 pari a 3,10€, con una tiratura di trecentomila esemplari e fogli da ventotto esemplari. Il francobollo è in rotocalcografia, su carta bianca, patinata neutra, autoadesiva, non fluorescente.

La vignetta, raffigura un particolare dell'affresco "San Rocco e Sant'Erasmo" che Giovanni Antonio de' Sacchis, detto il Pordenone, realizzò nel Duomo di San Marco di Pordenone. Completano il francobollo la leggenda "G. A. De' Sacchis detto il Pordenone", le date "1483-1539" la scritta "Italia" e l'indicazione tariffaria "B Zona 3". Il francobollo ed i prodotti filatelici correlati, cartoline, tessere e bollettini illustrativi, possono essere acquistati presso gli Uffici Postali con sportello filatelico, gli "Spazio Filatelia" di Firenze, Genova, Milano, Napoli, Roma, Roma 1, Torino, Trieste, Venezia, Verona e sul sito poste.it. Per l'occasione è stato realizzato anche un folder in formato A4 a due ante contenente il francobollo, una cartolina annullata ed affrancata, una busta primo giorno di emissione, al costo di 17€.

In occasione della mostra internazionale dedicata al Rinascimento (25 ottobre 2019 - 2 febbraio 2020) e focalizzata sulla figura di Giovanni Antonio de' Sacchis, detto il Pordenone, l'Amministrazione Comunale di Pordenone valorizza la figura e l'opera di questo straordinario artista, che ha avuto esiti in tutta Europa. I suoi capolavori verranno proposti insieme con quelli di altri maestri del periodo come Giorgione, Tiziano, Lotto, Romanino, Correggio, Jacopo Bassano e Tintoretto.

Giovanni Antonio de' Sacchis, detto il Pordenone (Pordenone 1483/84 - Ferrara 1539) nasce da Angelo, un magister murarius originario di Corticelle nel bresciano, e da Maddalena, di ignoto casato. Vasari afferma: "si mostrò nella pittura sì valoroso, che le sue figure appariscon tonde e spiccate dal muro" (1568). La sua formazione, avvenuta in ambito locale, risente degli influssi di Gianfrancesco da Tolmezzo, Pietro da Vicenza e altri artisti friulani del tempo. Tuttavia egli seppe guardare ben presto oltre i confini regionali e soprattutto in direzione di Venezia, dominata allora dalle figure di Giorgione e dei suoi "creati", Tiziano e Sebastiano del Piombo. Attivo nell'area pordenonese, la sua prima opera è probabilmente da individuarsi nel ciclo di affreschi della chiesa campestre di Marzinis, cui ha fatto seguito nel 1506 il trittico per la chiesa di Santo Stefano a Valeriano (prima opera firmata e datata) e qualche tempo dopo l'importante ciclo nel coro della chiesa di San Lorenzo a Vacile.

Nei primi anni del secondo decennio il Pordenone è impegnato per i conti di Collato nella decorazione della cappella vecchia del castello di San Salvatore, presso Susegana, mentre tra il 1512 e il 1518 realizza numerose altre opere sia a Pordenone e in Friuli sia nella Marca Trevigiana. Meritano di essere ricordate la pala della parrocchiale di Vallenoncello (1512-1513), la pala di Susegana (1513-1514), gli affreschi di Villanova (1514), la pala della Madonna della Misericordia, commissionata nel 1515 per il duomo pordenonese. Gli esiti più innovativi sono tuttavia rappresentati dal grandioso ciclo con storie della Passione di Cristo, eseguito tra il 1520 ed il 1522 nella cattedrale di Cremona.

Dell'attività immediatamente successiva restano importanti testimonianze a Spilimbergo (portelle dell'organo, 1524) e a Pordenone (frammenti d'affresco per la chiesa di San Francesco e la superstite preziosa testimonianza della sagoma di San Giovanni dolente). Verso la fine degli anni venti decora a Venezia il coro (distrutto) della chiesa di San Rocco e le portelle di un armadio per argenti molto ammirate dai contemporanei. Tra il 1530 ed il 1532 opera in Santa Maria di Campagna a Piacenza e nella chiesa dei Francescani a Cortemaggiore. A Pordenone ritorna per realizzare per il duomo la pala di San Marco (1533-1535) e gli scomparti del fonte battesimale (1534 circa). Dal 1535 si stabilisce a Venezia, assumendo importanti incarichi, tra cui la decorazione di alcune sale di palazzo Ducale, e diventando il principale antagonista di Tiziano. Su invito del duca Ercole II d'Este si reca a Ferrara, nel dicembre del 1538, per approntare una serie di cartoni preparatori per arazzi: ma qui morirà, "assalito da gravissimo affanno di petto", intorno al 12-13 gennaio 1539. (Comunicato stampa)

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Quando le Statue sognano
Frammenti da un museo in transito

dal 29 novembre 2019
Museo Salinas - Palermo

.. 28 novembre 2019
Concerto inaugurale con Ornella Cerniglia (pianoforte); Floriana Franchina (flauto); 108 (electronics)


Dalle metope dei Templi di Selinunte - il più importante complesso scultoreo dell'arte greca d'Occidente - alla Pietra di Palermo, reperto egizio risalente alla metà del II Millennio a.C. circa, dalle raccolte di vasi etruschi della Collezione Bonci Casuccini all'Ariete bronzeo di Siracusa, il Museo Salinas di Palermo, con la sua storia lunga oltre due secoli, raccoglie una delle collezioni archeologiche più prestigiose nel mondo.

Grazie alla mostra in due capitoli, curata da Caterina Greco, direttrice del Museo, e Helga Marsala e a una serie di prossimi eventi collaterali, racchiusi dal sottotitolo "Frammenti di un museo in transito", vengono temporaneamente restituiti al pubblico alcuni spazi di questo luogo straordinario, che riapriranno definitivamente solo al termine dei complessi lavori di restauro e riallestimento,in via di completamento. Ed è proprio tra i depositi, i corridoi disabitati e le sale vuote che i progetti per la mostra hanno preso forma: luoghi precipitati in un silenzio onirico, per l'occasione tramutati in set e serbatoi di suggestioni per produzioni contemporanee, in dialogo con opere e reperti archeologici. Un programma che si estenderà nel corso dei prossimi mesi, pensato per trasformare l'attesa in nuovo contenuto: il tempo che separa dall'apertura degli ultimi due piani del Museo diventa occasione di scoperta, ricerca e comunicazione.

E a proposito di comunicazione, da costruire intorno a spazi e reperti riportati a galla, il "Salinas" ha scelto di affidare aun artista il ruolo di art director. Attivo soprattutto nel campo dell'arte pubblica e dell'arte urbana, ma con una ricerca parallela legata al graphic design, Mimmo Rubino (Potenza, 1979), noto anche come Rub Kandy, ha ideato la campagna creativa per la promozione delle mostre: agli scatti fotografici, i manifesti, l'immagine coordinata e le pubblicazioni editoriali diventano,con la sua cifra personale, un'avventura concettuale e di stile, concepita come opera d'arte in progress. La mostra comincia, in questo primo appuntamento, con l'apertura straordinaria della Sala Ipostila (o Sala delle Colonne) e degli spazi contigui, restaurati per accogliere opere e manufatti provenienti da diverse donazioni, prevalentemente di epoca Borbonica, parte del patrimonio museale

Il percorso si apre conuna preziosa serie di scatti di Ferdinando Scianna (Bagheria, Palermo, 1943). Le fotografie, realizzate dal maestro siciliano proprio al Salinas, nel 1984, ritraggono Jorge Luis Borges, anziano e già cieco, mentre sfiora alcune statue della collezione, nel tentativo di "vederle" con le mani. Un dialogo intimo tra il grande poeta - che sulla dimensione del sogno e la condizione del buio scrisse pagine memorabili - e i corpi marmorei ospitati tra le sale del museo: una muta conversazione, un ideale "reciproco ascolto", di cui Scianna colse le intensità e i movimenti, nel buio di un'invisibilità tramutata in visione interiore. Lungo il percorso si alternano poi le opere contemporanee di Alessandro Roma (Milano, 1977), 108/Guido Bisagni (Alessandria, 1978) e Fabio Sandri (Valdagno, Vi, 1964), in dialogo con alcuni reperti delle collezioni archeologiche: tutti materiali recuperati, riscoperti e individuati dai curatori,in accordo con gli stessi artisti. Una selezione che si concentra sull'antica Roma e sull'eredità della cultura greca, in un susseguirsi di corsi e ricorsi, temi, opere, mutamenti e assonanze, che riflettono il complesso processo di formazione del moderno Museo.

In mostra sono inoltre già presentidue importanti anteprime del futuro allestimento: nella Stanza del Mosaico la straordinaria Menade Farnese, esposta in rare occasioni - inclusa una recente mostra al Museo Salinas -, valorizzata qui da una collocazione dal forte impatto visivo, mentre nel prolungamento della Sala Ipostila sarà visibile il maestoso Ariete bronzeo da Siracusa, donato al museo dal Re Vittorio Emanuele II. Felice debutto, invece, per le teste votive di Cales, da un'affascinante serie di ex voto in terracotta (IV-II secolo a.C): acquisite a metà Ottocento dal Museo della Regia Università di Palermo, non erano mai state esposte tra le sale del Museo. Ed è proprio l'Arietea a ispirare due delle opere esposte da 108/Guido Bisagni, artista visivo e sonoro con un linguaggio nutrito di astrazioni, suggestioni noise e dark, ispirazioni post-industriale e post-graffiti.

Meccanica Intangibile (2019) è un dittico su carta dedicato alconcetto di doppio e di tensione tra opposti, in cui la forma dell'animale, l'evocazione del suo gemello distrutto e la potenza della sua rappresentazione diventano esercizio di astrazione pura, tra smaterializzazioni e morfogenesi oscure. L'ariete (2019) è invece il suo primo libro d'artista in copia unica, interamente realizzato a mano, composto da 60 disegni a inchiostro: un processo creativo che si avvicina, secondo l'artista, a un moderno rituale misterico. Completano il corpus quattro tracce sonore - Silvano serale, Raijin (I Signori della pioggia), Silvano notturno, Inno alla notte (2019) - che realizzano un soundscape ('paesaggio sonoro') chiaroscurale, vespertino, intriso di riferimenti a Orfeo e alla natura. I suoni elettronici si mescolano qui a field recordings ('registrazioni sul campo') realizzati in giro per il mondo: insetti e animali selvatici di un bosco del Minnewaska State Park, in una riserva indiana sulla Shawangunk Mountain (New York), il rumore della pioggia a Kyoto e la voce dei ruscelli sugli Appennini; infine sussurri e bisbigli, evocativi della lettura degli antichi Inni Orfici.

In dialogo con diverse opere archeologiche è invece il lavoro di Alessandro Roma, che espone una serie di ceramiche variopinte ispirate a temi naturalistici, forme in transizione, corpi vege tali in mutazione: un'idea di archeologia fantastica, protagonista di sogni e memorie, che le stesse statue, nel silenzio, sembrano coltivare. Così è per la Menade, seguace di Dioniso, simulacro di un mondo antico intrecciato con narrazioni mitologiche e rituali, di cui si rintraccia, nelle sculture informi dell'artista, un riflesso materiale eallucinato.

Una serie di opere su stoffa, Forms in transition (2018) e Drawing I, II, III (2018), mette quindi in scena una natura selvatica, frammentata, esasperata, in cui i riferimenti alla figurazione si offrono a una progressiva smaterializzazione, diventando il doppio onirico di statue e reperti (dal gruppo di Eracle e la Cerva all'alto candelabro marmoreo del II sec. d. C.). E sempre la Menade Farnese è fonte di ispirazione per il lavoro di Fabio Sandri, che in Menade (2019) realizza un ritratto della celebre scultura, assemblando quattro immagini storiche corrispondenti alle quattro tappe del lungo viaggio che, tra il Cinquecento e gli anni Cinquanta del secolo scorso, ha condotto la monumentale statua fino a Palermo. Realizzata proiettando le immagini su carta fotosensibile,l'immagine ottenuta in negativo, scansionata e invertita digitalmente,ha generato una nuova immagine in positivo. Con la stessa tecnica l'artista realizza Trasporto (Polydeukion) (2019), proiettando su carta foto sensibile il video di un pregevole ritratto del II sec. d.C., tenuto fra le braccia di una figura senza volto.

L'immagine risultante è un'impronta del film, una somma di tutti i fotogrammi in movimento, capace di restituire l'apparente immobilità delle cose e la loro infinita, inevitabile progressione. Incarnato (Satiro Versante), Incarnato (Pan), Incarnato (Cesare), Incarnato (Ritratto di Partinico) e Incarnato (Accumulo) (2019) sono dedicate ad alcune teste d'epoca romana, individuate tra opere del museo non ancora esposte: le immagini, realizzate su superfici in continua impressione e generate senza l'ausilio di una macchina fotografica, continueranno a mutare e sbiadire per effetto della luce ambientale, fino alla sparizione totale, trasformandosi via via in scarti o detriti. Fotografia come performance, ma anche come reperto e lenta accumulazione.

Accompagna la mostra Interludi, un programma appuntamenti che si svilupperà nel corso del 2020,in cui un'opera selezionata dai depositi del Museo, in attesa di approdare al nuovo allestimento,dialoga col progetto di un artista contemporaneoo con opere in prestito da altre prestigiose collezioni. Il ciclo si inaugura con la fotografa Roselena Ramistella (Gela, 1982) e la sua serie Ritratto di famiglia: un insieme di scatti ispirati ai lavoratori del Museo - dagli archeologi ai custodi, dai funzionari ai bibliotecari, da chi si occupa di comunicazione a chi ha in carico la sicurezza, gli archivi, le pulizie, i restauri dei reperti -, posta in dialogo con una raffinata testa romana di età adrianea (prima metà II sec. d. C.), un ritratto marmoreo del giovane Polydeukion, discepolo favorito di Erode Attico.

Il restauro terminato nel 2016 - che ha riportato alla luce ambienti del secentesco monastero dei Padri Filippini - insieme all'esposizione di opere attualmente custodite in deposito, restituiscono dunque al pubblico un'area del museo mai vista prima. Tra queste nuove sale del "Salinas" (un tempo adibite a uffici), che ancora non presentano il loro assetto definitivo, prende così vita un insolito racconto,in cui si intrecciano archeologia e arte contemporanea: tessuti evanescenti, ceramiche astratte, suoni elettronici, fotografie e immagini in dissolvenza, ritratti marmorei, disegni, sculture bronzee, manufatti d'uso quotidiano o con funzione rituale, compongono una sorta di fantasmagoria, di cui le statue e i reperti sono parte attiva, memoria antica e sempre vitale nella costante evoluzione del Museo.

Il racconto intessuto intorno a opere e spazi è frutto di una suggestione poetica: le statue antiche, immerse nel silenzio di corridoi, depositi, magazzini, sale sigillate, sprofondano in un sonno carico di sogni, memorie, allucinazioni edesideri, tra scampoli del loro passato e acrobazie visionarie. Le opere contemporanee, le apparizioni evanescenti, le stesse sale del museo, i simboli riemersi e i miti evocati, sembrano arrivare da quest'esercito di simulacri a riposo, in attesa di essere riscoperti e interrogati. Tra cortocircuiti temporali, contaminazioni e accostamenti, nella cornice lirica di un grande sogno collettivo, Quando le Statue sognano riporta al presente alcuni archetipi inesauribili, tra i quali l'Uomo, la Natura, il Sacro, restituiti ed elaborati fra opere della collezione e opere contemporanee. (Comunicato stampa)

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Donato ai Musei Civici di Verona l'Autoritratto del 1552 dell'artista Antonio Badile

Un particolare dipinto raffigurante, uno degli artisti più significativi del Cinquecento veronese, maestro di Paolo Caliari detto 'Il Veronese'. L'opera, posta appositamente di fronte al dipinto 'Pala Bevilacqua-Lazise' di Paolo Caliari, è da oggi visibile al pubblico nella sala Tintoretto-Veronese. Uno spazio espositivo che avrà a breve un intervento di valorizzazione, perché contiene i capolavori più rappresentantivi del nostro Cinquecento.

Artista autorevole e poliedrico, Antonio Badile, scomparso a soli 42 anni nel 1560, ha guidato la bottega secolare di famiglia, attiva dal XIV al XVII secolo, nel passaggio artistico dal classicismo d'inizio Cinquecento ad una più colta e complessa tecnica pittorica, di cui l'allievo Veronese sarà uno dei massimi esponenti. L'Autoritratto, firmato e datato 1552, è evidentemente ambientato nello studio del pittore. Dalla finestra posta alle sue spalle si apre una veduta su una piazza e un incrocio tra le vie del centro cittadino. In primo piano, appoggiati sul tavolo accanto al biglietto che Badile tiene nella mano destra, si vedono rappresentati i simboli che caratterizzano le diverse competenze dell'artista: il bulino, che si collega alla sua attività di incisore, in cui si era specializzato il padre Girolamo; le penne e il calamaio, a quella di disegnatore. Sempre sul tavolo è ben visibile l'album in primo piano dove Badile raccoglieva studi e testimonianze grafiche, anche dei suoi antenati o di ammirati colleghi.

Nel Seicento il libro di disegni faceva parte della collezione veronese del conte Ludovico Moscardo, ma in seguito fu smembrato. I suoi fogli arricchiscono oggi le collezioni dei più prestigiosi musei del mondo. Nella seconda metà del XVIII secolo, il dipinto si trovava a Bologna nella principesca collezione del marchese Filippo Ercolani. Nel secolo successivo giunse in Inghilterra, dove è documentato in varie raccolte private, tra le quali quella di Robert Stayner Holford a Dorchester House (Londra). Messo all'asta a Sotheby's nel 1969, tornò in una collezione privata veronese e nel 1988 fu esposto a Castelvecchio alla mostra dedicata a Paolo Veronese. Oggi, con la donazione De Stefani, il quadro entra a far parte delle collezioni civiche veronesi. (Estratto da comunicato stampa Studio Esseci)

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||| Sicilia ||| Apre al pubblico la Fonte Aretusa a Siracusa
www.fontearetusasiracusa.it

Concluso l'intervento di adeguamento strutturale e funzionale del sito, la Fonte Aretusa   ha aperto al pubblico il 6 agosto con un percorso di visita che consente di ammirarne dall'interno la bellezza, accompagnati dalle voci italiane di Isabella Ragonese, Sergio Grasso e Stefano Starna. Il percorso di visita restituisce l'emozione di un "viaggio" accanto allo specchio di acqua dolce popolato dai papiri nilotici e da animali acquatici, donati dai siracusani come devozione a una mitologia lontana dalle moderne religioni, superando le difficoltà di accedervi e permettendo di compiere una specie di percorso devozionale in piena sicurezza. L'audioguida è disponibile anche in lingua inglese, francese, spagnola e cinese.

È il primo risultato del progetto di valorizzazione elaborato da Civita Sicilia come concessionario del Comune di Siracusa con la collaborazione della Fondazione per l'Arte e la Cultura Lauro Chiazzese. Il progetto, elaborato e diretto per la parte architettonica da Francesco Santalucia, Viviana Russello e Domenico Forcellini, ha visto la collaborazione della Struttura Didattica Speciale di Architettura di Siracusa e si è avvalso della consulenza scientifica di Corrado Basile, Presidente dell'Istituto Internazionale del papiro - Museo del Papiro.

Da oltre duemila anni, la Fonte Aretusa è uno dei simboli della città di Siracusa. Le acque che scorrono nel sottosuolo di Ortigia, ragione prima della sua fondazione, ritornano in superficie al suo interno, dove il mito vuole che si uniscano a quelle del fiume Alfeo in un abbraccio senza tempo. È un mito straordinario, cantato nei secoli da poeti, musicisti e drammaturghi. La storia di Aretusa e Alfeo è una storia d'amore, inizialmente non corrisposto, tra una ninfa e un fiume che inizia in Grecia e trova qui il suo epilogo, simbolo del legame che esiste tra Siracusa e la madrepatria dei suoi fondatori. Ma la Fonte Aretusa è anche il luogo nelle cui acque, nel corso dei secoli, filosofi, re, condottieri e imperatori si sono specchiati e genti venute da lontano, molto diverse tra loro, sono rimaste affascinate, anche attraverso le numerose trasformazioni del suo aspetto esteriore.

La Fonte ospita da millenni branchi di pesci un tempo sacri alla dea Artemide e, da tempi più recenti, una fiorente colonia di piante di papiro e alcune simpatiche anatre che le valgono il nomignolo affettuoso con cui i Siracusani di oggi talvolta la chiamano, funtàna de' pàpere. Dalla Fonte si gode un tramonto che Cicerone descrisse "tra i più belli al mondo" e la vista del Porto Grande dove duemila anni fa si svolsero epiche battaglie navali che videro protagonista la flotta siracusana e dove le acque di Alfeo e Aretusa si disperdono nel mare in un abbraccio eterno. (Comunicato Ufficio stampa Civita)

La Trinacria | Storia e Mitologia Sicilia e Grecia

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Photology Air 2019/2020
Il nuovo parco per l'arte contemporanea in Sicilia

22 giugno - 03 novembre 2019
09 aprile - 27 settembre 2020
Tenuta Busulmone - Busulmone, Noto (Siracusa)
www.photology.com

Cinque progetti naturalistico-fotografici che coinvolgeranno il curatore uruguaiano Martin Craucin e 15 artisti di fama internazionale: Gianfranco Gorgoni, Georg Reinking, Gian Paolo Barbieri, Angelo Candiano, Mario Giacomelli, Jack Pierson, Giada Barbieri, Massimo Bartolini, Mario Cresci, Juan Pedro Fabro, Emilio Fantin, Fiamma Montezemolo, Irina Raffo, Luca Vitone, Francesca Romana Gaglione. Photology, che già dal 2012 ha intrapreso un'intensa attività di diffusione delle arti fotografiche nel territorio siciliano di sud-est, è orgogliosa di presentare l'edizione 2019/2020 di Photology Air (Art In Ruins), il nuovo parco per l'arte contemporanea aperto nel 2018 nei trenta ettari della splendida Tenuta Busulmone, a Noto.

In particolare, traendo ispirazione dal tema delle "rovine" come sinonimo di modernizzazione (già trattato alla Biennale di Venezia 2014), le mostre vengono allestite negli spazi restaurati en plein air di un convento ottocentesco e lungo i tanti percorsi naturali che si trovano nella tenuta. La scelta curatoriale per il biennio 2019/2020 è ricaduta su un tema sempre più attuale, la "coscienza ambientale", e il titolo Preservaction ne è diventato l'esplicito manifesto. In particolare, le attività di Photology Air che verranno presentate nel 2019 con il titolo Prelude To Preservaction, per poi svilupparsi nel 2020 sotto il nome di Preservaction Now!, offrono ai visitatori la possibilità di confrontarsi con opere eterogenee che vogliono invitare a riflettere sulla rappresentazione artistica della natura come via di preservazione e tutela, perché la Natura, da sempre fonte di ispirazione per gli artisti di qualsiasi disciplina, è lei stessa un'opera d'arte.

Noto, fiore all'occhiello dell'arte e della cultura siciliana, è uno splendido esempio di architettura barocca di fine Settecento che domina la valle del fiume Asinaro con vista sul Mar Ionio a est e Mediterraneo a sud. Il suo centro storico è stato dichiarato nel 2002 Patrimonio dell'Umanità da parte dell'Unesco insieme con le altre città tardo barocche della Val di Noto. Dopo la ricostruzione in seguito al terremoto del 1693, Noto è divenuta una delle città d'arte più visitate del nostro paese, meta di un turismo sempre crescente, tanto da registrare un incremento medio annuo di visitatori intorno al 5% dal 2010, soprattutto internazionali. Tutta la Val di Noto è oggi meta esclusiva, non solo per il patrimonio artistico-culturale, ma anche per le eccellenze enogastronomiche, e le località turistiche della zona sono particolarmente apprezzate: le spiagge della riserva naturale di Vendicari, i laghetti di Cavagrande, la zona archeologica di Pantalica, la Villa Romana del Tellaro, Marzamemi e Noto antica.

- Prelude to preservaction
22 giugno - 03 novembre 2019

.. Land Art in America
by Gianfranco Gorgoni

Pensato per la sezione Exhibitions 2018, il progetto - introdotto da un'esclusiva scultura di Georg Reinking - propone una serie di celebri lavori del fotografo italiano Gianfranco Gorgoni esposti tra le rovine del convento ottocentesco: opere fotografiche di grande formato realizzate a partire dalla fine degli anni Sessanta, in collaborazione con i grandi maestri della Land Art americana come Christo, Walter De Maria, Michael Heizer, Nancy Holt, Richard Serra, Robert Smithson, fino ai più recenti lavori con Ugo Rondinone. L'allestimento prevede un dialogo tra gli spazi interni ed esterni del rudere, per cui Gorgoni presenta opere innovative, pensate e prodotte per essere stampate su alluminio e sottoposte a speciali trattamenti da esterno.

.. Belvedere Collectors
Project Room With a View

Da giugno 2019 Photology apre al pubblico Belvedere Collectors-Project Room with a View, l'unica zona espositiva coperta di Photology Air pensata per i collezionisti e gli amanti della fotoarte. Il nuovo spazio presenta non solo una selezione di opere originali con soggetti naturalistici di artisti di fama internazionale e un esclusivo art bookshop con libri rari, ma anche la possibilità di trovare una serie limitate di prodotti a chilometro zero provenienti dal territorio di Noto. Gli artisti scelti per questa prima edizione sono: Gian Paolo Barbieri, Angelo Candiano, Mario Giacomelli, Jack Pierson. La zona Belvedere, dal secondo piano della struttura espositiva, ha un'incredibile vista a sud verso la Riserva Naturale di Vendicari.

.. Naturalistic Trail. Planta Manent
22 giugno 2019 - 29 settembre 2020

Un'esperienza unica di walking to art con 15 istallazioni fotografiche site specific stampate su alluminio e dislocate lungo un suggestivo percorso di 2 km nella campagna mediterranea circostante la Tenuta Busulmone, che ritraggono la flora locale accompagnate da spiegazioni botaniche. Planta Manent, la catalogazione fotografica permanente realizzata da Francesca Romana Gaglione, nasce con l'obiettivo di preservare, attraverso un lavoro di ricerca gli endemismi puntiformi caratteristici dell'area circostante Tenuta Busulmone, una porzione di terra che si rivela particolarmente interessante da un punto di vista botanico per via della singolare posizione geografica e delle peculiari condizioni climatiche. Quanto più un endemismo è puntiforme, cioè relativo a un'area geografica circoscritta, tanto più sarà composto da specie ad alto rischio di estinzione. Pertanto, la prima parte del progetto, una vera e propria fase di ricerca svolta insieme al botanico Paolo Uccello, si concentrerà sull'individuazione degli arbusti, degli alberi e delle infiorescenze più vulnerabili con l'obiettivo di ricostruirne la storia. La seconda parte del progetto, invece, indagherà nella vita segreta degli elementi individuati, con l'obiettivo di trasformarli in oggetti fotografici che diventeranno parte integrante di una memoria consapevole del luogo.

.. Educational Project: Kids in action
settembre 2019 - settembre 2020

Il progetto, che verrà realizzato in collaborazione con il Comune di Noto e Legambiente ha il fine di sensibilizzare ed educare le giovani generazioni alla tutela e alla pulizia dell'ambiente circostante attraverso laboratori didattici ad hoc. Gruppi di ragazzi verranno accompagnati nel territorio del Comune di Noto con l'obbiettivo di ripulire l'ambiente naturale dai rifiuti abbandonati. Il cleaning project servirà infine per utilizzare i materiali raccolti come elementi per laboratori artistici, seguendo le orme di artisti affermati come Damien Hirst, Kcho, Micheal Fliri. Le creazioni saranno esposte nel corso della stagione in un percorso esclusivo e premiate da una giuria selezionata.

- Preservaction Now!
09 aprile - 27 settembre 2020

.. The Secret Life of Plants

La mostra The secret life of plants prende ispirazione dall'omonimo libro di Peter Tompkins e Christopher Bird, pubblicato nel 1974 e basato sulle loro ricerche nel mondo dei vegetali riguardo alla possibilità che le piante non siano soltanto organismi passivi simili ad automi, sottomessi alle forze ambientali, bensì che abbiano la capacità di comunicare, di percepire gli eventi, di memorizzarli e persino di provare emozioni. L'esposizione, curata da Martin Craciun e allestita da Photology negli spazi Air (senza copertura) del convento, sarà costituita da installazioni botaniche, opere fotografiche, sculture e video. La selezione delle opere e degli artisti è incentrata proprio sulla ricerca emotiva evidenziata nel celebre libro di Tompkins e Bird. Piante e fiori mediate dal lavoro degli artisti comunicano con il visitatore attraverso i 5 sensi in un percorso scenografico che richiama il diorama. Questi gli artisti italiani ed internazionali che esporranno: Fiamma Montezemolo, Giada Barbieri, Emilio Fantin, Luca Vitone, Massimo Bartolini, Mario Cresci, Irina Raffo, Juan Pedro Fabro.

.. Art Trail
Profondo Blu
by Gian Paolo Barbieri

Profondo Blu rende omaggio all'itinerario fotografico di Gian Paolo Barbieri, che a partire dagli anni Ottanta lo vede in luoghi esotici e lontani a collezionare ritratti inediti di un'umanità e di una natura intatta, frammenti di memoria destinati a perdersi per sempre, attimi sottratti a un processo di metamorfosi e devastazione inarrestabile. In ogni foto si può percepire la profonda meditazione dell'artista, che per la prima volta si trova da solo dietro la macchina fotografica e davanti ad un soggetto che non concepisce alcuna possibilità di alterazione di setting. Art Trail 2019 si contraddistingue per un inedito ed emozionante incontro tra natura & natura. Le eleganti opere fotografiche di Gian Paolo Barbieri, realizzate in 40 anni di viaggi in luoghi incontaminati, si fondono con lo spettacolo del paesaggio rurale della campagna netina. Photology presenta un progetto di installazioni naturalistiche con strutture realizzate da artigiani locali utilizzando materiali a chilometri zero. Il percorso prevede una serie di aree espositive su un sentiero in terra battuta di circa 2 km in mezzo a millenari carrubi, ulivi e campi di grani antichi. La mostra, composta da circa 30 opere di grande formato e stampate in tricromia su materiali da esterno sarà percorribile a piedi con un normale abbigliamento sportivo o con speciali visite guidate con biciclette assistite elettricamente.

.. In the air tonight

La stagione di mostre di Photology Air per il 2020 si arricchisce di eventi esclusivi di approfondimento dal titolo In the Air Tonight. Da maggio ad agosto con cadenza settimanale si alterneranno nella zona cinema e relax una serie di presentazioni e incontri a tema seguendo la linea curatoriale Preservaction. Prima e dopo le proiezioni degli Earth Films, il programma In the Air tonight prevede una serie di art talks con il pubblico degli artisti partecipanti alle mostre, simposi di enti e fondazioni coinvolti nel progetto, lectures con presentazioni fotografiche, visite guidate notturne al cosmo, performance musicali e piccole rassegne teatrali. Sono stati invitati a partecipare: Emilio Fantin, Stefano Tirelli e Massimiliano Nebuloni, Pier Raffaele Platania, Greta Scacchi e Nicky Rohl, Luca Vitone. Gli appuntamenti verranno confermati con date e orari sull'apposito sito web e attraverso la guida Photology Air.

.. Art Film Festival
Earth Film

Photology Air si prefigge per il 2020 l'obiettivo di diventare un luogo di incontro e cultura imprescindibile per le serate netine, anche attraverso la settima arte, il cinema. La rassegna Earth Films propone una ricca selezione di lungometraggi e documentari di fama internazionale, collegati dalla comune tematica green. La sala cinema, posizionata in una location d'eccezione come il convento ottocentesco restaurato, vedrà alternarsi a pellicole note e acclamate da pubblico e critica, altre tutte da scoprire. Le proiezioni, che si susseguiranno per tutta la stagione, saranno accessibili gratuitamente fino ad esaurimento posti. Il programma definitivo della rassegna cinematografica verrà reso noto nella sezione del sito web dedicata e tramite la guida Photology Air. (Comunicato De Angelis Press)

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Donazioni alla Galleria Nazionale di Cosenza

La Galleria Nazionale di Cosenza acquisisce a pieno titolo nelle sue collezioni sei interessanti sculture provenienti dalle collezioni della famiglia Bilotti. Incrementano da oggi il patrimonio del museo, illustrando importanti segmenti dell'arte italiana del Novecento, le seguenti sculture Cavallo e cavaliere con berretto frigio di Giorgio de Chirico, Portatrice di fiaccola di Emilio Greco, Grande maternità di Antonietta Raphael Mafai, Onice e Solida di Pietro Consagra, Gigantea di Mimmo Rotella. Le sculture sono già presenti nel museo ed esposte in via definitiva, ad esclusione della Grande maternità di Antonietta Raphael Mafai che sarà presentata a conclusione degli interventi di manutenzione e restauro di cui necessita. La donazione fa seguito alle altre che recentemente hanno concluso il loro iter. Sono infatti entrate a far parte delle collezioni museali anche le opere Forme uniche della continuità nello spazio di Umberto Boccioni, donata da Roberto Bilotti Ruggi d'Aragona, e Natura donata dall'artista cosentino Giulio Telarico, già in esposizione rispettivamente nella sezione grafica dedicata all'artista futurista e nella sezione di Arte Contemporanea.

Il Polo Museale e la Galleria Nazionale di Cosenza hanno frattanto avviato le procedure finalizzate all'acquisizione in comodato d'uso gratuito di cinque disegni di Umberto Boccioni; i disegni a conclusione dell'iter andranno ulteriormente ad arricchire la sezione grafica dedicata al maestro del Futurismo. Le acquisizioni portate a felice conclusione e quelle in programma sono frutto di intese e accordi che rientrano fra gli obiettivi che il Polo Museale della Calabria e la Galleria Nazionale si sono posti per promuovere relazioni proficue con il territorio, accrescere, valorizzare il patrimonio d'arte e cultura e favorirne la conoscenza. (Estratto da comunicato stampa)

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"Ritratto" attribuito a Giorgione
Opera rientrata in Italia e poco conosciuta
www.letramedigiorgione.it

Danila Dal Pos, curatrice della mostra "Le trame di Giorgione", annuncia l'inserimento in mostra di un'opera che sicuramente farà discutere. "E' patrimonio di una importante collezione veneziana - annuncia la curatrice - ed è rientrata in Italia dopo essere stata in collezioni francesi e americane. Pur presente e citata in vari vecchi cataloghi e monografie su Giorgione, pochi hanno avuto modo di ammirarla in una mostra". "Sono convinta che questa mostra possa offrire -sottolinea la curatrice- l'occasione ideale per un confronto tra esperti di Giorgione e dell'arte veneta del primo Cinquecento, per giungere ad un serio approfondimento su questo dipinto che la tradizione attribuisce al Maestro di Castelfranco".

Si tratta di un prezioso, piccolo olio (cm.26,5x21,4) su cui, da tempo, gli studiosi si interrogano. Il quesito riguarda naturalmente la reale paternità del Ritratto di giovane, soggetto della tavoletta. Giorgione? Un artista della sua cerchia, Tiziano? Nessuno di questi? Per la mostra castellana, Augusto Gentili, che di Giorgione è uno dei maggiori studiosi, ha esaminato quest'opera, riservandole un particolare e curioso saggio in catalogo: potrebbe trattarsi di un lavoro giovanile di Giorgione, diremmo oggi di un Giorgione ancora alla ricerca della sua strada. Andando a ritroso nella storia di questo prezioso dipinto, Gentili risale agli anni '30 del secolo scorso, quando il Ritratto era presente in una importante collezione privata parigina. Già allora gli esperti si interrogavano su chi ne fosse l'autore e il nome di Giorgione venne più volte avanzato.

Retrocesso a prodotto "di cerchia" nelle monografie giorgionesche di Richter (1937) e Morassi (1942), il ritratto è infine esposto a Venezia alla mostra Giorgione e i giorgioneschi nel 1955. In catalogo, il curatore Zampetti ricorda i precedenti, pubblica una riproduzione - peraltro assai poco leggibile - dopo "il recente restauro" (affermando che questo "ha molto avvantaggiato la possibilità di riconoscere le buone qualità del dipinto") e informa che la tavoletta è ormai in collezione privata a New York. Il tutto senza sbilanciarsi nel giudizio e nell'attribuzione. "Quel che viene dopo - sottolinea Gentili - è ripetizione del già detto o già scritto, o memoria della mostra veneziana: anche perché a questo punto il Ritratto si eclissa per quasi mezzo secolo prima di ricomparire a sorpresa in laguna.

Gentili si spinge ad affermare che "l'incerto e spaurito ritratto potrebbe essere di Giorgione sui primissimi anni del Cinquecento: del Giorgione sperimentale, inventivo e innovativo di testa, ma ancora incerto e spaurito di mano, che qualsiasi catalogo dei possibili esordi accredita di una decina di opere drammaticamente diverse l'una dall'altra, e nessuna sicura più dell'altra". Si tratterebbe dunque dell'opera di un giovane Giorgione, teso a sperimentare e risperimentare per trovare la sua cifra stilistica: siamo probabilmente di fronte al punto di partenza di un percorso che avrà come traguardo il Ritratto Giustinian di Berlino. "Certezze assolute non ce ne sono ancora - spiega Danila Dal Pos - ma quest'opera si colloca a livelli molto alti e poterla finalmente ammirare da vicino, come si potrà fare in Casa di Giorgione, è un'occasione da non perdere". (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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A Jesi un nuovo Museo: il Museo Federico II Stupor Mundi
Museo multimediale per rivivere la storia che ha cambiato la Storia
www.federicosecondostupormundi.it

Nello storico Palazzo Ghislieri a Jesi, la città che ha dato i natali a Federico II di Svevia, inaugurato l'1 luglio il primo grande museo a lui dedicato, che riprende l'appellativo con cui veniva chiamato l'imperatore dai suoi contemporanei per affermare la sua inesauribile curiosità intellettuale. Il progetto è nato dalla volontà dell'imprenditore e presidente della Fondazione Federico II Stupor Mundi, Gennaro Pieralisi, di dedicare al grande Imperatore un luogo che potesse ripercorrerne la vita straordinaria, raccontare le sue imprese sia in politica che in cultura, e diffondere la conoscenza degli edifici, palazzi, castelli e vestigia, ancora conservati in Italia e in Europa.

Il Museo è stato realizzato con fondi privati e il contributo di Fondazione Marche in collaborazione con il Comune di Jesi, la Fondazione Cassa di Risparmio di Jesi, la Fondazione Federico II Hohenstaufen, la Fondazione Pergolesi Spontini e la Regione Marche. La curatela scientifica è stata affidata a Anna Laura Trombetti Budriesi, docente di Storia medievale all'Università degli Studi di Bologna, coadiuvata da Laura Pasquini e Tommaso Duranti, ricercatori presso il Dipartimento di Storia Culture Civiltà dello stesso ateneo. L'allestimento museografico è stato realizzato dalla società Volume S.r.L di Milano, capofila per questo progetto di un team di aziende quali Euphon, Studio'80, Castagna-Ravelli e Sydonia Production.

Il Museo Federico II Stupor Mundi sorge in una posizione unica al mondo: la stessa piazza dove il 26 dicembre 1194 Costanza d'Altavilla, sotto una tenda in mezzo al popolo, diede alla luce Federico II Hohenstaufen, futuro Re di Germania e di Sicilia e Imperatore del Sacro Romano Impero. Il ricordo della città natale rimase vivo nella memoria dell'Imperatore Svevo, come mostra la lettera inviata agli abitanti di Jesi nell'agosto 1239, nella quale la descrive come "nobile città della Marca, insigne principio della nostra vita, terra ove la nostra culla assurse a particolare splendore" e la definisce "la nostra Betlemme". La nascita di Federico II nella città marchigiana, ed i privilegi ad essa concessi dai suoi eredi, è alla base dell'antica definizione di "Jesi Città Regia".

Federico II di Hohenstaufen non fu solo un grande politico e condottiero, ma anche un personaggio di rara intelligenza, un fine intellettuale e studioso capace di anticipare i tempi. Si circondò di poeti eccelsi, con cui fondò la Scuola Poetica Siciliana, alla base della nascita della letteratura italiana; i suoi interessi per il sapere e la ricerca comprendevano anche i campi della medicina, dell'astronomia e della matematica, fu uomo di potere e uomo di cultura. Sedici sale tematiche, disposte su tre piani, che attraverso accurate ricostruzioni scenografiche e tridimensionali, installazioni multimediali e l'utilizzo di tecnologie di ultima generazione, come il video mapping e supporti touch-screen, costituiranno un vero e proprio viaggio immersivo e multisensoriale alla scoperta di Federico II di Svevia: la nascita e la storia dei suoi antenati; l'incoronazione come Imperatore nella medievale Basilica di San Pietro; il suo rapporto con i papi e la Chiesa; la Crociata in Terrasanta; le mogli e la discendenza; la sua passione per la falconeria (fu autore di un prezioso trattato ancora oggi attuale e modernissimo); il suo sconfinato interesse per le arti, le scienze e il sapere, che hanno contribuito a creare l'immagine di un mito che, per la prima volta, viene racchiusa in un unico luogo. (Comunicato ufficio stampa Flaminia Casucci)

Prima del nuovo numero di Kritik... / Iniziative culturali

Tutti in classe!
www.youtube.com/playlist?list=PL15B-32H5GlJRTfrCCc-ZlSRBJ0DRvP1K

Rassegna online di materiali d'archivio organizzata dall'Archivio Nazionale Cinema d'Impresa di Ivrea che è parte della Cineteca Nazionale. La playlist Tutti in classe, disponibile sul canale Youtube CinemaimpresaTV, racconta la scuola grazie ai tanti punti di vista offerti dai film conservati a Ivrea: dalle rigide scuole per allievi Fiat degli anni Sessanta, ai comunicati pubblicitari che invitano a l'acquisto di prodotti scolastici a prezzi popolari o di raffinate macchine da scrivere Olivetti. La rassegna online propone anche punti vista non aziendali, come i film di famiglia che immortalano il primogenito - di solito con la nascita del secondo figlio la cinepresa era già in soffitta - con grembiule e cartella o le gite scolastiche che inauguravano l'arrivo della primavera; e con due titoli della Documento Film: il primo, Seconda D, è un documentario parte di una serie diretta da Sergio Amidei e Luciano Emmer, il secondo, Giorno di Scuola, documenta con toni paternalistici il primo giorno di scuola in un paesino della Toscana nel 1954.

"Tutti in classe" termina con La scoperta della logica, diretto da Franco Taviani per Olivetti, il film descrive un esperimento didattico volto a insegnare agli alunni delle classi elementari la matematica con il sussidio del gioco e dell'osservazione del mondo reale, per arrivare a comprendere quali sono le tappe che portano i bambini alla scoperta della logica. Insomma, uno sguardo sulla scuola dagli anni Cinquanta agli anni Ottanta per ricordare il periodo della vita di ognuno in cui l'ansia per un compito in classe era il problema più grande che potevi avere. (Comunicato ufficio stampa Centro Sperimentale di Cinematografia)

___ Programma

- Seconda D (Basilio Franchina, 1951, 12')
- Giorno di scuola (Giorgio Ferroni, 1954, 10')
- La scuola allievi Fiat Giovanni Agnelli (Stefano Canzio, 1962, 14')
- Olivetti, Lettera 32 (Aristide Bosio, 1965, 1')
- Mi ricordo… I primi giorni di scuola (ca. 1965/1972, 1')
- Vieni alla Standa e guarda il prezzo (ca. 1970-1979, 1')
- La scuola comincia alla Standa (1977, 2')
- La scoperta della logica (Franco Taviani, 1970, 13')

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Turbo Diesel
Il Fritz d'argento 2020 assegnato ad Albert One
www.ruzzatorino.com

Ruzza Torino e PA74 Music promuovono l'omaggio ad Alberto Carpani a cui sarà dedicata la parata automobilistica 457 Experience del prossimo 31 Ottobre. "Turbo Diesel" è certamente uno dei brani musicali a tema motoristico più famosi, fenomeno di quella italo disco da esportazione di cui uno dei grandi interpreti è stato proprio Alberto Carpani - per tutti Albert One - spentosi lo scorso 11 Maggio. La positività e la genuinità dell'artista sono state alla base di quella sua personale carriera che lo ha portato poi una seconda volta alla ribalta mondiale con la più recente "Sing a song now now" ma sono anche gli elementi che hanno stimolato l'assegnazione del Fritz d'Argento 2020. Il premio è riservato alle personalità che brillano con gli elementi fondamentali della scuola motoristica torinese, condividendone lo spirito, e verrà assegnato ad Albert One con la motivazione:  Il brano "Turbo Diesel" ha rappresentato nel mondo musicale la stessa capacità di esportazione che ha avuto la scuola motoristica torinese, divenendo un cult mondiale al pari delle più iconiche automobili nate a Torino.

La più iconica di tutte le auto nate a Torino è certamente la FIAT 500, il cui appuntamento più atteso è fissato al prossimo 31 Ottobre, con la 457 Parade Experience, che porterà in passerella tutto il meglio di 500 dalla Palazzina di Caccia di Stupinigi sino al Milano Monza Motor Show. Con la regia di PA74 Music, una serie di approfondimenti radio presenteranno nelle prossime settimane l'iniziativa realizzata in collaborazione con Ruzza Torino. Anche Roberto Turatti (Storico produttore di Albert One e di tante altre icone della Italo Dance) e Fred Ventura, co-autori del mitico brano "Turbo Diesel", interverranno presentando aneddoti e curiosità della persona di Carpani e della genesi dei suoi successi principali.

Artista, disk-jockey e produttore, Albert One aveva conosciuto la ribalta mondiale e anche collaborato con le amatissime Raffaella Carrà, Heather Parisi e Lorella Cuccarini: si è spento la scorsa primavera a 64 anni, per una grave polmonite. In forma classica, il Fritz d'Argento viene assegnato come riproduzione in scala dell'elefante che animò gli eventi presso la Palazzina Reale di Stupinigi ed è in palio nel Gran Gala Ceirano - Trofeo del motorismo di origine torinese : in un calendario 2020 fortemente rivisitato in ragione dell'emergenza nazionale, il Fritz d'Argento verrà assegnato in forma dinamica, con il logo di Albert One affiancato ad un elefantino su tutte le vetture in parata. (Comunicato stampa Omar Ruzza - Ufficio stampa Ruzza Torino Professional)

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Marina Abramovic
7 Deaths of Maria Callas

September 2, 2020 (World premiere)
Bayerische Staatsoper - Munich
Performance dates: September 3, 5, 6

"For 25 years I have wanted to create a work dedicated to the life and art of Maria Callas. I had read all the biographies about her, listened to her extraordinary voice and watched film recordings of her performances. Like me she was a Sagittarius, I was always fascinated by her personality, her life - and her death. Like so many of the characters she portrayed on stage, she died for love. She died of a broken heart." These are the sentences Marina Abramovic wrote in her autobiography Walk through walls. At the Bayerische Staatsoper, the performance artist is now creating 7 Deaths of Maria Callas together with the young composer Marko Nikodijevic. Using famous Callas scenes from the operas Carmen, Tosca, Otello, Lucia di Lammermoor, Norma, Madama Butterfly and La traviata, Abramovic illuminates both the tragic fates of Callas' stage characters and the life story of the singer on stage, in the social limelight and as a private person. Abramovic is directing, designing the stage set and will be on stage herself. Music by Marko Nikodijevic and scenes of operas by Georges Bizet, Gaetano Donizetti, Giacomo Puccini and Giuseppe Verdi Film actor Willem Dafoe, Costumes by Riccardo Tisci. (Press release)

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Aqua Film Festival
5a edizione, 25-27 marzo 2021
Casa del Cinema di Roma
www.aquafilmfestival.org

La quinta edizione di Aqua Film Festival, vuole rappresentare, con lo strumento cinematografico e di documentazione, anche con diffusione on line, lo straordinario mondo dell'acqua nei suoi diversi valori e funzioni di utilizzo, per scoprire nuovi talenti cinematografici e la rinascita del cortometraggio. Si è deciso di spostare la 5° edizione di Aqua Film Festival al 2021 a causa le restrizioni di post emergenza sanitaria, dei posti seduti, nelle sale della Casa del Cinema e per l'impossibilità di invitare, come gli scorsi anni, gli studenti della Scuola del Pertini, dell' Università del Mediterraneo, dell'Istituto Rossellini e degli altri Istituti coinvolti. Direttore Artistico e fondatrice del Festival è Eleonora Vallone - pittrice, stilista, autrice, attrice di cinema, televisione e teatro, giornalista ed esperta di metodologie salutistiche in acqua.

La Giuria assegnerà il Premio "Sorella Aqua" per il Miglior Corto e il Premio "Sorella Aqua" per il Miglior Cortino. Sono, inoltre, previste Menzioni Speciali Trasversali che andranno ai corti o cortini girati anche da smartphone che meglio interpretano i seguenti sottotemi del Festival: Menzione speciale "Aqua & Ambiente" - miglior documentario e "Aqua & Isola" con tematica ambientata o ispirata da un'isola. Dalla scorsa edizione è inoltre istituita la sezione "Aqua & Thriller", aperta a corti o cortini di genere giallo, thriller, che attraverso l'utilizzo dell'acqua esprimano al meglio questa tematica. Novità di questa edizione, la sezione "Aqua & Arch", dedicata a progetti di bioarchitettura legati all'acqua e la sezione "Aqua Music" dedicata a video musicali con l'acqua protagonista. Durante la 5a edizione di Aqua Film Festival 2021 verranno, inoltre, annunciati i vincitori del concorso parallelo a quello ufficiale dedicato a scuole ed università Nazionali ed Internazionali, denominato "Aqua & Students". Il comitato artistico e scientifico è composto da figure del mondo dello spettacolo di consolidata esperienza.

Primo Festival Cinematografico dedicato al nostro elemento vitale, l'acqua, invita i vacanzieri a filmare col proprio smartphone un "cortino per la Vetrina Estate/ Autunno 2020". (Durata max 3 minuti). I migliori verranno scelti e pubblicati sul canale YouTube e in seguito proiettati durante il Festival. Queste attenzioni ai luoghi dove andiamo, riconducono a preservare la nostra salute che è quella dell'ambiente e del nostro primo elemento che è l'acqua, attraverso la lente dell'audiovisivo con le proiezioni del Concorso per un Cinema Internazionale.Un modo per valorizzare l'acqua non solo in chiave artistica e legata alla sua bellezza, ma anche per sollecitare i registi a denunciare i disastri legati alla poca attenzione verso l'importanza dell'acqua e l'ambiente. "Fratello mare, Amico Fiume, Caro Lago", è organizzata a scopo benefico dai volontari dell'Associazione Culturale no profit "Universi Aqua" e aperta a filmati corti o cortini realizzati con smartphone che denuncino, con reportage anche di pochi secondi o minuti, qualsiasi tipo di attività irresponsabile che provoca inquinamento del mare, dei fiumi o dei laghi.

Ricca la presenza di film, corti e documentari. La tragedia dell'acqua alta a Venezia è protagonista del reportage 'Omaggio a Venezia - AquaGranda', ma ci sarà spazio anche per il docufilm 'Mediterraneo Mare di Vita - The Director's cut' di Caterina Ponti, che sarà presentato fuori concorso. Una vera e propria 'nuotata' negli sconfinati, variopinti, multiformi abissi del Mar Mediterraneo, una poetica escursione subacquea in cui vengono svelati i suoi vari, curiosi, affascinanti e vitali abitanti. I protagonisti di questa pluripremiata esperienza visiva ed audio-fonica di "edutainment", la prima opera italiana di un nuovo format, sono suggestivi e straordinari acquanauti filmati da vicino nel loro habitat; un elogio alla vita che racconta, con approccio multi-disciplinare, il "Mare Nostrum".

I cortometraggi come sempre saranno variegati e toccheranno vari sotto-temi. In 'Il giorno più bello', di Valter d'Errico, l'acqua e un ristorante sul mare distolgono l'attenzione da una imminente violenza: Sonia è una ragazza di umili origini trasferitasi a Roma con le proprie speranze e progetti. L'incontro su un social network con il "principe azzurro" le cambierà per sempre la vita… Altro cortometraggio, 'Une chambre à moi' della regista e sceneggiatrice tunisina Manele Labidi, che ha come base il saggio di Virginia Woolf, Una stanza tutta per sé, ma sviluppato in chiave tragicomica. Il film sottolinea il gemellaggio tra AquaFilmFestival e il Festival dei Diritti Femminili & Cinema, che si tiene a Parigi, diretto da Mario Serenellini, con Ysè Brisson delegata generale.

Lo scorso dicembre, infatti, in occasione della seconda edizione del festival francese, AFF ha portato a Parigi due dei suoi corti scelti e premiati nelle precedenti edizioni, 'Grands Vents', di Nicolas Bellaïche e 'Rèsce la lune' di Giulia di Battista. Il festival avrà anche presentazioni di libri e incontri, come quello con il fisico Valerio Rossi Albertini, che dialogherà con il pubblico nell'ambito di "Cinema e Scienza: la parola all'esperto". L'acqua è uno degli elementi indispensabili affinché ad ognuno sia assicurato il diritto umano universale di avere "un tenore di vita sufficiente a garantire la salute e il benessere proprio e della sua famiglia" (art. 25, Dichiarazione universale dei diritti dell'uomo).

Importanti patrocini e partnership sposano il tema di Aqua Film Festival, tra questi la nuova collaborazione con FederPesca, il cui Presidente, Luigi Giannini, presenterà al festival importanti novità riguardo la pesca sostenibile e la difesa del mare. Quindi la novità dell'Istituto Svizzero a Roma, che contribuisce a estendere l'influenza culturale e accademica della Svizzera oltre i suoi confini. Novità e scambio anche con la Fondazione Italiana Bioarchitettura, con l'Anica, l'Associazione che rappresenta l'audiovisivo e valorizzazione del Cinema. Si può diventare anche un "aquasupporter" dando un sostegno e segno di solidarietà alla Associazione no profit Universi Aqua, che organizza e promuove attenzione e difesa dell'ambiente.

Sulla Terra ci sono circa 1,4 miliardi di km3 di acqua, di cui il 97% è contenuto negli oceani. Da essa dipende la storia dell'umanità e la stessa genesi scientifica della vita e, al pari dell'aria che respiriamo, essa costituisce la nostra principale fonte di sopravvivenza. L'importanza di questo elemento-madre assume innumerevoli forme e implicazioni e rappresenta un'asse portante e continuo nelle economie, negli equilibri sociali e nelle identità culturali del pianeta. Per questo l'Acqua rappresentata nel cinema ha un impatto più sensibilizzante che nella realtà e la sua missione di consapevolezza attraverso l'arte. (Estratto da comunicato ufficio stampa Reggi&Spizzichino Communication)

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Premio Internazionale alla Migliore Sceneggiatura "Sergio Amidei"
Gorizia, 39esima edizione, 16-26 luglio 2020
Parco Coronini Cronberg e Palazzo del Cinema - Hisa Filma
www.amidei.com | www.atemporarystudio.com | Locandina del Premio

* "Lontano lontano", per la sceneggiatura di Marco Pettenello e Gianni Di Gregorio, vince il 39° Premio Amidei

Dopo mesi di incertezza e costretti alla riprogrammazione di un'edizione che avrebbe dovuto accogliere a Gorizia prestigiosi interpreti del cinema e della sceneggiatura internazionali, il Premio Amidei fa sentire la sua voce nel palinsesto cinematografico annuale confermando un'edizione che se pur rimodellata nei contenuti e nel programma generale non tradisce la natura del Premio Amidei da sempre votata all'analisi della scrittura per il cinema. Organizzato dall'Associazione culturale "Sergio Amidei", dal Comune di Gorizia - Assessorato alla Cultura, dal Dams - Discipline dell'audiovisivo, dei media e dello spettacolo, Corso interateneo Università degli Studi di Udine e Trieste e dall'Associazione Palazzo del Cinema-Hiša Filma, il Premio "Sergio Amidei" 2020 si espande nel tempo frammentando la proposta in tanti appuntamenti che a partire da luglio animeranno la vita culturale della città isontina fino a inizio 2021.

Lontano lontano per la sceneggiatura di Marco Pettenello e Gianni Di Gregorio vince il 39° Premio internazionale alla migliore Sceneggiatura "Sergio Amidei" con la seguente motivazione speciale dettata dai recenti fatti legati all'emergenza sanitaria che hanno leso in maniera drammatica il mondo del cinema nella sua interezza. "Il 39° Premio Internazionale alla migliore Sceneggiatura 2020 viene assegnato a un film d'autore indipendente particolarmente penalizzato dalla situazione attuale, ma l'idea fondante di questa edizione è di premiare in modo simbolico tutto il cinema indipendente d'autore che sta vivendo momenti drammatici. L'autore che ritirerà il Premio alla miglior sceneggiatura rappresenterà quindi tutta la categoria degli autori cinematografici."

Tratto dall'omonimo racconto di Gianni Di Gregorio, il film è uno spaccato ironico e malinconico della vita dei pensionati a Trastevere. Lontano lontano narra la storia di tre settantenni romani, Attilio, Giorgetto e il Professore, che decidono d'un tratto che è il momento di cambiare radicalmente la loro vita di quartiere. Vorrebbero innanzitutto trasferirsi all'estero, e si organizzano per abbandonare tutto e partire, ma in realtà non sanno bene dove andare né cosa fare.

Marco Pettenello commenta così l'assegnazione del prestigioso Premio: "Il racconto di Gianni da cui siamo partiti per scrivere il film si chiama Poracciamente vivere, e raccontare i meno privilegiati è per noi un dovere a cui obbedire ridendo. Essere qui a rappresentare un settore in crisi ci viene quindi quasi naturale. E' un grande piacere per me venire premiato ancora una volta all'Amidei, l'unico premio dove gli sceneggiatori sono davvero al centro. Sentirsi dire bravi dai propri colleghi è la più bella delle soddisfazioni".

Attribuito ogni anno dalla giuria del Premio Amidei composta da prestigiose firme del cinema italiano - la sceneggiatrice Doriana Leondeff, i registi e sceneggiatori Francesco Bruni, Massimo Gaudioso e Francesco Munzi, il regista Marco Risi, la produttrice Silvia D'Amico e l'attrice Giovanna Ralli - il Premio alla Migliore Sceneggiatura rappresenta il riconoscimento alla sceneggiatura più originale e capace di sperimentare nuove formule narrative, attenta alla realtà sociale e ai temi emergenti del mondo contemporaneo. Le sette sceneggiature in concorso selezionate tra i titoli europei usciti nelle sale durante la stagione cinematografica 2019-2020 sono le seguenti (in ordine alfabetico): Hammamet, I miserabili, Lontano lontano, L'ufficiale e la spia, Martin Eden, Ritratto della giovane in fiamme, Sorry we missed you. Ad affiancare la proiezione dei film in concorso, l'Amidei Kids al suo debutto serale al Parco Coronini Cronberg con La famosa invasione degli orsi in Sicilia per la regia di Lorenzo Mattotti ispirato all'omonima storia che Dino Buzzati, uno dei più importanti autori della letteratura italiana del Novecento, scrisse e disegnò per il Corriere della Sera che la pubblicò a puntate nel 1945. La voce narrante è di Andrea Camilleri di cui il 17 luglio ricorre la scomparsa.

Un serata omaggio al grande scrittore attraverso una pellicola di animazione che ci ricorda come questa intensa forma d'arte sia capace di catalizzare attorno a sé nomi del cinema, della scrittura, illustratori e disegnatori di altissimo spessore. La 39a edizione del Premio Amidei proseguirà - dopo il lancio estivo - nel tardo autunno con una carrellata di mini rassegne, presentazioni di libri con proiezioni abbinate, incontri con gli autori e con i premiati delle prestigiose sezioni dedicate al Premio all'Opera d'Autore e al Premio alla Cultura Cinematografica. Attribuito a grandi autori che si sono cimentati nel cinema e nell'immagine, che hanno saputo distinguersi come artisti completi con una particolare attenzione nell'ambito della scrittura, della sceneggiatura e della narrazione il Premio Opera d'Autore 2020 sarà attribuito a Jean-Pierre e Luc Dardenne, registi e sceneggiatori belgi vincitori, tra gli altri premi, della Palma d'oro per il miglior film al Festival di Cannes con due opere, Rosetta (1999) e L'Enfant - Una storia d'amore (2005). I fratelli Dardenne saranno protagonisti di una tavola rotonda e di una retrospettiva di film e documentari.

Il Premio alla cultura cinematografica è il riconoscimento che il Premio Sergio Amidei attribuisce a personalità, enti e realtà della cultura che abbiano saputo ampliare, divulgare e condividere pubblicamente il sapere cinematografico attraverso diversi strumenti, dalla critica alla letteratura, dalla divulgazione scientifica fino al coinvolgimento popolare. Il Premio alla cultura cinematografica 2020 sarà attribuito a Walter Veltroni, che ha avuto un ruolo importante nella storia culturale italiana nell'ultimo trentennio nel ruolo di giornalista e regista. Con questi due importanti Premi si avvierà dunque la stagione autunnale del Premio Amidei in una sorta di progressivo avvicinamento all'importantissimo traguardo della 40esima edizione nel 2021, anno in cui ricorrono anche i 40anni dalla scomparsa di Sergio Amidei (14 aprile 1981). Informazioni e dettagli sugli appuntamenti autunnali dell'edizione diffusa del Premio Amidei 2020-2021 verranno comunicati a partire da settembre. (Comunicato ufficio stampa AtemporaryStudio)

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"Passeando"

Il 22 maggio è uscito il primo CD del gruppo musicale palermitano Alenfado. Il titolo portoghese Passeando, che vuole intenzionalmente e significativamente richiamare il termine siciliano Passiando (nonché lo spagnolo Paseando), evoca una passeggiata musicale attraverso il Portogallo, la Spagna, l'America Latina e la Sicilia. Dalle malinconiche atmosfere del fado dei quartieri di Lisbona si giunge alla scoperta di assonanze con le sonorità e le tematiche esistenziali e narrative di altre musiche popolari, quali la nostalgia, la lontananza e l'esilio di Fado triste, Meu fado meu e A chi vali unni nascisti, o le pene d'amore e il vittimismo di Com que voz, Algo contigo, Que nadie sepa mi sufrir, Fatum, Alfama, in un comune sentimento di fatalismo che permea tutti i brani e che talora si combina anche con sentimenti gioiosi e positivi, così come avviene nella vita reale.

Gli arrangiamenti e le orchestrazioni originali di tutti i brani sono di Toni Randazzo. Contiene dodici brani in lingua portoghese, spagnola e siciliana, tra cui due composizioni inedite, una delle quali con testo del giornalista e scrittore Daniele Billitteri. La registrazione è stata fatta nel "Recraft Studio" di Raffaele Pullara, che ha anche partecipato con la fisarmonica in tre tracce. (Comunicato stampa)

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TaorminaFilmFest
66esima edizione, 11-19 luglio 2020
www.taorminafilmfest.it | www.reggiespizzichino.com

Il TaorminaFilmFest si rinnova. Nella veste, nella forma e nella destinazione. Prodotto e organizzato da Videobank S.p.A. su concessione della Fondazione Taormina Arte Sicilia, con il patrocinio dell'Assessorato Regionale del Turismo, dello Sport e dello Spettacolo. Sono partner Sicilia Film Commission, Centro Sperimentale di Cinematografia, Università degli Studi di Catania, Università degli Studi di Messina, Università degli Studi Internazionali di Roma (Master di I livello in Traduzione e adattamento delle opere audiovisive e multimediali per il doppiaggio e il sottotitolaggio). Con la ferma volontà di osservare le precauzioni previste dai protocolli, anteponendo l'incolumità di pubblico e ospiti, il festival debutterà in un'inedita edizione online, in streaming su MYmovies, dall'11 al 19 luglio prossimo.

Quattordici opere prime o seconde nel Concorso principale, 12 documentari, 11 produzioni indipendenti europee e 4 eventi speciali. Riparte così da una Selezione Ufficiale di oltre 40 anteprime il 66° Taormina FilmFest, diretto da Leo Gullotta e Francesco Calogero. Nelle tre sezioni competitive la parità di genere tra i registi delle opere scelte - il 50% esatto degli autori è costituito da donne - la selezione della principale categoria competitiva si dipana intorno a Our Own di Jeanne Leblanc (Can, 2020), Critical Thinking di John Leguizamo (Usa, 2020), The Lunchroom di Ezequiel Radusky (Arg, 2019), The Cloud In Her Room di Xinyuan Zheng Lu (Chn/Hkg, 2020), The Alien di Nader Saeivar (Irn, 2020), Heart And Bones di Ben Lawrence (Aus, 2019), Oskar & Lilli - Where No One Knows Us di Arash T. Riahi (Aut, 2020), Jiyan di Suheyla Schwenk (Ger, 2019), Mother di Jure Pavlovic (Cro/Ser/Fra/Bih, 2019), Charter di Amanda Kernell (Sve, 2020), Uncle di Frelle Petersen (Dan 2019), A Thief's Daughter di Belen Funes (Spa, 2019), Perfumes di Grègory Magne (Fra, 2020) e Il Re Muore di Laura Angiulli (Ita, 2019).

La principale categoria competitiva sarà fruibile unicamente in sala presso il Palazzo dei Congressi di Taormina, la piattaforma offrirà un palinsesto alternativo realizzato in post-produzione, ricco di documenti video, immagini di archivio, suggestive riprese emozionali e interventi di ospiti, a parziale narrazione di un festival interamente virtuale. Le magnifiche immagini presentate nelle cartoline video della Sicilia e di Taormina, con il suo prestigioso festival cinematografico, saranno indiscusse protagoniste di un'innovativa operazione di promozione turistica e culturale che trasforma, adatta e ripensa - almeno in parte - l'audiovisivo e l'esperienza festivaliera alla grammatica e alle dinamiche della fruizione in streaming della sessantaseiesima edizione dell'evento.

Sarà l'anteprima italiana di Il était un petit navire (There Was A Little Ship) il titolo d'apertura della sessantaseiesima edizione: il film-testamento di Marion Hänsel è l'omaggio che Taormina e il suo festival cinematografico internazionale vogliono rendere alla filmografia di quattro decadi della produttrice, regista e attrice belga dopo la recentissima dipartita. E a farlo è proprio un diario di ricordi di vita e di cinema - tra Marsiglia, Anversa, Parigi, New York e le Fiandre - molto vicino ai film autoriflessivi di Agnès Varda e Chantal Akerman. Un saggio filmico-biografico, sincero e poetico.

Domenico Dolce e Stefano Gabbana scelgono ancora una volta il Maestro Giuseppe Tornatore per raccontare il loro incondizionato amore per la Bellezza attraverso l'occhio sapiente della sua cinepresa. Il rapporto di profonda amicizia e stima reciproca tra i due Stilisti e il regista premio Oscar - sempre presente nei momenti fra i più importanti della storia di Dolce&Gabbana e autore di spot memorabili - torna a intrecciarsi sul grande schermo dopo il cameo nella scena della corriera de L'uomo delle stelle (1995) e si concretizza nella realizzazione del film Devotion, con le musiche inedite di un altro grande premio Oscar, l'indimenticabile Maestro Ennio Morricone.

Il film presentato in anteprima assoluta il 18 luglio 2020 al Teatro Antico di Taormina, in una serata ospitata da Regione Siciliana, Taormina Film Fest e Fondazione Taormina Arte, con ospite d'onore Monica Bellucci e performance speciale de Il Volo. Devotion verrà poi proiettato in agosto in alcune tra le più belle piazze della Sicilia, nel contesto di un progetto culturale di ampio respiro di promozione artistica, folcloristica e enogastronomica, sotto la direzione creativa di Dolce&Gabbana e il patrocinio della Regione Siciliana.

Girata in gran parte nel cuore di Palermo e ai piedi del grande Duomo di Monreale - crocevia di culture e più volte ispirazione per le creazioni degli Stilisti grazie al suo sincretismo artistico - l'opera racconta l'infinito amore di Domenico Dolce e Stefano Gabbana per la Sicilia, fonte inesauribile della loro creatività, e l'instancabile passione per il loro lavoro: un intimo percorso alla scoperta di una dimensione autentica e lontana dai riflettori della moda. Un lavoro quotidiano completamente devoto al tocco umano, a quella Bellezza che le macchine, da sole, non riusciranno mai ad emulare. Un sentiero solcato da gioie, ripensamenti, geniali intuizioni e profondo rispetto per la tradizione.

È su questo percorso che si dipana il racconto del film, sotto lo sguardo attento della cinepresa e quello di misteriose figure che osservano curiose gli Stilisti a lavoro nelle sartorie, svelando rapporti di senso altrimenti impercettibili. Una narrazione in cui ritornano spesso, incalzanti, gli inconfondibili fregi e le scene delle gesta dei paladini dipinti sul carretto siciliano, umile mezzo di trasporto che tra le mani degli artigiani diventa opera d'arte ed epico racconto della storia dell'Isola. Un'immagine potente e un forte simbolo culturale, perfetto punto di incontro tra la Sicilia e Dolce&Gabbana. Da questo bacino di suggestioni gli Stilisti attingono a piene mani, intrecciandone gli elementi con altre culture, altri linguaggi, altre storie. Devotion è un'ode al sentimento di assoluta devozione di Domenico Dolce e Stefano Gabbana e all'universo unico di saperi ed emozioni racchiuso nelle loro creazioni.

Il 66° Taormina FilmFest festeggia i 50 anni di attività del grande autore della fotografia Vittorio Storaro, tre volte Premio Oscar, con il Cariddi d'oro alla Carriera. È trascorso quasi un ventennio dal 2001, quando una suggestiva eruzione dell'Etna ha accompagnato la proiezione al Teatro Antico dell'anteprima di Apocalypse Now Redux, presentata al pubblico festivaliero dal suo straordinario Autore della Fotografia. E dopo il debutto italiano di A Rose in Winter di Joshua Sinclair alla 65ª edizione, il festival diretto da Leo Gullotta con la Selezione diretta da Francesco Calogero - prodotto e organizzato da Videobank S.p.A. su concessione della Fondazione Taormina Arte Sicilia - si festeggiano gli ottant'anni di Vittorio Storaro e i primi cinquant'anni di attività del Maestro che per venticinque ha fregiato, con l'impareggiabile e sapiente potenza delle sue immagini, anche i film di Bernardo Bertolucci e quelli di Francis Ford Coppola, Warren Beatty, Carlos Saura e Woody Allen (Cafè Society, La Ruota delle Meraviglie e Un giorno di pioggia a New York).

La stella di Vittorio Storaro è una delle più luminose della cinematografia internazionale e ha scritto con la luce grandi successi italiani e planetari, conquistando ben tre Academy Awards per Apocalypse Now (1980), Reds (1982) e L'ultimo imperatore (1988). Storaro, insignito del Nastro d'oro, ha vinto, tra gli altri riconoscimenti, anche un BAFTA, un Grand prix tecnico a Cannes, un Premio Goya, un David di Donatello, sette Nastri d'argento e un Globo d'oro. Il 66° Taormina FilmFest lo vedrà protagonista della cerimonia di chiusura al Teatro Antico il 19 luglio prossimo, in occasione della quale riceverà il Cariddi d'Oro alla Carriera per aver illustrato l'arte cinematografica con l'insieme della sua opera e per aver saputo incarnare al meglio le esigenze espressive dei prestigiosi autori con i quali ha frequentemente collaborato, apportando un personale contributo tecnico ed estetico-figurativo alla creazione luministica dell'immagine sul grande schermo.

La cerimonia di chiusura dell'edizione, con la partecipazione dell'Orchestra Sinfonica Siciliana, vedrà protagonisti i vincitori del Concorso, con la consegna dei tradizionali premi Cariddi e Maschere di Polifemo oltre ai Taormina Arte Awards alla carriera. Ed eccezionalmente sarà proprio il Direttore artistico Leo Gullotta ad accompagnare l'affezionato pubblico dell'evento sia in occasione della serata sia nel percorso di un format quotidiano, destinato al web e allo streaming, che condurrà lo spettatore a casa in un viaggio ideale tra documenti video, inedite immagini di repertorio e interventi di ospiti, che racconteranno il festival di ieri e quello innovativo e parzialmente virtuale di oggi.

Dal 18 luglio al 18 ottobre, presso la Casa del Cinema di Taormina, sarà inoltre allestita la mostra fotografica "Le donne nel cinema" - realizzata in collaborazione con Fondazione CSC - Centro Sperimentale di Cinematografia e Fondazione Taormina Arte Sicilia - che presenta numerose immagini femminili tratte da alcune dei film più famosi e amati della storia del cinema italiano, tutte provenienti dall'Archivio Fotografico della Cineteca Nazionale. Radio Monte Carlo è radio ufficiale della manifestazione. Tra i media partner dell'evento anche Eurovision, Società Editrice Sud (Giornale di Sicilia/Gazzetta del Sud), La Sicilia Multimedia e MYmovies.it. Hotel Metropole Taormina è l'Hotel ufficiale della manifestazione. (Comunicato ufficio stampa Reggi&Spizzichino Communication)

PREMI 2020

_ Concorso Lungometraggi
La Giuria, composta dall'attrice Emmanuelle Seigner (anche Presidente di Giuria), dal regista Mimmo Calopresti, dalla produttrice Ingrid Lill Hogtun, dal produttore Antonio Pérez Pérez e dall'attrice Joana Preiss ha così deliberato:

- Cariddi d'Oro per il Miglior Film
Un film rigoroso ma allo stesso tempo ironico e commovente, una grande regia che trasforma la vita di un piccolo mondo in un racconto universale, con uno sguardo visionario e poetico, e una padronanza assoluta del grande linguaggio cinematografico. Il Cariddi d'oro per il miglior film va a Onkel di Frelle Petersen (Danimarca).

- Cariddi d'Argento per la Migliore Regia
Una storia appassionante e travolgente, con uno svolgimento sorprendente per un racconto di realismo sociale, interpretato da un grande cast, con un montaggio serrato e una fotografia eccellente, nonché una musica e un suono eccezionale. Il Cariddi d'Argento per la miglior regia va a Charter di Amanda Kernell (Svezia).

- Menzione Speciale della Giuria
La Giuria ha deciso di assegnare una menzione speciale a La hija de un ladron di Belèn Funes (Spagna), un'opera prima moderna, di grande potenza, con la direzione di un gruppo di attori straordinari, che racconta la battaglia per la sopravvivenza economica e affettiva quotidiana.

- Maschera di Polifemo per la Migliore Attrice
Un'interpretazione raffinata, capace di coinvolgere progressivamente lo spettatore fino a fargli accettare un personaggio di una donna qualsiasi, anche un po' distante dalla vita, che alla fine rivelerà tutta la sua umanità permettendo al pubblico di esserne partecipe. La Maschera di Polifemo per la migliore attrice va a Daria Lorenci per il film Mater di Jure Pavlovic (Croazia).

- Maschera di Polifemo per il Migliore Attore
Con un grande carisma, poche parole e pochi gesti, un'interpretazione che riesce ad esprimere una forte sensibilità civile e umana, che racconta perfettamente le contraddizioni di un paese profondamente ferito. La Maschera di Polifemo per il miglior attore va a Bakhtiyar Panjeei per il film Namo /The Alien di Nader Saeivar (Iran).

_ Giuria Documentari

La giuria Documentari, presieduta dal regista Goran Devic e composta dal regista Antonio Falduto e dal regista Christian Bisceglia ha decretato Miglior film del Concorso Documentari Paradise Without People di Francesca Trianni (" Per l'impegno e la capacità nel catturare con un linguaggio efficace e sincero il momento in cui i sogni diventano illusioni e le illusioni realtà. Il premio per il miglior documentario va a un film intimo e minimalista. È un film che segue due giovani famiglie di rifugiati, che consentono alla regia di rendere visibile tutta la loro sofferenza e la complessità dello sradicamento sociale e culturale causato dalla guerra". La Giuria ha deciso di assegnare una menzione speciale al film My dear mother, di Paul-Anders Simma (Finlandia) "Per la forza descrittiva con cui compone il ritratto di due adolescenti segnato dal dramma dell'abbandono e tuttavia capaci di superarlo in un viaggio risolutivo nel proprio passato e nelle radici di una intera comunità".

_ Concorso IndiEuropea

La Giuria giovanile per la sezione "Indieuropea" composta dagli studenti del Master TeA dell'Università degli Studi Internazionali di Roma- UNINT: Vittoria Cardone, Ludovica Coroniti, Sofia Gamba, Laura Gramegna, Walter Lancellotti, Serenella Priore, Giulia Romano, Dorotea Theodoli, Elisa Vetrano e dalle supervisor Elisa Pinci e Martina Losardo, ha così deliberato:

Premio per il Miglior Film va a Maria Solinha di Ignacio Vilar Per aver rappresentato un tema così attuale come quello della repressione della libertà femminile attraverso un uso coinvolgente, innovativo e ricercato della meta-narrazione.

Premio per il Miglior Attore protagonista va a Ruscen Vidinliev nel film 18% Grey, per un'interpretazione delicatamente intimista che accompagna il pubblico alla scoperta di un viaggio di crescita e di riscatto.

Premio per la Migliore Attrice Protagonista va a Astrid Bergès-Frisbey nel film L'Autre, per aver interpretato in modo realistico e sentito il dolore e il tormento della perdita, coinvolgendo lo spettatore in un percorso introspettivo e onirico.

_ Menzioni

Per essere riuscito a raccontare le contraddizioni e le sofferenze di un territorio occupato in una realtà politica attuale poco conosciuta ma incredibilmente vicina, una menzione a The forgotten di Daria Onyshchenko.

Per il modo originale e dinamico in cui musica, teatro, letteratura e animazione riescono a descrivere un periodo storico di forte censura e persecuzione artistica in Russia, una menzione speciale a The nose or the cospiracy of Mavericks di Andrey Khrzhanovsky.

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Premi del Taormina Film Fest 2019
Presentazione

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Semestre di presidenza tedesca del Consiglio dell'UE
Il Goethe-Institut presenta il programma culturale Europeo

Dal 1° luglio la Repubblica Federale Tedesca assume la presidenza del Consiglio dell'UE e inaugura una serie di eventi culturali all'insegna della sfera pubblica e della solidarietà in Europa. In tutte le sedi europee del Goethe-Institut, tra le quali quelle in Italia, si terranno eventi e manifestazioni live e digitali. Il programma del Goethe-Institut è dedicato alla eterogeneità dell'Europa e spazia dal confronto tra le generazioni, i dibattiti sull'intelligenza artificiale o sulla libertà, ai concorsi di idee e installazioni artistiche.

Presentazione

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_resetfestival 2020
12esima edizione, 05-10 ottobre 2020
Off Topic - Torino
www.resetfestival.it

Festival prodotto da The Goodness Factory e dedicato all'innovazione musicale, alla musica emergente indipendente e alla formazione, allo scouting, alla sperimentazione e al networking in campo musicale.

Tre sezioni:
1) _reHUB. 4 progetti artistici per 4 giorni di accelerazione creativa con i professionisti del settore. Il laboratorio è rivolto a coloro che desiderano produrre un disco e che hanno già scritto una canzone su cui lavorare con _reHUB.
2) Per coloro che hanno un disco pronto (o quasi) e vorrebbero farlo ascolta- re agli addetti ai lavori. Saranno selezionati 10 progetti artistici che parteciperanno alle attività formative di _reset e avrannno la possibilità di esibirsi sul palco del Festival.
3) Per 10 progetti artistici che hanno già all'attivo dei dischi e vogliono farsi conoscere e proporre la propria musica agli addetti ai lavori. (Estratto da comunicato stampa)

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Sport Film Festival

La 40esima edizione della rassegna dedicata all'audiovisivo a tema sportivo si è svolta Palermo dal 20 al 26 gennaio 2020. Ogni anno la Commissione cinematografica composta da giornalisti, critici, personalità del mondo sportivo, dell'arte e spettacolo, realizza una selezione di film di genere sportivo, nel quadro della promozione dei valori dello Sport. L'SFF presenta un programma in cui, oltre alle proiezioni dei film selezionati (al cinema Multisala di Palermo), prevede convegni e incontri con i produttori.

Una delle novità della rassegna siciliana, diretta da Roberto Oddo e organizzata dal Centro di Comunicazione Visiva, è la partecipazione alla competizione di film e documentari dedicati agli E-Sport, ovvero i videogiochi e gli sport realizzati attraverso dispositivi elettronici. Durante la rassegna è stata allestita la mostra "Cinema e sport" che attraverso una documentazione video-fotografica ed editoriale ha rappresentato la storia dello Sport Film Festival. L'edizione di quest'anno, che ha raggiunto un record nelle presenze internazionali, è stata gemellata con il Premio Massimo Troisi. In ricordo di Massimo Troisi è stato proiettato il film Il Postino. Enzo Decaro, attore che ha iniziato la carriera artistica nel trio "La Smorfia" - insieme con Massimo Troisi e Lello Arena - ha ricevuto il Premio alla Carriera.

Alla conclusione di una selezione tra 495 film in concorso tra lungometraggi, cortometraggi, film dedicati al calcio e allo sport paralimpico prodotti tra il 2016 e il 2019, provenienti da 54 Stati, sono stati assegnati i Premi - il Paladino d'Oro - in varie categorie, durante una cerimonia svolta al al teatro Politeama di Palermo.

Premi Paladino d'Oro

- Miglior Lungometraggio: Butterfly (Italia)
- Migliore Regia: Benjamin Best Sorry Game (Germania)
- Miglior Documentario: She Is Ocean (Russia)
- Miglior Cortometraggio: 8 (Usa)
- Miglior Fiction: The Buzz (Ungheria)
- Migliore Sceneggiatura Aimone's Dreams (Italia)
- Miglior Film Calcistico: The Making Of: José Mourinho (Inghilterra)
- Miglior Film Straniero: Reflecting Ice (Finlandia)
- Miglior Film Paralimpico: 10km/h (Canada)
- Migliore Fotografia: The Botton Turn (Inghilterra)
- Migliore Colonna Sonora: Mission 8 (Germania)
- Miglior Montaggio: L'ingegnere dei record (Italia)
- Migliore E-Sport: To Win it all (Usa)
- Premio del Pubblico ("Social Award"): Take tour Mark Banu (India)
- Premio "School Award": Road to the Final (Inghilterra)

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Premi del Taormina Film Fest 2019
www.taorminafilmfest.it

Si è conclusa la 65a edizione del Taormina Film Fest, che, con 78 film in programma in rappresentanza di 24 differenti Paesi, ha riscosso un grande successo di pubblico e critica. Un Festival vincente anche sui social, con 400mila visualizzazioni che riguardano solo la settimana della kermesse fino alla serata di venerdì. La sessantacinquesima edizione del Taormina Film Fest, che ha visto la presenza di star internazionali quali Nicole Kidman, Octavia Spencer, Julia Ormond, Oliver Stone, Peter Greenaway, Phillip Noyce e Richard Dreyfuss, è prodotta e organizzata da Videobank, con la direzione artistica di Silvia Bizio e Gianvito Casadonte.

Al festival la Apple ha annunciato il proprio ingresso ufficiale in un festival internazionale, presentando la sua nuova serie drammatica Truth Be Told, creata da Nichelle Tramble e ispirata dal romanzo di Kathleen Barber e ha presentato il documentario The Elephant Queen, diretto da Mark Deeble e Victoria Stone e il film Hala, diretto da Minhal Baig per la produzione esecutiva di Jada Pinkett Smith. La giuria lungometraggi, composta da Oliver Stone, André Aciman, Carlo Siliotto, Paolo Genovese, Elisa Bonora, Carolina Crescentini e Julia Ormond ha decretato come vincitori:

- Premio Cariddi d'Oro per il Miglior Film: Show Me What You Got, di Svetlana Cvetko
- Premio Cariddi d'Argento per la Miglior Regia: Minhal Baig per Hala
- Premio Cariddi d'Argento per la Miglior Sceneggiatura: Picciridda, scritto da Paolo Licata con la collaborazione di Ugo Chiti e basato sul romanzo di Catena Fiorello
- Premio Maschera di Polifemo per il Miglior Attore: Jarrid Geduld per il film Ellen: die storie van Ellen Pakkies
- Premio Maschera di Polifemo per la Miglior Attrice: Jill Levenberg per il film Ellen: die storie van Ellen Pakkies
- Menzioni Speciali: "Nello spirito delle giovani donne viste in Hala, Show me what you got, Picciridda, This Teacher, Vai, In the life of Music e Azali vorremmo onorare le interpretazioni di Marta Castiglia e Lucia Sardo nel film Picciridda".

La giuria documentari composta da: Donatella Finocchiaro, Bedonna Smith, Andrea Pallaoro e Patrizia Chen assegna il Premio Cariddi.

- Premio Miglior Documentario a One Child Nation diretto da Nanfu Wang e Jialing Zhang. Sottolinea la giuria "un film che ci ha commosso profondamente per la sua onestà e per il suo impegno a dare luce su un momento buio nella storia che continua ad avere impatto sulla vita di miliardi di persone intorno al mondo oggi".

- Menzioni Speciali a Patma Tungpuchayakul per Ghost Fleet e a Andrea Crosta per Sea of Shadows. La motivazione della giuria recita: "due personaggi che abbiamo incontrato nei film che abbiamo visto e che hanno toccato i nostri cuori come eroi, avendo messo la loro vita in pericolo e rischiando tutto per difendere l'umanità e il futuro del pianeta".

Gli altri premi:

- Premio Videobank a Guja Jelo e a Maria Incudine
- Premio Angelo D'Arrigo a Oliver Stone
- Premio del Festival a Luca Josi, Executive Vice President, Brand Strategy, Media & Multimedia Entertainment di Tim Vision "per il significativo contributo che ha dato al cinema in Italia con le sue pubblicità collegate all'immaginario filmico".
- Premio Wella a Maria Grazia Cucinotta
- Menzione Speciale Taormina Film Fest al corto Il giorno più bello, scritto e diretto da Valter d'Errico e prodotto da Jo Champa.
- Premio Center Stage Competition per il Miglior Film della giuria di studenti delle università di Catania e Messina, coadiuvato da studenti internazionali a Spiral Farm, di Alec Tibaldi, con Piper De Palma
- Premio Center Stage Competition Miglior Regia a Julia Butler per Slipaway
- Premio Special Air Italy per un giovane emergente siciliano a Marta Castiglia per la sua interpretazione in Picciridda

Nel corso di questi giorni hanno ricevuto il Taormina Arte Award: Bruce Beresford, Nicole Kidman, Phillip Noyce, Fulvio Lucisano, Peter Greenaway e Octavia Spencer, oltre a Martha Coolidge, Julia Ormond e Alessandro Haber e Dominique Sanda che lo hanno ricevuto nel corso della cerimonia finale. Il Festival, che quest'anno ha visto come madrina l'attrice e modella spagnola Rocío Muñoz Morales è stato presentato, nelle serate al Teatro Antico, dalla conduttrice e attrice Carolina Di Domenico, prodotto e organizzato per il secondo anno consecutivo da Videobank, in collaborazione con la Fondazione Taormina Arte (sostenuta dall'Assessorato regionale al Turismo e dal Comune di Taormina), con la direzione artistica di Silvia Bizio e Gianvito Casadonte. (Comunicato ufficio stampa Reggi&Spizzichino Communication)

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Premio Tenco 2018 al cantautore Adamo
20 ottobre 2018
Teatro Ariston di Sanremo 

L'edizione 2018 del Premio Tenco è stat dedicata al tema "Migrans - Uomini, idee, musica" e il cantautore Adamo incarna lo spirito di chi, partendo dall'Italia, ha portato canzoni e cultura oltre confine. Nell'ambito dell'edizione Premio Tenco 2018, il cantautore Adamo sarà insignito del prestigioso Premio e si esibirà sul palco del Teatro Ariston, a dieci anni dal suo ultimo live italiano. Nella prolifica produzione di Adamo emerge un messaggio universale per "Questo mondo che ha male", dove povertà, sete di potere, stupidità umana e mancanza di comunicazione, tradiscono una carenza d'amore. Per lui, "Il futuro non esiste", perché la fede nell'avvenire resta nelle nostre mani.

Adamo attualmente è impegnato nella preparazione di un nuovo album (uscita prevista nel 2019) con brani di grandi autori italiani, prodotto da Dino Vitola, a cui seguirà una tournée nazionale ed internazionale, che riporterà Adamo nel suo paese di origine, l'Italia. La passione per la musica e una qualità vocale tinta di emozioni hanno fatto di Salvatore Adamo (1943) uno dei cantautori poeticamente e commercialmente più riusciti in Europa e nel mondo. Salvatore Adamo, primo di sette fratelli, è migrato in Belgio a Ghlin-Jemappes (Mons) dalla città di Comiso (Sicilia) nel 1947 con i suoi genitori all'età di tre anni. Ragazzo timido e gentile, inizia il cammino verso il successo in un concorso indetto da radio Lussemburgo, presenta la canzone "Si J'osais" con la quale il 14 febbraio 1960 fa il suo esordio radiofonico e successivamente vince la finale a Parigi.

L'album di debutto - Adamo '63/'64 - con "Tombe La Neige" e "Vous Permettez, Monsieur?" lo trasforma in una celebrità mondiale. La passione per la musica e le qualità artistiche lo hanno reso una delle stelle più grandi nel mondo musicale in lingua francese. Impone la sua musica senza tempo, passando dall'Europa, dall'America del Sud e del Nord, dal Medio Oriente, dall'Africa, dall'Asia per arrivare al Giappone. E' stato ai primi posti nelle Hit-Parade in più di cinquanta nazioni. Della canzone "Tombe la neige" (oltre ad essere stata per 72 settimane al primo posto in Giappone) esistono più di ottocento versioni in giro per il mondo, delle quali cinquecento nel solo Giappone. Nel corso della sua carriera ha composto più di cinquecento canzoni (parole e musica), pubblicato Venticinque Album studio (in Francia) e venduto più di 100 milioni di dischi, vinto ventidue Dischi d'Oro (quelli da 1 milione di dischi cadauno) entrando così di diritto nell'albo dei migliori cantanti di tutti i tempi. (Comunicato Ufficio stampa Alessandra Placidi)

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Fermo-immagine del cantautore Adamo dal film Les Arnaud

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Il diario di Angela. Noi due cineasti
un film di Yervant Gianikian
alla 75esima Mostra Internazionale di Arte Cinematografica di Venezia

Ogni giorno, da sempre, Angela tiene un diario, scritto e disegnato: fatti pubblici, privati, incontri, letture, tutto vi viene registrato. Anche il rapporto di due viaggi in Russia, 1989-1990. Cadeva l'URSS. Diario su librini cinesi, sin da prima di Dal Polo all'Equatore (1986), del nostro ininterrotto lavoro sulla violenza del 900. Dai nostri tour negli Stati Uniti con i "Film Profumati" di fine anni '70, all'Anthology Film Archive di New York, al Berkeley Pacific Film Archive... Rileggo ora questi diari e rivedo il film-diario di tutti questi anni, sono rimasto da solo, dopo molti anni di vita e di lavoro d'arte insieme. L'ho portata sulle Alpi Orientali che amava e dove insieme camminavamo.

Angela rivive per me nelle sue parole scritte a mano, con calligrafia leggera, che accompagnano i suoi disegni, gli acquarelli, i rotoli lunghi decine di metri. Guardo i nostri film privati, dimenticati. Registrazioni che stanno dietro al nostro lavoro di rilettura e risignificazione dell'archivio cinematografico documentario. La vita di ogni giorno, fatta di cose semplici, le persone vicine che ci accompagnano, la ricerca nel mondo dei materiali d'archivio, un viaggio in Armenia sovietica con l'attore Walter Chiari. Testimonianze che nel corso del tempo abbiamo raccolto. E' il mio ricordo di Angela, della nostra vita. Rileggo questi quaderni e ne scopro altri a me sconosciuti. (...) Rivedere l'insieme dei quaderni del Diario infinito di Angela e lo sguardo all'indietro dei nostri film privati, che accompagnano la nostra ricerca. Il mio disperato tentativo di riportarla al mio fianco, di farla rivivere, la continuazione del nostro lavoro come missione attraverso i suoi quaderni e disegni, una sorta di mappa per l'agire ora, che ne contiene le linee direttrici e ne prevede la continuazione. Angela ed io abbiamo predisposto nuovi importanti progetti da compiere. La promessa, il giuramento, di continuare l'opera. (Yervant Gianikian)

Angela Ricci Lucchi è nata a Ravenna nel 1942. Ha studiato pittura a Salisburgo con Oskar Kokoschka. E' scomparsa lo scorso 28 febbraio a Milano. Yervant Gianikian ha studiato architettura a Venezia, già dalla metà degli anni '70 si dedica al cinema, l'incontro con Angela Ricci Lucchi segnerà il suo percorso artistico e privato. I film di Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi sono stati presentati nei più importanti festival internazionali, da Cannes a Venezia, da Toronto alla Berlinale, da Rotterdam a Torino alle Giornate del Cinema Muto. Retrospettive della loro opera sono state ospitate nelle maggiori cineteche del mondo (dalla Cinémathèque Française alla Filmoteca Española, dalla Cinemateca Portuguesa al Pacific Film Archive di Berkeley) e in musei come il MoMA di New York, la Tate Modern di Londra e il Centre Pompidou di Parigi.

Tra i luoghi che hanno ospitato le loro installazioni, citiamo almeno la Biennale di Venezia, la Fondation Cartier Pour l'Art Contemporain di Parigi, la Fundacio "La Caixa" di Barcellona, il Centro Andaluz de Arte Contemporaneo di Siviglia, il Mart di Rovereto, il Witte de With Museum di Rotterdam, il Fabric Workshop and Museum di Philadelphia, il Palais des Beaux-Arts di Bruxelles, il Museo d'Arte Contemporanea di Chicago, l'Hangar Bicocca di Milano, Documenta 14 a Kassel. (Comunicato stampa Lara Facco)

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Il diario di Angela. Noi due cineasti
by Yervant Gianikian
at 75th Venice International Film Festival

Angela always kept a diary, writing and drawing in it every day: public events, private matters, people she had met and things she had read, everything was noted down. Even accounts of two trips to Russia, 1989-1990. Just when the USSR was crumbling. A diary about little Chinese books, even from before Dal Polo all'Equatore (1986) and our continuous work on 20th-century violence. From our tours around the United States with "Perfumed Films" in the late 1970s to the Anthology Film Archive of New York and Berkeley Pacific Film Archive. As I reread these diaries and visualise a film-diary covering all those years, I am now on my own after living and working together on art projects for so many years. I took her with me to the eastern Alps she once loved so much and where we used to go walking together. Angela comes back to life for me in her handwritten words and soft handwriting accompanying her drawings, watercolours, rolls and rolls of film measuring dozens of metres in length.

I watch our private, forgotten films. Recordings that lie behind our work on reinterpreting and re-evaluating the documentary film archive. Everyday life made up of just ordinary things, the people who were close to us, our research in the world of archive materials, a trip to Soviet Armenia with the actor Walter Chiari. Memorabilia we collected down the years. These are my recollections of Angela and our life together. As I reread these notebooks I discover others I knew nothing about. (...) Looking back over all the notebooks composing Angela's endless Diary and taking another look back at those private films of ours accompanying our research work. My desperate attempt to have her back at my side again, to bring her back to life, so that we can carry on our work together as our purpose and mission in life, through her notebooks and drawings, a sort of map of what I now need to do, containing all the guidelines and how I should continue. Angela and I have made plans for important new projects together. A promise, a pledge, to continue our work. (Yervant Gianikian)

Angela Ricci Lucchi was born in Ravenna in 1942. She studied painting in Salzburg with Oskar Kokoschka. She passed away on 28th February in Milan. Yervant Gianikian studied architecture in Venice before deciding to focus on film in the mid-1970s. Meeting Angela Ricci Lucchi was a turning point in both her artistic career and private life. Yervant Gianikian and Angela Ricci Lucchi's films have been shown at the most important international film festivals, including Cannes, Venice, Toronto, the Berlinale, Rotterdam, Turin and the 'Giornate del Cinema Muto' (silent film festival). Retrospectives of their work have been hosted at some of the world's most important film archives (i.e. Cinémathèque Française, Filmoteca Española, Cinemateca Portuguesa and Pacific Film Archive in Berkeley) and in museums like MoMA in New York, the Tate Modern in London and Pompidou Centre in Paris.

Among those places that have hosted their installations, it is at least worth mentioning the Venice Biennial, Fondation Cartier Pour l'Art Contemporain in Paris, Fundacio "La Caixa" in Barcelona, Centro Andaluz de Arte Contemporaneo in Seville, the Mart in Rovereto, Witte de With Museum in Rotterdam, Fabric Workshop and Museum in Philadelphia, Palais des Beaux-Arts in Brussels, the Contemporary Art Museum in Chicago, Hangar Bicocca in Milan, and Documenta 14 in Kassel. (Press release)

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Oltreconfine
www.goethe.de/italia/oltreconfine

Cosa sappiamo della vita che ci si lascia alle spalle in fuga da una guerra? Cosa conosciamo di chi decide di mollare tutto, casa, amici e affetti per arrivare in un luogo in cui ogni cosa è estranea, ostile? Da oggi è online una Webserie in sei episodi girata tra i Balcani, la Germania e l'Italia, in cui sei giovani registi raccontano sei storie di partenze, viaggi e arrivi oltreconfine. La serie è stata prodotta dal Goethe-Institut in Italia che ha selezionato le idee di tre studenti della dffb (Deutsche Film- und Fernsehakademie) di Berlino e tre del Centro Sperimentale di Cinematografia di Palermo. I film sono stati scritti e girati grazie alla collaborazione di due tutor autorevoli, Andres Veiel a Berlino e Stefano Savona a Palermo, entrambi registi e documentaristi premiati nell'ambito di prestigiosi festival.

Le sei storie sono l'occasione per entrare nelle vite di altrettanti protagonisti che, per motivi e in momenti storici diversi tra loro, hanno attraversato i confini del proprio paese e della propria vita. Le sei storie sono Houzayfa's Items di Carlotta Berti, Virginia Nardelli e Alessandro Drudi, Mangoes grow in Winter di Benedetta Valabrega e Claudia Mastroroberto, Filthy Maddening Race di Luca Capponi e Alessandro Drudi, 175 km di Borbála Nagy, Historia Magistra Vitae di Tamara Erbe e Sans Sommeil di Sarah Yona Zweig. (Comunicato Ufficio Stampa e Relazioni Esterne Goethe-Institut Rom)

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Il Paese dei Festival
I Festival come motori culturali sul territorio italiano

Al Goethe-Institut Palermo un incontro dei festival culturali italiani
www.goethe.de/palermo

I rappresentanti di otto festival culturali italiani si sono dati appuntamento a Palermo. Motivo dell'incontro un invito del Goethe-Institut, che ha promosso un progetto d'eccellenza creato ad hoc proprio per loro. Si tratta di "Il Paese dei Festival", un percorso finalizzato a mettere a confronto chi si occupa di festival culturali nel Sud della penisola, ovvero creare un momento di scambio e approfondimento attraverso tre incontri, di cui il primo si è appena concluso e i prossimi due si terranno nel 2018. "Obiettivo del progetto - spiega Heidi Sciacchitano, direttrice del Goethe-Institut Palermo - è quello di proporre ai partecipanti di affrontare un percorso comune di training professionale che stimolerà i direttori e i rappresentanti di otto festival a sperimentare un metodo di gestione coerente, sostenibile, internazionale e di alta qualità. In ciò ci avvarremo della consulenza e preparazione nella formazione di esperti e professionisti del settore, tra cui la Fondazione Fitzcarraldo di Torino."

Nell'incontro appena tenuto, i rappresentanti dei festival hanno affrontato in tre giorni di workshop il tema della progettazione culturale tra territori e sostenibilità. Al Goethe-Institut di Palermo sono arrivati gli organizzatori di:

.. Cufù Festival (Castrofilippo - Agrigento)
.. Eruzioni Festival (Ercolano - Napoli)
.. Festival della Letteratura Mediterranea (Lucera - Foggia)
.. La Digestion (Napoli)
.. L'Isola delle Storie, Festival letterario di Gavoi (Gavoi - Nuoro)
.. MainOFF, Congresso delle musiche e delle arti elettroniche indipendenti (Palermo)
.. Sicilia Queer Filmfest (Palermo)
.. Valdemone Festival (Pollina - Palermo)

"Sono stati giorni intensi e meravigliosi per il nostro Festival - scrive su Facebook Maria Del Vecchio, direttrice organizzativa del Festival della Letteratura Mediterranea di Lucera (Foggia). Abbiamo condiviso progetti, visioni, sorrisi, problemi, fatiche e ancora sorrisi. Il confronto è motivo certo di crescita e motore di scelta. Esiste un esercito di persone che crede che la cultura possa mutare le sorti dei nostri territori, del nostro Sud. Lontano dalla retorica e dalle lamentele: fare e costruire, edificare, progettare con passione. Condividere questa scelta, che a volte ci sembra una dannazione, ci fa sentire più forti, più convinti e felici."

A guidare gli incontri è stata la Fondazione Fitzcarraldo, un centro indipendente che svolge attività di progettazione, ricerca, formazione e documentazione sul management, l'economia e le politiche della cultura, delle arti e dei media. Gli esiti degli incontri e dei workshop saranno resi pubblici dal Goethe-Institut attraverso una pubblicazione bilingue italiana e tedesca, che sarà realizzata e messa a disposizione di altri festival e soggetti interessati. I prossimi incontri si terranno a marzo 2018 con analisi dei pubblici e strategie di audience development, e settembre 2018 con strategie di fundraising. Il Paese dei Festival - I Festival come motori culturali sul territorio italiano gode del patrocinio della Città di Palermo - Assessorato alla Cultura, e della Regione Sicilia - Assessorato al Turismo, Sport e Spettacolo - Ufficio Speciale Sicilia Film Commission / Ufficio Speciale per il Cinema e l'Audiovisivo. (Comunicato stampa - novembre 2017)

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"La memoria dell'altro"
Proiezione della versione restaurata

Nella cornice della mostra veneziana dedicata a Lyda Borelli, primadonna del Novecento (01 settembre - 15 novembre 2017), allestita a Palazzo Cini a cura di Maria Ida Biggi, direttrice dell'Istituto per il Teatro e il Melodramma, la proiezione, il 10 novembre presso l'Aula Magna dell'Ateneo Veneto, di La memoria dell'altro (1913), opera rara ed emblematicamente rappresentativa del temperamento e dell'arte della grande diva. Il film è stato restaurato per l'occasione dal CSC - Cineteca Nazionale in collaborazione con l'Istituto per il Teatro e il Melodramma - Fondazione Giorgio Cini e con il sostegno degli eredi di Lyda Borelli.

La proiezione è accompagnata da musica dal vivo a cura della pianista Cinzia Gangarella e preceduta da una conferenza introduttiva, con interventi di Maria Ida Biggi, direttrice dell'Istituto per il Teatro e il Melodramma, Daniela Currò, conservatrice della Cineteca Nazionale della Fondazione Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma, e Angela Dalle Vacche, docente di Storia del Cinema presso il Georgia Institute of Technology di Atlanta. Il film ripropone il sodalizio di Lyda Borelli con Mario Bonnard e Vittorio Rossi Pianelli, rispettivamente nei ruoli dell'amante tragico e dell'innamorato respinto, già sperimentata con grande successo in Ma l'amor mio non muore! realizzato sempre nel 1913 dalla Film Artistica "Gloria", per la regia di Mario Caserini, film canonico del genere "diva film" italiano.

La memoria dell'altro è un dramma passionale e tragico, che si incentra sul personaggio emancipato e anticonformista di Lyda, aviatrice acclamata, guidatrice di automobile, danzatrice formidabile, ma anche donna appassionata e sensuale, fatalmente travolta da un sentimento che la conduce all'estremo delle sue possibilità e della sua volontà. Sono memorabili i voli aerei, preceduti dalla preparazione meticolosa dell'aviatrice e e seguiti da un pubblico festante; altrettanto notevoli sono gli esterni veneziani, su cui il racconto indugia, facendo muovere i protagonisti tra magnifici scenari, tra arrivi spettacolari in vaporetto, approdi in gondola e passeggiate da Grand Tour in Piazza San Marco.

La memoria dell'altro

Regia di Alberto Degli Abbati, 1913, 79';
Produzione: Film Artistica "Gloria", Torino;
Visto censura: n. 2084 del 24 dicembre 1913;
Lunghezza originale: 1650/2000 metri (sei parti);
Soggetto: baronessa De Rege;
Fotografia: Angelo Scalenghe;
Personaggi e interpreti: Mario Bonnard (Mario Alberti), Lyda Borelli (l'aviatrice Lyda), Felice Metellio (il giornalista), Letizia Quaranta (Cesarina), Emilio Petacci, Vittorio Rossi Pianelli (il principe di Sèvre).

Sinossi: La bella aviatrice Lyda respinge l'assidua corte del principe di Sèvre e s'innamora del giornalista Mario Alberti che, nonostante sia fidanzato con Cesarina, accetta l'invito di Lyda a raggiungerla a casa sua. Insospettita, Cesarina segue Mario e lo sorprende in una scena d'amore con la giovane. Approfittando di una breve assenza di Lyda, Cesarina riesce a sottrarre alla rivale Mario, convincendolo a lasciarla. Abbandonata, Lyda si concede all'amore del principe di Sèvre. Ma la donna non riesce a dimenticare Mario. Qualche tempo dopo, mentre la coppia si trova a Venezia, Lyda rincontra Mario in un teatro: colti dalla passione riaccesa, i due fuggono a Parigi per vivere il loro amore. Ma la felicità viene troppo presto guastata da una malattia che costringe Mario a letto per lunghi mesi. La miseria spinge Lyda a cercare aiuto: lo trova presso un gruppo di apaches generosi che rimangono conquistati nel vederla danzare. Il ritorno a casa però è amaro: Mario è morto. Disperata, anche Lyda si ammala e muore in una triste corsia d'ospedale dopo aver richiamato per l'ultima volta alla memoria l'immagine del suo amato Mario. (dalla scheda di Marco Grifo in Enciclopedia del Cinema in Piemonte)

Il film è stato restaurato a partire da un duplicato negativo safety b/n con didascalie italiane conservato dal CSC - Cineteca Nazionale, stampato nel 1977 da una copia nitrato d'epoca, attualmente non più conservata. Ad oggi questo duplicato costituisce l'unico testimone del film, con l'unica eccezione di un frammento di circa 200 metri conservato dalla Filmoteca Española di Madrid, un positivo nitrato con didascalie spagnole e colorazioni per imbibizione, relativo al finale del film. Rispetto a una lunghezza originale che le filmografie moderne ricostruiscono tra i 1650 e i 2000 metri, corrispondenti a una suddivisione in sei parti, il duplicato italiano ha una lunghezza di 1484 metri: risulta quindi incompleto, oltre che in gran parte privo dell'originaria suddivisione in atti (con eccezione della didascalia che introduce il I Atto).

Tuttavia le lacune, concentrate entro la prima metà del film, non incidono particolarmente nella comprensione generale della trama. Il duplicato negativo d'archivio è stato digitalizzato a risoluzione 2k e sono stati eseguiti interventi di stabilizzazione e di restauro digitale dell'immagine, con la rimozione dei difetti più evidenti, rimasti "fotografati" sul duplicato dalla copia nitrato originale, come righe, macchie, spuntinature, strappi. Si è cercato di non eccedere con l'intervento di pulizia mantenendolo entro i limiti della giusta fruibilità, tenendo conto del fatto che, in ogni caso, il materiale di partenza è rappresentato da un duplicato di tarda generazione.

Sulla base di questo stesso criterio è stata eseguita la color correction, con la finalità di uniformare il tono fotografico, scegliendo di mantenere il bianco e nero del duplicato negativo di partenza, senza tentare una restituzione delle colorazioni originarie. Si è ritenuto, infatti, che il campione di confronto rappresentato dal frammento della Filmoteca Española non fosse sufficientemente rappresentativo per una ricostruzione per congettura delle colorazioni dell'intero film. Le lavorazioni sono state eseguite interamente a cura del CSC - Cineteca Nazionale nell'estate - autunno 2017. (Comunicato Susanna Zirizzotti - Ufficio Stampa, Comunicazione, Editoria Centro Sperimentale di Cinematografia (Scuola Nazionale di Cinema - Cineteca Nazionale))

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FeliCittà
Un ritratto acustico di Palermo

www.goethe.de/felicitta

Se la felicità ha un suono, qual è? Qual è il suono o il rumore di Palermo che rende felici? Il duo artistico Katharina Bihler e Stefan Scheib raccontano Palermo attraverso i suoi suoni e le testimonianze dei suoi cittadini, per scoprire che uno degli elementi fondamentali della sua felicità è la musica. I podcast sono ascoltabili online. Il duo Liquid Penguin, ovvero Katharina Bihler e Stefan Scheib, hanno ricercato lo scorso anno i suoni della felicità in Italia, Paese nel quale da sempre i tedeschi immaginano che la felicità sia di casa. Voci e musica, il vivace rumoreggiare di una città, il silenzio, la tranquillità, ma soprattutto il mare, sono le fonti di felicità più ricorrenti che i Liquid Penguin hanno trovato a Trieste, Roma, Napoli e Palermo durante il loro "Viaggio in Italia" nell'ambito del progetto "Felicittà" del Goethe-Institut Italien.

Il ritratto di Palermo è ora online sul sito del Goethe-Institut. Su è possibile ascoltare, preferibilmente in cuffia, i 70 podcast realizzati a partire da quasi 100 ore di registrazioni. Il capoluogo siciliano viene raccontato attraverso le orecchie di artisti e personalità importanti che hanno svelato i luoghi che per loro rappresentano la felicità. L'ensemble Liquid Penguin, composto dalla autrice Katharina Bihler e dal compositore Stefan Scheib, lavora dal 1996 nel campo di musica contemporanea, arte sonora e radiodrammi. Per le loro opere gli artisti hanno ricevuto numerosi premi come il "Deutscher Hörspielpreis", il premio per il miglior radiodramma e altri. (Comunicato stampa)

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«In bocca al lupo»
Racconto di Sasha Marianna Salzmann ispirato alla città di Palermo

"Hausbesuch - Ospiti a casa", progetto del Goethe-Institut, ha portato la scrittrice, curatrice e drammaturga tedesca Sasha Marianna Salzmann a Palermo, ospite in casa dei palermitani. Da questa esperienza è nato il racconto ispirato al capoluogo siciliano In bocca al lupo.

Sasha Marianna Salzmann (Volgograd - ex Unione Sovietica, 1985) attualmente è autrice in residenza del teatro Maxim Gorki di Berlino, ben noto per le sue messe in scena dedicate alla post-migrazione. La sua pièce teatrale Muttermale Fenster blau ha vinto nel 2012 il Kleist Förderpreis. Nel 2013 il premio del pubblico delle Giornate Teatrali di Mülheim (Mülheimer Theatertage) è stato assegnato all'opera teatrale Muttersprache Mameloschn che affronta tre generazioni di tedeschi ebrei. Sasha Marianna Salzmann è famosa per i suoi ritratti umoristici dedicati a tematiche politiche. Il suo racconto In bocca al lupo è stato scritto durante il suo soggiorno nel capoluogo siciliano nel luglio 2016 per il progetto "Hausbesuch - Ospiti a casa" del Goethe-Institut. Tradotto in cinque lingue, farà parte di un e-book che uscirà in primavera e che il Goethe-Institut presenterà alla Fiera del Libro di Lipsia. (Comunicato Goethe-Institut Palermo)

Racconto scaricabile alla pagina seguente

Pagina dedicata al soggiorno palermitano di Sasha Marianna Salzmann, con videointervista

"7 domande a Sasha Marianna Salzmann e Tucké Royale"

Informazioni sul progetto "Ospiti a casa" e sugli altri "ospiti"

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"Giallo Kubrick": Le Ultime Cento Ore

Alla Biblioteca "Luigi Chiarini" del Centro Sperimentale di Cinematografia a Roma è conservata una sceneggiatura dattiloscritta del 1964 intitolata Le Ultime Cento Ore, attribuita a Stanley Kubrick, della quale non esiste traccia in nessuna monografia, filmografia, studio. Si tratta di una copia di deposito legale catalogata nei primi anni '90. Il primo a sollevare dei dubbi sull'autenticità del copione fu Tullio Kezich nel 1999 sollevando un gran polverone sulla stampa nazionale, quello che venne definito il "giallo Kubrick" rimase irrisolto fino ad oggi. Grazie alla passione di uno studioso kubrickiano, Filippo Ulivieri, che non si è accontentato di come la questione fosse stata accantonata. Sono state ricostruite le vicende e individuati gli autori, finalmente Filippo Ulivieri ha reso noto il resoconto e come sono stati risolti i relativi misteri del "giallo Kubrick". (Comunicato Susanna Zirizzotti - Ufficio Comunicazione/stampa e archivio storico Centro Sperimentale di Cinematografia-Scuola Nazionale di Cinema)

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"Basta muoversi di più in bicicletta per ridurre la CO2"
Nuovo studio dell'European Cyclists' Federation sulle potenzialità della mobilità ciclistica nelle politiche UE di riduzione delle emissioni di gas climalteranti entro il 2050

Le elevate riduzioni delle emissioni dei gas serra previste dalla UE sono sotto esame: quest'anno i progressi e i risultati effettivi sembrano non raggiungere gli obiettivi fissati dalla stessa Unione Europea. Recenti rapporti sulle tendenze nel settore dei trasporti europei mostrano che la UE non riuscirà a ottenere la riduzione delle emissioni dei mezzi di trasporto del 60% tra il 1990 e il 2050 affidandosi alla sola tecnologia. Un interessante approccio all'argomento è messo in luce da un recente studio effettuato dall'European Cyclists' Federation (ECF), che ha quantificato il risparmio di emissioni delle due ruote rispetto ad altri mezzi di trasporto.

Anche tenendo conto della produzione, della manutenzione e del carburante del ciclista, le emissioni prodotte dalle biciclette sono oltre 10 volte inferiori a quelle derivanti dalle autovetture. Confrontando automobili, autobus, biciclette elettriche e biciclette normali, l'ECF ha studiato che l'uso più diffuso della bicicletta può aiutare la UE a raggiungere gli obiettivi di riduzione dei gas serra nel settore trasporti, previsti entro il 2050. Secondo lo studio, se i cittadini della UE dovessero utilizzare la bicicletta tanto quanto i Danesi nel corso del 2000, (una media di 2,6km al giorno), la UE conseguirebbe più di un quarto delle riduzioni delle emissioni previste per il comparto mobilità.

"Basta percorrere in bici 5 km al giorno, invece che con mezzi a motore, per raggiungere il 50% degli obiettivi proposti in materia di riduzione delle emissioni", osserva l'autore Benoit Blondel, dell'Ufficio ECF per l'ambiente e le politiche della salute. Che aggiunge: "Il potenziale di raggiungimento di tali obiettivi per le biciclette è enorme con uno sforzo economico assolutamente esiguo: mettere sui pedali un maggior numero di persone è molto meno costoso che mettere su strada flotte di auto elettriche". Lo studio ha altresì ribadito la recente valutazione da parte dell'Agenzia europea dell'ambiente, secondo la quale i soli miglioramenti tecnologici e l'efficienza dei carburanti non consentiranno alla UE di raggiungere il proprio obiettivo di ridurre del 60% le emissioni provenienti dai trasporti. (Estratto da comunicato stampa FIAB - Federazione Italiana Amici della Bicicletta)

Prima del nuovo numero di Kritik... / Libri

Prefazioni e recensioni di Ninni Radicini

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Presentazione libri da Comunicato case editrici / autori

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Ennio Cervi. I disegni, la pittura
Franco Rosso Editore, pgg. 234, € 25,00

Presentazione volume
23 settembre 2020, ore 17.30
Circolo della Stampa di Trieste

Il volume riassume, attraverso numerosi testi e oltre 200 foto riprese dai fotografi Ennio Demarin e Gianni Mohor, più di settant'anni dell'attività di Cervi e rappresenta una memoria storica molto dettagliata dell'evoluzione del linguaggio artistico dell'architetto e pittore triestino dagli esordi, avvenuti a fine anni Quaranta, a oggi. L'architetto Marianna Accerboni, ideatrice e curatrice dell'incontro, presenta la monografia.

Presentazione

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Carlo Invernizzi
Impercettibili nientità. Poesie 1950-2017
a cura di Massimo Donà

* Il volume è stato presentato il 6 settembre 2020 nel Palazzo delle Paure di Lecco

Nel volume è raccolta per la prima volta l'intera opera poetica di Carlo Invernizzi (Milano 1932-2018). Il libro contiene anche una sezione antologica in cui sono pubblicati saggi dedicati alla poesia e alla visione poetico-filosofica di Invernizzi, e uno short film del regista Francesco Castellani, Carlo Invernizzi. La voce del poeta (2020), accessibile tramite il sito de La nave di Teseo.

«Dall'inizio degli anni Sessanta sino alla sua scomparsa nel 2018, la poesia di Carlo Invernizzi si è fatta sempre più radicale, sino a trasformarsi in un vero e proprio "corpo a corpo" con l'impossibile. Le sue parole non descrivono, e neppure hanno mai voluto farsi mera testimonianza di uno stato d'animo; esse indicano piuttosto la lucida consapevolezza del fatto che ogni sforzo poetico sarà vano, ma nello stesso tempo assolutamente necessario. Sì, perché la realtà è per lui tutta espressione di quella Natura Naturans che sta prima di ogni distinzione concettuale; prima, cioè, della divisione tra essere e nulla.» (Massimo Donà).

La Natura Naturans è quel «tuttuno di fantasiapensiero e cosa di cui l'uomo è coscienza intrinseca, non componente estraneo che vuole dominarla e deturparla» (Invernizzi). Questa concezione è riflessa dalla poesia in cui il "pensieroimmagineparola" rimanda al "tuttoniente" delle cose, rispetto alle quali esso non vuole, né può, essere altro". La raccolta dell'intera opera di Invernizzi manifesta in modo particolarmente incisivo l'unitarietà della visione poetico-filosofica della Natura Naturans lungo tutto l'arco della sua produzione, che ha per luogo insieme fisico e mentale Morterone, definito dal poeta suo «luogo di radici, soglia ingermino d'immagini metafore» del suo «fare poesia». Proprio a Morterone veniva firmato nel 1996 il manifesto Tromboloide e disquariata, steso dal poeta con i pittori Gianni Asdrubali, Bruno Querci e Nelio Sonego a cui è seguita nel 1999 la mostra Tromboloide e disquarciata. Natura Naturans presso i Musei Civici di Villa Manzoni a Lecco, dopo essere stata presentata nel 1997 presso il Centro Espositivo della Rocca Paolina di Perugia, la Galleria Nothburga di Innsbruck e il Museo Rabalderhaus di Schwaz.

La stessa concezione è dal 1986 alla base delle attività della Associazione Culturale Amici di Morterone, e ha condotto alla creazione del Museo d'Arte Contemporanea all'Aperto di Morterone. Il Museo, costituito da oltre trenta opere installate nella natura incontaminata, abbelisce il territorio morteronese rendendolo un autentico segnale poetico. Il rapporto del poeta con Morterone costituisce anche un momento saliente dello short film realizzato da Francesco Castellani, che lo presenterà in questa occasione. Seguiranno interventi di Tommaso Trini, scrittore e critico d'arte contemporanea, che parlerà del mondo poetico di Invernizzi, di Massimo Donà, musicista jazz, filosofo e Professore ordinario di Filosofia teoretica presso l'Università Vita-Salute San Raffaele di Milano, che ha curato il volume, e Davide Mogetta, collaboratore del Centro Studi Carlo Invernizzi, che parlerà di alcuni temi che uniscono la poesia alla visione poetico-filosofica della Natura Naturans. (Comunicato stampa)

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Il calzolaio dei sogni
di Salvatore Ferragamo, ed. Electa, pag. 240, oltre 60 illustrazioni in b/n, in edizione in italiano, inglese e francese, 24 euro, settembre 2020

Esce per Electa una nuova edizione, con una veste grafica ricercata, dell'autobiografia di Salvatore Ferragamo (1898-1960), pubblicata per la prima volta in inglese nel 1957 da George G. Harrap & Co., Londra. Salvatore Ferragamo si racconta in prima persona - la narrazione è quasi fiabesca - ripercorrendo l'avventura della sua vita, ricca di genio e di intuito: da apprendista ciabattino a Bonito, un vero "cul-de-sac" in provincia di Avellino, a calzolaio delle stelle di Hollywood (le sue calzature vestirono, tra le altre celebrità, Marilyn Monroe, Audrey Hepburn, Sofia Loren e Greta Garbo), dalla lavorazione artigianale fino all'inarrestabile ascesa imprenditoriale.

Il volume - corredato da un ricco apparato fotografico e disponibile anche in versione e-book e, a seguire, audiolibro - ha ispirato il film di Luca Guadagnino "Salvatore - Shoemaker of Dreams", Fuori Concorso alla 77esima Mostra del Cinema di Venezia: la narrazione autobiografica diventa un lungometraggio documentario che delinea non solo l'itinerario artistico di Ferragamo, ma anche il suo percorso umano, attraverso l'Italia e l'America, due mondi che s'intrecciano fortemente. (Comunicato stampa)

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Federico Patellani, Stromboli 1949
ed. Humboldt Books

Il libro è stato presentato il 30 giugno 2020
www.mufoco.org

Il Museo del Cinema di Stromboli e il Museo di Fotografia Contemporanea presentano il libro in una diretta (canali YouTube e Facebook del Mufoco) che vedrà intervenire Alberto Bougleux, Giovanna Calvenzi, Emiliano Morreale, Aldo Patellani e Alberto Saibene. La pubblicazione è introdotta dalle parole della lettera con cui Ingrid Bergman si presenta a Roberto Rossellini: "Caro Signor Rossellini, ho visto i suoi film Roma città aperta e Paisà e li ho apprezzati moltissimo. Se ha bisogno di un'attrice svedese che parla inglese molto bene, che non ha dimenticato il suo tedesco, non si fa quasi capire in francese, e in italiano sa dire solo 'ti amo', sono pronta a venire in Italia per lavorare con lei". Rossellini, dopo aver ricevuto questa lettera da Ingrid Bergman, allora una delle massime stelle hollywoodiane, la coinvolge nel progetto che diventerà il film Stromboli, terra di Dio (1950), ma ancor prima del film è la storia d'amore tra il regista romano e l'attrice svedese a riempire le cronache di giornali e rotocalchi.

Federico Patellani, uno dei migliori fotografi dell'epoca, si reca sull'isola eoliana: le sue fotografie fanno il giro del mondo, perché non documentano solo la realizzazione del film, ma anche le condizioni di vita degli abitanti e la forza degli elementi. Dall'archivio Patellani, presso il Museo di Fotografia Contemporanea, sono emerse le fotografie che aiutano a ricostruire nella sua integrità quella celebre storia. (Comunicato stampa)

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La nascita del Partito popolare a Trino tra cattolicesimo sociale, movimento socialista e reducismo
di Bruno Ferrarotti
www.storia900bivc.it

Il volume «offre un'attraente panoramica su questioni fondamentali per la comprensione delle vicende che hanno caratterizzato la fine dell'Ottocento e il primo Novecento, fino alla soglia dell'avvento del fascismo. Ancora una volta seguendo l'autore è possibile passare agilmente dalla dimensione nazionale a quella locale e comprendere gli stretti collegamenti tra la politica generale e la sua traduzione nell'orizzonte più contenuto, ma non meno significativo, della comunità locale. Al centro dell'attenzione la nascita del Partito popolare, nato per raccogliere i consensi dell'elettorato cattolico, con uno statuto ispirato alla dottrina sociale cristiana, che alla prima prova elettorale, nel novembre 1919, con soli dieci mesi di attività raccolse oltre il 20 per cento di voti.

La ricostruzione di Ferrarotti della fitta rete di iniziative sociali, economiche e culturali messe in atto dal mondo cattolico trinese in contrapposizione all'azione socialista, consente di avere piena consapevolezza che l'irruzione sulla scena politica del Partito popolare sia stato l'esito non di un progetto politico estemporaneo, ma il prodotto di una lunga gestazione, dopo la stagione del non expedit e le progressive ma parziali aperture, limitate alla dimensione amministrativa» (dalla prefazione di Enrico Pagano). Libro nella collana "Studi trinesi" edito dal Comune di Trino in collaborazione con l'Istituto per la storia della Resistenza e della società contemporanea nel Biellese, nel Vercellese e in Valsesia.

Bruno Ferrarotti è autore e coautore di pubblicazioni scientifiche nonché saggi e monografie di storia politica, religiosa, sociale ed ambientale della comunità trinese e del suo circondario. In collaborazione con l'Istituto, oltre al volume qui presentato, ha pubblicato, sempre nella collana "Studi trinesi", il volume Trino 1948. Cronaca di un conflitto politico annunciato, che arricchisce la storia del Novecento trinese di un nuovo e interessante capitolo sulla transizione istituzionale e politica degli anni compresi fra il 1946 e il 1948. (Comunicato stampa)

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I cento anni di Alberto Sordi
Un libro e un numero di "Bianco e nero" editi dal Centro Sperimentale di Cinematografia e da Edizioni Sabinae
www.fondazionecsc.it

Il 15 giugno Alberto Sordi compie cent'anni. È il terzo grande del cinema italiano del quale, in questo 2020, si celebra il centenario. Il 20 gennaio è toccato a Federico Fellini, che di Sordi è stato grande amico (e con il quale ha girato due capolavori, Lo sceicco bianco e I vitelloni). Il 16 marzo è stata la volta di Tonino Guerra, poeta e sceneggiatore, amico e collaboratore di Fellini. Il 31 luglio sarà invece il centesimo compleanno di Franca Valeri, che è sempre viva e attiva e ha collaborato con Sordi in film divertentissimi quali Piccola posta, Il segno di Venere e Il vedovo.

Il Centro Sperimentale di Cinematografia - Cineteca Nazionale è in prima fila nel festeggiare questi importanti anniversari. E in occasione del centenario di Sordi, vuole ricordare due preziose pubblicazioni dedicate al grande attore, edite assieme a Edizioni Sabinae. La prima, in ordine di tempo, è stata il numero 592 della rivista "Bianco e nero", intitolato Sordi segreto e curato da Alberto Anile. Costruito con un lungo lavoro di ricerca fra i materiali del Fondo Alberto Sordi, di proprietà della Fondazione omonima e conservati presso la Cineteca Nazionale, il numero getta luce su molti progetti non realizzati del grande attore: dal film su Henry Kissinger al sogno di un Don Chisciotte e Sancho Panza in coppia con Vittorio Gassman. La seconda, uscita nei primi giorni del 2020, è il volume Alberto Sordi sempre di Alberto Anile, con una prefazione di Carlo Verdone (membro del CDA del Centro Sperimentale) e un'introduzione di Felice Laudadio, Presidente del CSC. Entrambe le pubblicazioni sono in vendita in libreria, e sono acquistabili online.

.. Alberto Sordi
di Alberto Anile, prefazione di Carlo Verdone, introduzione di Felice Laudadio, CSC / Edizioni Sabinae, 2020, cartonato, illustrato, Euro 30,00
In vendita in libreria e online: www.amazon.it/Alberto-Sordi-Anile/dp/B084QLPB6C
Versione digitale: digital.casalini.it/9791280023063

.. Sordi segreto
Numero monografico della rivista "Bianco e Nero" (592), CSC / Edizioni Sabinae, brossura, illustrato, Euro 16,00 (Comunicato stampa)

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La nuova serie delle rivista «Critica d'Arte»
www.fondazioneragghianti.it | www.lelettere.it

Nel 2019 si è chiusa l'ottava ed è partita la nona serie di «Critica d'Arte», una delle riviste di storia dell'arte più longeve d'Italia, creata nel 1935 da Carlo Ludovico Ragghianti con Ranuccio Bianchi Bandinelli. Questo passaggio consegue a fatti istituzionali importanti, verificatisi nel corso del 2018: l'esaurirsi dell'attività fiorentina dell'Università Internazionale dell'Arte, già proprietaria della testata, e il trasferimento di gran parte del suo patrimonio culturale e documentario alla Fondazione Ragghianti hanno condotto anche «Critica d'Arte» nel più generale àmbito dell'attività e dell'indirizzo culturale dell'istituzione lucchese creata nel 1981 da Carlo Ludovico Ragghianti e da Licia Collobi, e a loro intitolata.

La nuova serie della rivista, pubblicata in coedizione dalle Edizioni Fondazione Ragghianti Studi sull'arte e dall'Editoriale Le Lettere, mantiene il formato della precedente, ma ha introdotto un assetto e un'articolazione in parte differenti, anche con l'adozione di norme redazionali e di referaggio più perentorie. Fedele alla linea indicata da Carlo Ludovico Ragghianti, accoglie contributi di storia dell'arte dalla preistoria fino al contemporaneo, di storia della critica d'arte, architettura, design, museologia, restauro e cinema, in due formati: per la sezione Saggi testi lunghi e di ampio respiro; per la sezione Note articoli brevi per puntuali precisazioni o messe a fuoco di tipo filologico. La rivista inoltre accoglie, nella sezione Osservatorio, interventi su temi di politica e attualità culturale, universitaria, tutela del patrimonio etc., mentre la sezione Biblioteca è dedicata a recensioni di libri e cataloghi. Il Comitato scientifico è stato ampliato e reso ancor più prestigioso e internazionale. A esso si affianca un Comitato editoriale, con funzioni operative e d'indirizzo.

«Critica d'Arte» è una rivista aperta, e lancia una call for papers permanente per sollecitare l'invio di contributi da parte degli studiosi interessati, secondo la programmatica apertura d'interessi che fu peculiare di Carlo Ludovico Ragghianti. Si accettano contributi in italiano, inglese, francese e spagnolo. Le proposte di saggi e testi - di carattere esclusivamente scientifico - possono essere inviate all'attenzione del Comitato editoriale della rivista sotto forma di abstract, corredate da nome e cognome, qualifica e afferenza dello scrivente. Il Comitato editoriale vaglierà le proposte pervenute mano a mano che arriveranno, accettandole o meno e destinandole al primo numero disponibile. Tutti i testi che appaiono nella rivista sono sottoposti al vaglio preventivo del Direttore e del Comitato editoriale, che svolge anche funzioni operative e di indirizzo. I testi della sezione Saggi e della sezione Note sono sottoposti a double-blind peer review. (Comunicato Lucia Crespi - Ufficio Stampa Fondazione Ragghianti)

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Catalogo Sartori d'Arte Moderna e Contemporanea 2020
a cura di Arianna Sartori, ed. Archivio Sartori Editore, formato cm.30,5x21,5, pp. 176, con 389 illustrazioni a colori, € 70,00

* Il volume è stato presentato il 16 febbraio 2020 nella Chiesa "Madonna della Vittoria" di Mantova
Locandina

Relatori: Arianna Sartori curatrice del catalogo, Roberto Pedrazzoli pittore e docente di discipline artistiche, Gianfranco Ferlisi critico d'arte
Presentazione con il Patrocinio di: Comune di Mantova, Amici di Palazzo Te e dei Musei Mantovani, Fondazione Le Pescherie di Giulio Romano

Mi piace riflettere sul colore per le sue specificità; ieri dopo l'intervento di un imbianchino che ha ripreso con il colore una macchia sul muro... ho toccato il pennello del colore e mi sono sporcata... Ecco questo mi ha colpito! Mi ha colpito proprio l'affermazione del mi sono sporcata, l'uso di questa parola di per sé così esplicitamente negativa... In mano mia i colori diventano oggetto di titubanza e motivo di disturbo... in mano agli artisti, pittori, scultori, ceramisti, invece, acquistano una valenza completamente diversa, origine di piacere gestuale prima, e visivo poi, infinito.

Il linguaggio verbale è incapace di definire l'esperienza della percezione del colore. Un artista parla attraverso i colori che diventano il suo linguaggio. Potere e autonomia del colore. Ma cosa significa per un artista scegliere un colore? Come sceglierlo? Andare verso un colore e comprenderne il significato, attuarne scelte emotive o razionali o per un gusto estetico, usare anche un colore in alternativa ad un altro in accordo e in armonia, ci portano all'idea di quanto sia relativo un colore... La mia riflessione timidamente avanza; un artista quando dipinge scrive la propria storia... a colori. Un diario che procede inesorabilmente con costanza nel tempo fatto di molti quadri, mostrando tutte le tinte, tutti i "pensieri", tutte le esperienze che lo accompagnano, che sono passati nella sua mente e che si sono "concretizzati" nel suo studio... Si può dire quindi di riuscire a pensare a colori e di vivere attraverso la stesura degli stessi, non un racconto piuttosto una conferma del tempo che passa.

E concludo, le opere sono il tempo oggettivo dell'artista. Scrivere una presentazione per il "Catalogo Sartori d'arte moderna e contemporanea 2020" è un impegno piacevole per me e doveroso verso i lettori, visto che siamo giunti alla settima edizione, e se soprattutto nei matrimoni il settimo anno è pericoloso per essere l'anno della crisi, nel nostro caso, siamo ancora ricchi di entusiasmo, di voglia di fare e molto positivi. Entusiasmo e voglia di fare che continuiamo a condividere con i tanti artisti che hanno deciso di aderire al nostro invito. Sono circa centossesanta gli artisti inseriti! È stata una scelta motivata dal nostro desiderio di accentuare l'attenzione del lettore sulle intrinseche qualità artistiche di ciascuno, senza badare all'adesione a questo o a quel movimento artistico.

Abbiamo deciso di presentare ancora una volta, come già nelle edizioni precedenti, prevalentemente artisti nazionali o artisti stranieri che risiedono da anni in Italia, con i quali condividiamo moltissime cose: i paesaggi, il cielo, i colori, le ispirazioni, le tensioni sociali, ma soprattutto l'amore per l'arte e per il bello, insomma con loro possiamo condividere, leggere e finalmente comprendere le opere realizzate. Ci siamo dedicati alla qualità del lavoro dei singoli e a ciascun artista abbiamo assegnato una pagina, nella quale sono riportati precise biografie e attenti curricoli, note critiche, ottime riproduzioni a colori delle opere e, fondamentali, i riferimenti, indirizzi, numeri telefonici, siti internet, e-mail, ecc., per essere contattati. Ciò che ne è nato, ancora una volta, è il volume che avete in mano, valutatelo con attenzione.

Come editrice del mensile di Arte e Cultura "ARCHIVIO" e gallerista, ho instaurato rapporti con moltissimi artisti e tra questi quelli che ho personalmente selezionato per questa edizione del "Catalogo Sartori d'arte moderna e contemporanea 2020", che, nei contenuti e nella impaginazione, si pone con una formula dinamica e molto attuale, non un faraonico volume di migliaia di pagine scomodo da consultare, dove ciascun nome corre il rischio di confondersi tra i moltissimi che lo precedono, e inseguito dagli altri che lo spingono. L'ensemble delle schede dedicate ai pittori, scultori, incisori, ceramisti inseriti, pagina dopo pagina compone il "Catalogo Sartori d'arte moderna e contemporanea 2020", come una piacevole chicca da gustare, offrendo piacevolmente un variopinto ventaglio di proposte scelte effettuate, nomi noti e per fortuna anche giovani meno noti che con la loro originalità meritano di essere seguiti nella loro evoluzione futura. (Arianna Sartori)

___ Artisti recensiti

Accarini Riccardo - Achilli Ernesto - Alatan Anna Rita - Andreani Celso Maggio - Andreani Franco - Ascari Franca - Baglieri Gino - Baldassin Cesare - Bellini Enzo - Benazzo Stefano - Bencini Ennio - Benetton Simon - Besson Alberto - Betta Valerio - Bevilacqua Gianfranco - Bianco Lino - Billoni Giuseppe - Bisio Pietro - Bonetti Luciano - Bongini Alberto - Bortoluzzi Milvia - Bòscaro Alda - Businelli Giancarlo - Cais Maria Nives - Capraro Sabina - Carbonati Antonio - Carradore Vittorio - Caselli Edda - Cassani Nino - Castagna Angelo - Castaldi Domenico - Cazzaniga Donesmondi Odoarda - Cazzaniga Giancarlo - Cellanetti Sandro - Censini Giuliano - Cermaria Claudio - Chiarcos Giorgio - Cibi - Ciotti Valeria - Cipolla Salvatore - Civitico Gian Franco - Cocchi Pierluigi - Contesini Elena - Cortese Franco - Cotroneo Giuseppe - Cottini Luciano - Crespi Carlo Ambrogio - Crisanti Giulio - Dalla Fini Mario - D'Ambrosi Diego - De Caro Beatrice - Del Fungo Guido - De Luigi Giuseppe - Desiderati Luigi - Difilippo Domenico.

Di Iorio Antonio - D'Orazio Daniela - Ferraj Victor - Ferraris Gian Carlo - Ferri Massimo - Fioravanti Ilario - Fornarola Salvatore - Fratantonio Salvatore - Fruet Ivo - Gard Ferruccio - Gauli Piero - Gentile Domenico - Gentile Francesco - Ghisleni Anna - Giacobbe Luca - Giammarinaro Mario - Gi Morandini - Gravina Aurelio - Graziani Alfio Paolo - Guerrato Denis - Haas Rudolf - Izzo Donato - Lanfranco - Lanzione Mario - Lengua Antonio - Lomasto Massimo - Luchini Riccardo - Mancino Enea - Margonari Renzo - Marigliano Patrizio - Marino Giuseppe Bepi - Marra Mino - Melotti Enrica - Molinari Mauro - Monfardini Alfonso - Morganti Fernanda - Morselli Luciano - Nagatani Kyoji - Negri Sandro - Nigiani Impero - Nonfarmale Giordano MALE - Ogata Yoshin - Ossola Giancarlo - Paggiaro Vilfrido - Paglia Anna - Pancheri Aldo - Paolantonio Cesare - Paoli Piero - Paradiso Mario - Paulli Gianfranco - Pavan Adriano

Pedrazzoli Roberto - Pegoraro Olivia - Pellegrini Flavio - Perrella Maria Rosaria - Piemonti Lorenzo - Pieroni Mariano - Pieroni Vittorio - Pilato Antonio - Piovosi Oscar - Poggiali Berlinghieri Giampiero - Pozzi Giancarlo - Raza Claudia - Rossato Khiara - Rovati Rolando - Ruglioni Vittorio - Salzano Antonio - Sarro Matteo - Sauvage Max Hamlet - Sava Salvatore - Schialvino Gianfranco - Scimeca Filippo - Sebaste Salvatore - Seccia Anna - Settembrini Marisa - Setti Maurizio - Siani Francesco - Simone Salvatore - Simonetta Marcello - Sodi Milvio - Somensari Anna - Spallanzani Stefania - Spoltore Paolo - Stifter Wolfgang - Tancredi Giovannini Clara - Tavernari Ernesto - Terruso Saverio - Timoncini Luigi - Trombini Giuliano - Tulli Wladimiro - Venditti Alberto - Verna Gianni - Vigliaturo Silvio - Vivian Claudia - Viviani Vanni - Volpe Michele - Zanafredi Gianna - Zangrandi Domenico - Zarpellon Toni - Zitti Vittorio - Zoli Carlo - Zotti Carmelo

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Acquerellisti Italiani
a cura di Arianna Sartori, ed. Archivio Sartori Editori (Mantova), pp. 272, formato cm 30.5x21.5, 305 ill. a colori, 16 ritratti, €80,00

* Il volume è stato presentato il 16 febbraio 2020 nella Chiesa "Madonna della Vittoria" di Mantova

Relatori: Arianna Sartori curatrice del catalogo, Roberto Pedrazzoli pittore e docente di discipline artistiche, Gianfranco Ferlisi critico d'arte
Presentazione con il Patrocinio di: Comune di Mantova, Amici di Palazzo Te e dei Musei Mantovani, Fondazione Le Pescherie di Giulio Romano

«Il volume, realizzato a cura di Arianna Sartori, attraverso l'opera di molti affermati artisti, tutti scelti e invitati ad aderire all'iniziativa, affronta il particolare mondo dell'acquerello. Questa peculiare pratica artistica è stata negli ultimi decenni trascurata dal mondo dell'editoria artistica, così, pur se gli artisti continuano a praticarla nei propri studi, abbiamo pensato di riproporla all'attenzione degli amanti del bello per quella estrema "leggerezza" rappresentativa e per la immediatezza espressiva propria di questa tecnica. Certamente non intendo scrivere una storia della pittura, perché questo è già stato fatto molte volte da numerosi e autorevoli autori dai secoli scorsi fino ad oggi; ciò nonostante mi sento di confermare il desiderio e la volontà degli artisti acquerellisti di affermare la propria presenza in un luogo, di lasciare un segno di sé, di tramandare all'altro un pensiero, un concetto, una visione.

L'uomo da sempre, vuole essere interprete dei propri pensieri in parole ma anche in opere, così banalmente potrei aggiungere che, anche al di fuori dei percorsi pseudo-culturali della vita o della scuola o dell'età, se si cammina sull'arenile di una spiaggia, con i piedi a volte si scrive o si disegnano immagini; e che già da ragazzini per disegnare i contorni di figure sul cemento o sull'asfalto, per poter giocare, si usavano frammenti di terracotta;...e che, maleducatamente è vero, in altre situazioni si poteva incidere il proprio nome sulla corteccia di qualche albero o scrivere anche sui muri. Sicuramente più complesso il discorso della pittura che fin da circa 32.000 anni ci accompagna nel nostro lunghissimo soggiorno sulla Terra.

Infatti, già i dipinti più antichi, quelli della Grotta Chauvet in Francia che furono realizzati con ocre rosse e pigmenti neri, mostrano cavalli, rinoceronti, leoni, bufali e mammut, incredibili esempi di pittura rupestre che esistono, praticamente, in tutto il mondo. Da allora l'uomo ha amato fare e guardare la pittura, elevandola anche, al rilevante ruolo di opera d'arte. La pittura di suo non richiede particolari sforzi per essere percepita se non l'essere guardata frontalmente. E l'opera, così con l'attenta osservazione, assume significati diversi a seconda della creatività dell'esecutore, del suo gusto estetico e di quello della società di cui si fa parte.

La pittura gode quindi di un posto rilevante tra tutte le arti, ma a seconda del supporto su cui viene applicata, richiede tecniche e pratiche diverse. Mi limito ad elencare le parole magiche dell'arte pittorica sulle diverse superfici quali muro, tavola, tela, carta, stoffa, affresco, murale, graffito, encausto, di conseguenza pittura ad olio, colori acrilici, pastello, tempera, acquerello, guazzo o gouache. In altre culture batik, shibori, serti. Nella ceramica si usano ossidi, fondenti e smalti che sono poi fissati in forno grazie all'azione del forte calore.

L'acquerello, strumento essenziale per gli studi preparatori dei grandi maestri e delle grandi opere, è stato usato anche dagli agrimensori per la redazione dei cabrei, quindi usato con efficacia, anche nel disegno tecnico, soprattutto nell'ambito della progettazione meccanica, usato ancora, dal 1500 per precisare gli studi sulla natura e per i paesaggi, studi di animali, gli studi di guerrieri, le scene sacre o profane, le riproduzioni botaniche e scientifiche. Ma sono gli olandesi, i francesi e gli inglesi che dal XVIII secolo, diffondono in tutta Europa e negli Stati Uniti questa tecnica, tanto da farla diventare la tecnica preferita da molti pittori.

Alcuni nomi di importanti artisti caposcuola, tra gli artisti inglesi, William Taverner (1703-1772), Paul Sandby (1725-1809), John Robert Cozens (1752-1797), William Turner (1775-1851); in Francia, il vignettista Jean-Gabriel Moreau (1741-1814), Charles-Joseph Natoire (1710-1777) e Hubert Robert (1733-1808) Jean-Louis Desprez (1743-1804), vengono in Italia per raffigurare i monumenti classici e pompeiani. Anche Cézanne, Gauguin, Manet, Degas tra i francofoni e Paul Klee e Eduard Hildebrandt fra i germanici, Picasso, si sono dedicati all'acquerello. In Italia, nonostante il soggiorno di pittori stranieri, la tecnica prende campo dalla metà dell'Ottocento, soprattutto a Milano e a Napoli con gli esponenti Giuseppe De Nittis (1846-1884), Sebastiano De Albertis (1828-1897), Angelo Marinucci, Canaletto (Giovanni Antonio Canal), Giorgio Morandi, Tommaso Gnone, Vincenzo Loria e Stefano Faravelli.

L'acquerello o acquarello prevede l'uso di pigmenti finemente macinati e mescolati con un legante, diluiti in acqua. Per la sua rapidità e per la facile trasportabilità dei materiali che lo hanno reso la tecnica preferita da chi dipinge viaggiando e all'aria aperta, viene considerata una tecnica "popolare". Il supporto più usato per questa tecnica è la carta, usata preferibilmente ad alta percentuale di cotone puro che per la lunghezza della fibra del vegetale, non si modifica a contatto con l'acqua. L'esecuzione è di per sé sicuramente popolare, ma è una tecnica assai raffinata, dal momento che errori di esecuzione, diversamente dalle altre tecniche pittoriche, non possono essere corretti mediante la semplice sovrapposizione di altro colore. Infatti, il colore trasparente, non nasconde le pennellate sottostanti.

La stesura dell'acquerello può avvenire attraverso diverse tecniche:

- Per velature sovrapposte, che oltre a dare forza e tonalità al colore stesso, conferiscono al disegno preparatorio, solitamente eseguito a matita leggera, la profondità pittorica utile alla rappresentazione dei volumi, delle ombre e della luce.

- Pittura bagnato su bagnato, cioè la stesura del pigmento colorato effettuata sul foglio di carta bagnato in precedenza cosicché i colori si diffondano scorrendo e conferendo un aspetto soffuso al dipinto.

- Pittura bagnato su asciutto in cui il pigmento viene steso dopo essere stato disciolto con una quantità d'acqua sufficiente a farlo scorrere sul foglio asciutto.

Per la realizzazione tradizionale dell'acquerello, occorre:

- Carta da acquerello, che può essere pressata a caldo, non pressata, pressata a freddo. La carta pressata a freddo risulta semi-ruvida e ottimale per la realizzazione dell'acquerello; la grammatura della carta ottimale deve superare i 200 gr/mq.

- Il diluente, che generalmente è acqua, può essere sostituito da acqua e vino, infuso di zafferano, caffè, infusi di erbe vari etc., la scelta di un diluente "alternativo", a discrezione del pittore, oltre a fini sperimentali, permette di ottenere interessanti effetti cromatici. Risultati particolari sono attenuti anche con l'aggiunta di sale, zucchero ecc.

- I colori possono essere di diversi tipi: mezzi panetti semiduri, semiliquidi in tubetto, pigmenti liquidi in tubetto. Per i novizi si consigliano i seguenti colori: blu oltremare, rosso cadmio, giallo cadmio, terra di siena bruciata, ocra gialla, terra d'ombra bruciata, nero d'avorio. Sebbene sia in vendita il bianco, è il fondo del foglio stesso a fungere da bianco quindi se ne sconsiglia l'utilizzo.

- Per i pennelli si consigliano pennelli piatti, pennelli a lingua di gatto e pennelli cilindrici... e insostituibile è l'uso di uno straccetto per la costante pulitura dei pennelli.

Ah, dimenticavo, serve polso fermo, ispirazione e poesia.» (Maria Gabriella Savoia)

Artisti: Aime Tino, Artoni Mario, Ballini Silvana, Belò Flavia, Bertoni Antonella, Bompiani Roberto, Bonfante Egidio, Bortoluzzi Milvia, Capelli Francesca, Capraro Sabina, Carbonati Antonio, Carboni Gaetano, Castellani Leonardo, Cattaneo Claudio, Cavicchini Arturo, Ciaponi Stefano, Cimardi Franco, Corniani Ario, Cotugno Teodoro, Dall'Acqua Mario, Di Venere Giorgio, Fabri Otello, Facchin Roberta, Falzoni Giulio, Ferrarini Renzo, Ferri Massimo, Finetti Ilaria, Girondi Franco, Gnocchi Alberico, Goldoni Meris, Greppi Giovanni, Laterza Lia, Lelii Marisa, Lindner Pierre H., Lunini Susanna, Manfredini Fernando, Margheri Raffaello, MERIK, Milanese Eugenio Enrico, Michieletto Maria Pia, Minuti Giovanni, Moccia Palvarini Anna, Mongatti Vairo, Nastasio Alessandro, Patriarca Riccardo Giovanni, Perina Giulio, Quaini Marialuisa, Ripari Virgilio, Rossi Ermes, Scano Giorgio, Schialvino Gianfranco, Semeghini Defendi, Severi Lino, Soragna Paolo, Spazzini Severino, Tardon Magda, Tassinari Raffaella, Trevisan Franco, Valentino Valter, Venditti Alberto, Verna Gianni, Zen Sergio, Zoppi Moreno, Zorzi Giordano.

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Quasi tutto velocissimo
di Christopher Kloeble

* Il romanzo è stato presentato il 2 febbraio 2020 alla Libreria Modusvivendi di Palermo

Incontro con lo scrittore Christopher Kloeble in occasione della presentazione dell'edizione italiana del suo libro Quasi tutto velocissimo (Traduzione dal tedesco: Scilla Forti, Keller Editore, 2019), titolo originale: Meistens alles sehr schnell. Modera: Rita Calabrese, germanista.

Albert ha diciannove anni, è cresciuto in un orfanotrofio e non ha mai conosciuto la madre. Per tutta la vita ha dovuto assistere il padre, Fred, che è come un bambino intrappolato nel corpo di un adulto, trascorre il tempo leggendo enciclopedie, contando le auto verdi che passano per strada ed è conosciuto come l'eroe di un tragico incidente d'autobus. Quando a Fred vengono diagnosticati solo pochi mesi di vita, per Albert inizia una vera e propria corsa contro il tempo perché sa che quell'uomo perso in un mondo tutto suo è l'unico a poterlo aiutare nella ricerca del proprio passato. Comincia così un viaggio avventuroso e commovente in compagnia di personaggi memorabili che li porterà in un'epoca lontana, fino a una notte di agosto del 1912 e alla storia di un amore proibito...

Quasi tutto velocissimo è una saga famigliare luminosa e drammatica, un travolgente road novel ambientato nelle alte terre alpine dal quale è impossibile separarsi. Due adorabili eroi ci conducono in un tempo pieno di possibilità e ombre, amori, misteri e viaggi, in luoghi e cittadine immerse nelle atmosfere di antiche fiabe. Christopher Kloeble ha studiato presso l'Istituto di Letteratura tedesca di Lipsia e presso l'Università della televisione e del cinema di Monaco. Suoi contributi sono comparsi tra gli altri su Die Zeit, Süddeutsche Zeitung e TAZ. È stato membro del Programma di scrittura internazionale dell'Università dello Iowa e scrittore residente all'Università di Cambridge. (Comunicato stampa Goethe-Institut Palermo)

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Federico Fellini
Il libro dei sogni

Il volume è stato presentazione volume il 28 gennaio 2020 alla Casa del Cinema di Roma
www.fondazionecsc.it

«Se i film di Fellini, per citare Shakespeare, sono spesso fatti della materia di cui sono fatti i sogni, questo volume dimostra che i suoi sogni sono fatti della materia di cui sono fatti i film. Il libro dei sogni - capolavoro d'arte dell'illustrazione - si pone infatti anche come un "catalogo" - verrebbe da dire, come nel Don Giovanni di Mozart e Da Ponte: "delle donne che amò il padron mio". Certo, ci sono anche le donne, senza le quali il "Pianeta Fellinia", per usare una bella definizione di Gian Piero Brunetta, perderebbe una "fonte energetica" fondamentale. Ma Il libro dei sogni è in realtà una sorta di "archivio generale" della vita di Fellini, sia di quella interiore - come ogni sogno che si rispetti - sia dei suoi punti di vista su un mondo fatto, oltre che di persone e cose, anche di "effetti cinema", storie, personaggi, vicende personali, amori e idiosincrasia di un mestiere, che per Fellini coincide con la vita stessa, pur restandone sempre "più grande".

A titolo d'esempio, citiamo soltanto il sogno del 4 febbraio 1961: «Negli studi della Federiz Fracassi mi sorride: E allora Federico, quando hai intenzione di cominciare sul serio?". È il tempo in cui Fellini entra in società con Rizzoli per favorire l'esordio di giovani cineasti. Pier Paolo Pasolini è uno dei primi che si presenta col soggetto di Accattone. Ma alla prima visione dei giornalieri, di fronte alla "passeggiata di Accattone", Fellini rifiuta vigorosamente di continuare la produzione, e litiga in modo radicale con l'amico e collaboratore Pier Paolo, di cui non condivide l'estetica. Nel sogno, azzardiamo, Clemente Fracassi, il direttore di produzione, esorta Federico a "fare sul serio", anche perché, nella realtà dei fatti, a Fellini poi di produrre giovani autori non importava davvero nulla, e il progetto - anche a seguito della lite con Pasolini - naufragò senza rimpianti.

A questo "reperto d'archivio" se ne potrebbero aggiungere infiniti altri, che aprono nuove letture della vita e della creatività dell'autore di film che sono oggi parte integrante dell'identità italiana. In questa prospettiva, l'edizione del Libro dei sogni si affianca, nella celebrazione del centenario della nascita di Federico Fellini, al progetto di restauro dell'opera omnia, portato avanti dalle cineteche italiane, in collaborazione con il Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e Cinecittà Luce. Ma l'opera di Federico non potrebbe dirsi completa senza questo Libro dei sogni, che è anche un "libro dei film", esattamente come i suoi film sono anche il "cinema dei sogni"» (dalla Prefazione di Sergio Toffetti, Gian Luca Farinelli, Felice Laudadio, al volume di Federico Fellini, Il libro dei sogni, Rizzoli, 2019).

.. ore 17.00, Toby Dammit, di Federico Fellini (ep. di Tre passi nel delirio) (1968, 48')

«In Toby Dammit [...] un attore alcolizzato accetta di girare un western all'italiana perché gli viene offerta una Ferrari [...]. Trittico con autori di prestigio ma esiti qualitativi molto difformi: [...] si difende solo Fellini che stravolge il racconto di Poe per conservarne soltanto il nome del protagonista, Toby Dammit, e il finale, in un incubo delirante dove i meccanismi alienanti del mondo dello spettacolo diventano premessa per uno sguardo terribile sull'orrore quotidiano» (Mereghetti). Restauro realizzato per il centenario della nascita di Federico Fellini. Il restauro di Toby Dammit è stato realizzato nel 2019 dal Centro Sperimentale di Cinematografia ed Istituto Luce - Cinecittà a partire da un internegativo 35mm messo a disposizione da Alberto Grimaldi Productions e da un positivo sonoro ottico d'epoca conservato dalla Cineteca Nazionale. Tutte le lavorazioni sono state eseguite presso il laboratorio Studio Emme di Roma.

.. a seguire, incontro con Simona Argentieri, Filippo Ceccarelli, Felice Laudadio, Sergio Toffetti.

Nel corso dell'incontro verrà presentato il volume di Federico Fellini, curato da Sergio Toffetti, Gian Luca Farinelli, Felice Laudadio, Il libro dei sogni, Rizzoli, 2019. (Comunicato ufficio stampa Centro Sperimentale di Cinematografia)

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Per il ciclo "Leggere parole tra noi - Incontri con l'autore"

Dal Pop rock alla musica celtica
di Cochi Quarta

* Il libro è stato presentato il 21 gennaio alla Biblioteca I.C. Giorgio Perlasca - Pietralata (Roma)

Dagli anni Sessanta, dal primo gruppo pop, attraverso mode, stili, culture e band sempre nuove. Un viaggio oltre le note alla ricerca di un modo diverso di fare musica, di viverla come espressione di tutti, come esigenza quotidiana; un sentire ormai quasi dimenticato, ma non dappertutto. È l'incontro con l'Irlanda, le sue note, le sue tradizioni, la sua realtà politica e sociale a far sì che tutto questo diventi realtà. E allora pagina dopo pagina potremo leggere che è possibile vedere una miriade di ragazzini suonare la loro musica popolare e mezza Europa sia lì per ascoltarli; che è possibile che un professionista rispetti i giovani musicisti con cui sta suonando; che è possibile che un vecchio percussionista ti regali il suo strumento e che è possibile raccontare la storia di un popolo attraverso le sue ballate. Questo e altro, nel racconto dei 50 anni di musica di Cochi Quarta insieme ai tanti compagni di viaggio che hanno condiviso conoscenze, passioni, nuove avventure e, non ultimo, il piacere, mai passato di moda, di suonare insieme. (Comunicato stampa)

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Il leone imbrigliato. Artisti Istituzioni Pubblico
di Maurizio Coccia, Castelvecchi editore

* Il libro è stato presentato il 25 gennaio 2020 al Museolaboratorio ex manifattura tabacchi di Città Sant'Angelo (Pescara)

Il volume tratta del rapporto intercorrente fra i tre principali protagonisti dell'arte contemporanea: artisti, istituzioni, pubblico. Da un'iniziale collocazione storico-critica del fenomeno, si passa a una più precisa connotazione teoretica. Si discutono i pionieri della pratica in oggetto (Institutional Critique), risalendo nei decenni sino al principio del nuovo secolo, quando entrano in gioco le strategie conosciute come New Institutionalism e prendono slancio le nuove pratiche curatoriali, più accentratrici e performative. È dato spazio anche ai principi della nuova museografia indirizzati a un ampliamento del pubblico nei musei, portando anche esperienze tratte dalle vicende internazionali più recenti.

Maurizio Coccia è docente di Storia dell'Arte Contemporanea e Storia e della Critica d'Arte. Direttore del Centro per l'Arte Contemporanea Palazzo Lucarini di Trevi. Consulente di numerose istituzioni sui temi dell'arte pubblica, dell'architettura e della didattica museale, ha contribuito al Padiglione Italia alla Biennale Architettura di Venezia (2016). È nel Comitato Direttivo della rivista Parol - Quaderni d'arte e di epistemologia. Per Aracne ha pubblicato Una rivoluzione non richiesta e Cesare Cesariano. 1475-1543. Ha scritto per Postmedia Books, Gangemi Editore, Manfredi Edizioni.

- Estratto dal volume

Semplificando, potremmo dire che la Critica Istituzionale è una particolare pratica artistica sviluppatasi alla fine degli anni Sessanta, e che risente complessivamente del clima storico di quel periodo. Detto così, chiaramente, è riduttivo. Primo, perché relega il tema all'ambito artistico. Secondo, perché lo rimanda a un momento storico importante ma troppo circoscritto. Infine, così facendo, si trascura la solidità e duttilità del metodo che lo sostiene. Occuparsi di Critica Istituzionale, oggi, significa impiegare una strumentazione integrata e alternativa. E non solo. Rappresenta anche un incentivo ad andare oltre l'arte e la storiografia. Per evidenziarne il ruolo in una prospettiva più vasta. Che è quella dell'azione sociale, della convivenza civile, della gestione della cosa pubblica. Tutte attività, in pratica, regolate da norme e convenzioni. Non fa eccezione, ovviamente, l'arte.

Si può quindi vedere la critica istituzionale non come un periodo storico e/o di genere all'interno della storia dell'arte, ma piuttosto come uno strumento analitico, un metodo di critica e di politica spaziale, che può essere applicato non solo al mondo dell'arte, ma agli spazi disciplinari e delle istituzioni in generale (Sheikh 2006). Ogni istituzione, infatti, è un dispositivo di mediazione tra diversi valori etici e interessi ideologici. Si tratta di una negoziazione costante, che presiede al corretto funzionamento delle comunità organizzate. Le società, intese come istituzioni strutturate in cerchi concentrici, devono estendere il bilanciamento di quella polarità anche ai sottosistemi che la compongono. Tra questi, per esempio, l'arte. (Comunicato stampa)

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Nuvole
Poesie di Berardo Di Ferro

Il libro è stato presentato il 25 novembre 2019 a Palermo alla Galleria d'Arte Studio 71
www.studio71.it

L'evento è curato da Vinny Scorsone che nella prefazione della raccolta di poesie scrive: "Le sue poesie sono pregne del tempo che passa, sono piene di Liana che come un'onda calda gli ha riempito la vita..." Ma Liana oltre che ad essere musa ispiratrice di Berardo è anche pittrice e per questa occasione presenta alcune opere che illustrano le liriche. Allieterà la serata Cinzia Romano La Duca con la sua chitarra, leggerà le poesie Marisa Palermo. (Comunicato stampa)

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La Dama col ventaglio
di Giovanna Pierini, Mondadori Electa, 2018
Il libro è stato presentato il 20 novembre 2019 a Roma al Palazzo Barberini

Il romanzo mette in scena Sofonisba Anguissola ultranovantenne a Palermo - è il 1625 - nel suo tentativo di riacciuffare i fili della memoria e ricordare l'origine di un dipinto. La pittrice in piedi davanti alla tela cerca di ricordare: aveva dipinto lei quel ritratto? È passato tanto tempo. Nonostante l'abbacinante luce di mezzogiorno la sua vista è annebbiata, gli occhi stanchi non riconoscono più i dettagli di quella Dama con il ventaglio raffigurata nel quadro. È questo il pretesto narrativo che introduce la vicenda biografica di una delle prime e più significative artiste italiane. Sofonisba si presenta al lettore come una donna forte, emancipata e non convenzionale, che ha vissuto tra

Cremona, Genova, Palermo e Madrid alla corte spagnola. Tra i molti personaggi realmente esistiti - Orazio Lomellini, il giovane marito; il pittore Van Dyck; Isabella di Valois, regina di Spagna - e altri di pura finzione, spicca il giovane valletto Diego, di cui Sofonisba protegge le scorribande e l'amore clandestino, ma che non potrà salvare. La ricostruzione minuziosa di un'Italia al centro delle corti d'Europa, tra palazzi nobiliari, botteghe artigiane e viaggi per mare, e di una città, Palermo, fa rivivere le atmosfere di un'epoca in cui una pittrice donna non poteva accedere alla formazione accademica e doveva superare numerosi pregiudizi sociali. Tra le prime professioniste che seppero farsi largo nella ristretta società degli artisti ci fu proprio Sofonisba, e questo racconto, a cavallo tra realtà e finzione, ne delinea le ragioni: l'educazione lungimirante del padre, un grande talento e una forte personalità.

Giovanna Pierini, giornalista pubblicista, per anni ha scritto di marketing e management. Nel 2006 ha pubblicato Informazioni riservate con Alessandro Tosi. Da sempre è appassionata d'arte, grazie alla madre pittrice, Luciana Bora, di cui cura l'archivio dal 2008. Questo è il suo primo romanzo. (Comunicato stampa Maria Bonmassar)

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Calabria terra di capolavori. Dal Medioevo al Novecento
di Mario Vicino, Editrice Aurora

Il volume è stato presentato il 22 novembre 2019 al Museo Archeologico Nazionale "Vito Capialbi" di Vibo Valentia

Nell'accattivante location del Castello Normanno Svevo, verrà presentato il volume di Mario Vicino. Interverranno all'iniziativa Adele Bonofiglio, direttore del Museo Archeologico Nazionale "Vito Capialbi" di Vibo Valentia e l'autore. Il prof. Mario Vicino, socio della Deputazione di Storia Patria per la Calabria, ha al suo attivo altre pubblicazioni di pregio quali La Pittura in Calabria. Quattrocento e Cinquecento, Imago Mariae e una monografia su Pietro Negroni.

Iniziativa - come precisa la dottoressa Bonofiglio - per far riscoprire la passione per l'arte e restituire la giusta importanza all'inestimabile patrimonio di cui dispone la Calabria e la bellezza dei suoi innumerevoli tesori nascosti. Nella prima parte dell'opera - continua la Bonofiglio - si descrive l'evoluzione della pittura in Calabria in relazione alla sua straordinaria storia. Partendo dal periodo Tardoantico, l'autore attraversa le vicende del Medioevo, con Normanni, Svevi, Angioini e Aragonesi, per poi raggiungere il Cinquecento e i successivi sviluppi dell'arte calabrese fino all'Ottocento e il Novecento. Nella seconda sezione del libro - conclude la Bonofiglio - vengono catalogati ed esaminati nel dettaglio alcune delle numerose opere presenti nella regione. (Comunicato stampa)

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Antonio Ligabue. Gli anni della formazione (1899-1919)
di Renato Martinoni, Marsilio Editori, 2019

Libro presentato lo 05 ottobre 2019 alla Galleria d'Arte 2000 & Novecento di Reggio Emilia
www.duemilanovecento.it

La mostra antologica di Antonio Ligabue, presentata al Museum im Lagerhaus di San Gallo nel 2019, è stata l'occasione per fare conoscere l'opera dell'artista in quella che può definirsi la sua "patria perduta". Ligabue nacque infatti a Zurigo il 18 dicembre 1899 da un'emigrante italiana, Elisabetta Costa. Dopo essere stato accolto fin dai primi mesi di età dalla famiglia Göbel, vive a San Gallo e nei paesi del circondario conducendo una vita irrequieta, fatta di lavori precari e di ricoveri in istituti (Tablat e Marbach, tra il 1913 e il 1915) e in una clinica psichiatrica (Pfäfers, nel 1917). Espulso dalla Svizzera nel 1919, approda a Gualtieri, dove opera come pittore, scultore, incisore, tra difficoltà di ogni genere e ostracismi, fino alla morte, avvenuta il 27 maggio 1965.

Renato Martinoni, curatore assieme a Sandro Parmiggiani e a Monika Jagfeld della mostra di San Gallo, ha approfondito, con puntigliose ricerche negli archivi, rintracciando documenti e testimonianze inedite, i vent'anni "svizzeri" di Antonio Ligabue, che nel libro vengono definiti "gli anni della formazione", giacché proprio in quel periodo tormentato si gettano le basi per il cammino artistico che Ligabue intraprenderà in Italia. Renato Martinoni è professore emerito di Letteratura italiana all'Università di San Gallo e ha pubblicato libri su scrittori italiani e svizzeri e sulla storia letteraria dei secoli scorsi. Sta lavorando a un romanzo su Antonio Ligabue. Per l'occasione la Galleria esporrà una selezione di opere di Antonio Ligabue. Dipinti ad olio ed alcune opere grafiche che esprimono il disagio e l'angoscia di una vita segnata dalle tribolazioni, un'arte che mostra in primo piano l'estenuante lotta per la sopravvivenza, in cui si può cogliere il tormento di un uomo che sembra compenetrarsi in quegli animali per trovare il riscatto da un'esistenza molto dura, priva di affetti e afflitta da una lancinante solitudine. In esposizione anche opere con scene di vita quotidiana, immerse in un tempo rallentato e quasi immutabile. (Estratto da comunicato stampa CSArt - Comunicazione per l'Arte)

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Gastone Novelli Scritti '43-'68
www.gastonenovelli.it

Il volume raccoglie l'intero corpus degli scritti di Gastone Novelli redatti dal 1943 al 1968, sia quelli rimasti fino ad oggi inediti, sia quelli già pubblicati da Achille Perilli nel 1976 in un numero monografico della rivista Grammatica. Una raccolta di testi che attraversa la storia dell'Italia artistica e politica della seconda metà del Novecento e allo stesso tempo offre un racconto senza filtri della vita di uno degli artisti italiani che più ha vissuto la tensione tra modernità e sperimentazione linguistica. Eventi e riflessioni si susseguono per tre decenni e si nutrono di viaggi e di incontri fatti da Novelli: dalla Roma della Resistenza e dell'occupazione tedesca al Brasile dei primi anni Cinquanta, dove l'artista scopre la sua vocazione e ha le prime esperienze di insegnamento all'Istituto d'arte del Museo di San Paolo diretto da Pier Maria Bardi; da Parigi dove Novelli frequenta gli ambienti d'avanguardia e stringe rapporti con Hans Arp, Man Ray, Tristan Tzara, Georges Bataille, Samuel Beckett, Pierre Klossowski e Claude Simon, alle isole della Grecia, luogo prescelto per i suoi studi sulle origini del linguaggio.

Sullo sfondo il vivace ambiente della cultura italiana, in cui Novelli frequenta molte delle personalità di spicco di quegli stessi anni, tra cui Afro Basaldella, Corrado Cagli, Pietro Consagra, Alfredo Giuliani, Giorgio Manganelli, Elio Pagliarani, Achille Perilli, Arnaldo e Giò Pomodoro, Toti Scialoja, Giulio Turcato, Emilio Villa, Cesare Vivaldi. La varietà dei testi raccolti (racconti, poesie, manifesti, interviste, ricordi, lettere e appunti di lavoro) restituisce in pieno la molteplicità degli interessi di questo artista e il suo costante e vitale desiderio di intervento sulla realtà che lo circondava.

Le lettere, il giovanile manifesto politico del Movimento Confederale europeo, i corsi di composizione tenuti in Brasile e a Roma, i testi teorici per le riviste L'Esperienza moderna e Grammatica, i suoi decisi interventi sulla Biennale di San Paolo del Brasile, sul Convegno di Verucchio, sulla Quadriennale di Roma e sulla Biennale di Venezia, quelli sul Surrealismo e sulla politica del P.S.I., ci restituiscono finalmente appieno la ricchezza di questa figura, che non è stato solo pittore e artista, ma anche insegnante, fervido polemista, editore, scrittore e attivista politico. La raccolta è stata curata da Paola Bonani, curatrice, con Marco Rinaldi e Alessandra Tiddia, del catalogo generale dell'artista e collaboratrice da molti anni dell'Archivio Gastone Novelli.

Gastone Novelli (Vienna, 1925 - Milano, 1968) è stato uno dei più importanti artisti del secondo dopoguerra italiano. Tra i fondatori delle riviste L'Esperienza moderna (1957) e Grammatica (1964). Novelli ha esposto nei più importanti musei e istituzioni italiani e internazionali. Oggi le sue opere sono conservate al MoMA di New York, alla National Gallery di Washington, al MASP di San Paolo, al British Museum di Londra, alla Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma, al Museo del Novecento di Milano, al Mart di Rovereto, alla GAM di Torino e alla Peggy Guggenheim Collection di Venezia. (Comunicato ufficio stampa Maria Bonmassar)

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Elogio della finta
di Olivier Guez, di Neri Pozza Editore, 2019

«Manoel Francisco dos Santos, detto Garrincha (lo scricciolo), era alto un metro e sessantanove, la stessa altezza di Messi. Grazie a lui il Brasile divenne campione del mondo nel 1958 e nel 1962, e il Botafogo, il suo club, regnò a lungo sul campionato carioca. Con la sua faccia da galeotto, le spalle da lottatore e le gambe sbilenche come due virgole storte, è passato alla storia come il dribblatore pazzo, il più geniale e il più improbabile che abbia calcato i campi di calcio. «Come un compositore toccato da una melodia piovuta dal cielo» (Paulo Mendes Campos), Garrincha elevò l'arte della finta a essenza stessa del gioco del calcio.

Il futebol divenne con lui un gioco ispirato e magico, fatto di astuzia e simulazione, un gioco di prestigio senza fatica e sofferenza, creato soltanto per l'Alegria do Povo, la gioia del popolo. Dio primitivo, divise la scena del grande Brasile con Pelé, il suo alter-ego, il re disciplinato, ascetico e professionale. Garrincha resta, tuttavia, il vero padre putativo dei grandi artisti del calcio brasiliano: Julinho, Botelho, Rivelino, Jairzinho, Zico, Ronaldo, Ronaldinho, Denílson, Robinho, Neymar, i portatori di un'estetica irripetibile: il dribbling carioca. Cultore da sempre del football brasiliano, Olivier Guez celebra in queste pagine i suoi interpreti, quegli «uomini elastici che vezzeggiano la palla come se danzassero con la donna più bella del mondo» e non rinunciano mai a un «calcio di poesia» (Pier Paolo Pasolini).  

Olivier Guez (Strasburgo, 1974), collabora con i quotidiani Le Monde e New York Times e con il settimanale Le Point. Dopo gli studi all'Istituto di studi politici di Strasburgo, alla London School of Economics and Political Science e al Collegio d'Europa di Bruges, è stato corrispondente indipendente presso molti media internazionali. Autore di saggi storico-politici, ha esordito nella narrativa nel 2014. (Comunicato stampa Flash Art)

Recensioni di Ninni Radicini a libri di argomento calcistico Derby Days - Il gioco che amiamo odiare di Dougie ed Eddie Brimson, ed. Libreria dello Sport Dal 29 maggio 1985 la parola "hooligan" risuona nella testa degli italiani. Quella sera, per la finale di Coppa dei Campioni, i sostenitori della Juventus presenti allo stadio belga Heysel, separati dai tifosi inglesi del Liverpool attraverso una rete "da pollaio" (così è stata definita nelle cronache per la sua consistenza), vissero e subirono l'epilogo terrificante di un modo di intendere il calcio che sconfina nella violenza tribale. Idoli di carta di Giusva Branca, ed. Laruffa Questo è un libro di uomini e di calcio. Undici ritratti di calciatori lavoratori, artigiani, sognatori e di un grande allenatore, che, differenti per generazione, ruolo, origine, hanno condiviso un tratto di storia della Reggina.

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Armenia
Arte, storia e itinerari della più antica nazione cristiana

Il volume è stato presentato il 17 maggio 2019
www.comunitaarmena.it

Ponte tra Asia ed Europa, l'Armenia è ancora oggi un Paese immeritatamente poco conosciuto. Solo negli ultimi anni il turismo ha cominciato a considerare anche questa nazione, le cui vicende hanno molto da insegnarci: in particolare l'ostinazione a rimanere legati alle proprie radici, linguistiche e religiose, ritenute indispensabilia mantenere un'identità di popolo, sfuggendo al pericolo dell'assimilazione. Questa guida vuole essere un aiuto a quanti decidono di compiere un viaggio sull'altopiano armeno, portandoli a comprendere un aspetto fondamentale di questa cultura: l'identità cristiana, coraggiosamente difesa in un ambiente in cui la pratica religiosa non è molta diffusa, soprattutto dopo la dominazione sovietica. Si sono pertanto volute privilegiare quelle informazioni che permettono al turista interessato di "capire" il popolo armeno e il suo patrimonio. A una parte introduttiva contenente elementi fondamentali di storia (con la triste pagina del genocidio), religione (la millenaria Chiesa armena e il monachesimo) e cultura (arte, architettura e lingua), fa seguito la descrizione dettagliata di oltre quaranta siti scelti oculatamente tra le decine che la piccolissima Armenia offre. (Comunicato stampa)

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NeoSocialismo
di Luigi Agostini

* Presentazione libro, Pordenone, 09 maggio 2019
www.associazionebobbio.it

Sono tre le date che hanno segnato i giorni che stiamo vivendo: dicembre 1989 che decreta il collasso definitivo del socialismo sovietico; settembre 2008 che, con il fallimento della Lehman Brothers, dà l'avvio alla più grande crisi del capitalismo dell'Occidente; 4 marzo 2018 che segna la più micidiale sconfitta della sinistra italiana nel dopoguerra. Il presente, in Italia e nel mondo, è tuttora dominato dagli effetti disordinanti di questi avvenimenti e l'accumulo di disordine sembra quasi inibire oggi, specie a sinistra, una visione razionale della Politica. In tale disordine la nuova destra ha un gioco più facile. Allo spazio chiuso della destra, la sinistra non può rispondere semplicemente con lo spazio aperto, cosmopolita: la sinistra può rispondere solo con un'idea di spazio aperto ma governabile.

Oggi lo spazio potenzialmente governabile per la sinistra italiana può essere spazio europeo, uno spazio politico però in gran parte da conquistare ed organizzare. Tale obiettivo è possibile solo reinterpretando la crisi innescata dal fallimento della Lehman, anche come straordinaria dinamica trasformativa. Tale dinamica ha il suo motore nella rivoluzione informatica - per i più, la più potente e pervasiva rivoluzione tecnologica della storia - che distorce, confonde, e persino acceca la capacità di lettura delle contraddizioni che il suo avanzare pure continuamente produce. Per questo è sommamente necessario un "riarmo teorico" della sinistra sociale e politica, pena lasciare il campo, nell'acqua sporca della crisi, a giullari ed avventurieri di ogni risma. Questo lavoro è dedicato all'analisi della nuova "marca" di capitalismo, ed ha il suo ancoraggio specifico nel Marx del capitolo sulla macchine dei Grundisse, nella sua straordinaria e profetica attualità; nel Gramsci di Americanismo e Fordismo, oltre che nell'esperienza di dirigente sindacale e politico del suo autore. (Comunicato di presentazione Associazione Norberto Bobbio)

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Credo Professo Attendo: sulle orme del Cristianesimo Ortodosso
di p. Evangelos Yfantidis
www.ortodossia.it

In questo libro, che contiene gran parte dei discorsi pronunciati in Italia negli ultimi quindici anni, ci si propone di scoprire l'Ortodossia tenendo presenti i tre verbi che dominano il simbolo della Fede in Cristo: "credo", "professo" e "attendo". Credere a quanto deliberato e proclamato dai santi Concili e Sinodi della Chiesa, dal primo - il Sinodo Apostolico - fino all'ultimo - il Sinodo di Creta -; professare, attraverso la propria vita, l'identità cristiana, scegliendo lo stile di vita, l'etica e i valori che provengono dal Vangelo di Cristo e dal Magistero della Chiesa; e, infine, attendere il Regno di Dio, convinti fermamente che la nostra patria incorruttibile sia il cielo stesso. Vi si approfondiscono alcuni aspetti che riguardano il mistero della Fede in Cristo, la storia e la vita della Chiesa Ortodossa, l'apostolato del Patriarcato Ecumenico, figure di venerata memoria per la loro vita, questioni pastorali, la dottrina etica e sociale, l'unità dei Cristiani, la protezione del creato, il dialogo interreligioso e altri temi. Questo libro si rivolge non solo ai Cristiani Ortodossi residenti nel nostro Paese, bensì anche a chiunque voglia approfondire sulle questioni sopra indicate, per inserirsi nel mistero della verità in Cristo, dell'amore di Cristo e della Sua persona. (Comunicato stampa Chiesa greco-ortodossa di Padova)

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Nosferatu
di Paolo D'Onofrio, ed. Edizioni NPE, formato21x30cm, 80 pag., cartonato b/n con pagine color seppia

* Novità Editoriale, 2019
edizioninpe.it/product/nosferatu

Il primo adattamento a fumetti del film muto di Murnau del 1922 che ha fatto la storia del cinema horror. Nosferatu il vampiro (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens), diretto da Friedrich Wilhelm Murnau e proiettato per la prima volta il 5 marzo 1922, è considerato il capolavoro del regista tedesco e uno dei capisaldi del cinema horror ed espressionista. Ispirato liberamente al romanzo Dracula (1897) di Bram Stoker, Murnau ne modificò il titolo, i nomi dei personaggi (il Conte Dracula diventò il Conte Orlok, interpretato da Max Schreck) e i luoghi (da Londra a Wisborg) per problemi legati ai diritti legali dell'opera. Il regista perse la causa per violazione del diritto d'autore, avviata dagli eredi di Stoker, e venne condannato a distruggere tutte le copie della pellicola. Una copia fu però salvata dallo stesso Murnau, e il film è potuto sopravvivere ed arrivare ai giorni nostri. L'uso delle ombre in questo film classico ha avuto una eco infinita nel cinema successivo, di genere e non. Edizioni NPE presenta il primo adattamento a fumetti di questa pellicola: un albo estremamente particolare, che riprende il film fotogramma per fotogramma, imprimendolo in color seppia su una carta ingiallita ed invecchiata, utilizzando per il lettering lo stesso stile delle pellicole mute e pubblicato in un grande cartonato da collezione. (Comunicato stampa)

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La mia Istria
di Elio Velan

* Il volume è stato presentato il 5 dicembre 2018 a Trieste, all'Auditorium del Museo Revoltella

Il volume del noto giornalista e scrittore Elio Velan è presentato a Trieste grazie all'iniziativa della Comunità Croata di Trieste e del suo presidente Gian Carlo Damir Murkovic, che ha voluto includere l'incontro nel programma di iniziative del 2018. Il libro, quasi 200 pagine, sarà introdotto dallo stesso Murkovic e presentato dal giornalista, scrittore e autore teatrale Luciano Santin, con l'intervento / testimonianza dell'autore stesso. L'incontro sarà moderato dal giornalista de "Il Piccolo" Giovanni Tomasin. Ad aprire e concludere la serata sarà la musica, col gruppo vocale e strumentale dell'Associazione culturale"Giusto Curto" di Rovigno, il tutto arricchito dalle proiezioni di immagini dell'Istria, firmate dal grande maestro della fotografia Virgilio Giuricin.

Per far sentire non solo le tipiche armonie ma anche quello spirito condiviso che rende Rovigno una località singolare e ricca. Nel volume Elio, il padre, ragiona col figlio Gianni, mentre la barca li culla e li porta in giro per l'arcipelago rovignese. Cos'è giusto e legittimo che i figli sappiamo dei genitori, dei loro pensieri, delle loro vicende? L'autore cerca di rispondere al quesito attraverso le "confessioni e testimonianze" raccolte in questo libro, uscito prima in lingua croata e ora nella versione italiana per i tipi della "Giusto Curto" di Rovigno. Nel libro Velan racconta e soprattutto si racconta attraverso le esperienze di una vita che l'ha portato a interrogarsi sulle numerose tematiche di un mondo di confine con tanti nodi da sciogliere, ma anche su tematiche esistenziali con l'intelligenza di chi abbraccia con coraggio la verità.

Elio Velan (Pola, 1957), dopo la laurea in Scienze politiche a Zagabria e dopo quattro anni di studi alla Facoltà di Lettere e Filosofia di Trieste, ha iniziato la carriera giornalistica, una scelta per la vita che non ha mai abbandonato, occupandosi, a fasi alterne, di carta stampata, radio e televisione, tra Fiume, Trieste, Pola, Capodistria e Rovigno. Sin dalle elementary aveva infatti sognato di diventare giornalista per seguire le orme di Oriana Fallaci, che adorava. Il sogno si è avverato anche se non ha fatto mai il corrispondente di guerra, non ha vinto il premio Pulitzer e non ha intervistato il compagno Tito. In compenso ha lavorato, per otto anni, al quotidiano "La Voce del Popolo" come corrispondente da Rovigno.

Nel febbraio 1994 è passato alla redazione del telegiornale di TV Capodistria, lavorando contemporaneamente a Radio Capodistria. Era uno dei redattori e conduttori del TG e spesso seguiva i dibattiti al parlamento di Lubiana. Alla fine del 1996 è passato al quotidiano croato "Glas Istre". Dopo un anno di corrispondenze da Capodistria si è trasferito a Trieste come unico corrispondente estero del quotidiano di Pola e del quotidiano "Novi List" di Fiume. A Trieste ha lavorato per quindici anni alla sede regionale della Rai per il Friuli Venezia Giulia. Conduceva la trasmissione radiofonica "Sconfinamenti" e, contemporaneamente, a TV Capodistria la trasmissione settimanale di approfondimento "Parliamo di..." (oltre 400 trasmissioni realizzate).

La sua carriera si è conclusa nel 2016 con l'unico rammarico di non aver mai lavorato a un settimanale perché era quello lo spazio più congeniale al suo stile. Ha pubblicato quattro libri in rapida successione (un libro all'anno), che rappresentano la sintesi del suo lavoro di giornalista. Sono scritti in croato, la lingua che ha usato di più. Ora partecipa alle attività della "Giusto Curto" come giornalista e ideatore di spettacoli. Nei primi anni Novanta ha fondato e diretto per tre anni il mensile della Comunità Italiana di Rovigno, "Le Cronache", molto seguito anche da chi non ne condivideva la linea editoriale. (Comunicato stampa)

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Mostre sull'Istria presentate nella newsletter Kritik

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Ritratto di signora in viaggio | Un'americana cosmopolita nel mondo di Henry James
di Gottardo Pallastrelli, Donzelli Editore, 2018

Il libro ripercorre la vita di Caroline Fitzgerald e della sua famiglia,facendo luce su esistenze affascinanti e sul suo profondo legame con Henry James. Nei romanzi e dei racconti di Henry James, la protagonista più nota è senz'altro quella di Ritratto di signora, Isabel Archer. Diversi, però, sono i personaggi femminili che dalle sponde americane dell'oceano giungono in Europa, più spesso a Londra, in cerca di un matrimonio aristocratico e poi, da lì, in Italia inseguendo il sogno della bellezza e il fascino di antiche culture e civiltà. Ma c'è un'altra signora, realmente vissuta e rimasta finora ignota, legata a James dalla scrittura - quella di un carteggio con lui, venuto solo ora alla luce.

E' a lei che è dedicata questa biografia che, attraverso lettere, diari e documenti d'epoca, ricostruisce un reale ritratto di signora nel quale è inevitabile scorgere le fattezze di un'ideale eroina jamesiana: Caroline Fitzgerald. Molto nota nell'alta società newyorchese, Caroline ben presto si trasferì a Londra. Fu in un brillante salotto di Kensington che avvenne il primo incontro con lo scrittore americano, il quale, in una lettera a Edith Wharton, ne descrive «la bellezza trascurata». James frequentava le donne dall'eleganza sofisticata della migliore società internazionale, e Caroline non ricalcava lo stereotipo della giovane ereditiera americana in Europa tanto in voga in quegli anni.

Lei che era colta, ricca, innamorata della poesia e talmente affascinata dall'Oriente da aver studiato il sanscrito e da vestire lunghe tuniche esotiche, era infatti decisamente lontana da quel cliché. Dopo il divorzio da un Lord inglese, si innamorò di un medico ed esploratore italiano, Filippo De Filippi. Sia pur tra le righe delle sue lettere - uscite oggi dagli archivi degli eredi della famiglia De Filippi - James sembrò incoraggiare quella scelta e, negli anni che seguirono, spesso incontrò Caroline costatandone la nuova felicità. Imperdibili sono alcuni resoconti che James scrive delle sue gite in Italia a bordo di una delle primissime automobili del secolo di proprietà della coppia.

Il viaggio fu, del resto, la cifra dell'esistenza di una donna intraprendente che andò fino in Caucaso e poi in India al seguito delle esplorazioni del marito - e di ogni dove, Caroline riportava bellezze ed emozioni nel carteggio con James e gli altri amici della vecchia Europa. Una vita inconsueta vissuta appieno in poco più di quarant'anni e finita a Roma il giorno di Natale del 1911. Leggere oggi la sua biografia, attraverso le tante pagine di suo pugno, è come leggere in controluce un romanzo jamesiano mai scritto, o meglio ancora sbirciare nel vissuto di James fatto di incontri con donne e uomini reali da cui lo scrittore attingeva spunti per i suoi capolavori. E d'altra parte fu la stessa Caroline a supporre in lui una curiosità «professionale» a proposito di un suo fratello, esploratore di fama internazionale: «Henry James è venuto da noi per il tè questo pomeriggio - annotava in una lettera del 22 maggio 1896 - e ha continuato a farmi domande su Edward il quale, ne sono certa, finirà in uno dei suoi prossimi romanzi». Il forte sospetto, scoprendo oggi la vita di Caroline, è che sia stata invece lei a fornire a James più di una suggestione per le sue indimenticabili protagoniste femminili. (Comunicato ufficio stampa Maria Bonmassar)

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Errantia
Poesia in forma di ritratto
di Gonzalo Alvarez Garcia

Il libro è stato presentato il 7 agosto 2018 alla Galleria d'arte Studio 71, a Palermo
www.studio71.it

Scrive l'autore in una sua nota nel libro "... Se avessi potuto comprendere il segreto del geranio nel giardino di casa o della libellula rossa che saltellava nell'aria sopra i papiri in riva al fiume Ciane, a Siracusa, avrei capito anche me steso. Ma non capivo. Ad ogni filo d'erba che solleticava la mia pelle entravo nella delizia delle germinazioni infinite e sprofondavo nel mistero. Sentivo confusamente di appartenere all'Universo, come il canto del grillo. Ma tutto il mio sapere si fermava li. Ascoltavo le parole, studiavo i gesti delle persone intorno a me come il cacciatore segue le tracce della preda, convinto che le parole e i gesti degli uomini sono una sorta di etimologia. Un giorno o l'altro, mi avrebbero portato a catturare la verità.... Mi rivolsi agli Dei e gli Dei rimasero muti. Mi rivolsi ai saggi e i saggi aggiunsero alle mie altre domande ancora più ardue. Seguitai a camminare. Incontrai la donna, che non pose domande. Mi accolse con la sua grazia ospitale. Da Lei ho imparato ad amare l'aurora e il tramonto...". Un libro che ripercorre a tappe e per versi, la sua esistenza di ragazzo e di uomo, di studioso e di poeta, di marito e padre. Errantia, Poesia in forma di ritratto, con una premessa di Aldo Gerbino è edito da Plumelia edizioni. (Comunicato stampa)

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L'ultima diva dice addio
di Vito di Battista, ed. SEM Società Editrice Milanese, pp. 224, cartonato con sovracoperta, cm.14x21,5 €15,00
www.otago.it

E' la notte di capodanno del 1977 quando Molly Buck, stella del cinema di origine americana, muore in una clinica privata alle porte di Firenze. Davanti al cancello d'ingresso è seduto un giovane che l'attrice ha scelto come suo biografo ufficiale. E' lui ad avere il compito di rendere immortale la storia che gli è stata data in dono. E forse molto di più. Inizia così il racconto degli eventi che hanno portato Molly Buck prima al successo e poi al ritiro dalle scene, lontana da tutto e da tutti nella casa al terzo piano di una palazzina liberty d'Oltrarno, dove lei e il giovane hanno condiviso le loro notti insonni. Attraverso la maestosa biografia di un'attrice decaduta per sua stessa volontà, L'ultima diva dice addio mette in scena una riflessione sulla memoria e sulla menzogna, sul potere della parola e sulla riduzione ai minimi termini a cui ogni esistenza è sottoposta quando deve essere rievocata. Un romanzo dove i capitoli ricominciano ciclicamente con le stesse parole e canzoni dell'epoca scandiscono lo scorrere del tempo, mentre la biografia di chi ricorda si infiltra sempre più nella biografia di chi viene ricordato. Vito di Battista (San Vito Chietino, 1986) ha vissuto e studiato a Firenze e Bologna. Questo è il suo primo romanzo. (Comunicato Otago Literary Agency)

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Il passato non passa mai - Tutte le guerre sono bugiarde
di Michele De Ruggieri, ed. Europa Edizioni, 162 pagine, euro 13,90

E' la guerra che si dovrebbe raccontare nelle scuole, al di là di date, vittorie e sconfitte, quella raccontata nel romanzo di Michele De Ruggieri. La presentazione è organizzata in collaborazione con il Polo Museale della Basilicata. Il Circolo La Scaletta ha concesso il patrocinio. Interverrà l'autore che dialogherà con la giornalista Sissi Ruggi. Michele De Ruggieri racconta con una prosa schietta e molto curata una storia che prende avvio nel settembre 1916 con il protagonista che viene chiamato alle armi. Fra la famiglia che tenta senza riuscirvi di non farlo mandare al fronte, la guerra di trincea e la prigionia, sin dalle prime pagine e confermando il titolo il romanzo è una chiara condanna della guerra. La penna di Michele De Ruggieri sceglie di raccontare tutto questo attraverso un'attenta ricostruzione storica e i sentimenti. Dalla paura di essere uccisi alla lotta per la sopravvivenza nel campo di concentramento, dove la fame cambia la gerarchia dei valori. Basta una lettera da casa, che fa intravedere la vita, e le lacrime che accompagnano la lettura restituiscono gli uomini a loro stessi.

- Sinossi

E' il 28 giugno 1914; in tutta Europa giunge la notizia dell'attentato di Sarajevo. Un mese dopo, la prima dichiarazione di guerra. Pochi sanno quali proporzioni assumerà il conflitto e quanti milioni di uomini farà cadere. Idealismi improbabili e frasi piene di retorica furono sufficienti per infervorare gli animi di tanti che non avevano idea di cosa li aspettasse. In piazza si gridava "viva la guerra!" e sul fronte si moriva. Pietro è un giovane che riesce, grazie alle sue conoscenze, ad evitare il fronte, vivendo il conflitto mondiale da una posizione privilegiata e sicura. Almeno così sembra... Dopo la disfatta di Caporetto, infatti, le carte in tavola cambiano completamente. Pietro si ritrova prima in trincea, poi in un campo di concentramento, a tentare disperatamente di tenersi stretta la vita e a guardare negli occhi i suoi compagni che non ci riescono, soccombendo all'orrore di uno dei periodi più oscuri della storia dell'umanità. Ne uscirà totalmente trasformato.

Michele De Ruggieri (Palagiano - Taranto, 1938), di famiglia lucana, ha studiato e conseguito la laurea in farmacia. Si è sempre interessato di Storia Contemporanea e Storia dell'arte. Il passato non passa mai - Tutte le guerre sono bugiarde, è il secondo romanzo di Michele De Ruggieri. Nel 2010 ha pubblicato il romanzo storico Al di qua del Faro (Guida Editori), ambientato tra le montagne lucane e il golfo di Napoli agli albori dell'Unità d'Italia. (Comunicato stampa)

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Luigi Pirandello. Una biografia politica
di Ada Fichera, ed. Polistampa
www.polistampa.com

L'adesione di Pirandello al fascismo, il suo rapporto col regime e con la censura, le idee di fondo del suo pensiero politico: sono gli elementi chiave del saggio di Ada Fichera. Con l'autrice dialogheranno il giornalista e scrittore Mario Bernardi Guardi e l'editore Antonio Pagliai. Letture a cura di Dylan (Dimensione Suono Soft). Luigi Pirandello è stato sempre analizzato sotto il profilo strettamente letterario o puramente storico. Il saggio di Ada Fichera, frutto di una ricerca su documenti d'archivio inediti, rilegge per la prima volta la sua figura ricostruendone la vita in chiave politica. Dal testo, arricchito da una prefazione di Marcello Veneziani, emergono aspetti chiave del pensiero pirandelliano come la coscienza del fallimento degli ideali borghesi, l'idea del potere nelle mani di uno e non di una maggioranza, la tendenza all'azione. (Comunicato stampa)

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Zenobia l'ultima regina d'Oriente
L'assedio di Palmira e lo scontro con Roma
di Lorenzo Braccesi, Salerno editrice, 2017, p.200, euro 13,00

Il sogno dell'ultima regina d'Oriente era di veder rinascere un grande regno ellenistico dal Nilo al Bosforo, piú esteso di quello di Cleopatra, ma la sua aspirazione si infranse per un errore di valutazione politica: aver considerato l'impero di Roma prossimo alla disgregazione. L'ultimo atto delle campagne orientali di Aureliano si svolse proprio sotto le mura di Palmira, l'esito fu la sconfitta della regina Zenobia e la sua deportazione a Roma, dove l'imperatore la costrinse a sfilare come simbolo del suo trionfo. Le rovine monumentali di Palmira - oggi oggetto di disumana offesa - ci parlano della grandezza del regno di Zenobia e della sua resistenza eroica. Ancora attuale è la tragedia di questa città: rimasta intatta nei secoli, protetta dalle sabbie del deserto, è crollata sotto la furia della barbarie islamista.

Lorenzo Braccesi ha insegnato nelle università di Torino, Venezia e Padova. Si è interessato a tre aspetti della ricerca storica: colonizzazione greca, società augustea, eredità della cultura classica nelle letterature moderne. I suoi saggi piú recenti sono dedicati a storie di donne: Giulia, la figlia di Augusto (Roma-Bari 2014), Agrippina, la sposa di un mito (Roma-Bari 2015), Livia (Roma 2016). (Comunicato stampa)

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Napoleone Colajanni tra partito municipale e nazionalizzazione della politica
Lotte politiche e amministrative in provincia di Caltanissetta (1901-1921)

di Marco Sagrestani, Polistampa, 2017, collana Quaderni della Nuova Antologia, pag. 408
www.leonardolibri.com

Napoleone Colajanni (1847-1921) fu una figura di rilievo nel panorama politico italiano del secondo Ottocento. Docente e saggista, personalità di notevole levatura intellettuale, si rese protagonista di importanti battaglie politiche, dall'inchiesta parlamentare sulla campagna in Eritrea alla denuncia dello scandalo della Banca Romana. Il saggio ricostruisce il ruolo da lui svolto nella provincia di Caltanissetta, in particolare nella sua città natale Castrogiovanni e nell'omonimo collegio elettorale. In un'area dove la lotta politica era caratterizzata da una pluralità di soggetti collettivi - democratici, repubblicani, costituzionali, socialisti e cattolici - si pose come centro naturale di aggregazione delle sparse forze democratiche, con un progetto di larghe convergenze finalizzato alla rinascita politica, economica e morale della sua terra. (Comunicato stampa)

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Stappiamolarte
www.al-cantara.it/news/stappiamo-larte

La pubblicazione realizzata con le opere di 68 artisti provenienti dalle diverse parti d'Italia è costituita da immagini di istallazioni e/o dipinti realizzati servendosi dei tappi dell'azienda. All'artista, infatti, è stata data ampia libertà di esecuzione e, ove lo avesse ritenuto utile, ha utilizzato, assieme ai tappi, altro materiale quale legno, vetro, stoffe o pietre ma anche materiali di riciclo. Nel sito di Al-Cantara, si può sfogliare il catalogo con i diversi autori e le relative opere. Nel corso della giornata sarà possibile visitare i vigneti, la cantina dell'azienda Al-Cantàra ed il " piccolo museo" che accoglie le opere realizzate.

Scrive nel suo testo in catalogo Vinny Scorsone: "...L'approccio è stato ora gioioso ora riflessivo e malinconico; sensuale o enigmatico; elaborato o semplice. Su esso gli artisti hanno riversato sensazioni e pensieri. A volte esso è rimasto tale anche nel suo ruolo mentre altre la crisalide è divenuta farfalla varcando la soglia della meraviglia. Non c'è un filo comune che leghi i lavori, se non il fatto che contengano dei tappi ed è proprio questa eterogeneità a rendere le opere realizzate interessanti. Da mano a semplice cornice, da corona a bottiglia, da schiuma a poemetto esso è stato la fonte, molto spesso, di intuizioni artistiche singolari ed intriganti. Il rosso del vino è stato sostituito col colore dell'acrilico, dell'olio. Il tappo inerte, destinato a perdersi, in questo modo, è stato elevato ad oggetto perenne, soggetto d'arte in grado di valicare i confini della sua natura deperibile...". (Comunicato stampa)

Visualizza versione ingrandita della locandina della presentazione del volume

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Stelle in silenzio
di Annapaola Prestia, Europa Edizioni, 2016, euro 15,90

Millecinquecento chilometri da percorrere in automobile in tre giorni, dove ritornano alcuni luoghi cari all'autrice, già presenti in altri suoi lavori. La Sicilia e l'Istria fanno così da sfondo ad alcune tematiche forti che il romanzo solleva. Quante è importante l'influenza di familiari che non si hanno mai visto? Che valore può avere un amore di breve durata, se è capace di cambiare un destino? Che peso hanno gli affetti che nel quotidiano diventano tenui, o magari odiosi? In generale l'amore è ciò che lega i personaggi anche quando sembra non esserci, in un percorso che è una ricerca di verità tenute a lungo nascoste.

Prestia torna quindi alla narrativa dopo il suo Caro agli dei" (edito da "Il Filo", giugno 2008), che ha meritato il terzo premio al "Concorso nazionale di narrativa e poesia F. Bargagna" e una medaglia al premio letterario nazionale "L'iride" di Cava de'Tirreni, sempre nel 2009. Il romanzo è stato presentato dal giornalista Nino Casamento a Catania, dallo scrittore Paolo Maurensig a Udine, dallo psicologo Marco Rossi di Loveline a Milano. Anche il suo Ewas romanzo edito in ebook dalla casa editrice Abel Books nel febbraio 2016, è arrivato semifinalista al concorso nazionale premio Rai eri "La Giara" edizione 2016 (finalista per la regione Friuli Venezia Giulia) mentre Stelle in silenzio, come inedito, è arrivato semifinalista all'edizione del 2015 del medesimo concorso.

Annapaola Prestia (Gorizia, 1979), Siculo-Istriana di origine e Monfalconese di adozione, lavora dividendosi tra la sede della cooperativa per cui collabora a Pordenone e Trieste, città in cui gestisce il proprio studio psicologico. Ama scrivere. Dal primo racconto ai romanzi a puntate e alle novelle pubblicati su riviste a tiratura nazionale, passando per oltre venti pubblicazioni in lingua inglese su altrettante riviste scientifiche specializzate in neurologia e psicologia fino al suo primo romanzo edito Caro agli dei... la strada è ancora tutta in salita ma piena di promesse.

Oltre a diverse fan-fiction pubblicate su vari siti internet, ha partecipato alla prima edizione del premio letterario "Star Trek" organizzato dallo STIC - Star Trek Italian Club, ottenendo il massimo riconoscimento. Con suo fratello Andrea ha fondato la U.S.S. Julia, un fan club dedicato a Star Trek e alla fantascienza. Con suo marito Michele e il suo migliore amico Stefano, ha aperto una gelateria a Gradisca d'Isonzo, interamente dedicata alla fantascienza e al fantasy, nella quale tenere vive le tradizioni gastronomiche della Sicilia sposandole amabilmente con quelle del Nord Est d'Italia. (Comunicato Ufficio stampa Emanuela Masseria)

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I quaranta giorni del Mussa Dagh
di Franz Werfel, ed. Corbaccio, pagg.918, €22,00
www.corbaccio.it

«Quest'opera fu abbozzata nel marzo dell'anno 1929 durante un soggiorno a Damasco, in Siria. La visione pietosa di fanciulli profughi, mutilati e affamati, che lavoravano in una fabbrica di tappeti, diede la spinta decisiva a strappare dalla tomba del passato l'inconcepibile destino del popolo armeno.» Grande e travolgente romanzo, narra epicamente il tragico destino del popolo armeno, minoranza etnica odiata e perseguitata per la sua antichissima civiltà cristiana, in eterno contrasto con i turchi, con il grande Impero ottomano detentore del potere. Verso la fine del luglio 1915 circa cinquemila armeni perseguitati dai turchi si rifugiarono sul massiccio del Mussa Dagh, a Nord della baia di Antiochia.

Fino ai primi di settembre riuscirono a tenere testa agli aggressori ma poi, cominciando a scarseggiare gli approvvigionamenti e le munizioni, sarebbero sicuramente stati sconfitti se non fossero riusciti a segnalare le loro terribili condizioni a un incrociatore francese. Su quel massiccio dove per quaranta giorni vive la popolazione di sette villaggi, in un'improvvisata comunità, si ripete in miniatura la storia dell'umanità, con i suoi eroismi e le sue miserie, con le sue vittorie e le sue sconfitte, ma soprattutto con quell'affiato religioso che permea la vita dell'universo e dà a ogni fenomeno terreno un significato divino che giustifica il male con una lungimirante, suprema ragione di bene.

Dentro il poema corale si ritrovano tutti i drammi individuali: ogni personaggio ha la sua storia, ogni racconto genera un racconto. Fra scene di deportazioni, battaglie, incendi e morti, ora di una grandiosità impressionante, ora di una tragica sobrietà scultorea, ma sempre di straordinaria potenza rappresentativa, si compone quest'opera fondamentale dell'epica moderna. Pubblicata nel 1933 I quaranta giorni del Mussa Dagh è stata giustamente considerata la più matura creazione di Werfel nel campo della narrativa. Franz Werfel (Praga, 1890 - Los Angeles, 1945) dopo la Prima guerra mondiale si stabilì a Vienna, dove si impose come uno dei protagonisti della vita letteraria mitteleuropea. All'avvento del nazismo emigrò in Francia e poi negli Stati Uniti. Oltre a I quaranta giorni del Mussa Dagh, Verdi. Il romanzo dell'opera, che rievoca in modo appassionato e realistico la vita del grande musicista italiano. (Comunicato Ufficio Stampa Corbaccio)

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- 56esima Esposizione Internazionale d'Arte della Biennale di Venezia
Padiglione nazionale della Repubblica di Armenia
Presentazione rassegna

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Cuori nel pozzo
Belgio 1956. Uomini in cambio di carbone.
di Roberta Sorgato
www.danteisola.org

Il libro rievoca le condizioni di vita precedenti alla grande trasformazione degli anni Sessanta del Novecento, e la durissima realtà vissuta dagli emigrati italiani nelle miniere di carbone del Belgio, è un omaggio rivolto ai tanti che consumarono le loro vite fino al sacrificio estremo, per amore di quanti erano rimasti a casa, ad aspettarli. Pagine spesso commosse, dedicate a chi lasciò il paese cercando la propria strada per le vie del mondo. L'Italia li ha tenuti a lungo in conto di figliastri, dimenticandoli. La difficoltà di comunicare, le enormi lontananze, hanno talvolta smorzato gli affetti, spento la memoria dei volti e delle voci. Mentre in giro per l'Europa e oltre gli oceani questi coraggiosi costruivano la loro nuova vita. Ciascuno con la nostalgia, dove si cela anche un po' di rancore verso la patria che li ha costretti a partire.

Qualcuno fa i soldi, si afferma, diventa una personalità. Questi ce l'hanno fatta, tanti altri consumano dignitosamente la loro vita nell'anonimato. Altri ancora muoiono in fondo a un pozzo, cadendo da un'impalcatura, vittime dei mille mestieri pesanti e pericolosi che solo gli emigranti accettano di fare. Ora che cinquant'anni ci separano dalla nostra esperienza migratoria, vissuta dai predecessori per un buon secolo, la memorialistica si fa più abbondante. Esce dalla pudica oralità dei protagonisti, e grazie ai successori, più istruiti ed emancipati si offre alla storia comune attraverso le testimonianze raccolte in famiglia. Con la semplicità e l'emozione che rendono più immediata e commossa la conoscenza. (Estratto da comunicato stampa di Ulderico Bernardi)

La poetessa veneta Roberta Sorgato, insegnante, nata a Boussu, in Belgio, da genitori italiani, come autrice ha esordito nel 2002 con il romanzo per ragazzi "Una storia tutta... Pepe" seguito nel 2004 da "All'ombra del castello", entrambi editi da Tredieci (Oderzo - TV). Il suo ultimo lavoro, "La casa del padre" inizialmente pubblicato da Canova (Treviso) ed ora riproposto nella nuova edizione della ca-sa editrice Tracce (Pescara).

«L'Italia non brilla per memoria. Tante pagine amare della nostra storia sono cancellate o tenute nell'oblio. Roberta Sorgato ha avuto il merito di pescare, dal pozzo dei ricordi "dimenticati", le vicende dei nostri minatori in Belgio e di scrivere "Cuori nel pozzo" edizioni Marsilio, sottotitolo: "Belgio 1956. Uomini in cambio di carbone". Leggendo questo romanzo - verità, scritto in maniera incisiva e con grande e tragico realismo, si ha l'impressione di essere calati dentro i pozzi minerari, tanto da poter avere una vi-sione intima e "rovesciata" del titolo ("Pozzi nel cuore" potrebbe essere il titolo "ad honorem" per un lettore ideale, così tanto sensibile a questi temi).

Un lettore che ha quest'ardire intimista di seguire la scrittrice dentro queste storie commoventi, intense, drammatiche - e che non tengono conto dell'intrattenimento letterario come lo intendiamo comunemente - è un lettore che attinge dal proprio cuore ed è sospinto a rivelarsi più umano e vulnerabile di quanto avesse mai osato pensare. In questo libro vige lo spettacolo eterno dei sentimenti umani; e vige in rela-zione alla storia dell'epoca, integrandosi con essa e dandoci un ritratto di grande effetto. Qui troviamo l'Italia degli anni cinquanta che esce dalla guerra, semplice e disperata, umile e afflitta dai ricordi bellici. Troviamo storie di toccanti povertà; così, insieme a quell'altruismo che è proprio dell'indigenza, e al cameratismo che si fa forte e si forgia percorrendo le vie drammatiche della guerra, si giunge ai percorsi umani che strappavano tanti italiani in cerca di fortuna alle loro famiglie.

L'emigrazione verso i pozzi minerari belgi rappresentava quella speranza di "uscire dalla miseria". Pochi ce l'hanno fatta, molti hanno pagato con una morte atroce. Tutti hanno subito privazioni e vessazioni, oggi inimmaginabili. Leggere di Tano, Nannj, Caio, Tonio, Angelina e tanti altri, vuol dire anche erigere nella nostra memoria un piccolo trono per ciascuno di loro, formando una cornice regale per rivisitare quegli anni che, nella loro drammaticità, ci consentono di riflettere sull'"eroismo" di quelle vite tormentate, umili e dignitose.» (Estratto da articolo di Danilo Stefani, 4 gennaio 2011)

«"Uomini in cambio di carbone" deriva dal trattato economico italo-belga del giugno 1946: l'accordo prevedeva che per l'acquisto di carbone a un prezzo di favore l'Italia avrebbe mandato 50 mila uomini per il lavoro in miniera. Furono 140 mila gli italiani che arrivarono in Belgio tra il 1946 e il 1957. Fatti i conti, ogni uomo valeva 2-3 quintali di carbone al mese.» (In fondo al pozzo - di Danilo Stefani)

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La passione secondo Eva
di Abel Posse, ed. Vallecchi - collana Romanzo, pagg.316, 18,00 euro
www.vallecchi.it

Eva Duarte Perón (1919-1952), paladina dei diritti civili ed emblema della Sinistra peronista argentina, fu la moglie del presidente Juan Domingo Perón negli anni di maggior fermento politico della storia argentina; ottenne, dopo una lunga battaglia politica, il suffragio universale ed è considerata la fondatrice dell'Argentina moderna. Questo romanzo, costruito con abilità da Abel Posse attraverso testimonianze autentiche di ammiratori e detrattori di Evita, lascia il segno per la sua capacità di riportare a una dimensione reale il mito di colei che è non soltanto il simbolo dell'Argentina, ma uno dei personaggi più noti e amati della storia mondiale.

Abel Posse (Córdoba - Argentina, 1934), diplomatico di carriera, giornalista e scrittore di fama internazionale. Studioso di politica e storia fra i più rappresentativi del suo paese. Fra i suoi romanzi più famosi ricordiamo Los perros del paraíso (1983), che ha ottenuto il Premio Ròmulo Gallegos maggior riconoscimento letterario per l'America Latina. La traduttrice Ilaria Magnani è ricercatrice di Letteratura ispano-americana presso l'Università degli Studi di Cassino. Si occupa di letteratura argentina contemporanea, emigrazione e apporto della presenza italiana. Ha tradotto testi di narrativa e di saggistica dallo spagnolo, dal francese e dal catalano.

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Odissea Viola. Aspettando Ulisse lo Scudetto
di Rudy Caparrini, ed. NTE, collana "Violacea", 2010
www.rudycaparrini.it

Dopo Azzurri... no grazie!, Rudy Caparrini ci regala un nuovo libro dedicato alla Fiorentina. Come spiega l'autore, l'idea è nata leggendo il capitolo INTERpretazioni del Manuale del Perfetto Interista di Beppe Severgnini, nel quale il grande scrittore e giornalista abbina certe opere letterarie ad alcune squadre di Serie A. Accorgendosi che manca il riferimento alla Fiorentina, il tifoso e scrittore Caparrini colma la lacuna identificando ne L'Odissea l'opera idonea per descrivere la storia recente dei viola. Perché Odissea significa agonia, sofferenza, desiderio di tornare a casa, ma anche voglia di complicarsi la vita sempre e comunque. Ampliando il ragionamento, Caparrini sostiene che nell'Odissea la squadra viola può essere tre diversi personaggi: Penelope che aspetta il ritorno di Ulisse lo scudetto; Ulisse, sempre pronto a compiere un "folle volo" e a complicarsi la vita; infine riferendosi ai tifosi nati dopo il 1969, la Fiorentina può essere Telemaco, figlio del padre Ulisse (ancora nei panni dello scudetto) di cui ha solo sentito raccontare le gesta ma che mai ha conosciuto.

Caparrini sceglie una serie di episodi "omerici", associabili alla storia recente dei viola, da cui scaturiscono similitudini affascinanti: i Della Valle sono i Feaci (il popolo del Re Alcinoo e della figlia Nausicaa), poiché soccorrono la Fiorentina vittima di un naufragio; il fallimento di Cecchi Gori è il classico esempio di chi si fa attrarre dal Canto delle Sirene; Edmundo che fugge per andare al Carnevale di Rio è Paride, che per soddisfare il suo piacere mette in difficoltà l'intera squadra; Tendi che segna il gol alla Juve nel 1980 è un "Nessuno" che sconfigge Polifemo; Di Livio che resta coi viola in C2 è il fedele Eumeo, colui che nell'Odissea per primo riconosce Ulisse tornato ad Itaca e lo aiuta a riconquistare la reggia. Un'Odissea al momento incompiuta, poiché la Fiorentina ancora non ha vinto (ufficialmente) il terzo scudetto, che corrisponde all'atto di Ulisse di riprendersi la sovranità della sua reggia a Itaca. Ma anche in caso di arrivasse lo scudetto, conclude Caparrini, la Fiorentina riuscirebbe a complicarsi la vita anche quando tutto potrebbe andare bene. Come Ulisse sarebbe pronta sempre a "riprendere il mare" in cerca di nuove avventure. Il libro è stato presentato il 22 dicembre 2010 a Firenze, nella Sala Incontri di Palazzo Vecchio.

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Leni Riefenstahl. Un mito del XX secolo
di Michele Sakkara, ed. Edizioni Solfanelli, pagg.112, €8,00
www.edizionisolfanelli.it

«Il Cinema mondiale in occasione della scomparsa di Leni Riefenstahl, si inchina riverente davanti alla Salma di colei che deve doverosamente essere ricordata per i suoi geniali film, divenuti fondamentali nella storia del cinema.» Questo l'epitaffio per colei che con immagini di soggiogante bellezza ha raggiunto magistralmente effetti spettacolari. Per esempio in: Der Sieg des Glaubens (Vittoria della fede, 1933), e nei famosissimi e insuperati Fest der Völker (Olympia, 1938) e Fest der Schönheit (Apoteosi di Olympia, 1938).

Michele Sakkara, nato a Ferrara da padre russo e madre veneziana, ha dedicato tutta la sua esistenza allo studio, alla ricerca, alla regia, alla stesura e alla realizzazione di soggetti, sceneggiature, libri (e perfino un'enciclopedia), ed è stato anche attore. Assistente e aiuto regista di Blasetti, Germi, De Sica, Franciolini; sceneggiatore e produttore (Spagna, Ecumenismo, La storia del fumetto, Martin Lutero), autore di una quarantina di documentari per la Rai.

Fra le sue opere letterarie spicca l'Enciclopedia storica del cinema italiano. 1930-1945 (3 voll., Giardini, Pisa 1984), un'opera che ha richiesto anni di ricerche storiche; straordinari consensi ebbe in Germania per Die Grosse Zeit Des Deutschen Films 1933-1945 (Druffel Verlag, Leoni am Starnberg See 1980, 5 edizioni); mentre la sua ultima opera Il cinema al servizio della politica, della propaganda e della guerra (F.lli Spada, Ciampino 2005) ha avuto una versione in tedesco, Das Kino in den Dienst der Politik, Propaganda und Krieg (DSZ-Verlag, München 2008) ed è stato ora tradotta in inglese.

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1915 - Cronaca di un genocidio
La tragedia del popolo Armeno raccontata dai giornali italiani dell'epoca
di Emanuele Aliprandi, ed. MyBook, 2009
www.comunitaarmena.it

Libro unico del suo genere, pubblicato alla soglia del 95esimo anniversario del genocidio armeno e all'indomani della firma dei protocolli sullo stabilimento delle relazioni diplomatiche tra Armenia e Turchia. Emanuele Aliprandi è membro del Consiglio e responsabile del periodico Akhtamar On-Line. La prefazione è firmata da Marco Tosatti, giornalista e vaticanista de "La Stampa".

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L'Immacolata nei rapporti tra l'Italia e la Spagna
a cura di Alessandra Anselmi

Il volume ripercorre la storia dell'iconografia immacolistica a partire dalla seconda metà del Quattrocento quando, a seguito dell'impulso impresso al culto della Vergine con il pontificato di Sisto IV (1471-1484), i sovrani spagnoli si impegnano in un'intensa campagna volta alla promulgazione del dogma. Di grande rilevanza le ripercussioni nelle arti visive: soprattutto in Spagna, ma anche nei territori italiani più sensibili, per vari motivi, all'influenza politica, culturale e devozionale spagnola. Il percorso iconografico è lungo e complesso, con notevoli varianti sia stilistiche che di significato teologico: il punto d'arrivo è esemplato sulla Donna dell'Apocalisse, i cui caratteri essenziali sono tratti da un versetto del testo giovanneo.

Il libro esplora ambiti culturali e geografici finora ignorati o comunque non sistemati: la Calabria, Napoli, Roma, la Repubblica di Genova, lo Stato di Milano e il Principato Vescovile di Trento in un arco cronologico compreso tra la seconda metà del Quattrocento e il Settecento e, limitatamente a Roma e alla Calabria, sino all'Ottocento, recuperando all'attenzione degli studi una produzione artistica di grande pregio, una sorta di 'quadreria "ariana" ricca di capolavori già noti, ma incrementata dall'acquisizione di testimonianze figurative in massima parte ancora inedite.

Accanto allo studio più prettamente iconografico - che si pregia di interessanti novità, quali l'analisi della Vergine di Guadalupe, in veste di Immacolata India - il volume è sul tema dell'Immacolata secondo un'ottica che può definirsi plurale affrontando i molteplici contesti - devozionali, cultuali, antropologici, politici, economici, sociali - che interagiscono in un affascinante gioco di intrecci. (Estratto da comunicato stampa Ufficio stampa Soprintendenza per i Beni Storici, Artistici ed Etnoantropologici della Calabria)

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Mario Del Monaco: Dietro le quinte - Le luci e le ombre di Otello
(Behind the scenes - Othello in and out of the spotlight)
di Paola Caterina Del Monaco, prefazione di Enrico Stinchelli, Aerial Editrice, 2007
Presentazione

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Le stelle danzanti. Il romanzo dell'impresa fiumana
di Gabriele Marconi, ed. Vallecchi, pagg.324, Euro 15,00
www.vallecchi.it

L'Impresa fiumana fu un sogno condiviso e realizzato. Uno slancio d'amore che non ha eguali nella storia. D'Annunzio, fu l'interprete ispiratore di quello slancio, il Comandante, il Vate che guidò quella straordinaria avventura, ma protagonisti assoluti furono i tantissimi giovani che si riversarono nella città irredenta e là rimasero per oltre un anno. L'età media dei soldati che, da soli o a battaglioni interi, parteciparono all'impresa era di ventitré anni. Il simbolo di quell'esperienza straordinaria furono le stelle dell'Orsa Maggiore, che nel nostro cielo indicano la Stella Polare. Il romanzo narra le vicende di Giulio Jentile e Marco Paganoni, due giovani arditi che hanno stretto una salda amicizia al fronte. Dopo la vittoria, nel novembre del 1918 si recano a Trieste per far visita a Daria, crocerossina ferita in battaglia di cui sono ambedue innamorati.

Dopo alcuni giorni i due amici faranno ritorno alle rispettive famiglie ma l'inquietudine dei reduci impedisce un ritorno alla normalità. Nel febbraio del 1920 li ritroviamo a Fiume, ricongiungersi con Daria, uniti da un unico desiderio. Fiume è un calderone in ebollizione: patrioti, artisti, rivoluzionari e avventurieri di ogni parte d'Europa affollano la città in un clima rivoluzionario-libertino. Marco è tra coloro che sono a stretto contatto con il Comandante mentre Giulio preferisce allontanarsi dalla città e si unisce agli uscocchi, i legionari che avevano il compito di approvvigionare con i beni di prima necessità anche con azioni di pirateria. (...) Gabriele Marconi (1961) è direttore responsabile del mensile "Area", è tra i fondatori della Società Tolkieniana Italiana e il suo esordio narrativo è con un racconto del 1988 finalista al Premio Tolkien.

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