Kritik Newsletter Indipendente di Ninni Radicini Mostre d'arte, Iniziative culturali, Recensione Libri, Attualità   Per ricevere la newsletter Kritik, inviare una e-mail (senza testo)

Prima del nuovo numero di Kritik... Mostre    Iniziative culturali    Libri    E-mail Link Arte    Numeri precedenti    Cataloghi da mostre La Grecia contemporanea (1974-2006) di Rudy Caparrini, Vincenzo Greco, Ninni Radicini prefazione di Antonio Ferrari, giornalista, corrispondente da Atene per il Corriere della Sera ed. Polistampa, 2007 Presentazione | Articoli sulla Grecia

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Vivian Maier Mostre in Italia

«Pirandello» Poesia di Nidia Robba

Germania 2018: Elezione nuovo Presidente dei Socialdemocratici

Locandine rassegne

Maria Callas Articolo

Tazio Nuvolari Mostre

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Mostre e iniziative a cura di Marianna Accerboni: 2018-2017 | 2016 | 2015 | 2014 | 2013 | 2012 | 2011 | 2010 | 2009 | 2007-08

Grecia Moderna e Mondo Ellenico (Iniziative culturali): 2018-2017 | 2016 | 2015 | 2014 | 2013 | 2012 | 2011 | 2010-2009 | 2007-2008

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W. Eugene Smith: Pittsburgh
Ritratto di una città industriale

termina il 16 settembre 2018
Mast.Gallery - Bologna
www.mast.org

Per la prima volta in Italia una mostra interamente dedicata all'opera che il fotografo americano W. Eugene Smith (1918-1978) ha realizzato a partire dal 1955 su Pittsburgh, (Pennsylvania, Usa), la città industriale più famosa del primo Novecento. L'esposizione, a cura di Urs Stahel, propone il nucleo principale di questo lavoro magnifico e sofferto: 170 stampe vintage provenienti dalla collezione del Carnegie Museum of Art di Pittsburgh sulla città e insieme sull'America degli anni Cinquanta, tra luci, ombre e promesse di felicità e progresso. Il progetto, considerato da Smith l'impresa più ambiziosa della propria carriera, segnò un momento di svolta nella vita professionale e personale del fotografo.

A trentasei anni, dopo i successi e la notorietà ottenuti documentando come fotoreporter alcuni dei principali avvenimenti della seconda guerra mondiale per "Life", Smith decise di chiudere con la rivista e con i mal tollerati vincoli imposti dai media per dedicarsi alla fotografia con una maggiore libertà espressiva. Come spiega Urs Stahel, "W. Eugene Smith lottava per rappresentare l'assoluto. Ben lungi dall'accontentarsi di documentare il mondo, voleva catturare, afferrare, almeno in alcune immagini, niente di meno che l'essenza stessa della vita umana." Il primo incarico che Smith accettò fu di realizzare in un paio di mesi un centinaio di fotografie su Pittsburgh per una pubblicazione celebrativa sul bicentenario della sua fondazione.

La città era in pieno boom economico grazie alla crescita dell'industria siderurgica e in particolare delle sue acciaierie, che garantivano lavoro e attiravano operai da tutto il mondo. Smith rimase affascinato dalla città dell'acciaio, dai volti dei lavoratori, dalle sue strade, dalle fabbriche dagli infiniti particolari e dalle contraddizioni del tessuto sociale, registrandoli meticolosamente per comporre il ritratto di una città a tutto tondo. Questo semplice mandato si trasformò così in uno dei progetti più importanti della sua vita. In circa tre anni realizzò instancabilmente 20.000 negativi, 2.000 masterprint e per tutta la vita cercò, senza riuscirci mai completamente, di produrre il saggio definitivo che avrebbe rivelato l'anima della città senza lasciare fuori nulla, un'opera senza precedenti nella storiadella fotografia.

Solo una piccola parte di questo lavoro venne conosciuto dal grande pubblico, tramite il "Photography Annual" del 1959, l'unica rivista su cui Smith accettò di pubblicare le sue foto perché gli garantì il controllo assoluto sulle 36 pagine intitolate Labyrinthian Walk, rifiutando importanti offerte economiche da "Life". Il risultato non fu all'altezza delle aspettative di Smith, che continuò per anni ad avere come priorità la pubblicazione di un intero libro su Pittsburgh. La selezione di immagini esposta offre un quadro intenso e rappresentativo di questo progetto di cui lo stesso Smith, riconoscendo le difficoltà incontrate nel comporre in un'unica opera i contrasti di una città così complessa, affermava: "Penso che il problema principale sia che non c'è fine ad un soggetto come Pittsburgh e non ci sia modo di portarlo a compimento".

William Eugene Smith (Usa, Wichita, Kansas, 1918 - Tucson, Arizona 1978) studia fotografia all'Università di Notre Dame, nell'Indiana, e nel 1937 si trasferisce a New York, dove lavora come fotoreporter per "Newsweek", "Collier's", "Parade", "Time", "Fortune", "Look" e "Life". Durante la Seconda guerra mondiale è corrispondente dalle isole di Saipan, Iwo Jima, e Okinawa, in Giappone, dove viene ferito gravemente da una granata. Nel 1947 entra nell'organico di "Life". Nello stesso anno, entrato a far parte dell'agenzia Magnum, accetta di realizzare un saggio fotografico su Pittsburgh. Nel 1959 solo una parte di quell'impresa ambiziosa e sofferta arriva al pubblico: Pittsburgh-W. Eugene Smith's Monumental Poem to a City, la più ricca versione del lavoro, con un layout di 36 pagine dello stesso Smith, appare sulle pagine di "Photography Annual", annuario della rivista "Popular Photography".

Nel 1971 presenta a New York e poi a Tokyo "Let Truth Be the Prejudice", grande mostra di oltre 400 fotografie curata da lui stesso. Dal 1971 al 1975 vive in Giappone, dove si avvicina alle associazioni che si battono contro l'inquinamento industriale nella città di Minamata. E' del 1973 la personale a Tokyo "Minamata: Vita-sacro e profano", che due anni dopo sarà esposta all'International Center for Photography, New York. Nel 1977 si trasferisce a Tucson, Arizona, dove gli viene assegnata una cattedra universitaria. Il suo ricchissimo archivio entra a far parte della collezione del Center for Creative Photography dell'Università dell'Arizona.

All'inizio degli anni Trenta il sistema della stampa illustrata aveva raggiunto un suo primo momento culminante. Inventata e sviluppata nell'Ottocento quale forma abbreviata e parallelo visivo della novella o del romanzo borghese, negli anni Venti la fotografia iniziava la sua marcia trionfale grazie a numerose novità, come la macchina da stampa veloce, la rotativa, il procedimento a scala di grigi, la stampa a due e a più colori. Pioniere in Germania furono la "Berliner Illustrirte Zeitung" e la "Arbeiter Illustrierte Zeitung", con una tiratura che superava, in entrambi i casi, le 500.000 copie. Negli anni Trenta questa nuova forma di storytelling, con molte fotografie e testi di accompagnamento, si diffuse in tutti i paesi.

E' questa l'epoca in cui nacque W. Eugene Smith. Già a sedici anni iniziava a fotografare e pubblicare. In pochi anni diventò, insieme a Margaret Bourke-White, uno dei grandi eroi del reportage e del saggio fotografico. Il medico di campagna, Vita senza germi, Il villaggio spagnolo, La levatrice, Charlie Chaplin al lavoro, Il regno della chimica e Un uomo compassionevole sono, oggi come allora, tra i servizi più celebri che siano mai stati realizzati per riviste illustrate. Sequenze di fotografie che intendevano trasmettere un significato di per sé, le fotografie di W. Eugene Smith andavano molto oltre i consueti reportage fotografici. Le sue immagini erano buie, a volte perfino cupe, molto cariche, non intendevano descrivere il mondo ma contenerlo, non riprodurlo ma, per così dire, darlo alla luce loro stesse. Al culmine della sua fama di fotografo per riviste, dopo soli sette anni di impiego a tempo pieno per "Life" - seguiti da un altro paio d'anni di lavoro su commissione - nel 1954 W. Eugene Smith abbandonò tutto e lasciò la rivista per un diverbio.

Era un fotografo difficile, il suo modo di portare avanti le commissioni ricevute era complesso, tortuoso, non consegnava mai un lavoro in tempo, non era mai soddisfatto del layout delle immagini, dell'impaginazione, dell'intensità delle foto stampate, delle didascalie, dell'intera presentazione della story, come si diceva. Si liberò dal sistema degli incarichi, dal lavoro dipendente, alla ricerca di maggiore profondità, autenticità, verità, sospinto dal desiderio di trovare l'assoluto, di essere davvero pronto e presente nei rarissimi attimi in cui la verità della vita si manifesta nelle apparenze del mondo. La rottura con la stampa, con le riviste, con i media, rappresentò una cesura nella sua vita, e da ultimo anche una rottura con la famiglia, con la moglie Carmen Martinez e con i quattro figli.

Si trovò di fronte a un grande bivio personale e professionale: fu costretto a vendere la sua casa a Croton-on-Hudson, N.Y. e si trasferì a New York, dove andò ad abitare in uno loft in un edificio in cui suonavano jazz, sulla Avenue of the Americas, dalle parti del tratto meridionale della Ventesima strada, in quello che un tempo era il Flower District di Manhattan. Ad acuire il suo isolamento gli giunse la richiesta di realizzare, nel giro di un paio di mesi, tra le 80 e le 100 foto della città di Pittsburgh. L'incarico si trasformò gradualmente nel progetto più ambizioso della sua vita, e poi nel suo fallimento più doloroso. Invece che per un paio di mesi, Smith continuò a fotografare per due o tre anni, rimanendo poi impegnato per il resto della vita in innumerevoli tentativi di produrre, il libro definitivo su Pittsburgh. (Comunicato stampa)

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__ Presentazioni di altre mostre di fotografia in questa pagina __

Robert Capa Retrospective
termina lo 09 settembre 2018
Real Albergo dei Poveri - Palermo
Presentazione

Salvatore Tudisco: Etna in blu
termina il 26 maggio 2018
Associazione Culturale Renzo Cortina - Milano
Presentazione

Teresa Pollidori: "Stanze"
15 maggio (inaugurazione ore 18.00)
Galleria Scoglio di Quarto - Milano
Presentazione

Alessandro Trovati: Olimpiadi
termina lo 03 giugno 2018
Casa Museo Spazio Tadini - Milano
Presentazione

Maurice Lemaître: Fin de tournage?
termina lo 07 luglio 2018
Galleria Martini & Ronchetti - Genova
Presentazione

La fotografia dipinge: il Grand Tour di Andrea Samaritani
termina il 23 novembre 2018
BFMR & Partners - Reggio Emilia
Presentazione

La Capitale delle Steppe - Immagini dagli scavi di Karakorum in Mongolia
termina lo 03 giugno 2018
MAO Museo d'Arte Orientale - Torino
Presentazione

Claudius Schulze: "State of Nature"
termina il 16 giugno 2018
VisionQuesT 4rosso contemporary photography - Genova
Presentazione

Nancy Burson: Composites. La Pioniera dei ritratti computer-generated
termina il 30 settembre 2018
Galleria Paci contemporary - Brescia
Presentazione

Francesca Catellani. Memories in Super8. (Daily life in Europe 1970/1980)
20 aprile - 17 giugno 2018
Galleria Parmeggiani - Reggio Emilia
Presentazione

Henri Cartier Bresson. Fotografo
termina il 17 giugno 2018
Mole Vanvitelliana - Ancona
Presentazione

"Cinema! Storie, protagonisti, paesaggi"
24 marzo - 01 luglio 2018
Palazzo Roverella - Rovigo
Presentazione

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Valente Taddei: "Line, surface, light"
25 maggio - 24 giugno 2018
Concept Store Vela Massimo Rebecchi - Lucca

In esposizione una serie di recenti dipinti a olio e china su carta: sintetici lavori dal taglio narrativo, nei quali un minuscolo individuo - inconfondibile protagonista delle opere di Taddei - si ritrova in situazioni costantemente in bilico tra ironia e paradosso. L'artista propone una lettura metaforica della condizione umana, sdrammatizzando, con sottile ironia, il senso di vuoto e di caducità che l'uomo può provare di fronte al proprio destino. La mostra, organizzata da BessArte in collaborazione con la galleria Mercurio Arte Contemporanea di Viareggio, è corredata di catalogo con testo critico di Marco Del Monte.

Valente Taddei (Viareggio, 1964), diplomato all'Accademia di Belle Arti di Carrara, ha all'attivo un curriculum espositivo, con numerose personali e collettive sia in Italia che all'estero. Ha realizzato illustrazioni per copertine di libri (per i tipi di: Mauro Baroni Editore, Viareggio; Giulio Einaudi Editore, Torino; Alberto Gaffi Editore, Roma; FrancoAngeli Edizioni, Milano) e cd musicali, per riviste (Notizie Lavazza, Cfr:), per siti Internet. Nel 2008 ha illustrato con 10 tavole inedite il saggio "Pandora, la prima donna" di Jean-Pierre Vernant, pubblicato da Einaudi nella collana 'L'Arcipelago'. Ha realizzato il logo e il manifesto ufficiale dell'edizione 2013 di EuropaCinema, festival cinematografico internazionale con sede a Viareggio, e il manifesto ufficiale del Carnevale Pietrasantino 2014. (Comunicato stampa)

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Bruno Varacalli: Oltre le soglie dell'immagine
26 maggio (inaugurazione ore 18.00) - 10 giugno 2018
Palazzo Sanseverino - Vigevano

L'arte di Bruno Varacalli si sottrae alle forme celebrative dello status quo e tenta di sconfinare da ciò che è reale all'astratto delle geometrie, dei numeri e delle parole, veicoli e intermediari, negoziatori di ben altre dimensioni della cognizione. L'estensione dialettica del suo pensare assume aspetti contemplativi, panoramiche di assoluta rielaborazione e trasmutazione del tangibile percepibile attraverso i cinque sensi, mutato in qualcosa di indefinito ma capace di attivare altre facoltà sensoriali assopite nella caverna interiore. Colori e forme interagiscono a sollevare la zavorra della concretezza corporale e ambiscono ad affrancarsi da essa per librarsi in alto e divenire elementi in rapida trasmutazione.

Il pensiero del pittore è alimentato dalla curiosità, a sua volta promotrice di movimenti repentini condotti al limite dell'ortodossia, agili nel superare i confini che delimitano concetti massificati e coraggiosi nell'avventurarsi in quegli ambiti eterei nei quali la purezza e la limpidezza della visione corrispondono sempre di più al concetto di Verità. Queste esplorazioni sulla natura della pittura e delle sue possibilità di restituire frame di conoscenza superiore nascono dalle intuizioni che Bruno Varacalli percepisce durante l'osservazione dei paesaggi natii, quelli della Calabria, terra arida e luminosa, ventosa e ricca di precipitazioni, talvolta anche nevose, in bilico tra il clima marino e quello tipico dei crinali montani.

Gli umori difformi creati dai contrasti di luce e ombra caratterizzano i profili e i cieli di una regione costantemente soggetta a cambiamenti climatici durante il corso della giornata e dell'anno, contrassegnata dagli estremi di inverni rigidi ed estati torride. I colori cangianti dei fiori, delle piante, dei cieli, nel loro mutare al passaggio delle stagioni esprimono l'armonia di adattamento della natura ai fenomeni atmosferici. Gialli, rossi, azzurri, raggiungono intensità ed espressioni che solo la pittura nella sua idealità è in grado di trasferire alla mente per la sua rievocazione. Ecco che la tavolozza dei colori diventa espressione dei toni accesi e delle dicotomie mediterranee, presenze duali utili a determinare una linea drammaturgica conforme all'ideale narrativo dei pensatori nell'antica Grecia, struggente e appassionato, coinvolto nelle tragedie e nelle glorie dei miti olimpici o in quelle delle scienze matematiche e geometriche.

Così la pittura con i suoi cromatismi diventa territorio di scontro e di incontro, campo di battaglia o paradiso di riconciliazione dove esaltare i campioni o commiserare i perdenti, delusi e in cerca di una eventuale rinascita in un'altra condizione dell'esistenza. I colori nella tela segnalano la potenza di irradiazione dell'energia in azione perenne e vorticosa, convulsa nel suo stesso respiro. Le zone di manovra sembrano mappe di geografie planetarie in cerca di una nuova collocazione e rilettura. La mostra è a cura di Fortunato D'Amico. (Comunicato stampa)

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Il Canale Emiliano Romagnolo nello sguardo di Enrico Pasquali
24 maggio - 25 novembre 2018
Museo del Patrimonio Industriale - Bologna

L'esposizione fotografica, a cura di Sonia Lenzi, consegna al nostro presente la rilevanza del Canale per le economie agroalimentari di parte dell'Emilia e di gran parte della Romagna. Al contempo essa ci fa compiere un salto all'indietro, in un universo composito fatto di essenzialità, cruda, reale, quasi documentaristica, rappresentato dal maestro di neorealismo di Castel Guelfo, nato in quella fetta di terra bagnata dal Sillaro spesso indicata come spartiacque di confine tra l'Emilia e la Romagna, che ha iniziato il "mestiere” di fotografo a Medicina. In mostra viene esposta una scelta significativa dei lavori di Enrico Pasquali degli anni '50-'60 e un video con una ricca serie di testimonianze orali e interviste a lavoratori, tecnici, progettisti e dirigenti, protagonisti dell'avviamento dei lavori del Canale Emiliano Romagnolo, recentemente realizzate da Sonia Lenzi, con la regia di Enza Negroni. (Comunicato stampa)

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Roberto Mainoldi: Naturali astrazioni
26 maggio (inaugurazione ore 17.00) - 13 giugno 2018
Galleria "Arianna Sartori" - Mantova
info@ariannasartori.191.it

«Qualche tempo fa si diffuse nel vasto mondo dell'espressione segnica un agghiacciante annuncio: "La pittura è morta". Non aveva cioè più valore il binomio operatore-supporto sul quale intervenire con sostanze pigmentali. Da lì il torrentizio diffondersi di operazioni artistiche (?) che non postulavano il vincolo della raffigurazione, ma si esprimevano con diverse modalità: "installazioni", "performances", "neon", ecc, che avevano trovato il loro primordio in Duchamp (ready-made) che aveva avuto, almeno, il pregio dell'invenzione. (...). Presto ci si convinse che si trattava infatti di una ben congegnata operazione di marketing (...) La pittura infatti non è morta (...) Ed è una "fortuna" perchè questa vitalità ci ha permesso di scoprire imprevisti talenti che danno sostanza a quanto precedentemente affermato.

Tra questi colloco, senza tema di smentita, Mainoldi (...). Mainoldi appartiene a quell'enorme schiera di talenti che avverse condizioni hanno, malauguratamente spento o fortemente ritarato nel loro manifestarsi. Per molti il "primum vivere" è stato fatale, ma alcuni sono riusciti a sopravvivere e ad affermare il proprio valore coltivato, non di rado, per anni in silenzio ed in disparte. Oggi Mainoldi ha conquistato la propria libertà e ci offre una pittura raffinata e coltivata con passione il cui valore si afferma senza malizie formali. Le sue opere sono infatti paradigmatiche: l'uso del colore, esclusivamente ad olio, la stesura del pigmento, il taglio della composizione le rendono immediatamente fruibili anche se, ad una analisi più attenta, celano una subliminale chiave comunicativa. Per Mainoldi infatti l'arte è una attività olistica che riguarda l'essere umano nella sua interezza dove le componenti fisiche, emotive, mentali e spirituali sono collegate ed interdipendenti. (...)

L'opera si trasforma quindi in una specie di "specchio" in cui l'osservatore rivede, tramite sensazioni visive, la propria realtà ed il supporto che lo lega al mondo dell'Oltre in cui lo guida, con delicata sensibilità, il Mainoldi. Le sue distese di foglie di ninfee e di fior di loto immerse in un blu cobalto lievemente azzurrato dal riflesso del cielo catturano per un richiamo ancestrale che, ad una lettura più attenta, disvela un fine simbolismo archetipale: il blu della profondità del pensiero, l'azzurro della libertà celeste, la rotondità del femmineo, la sensualità del fiore aperto. Le rappresentazioni non sono imitative, ma rivissute e rielaborate con fine sensibilità che si coglie più potentemente nei paesaggi rivali, in cui si affermano varie gradazioni di una serie di verdi trasparenti e nel contempo luminosi, talvolta morfologicamente quasi miniati. Queste "Naturali Astrazioni" confermano così l'intimo godimento del fruitore che si trova di fronte alla "bella pittura" di cui dobbiamo essere grati a Mainoldi». (Gilberto Cavicchioli - curatore della mostra insieme con Arianna Sartori)

Roberto Mainoldi (Marmirolo - Mantova, 1959) studia a Firenze dove consegue il diploma presso l'Accademia di Belle Arti. Mentre lavora a Milano in diverse società di pubblicità ed editoriali, realizza ritratti e trompe l'oeil per committenti privati. Nel 2007 riprende l'attività di pittore. Nel maggio 2009 espone la personale "Ritorno alle origini" presso lo spazio Feltrinelli di Mantova. Dal 2010 si trasferisce in Francia dove espone in occasione della manifestazione NoëlZen al Museaav di Nizza. Dal 2016 ritorna in Italia.

«In questa produzione ho preso spunto dalla natura che circonda la città di Mantova e di Nizza. La realtà della natura è presentata in maniera materica, tridimensionale, solida. Gli scorci di paesaggi, densi di atmosfere evocative e la composizione, dove i particolari acquistano una importanza nella relazione tra gli elementi ed il loro rapporto cromatico, sollecitano ad intraprendere un viaggio introspettivo. L'osservazione di quelle semplici forme naturali, con le loro interazioni e le loro valenze cromatiche, diventa uno stimolo ad immergersi, ad entrare in queste finestre/passaggi ed a cercare, nella lettura dei particolari simbolici e dei contenuti archetipali, il collegamento con il nostro vissuto emotivo e col nostro subconscio. L'immersione nella realtà interpretata da me "pittore" si traduce in un momento di astrazione, dove il dipinto diventa uno specchio in cui ritrovarsi. Guardare il quadro è "il percepire di energie": la composizione, il tratto, il colore, ci spingono a muoverci con lo sguardo alla ricerca di un particolare, di un'espressione, di un'evocazione, in un continuo passare dall'insieme al dettaglio.

La natura, il paesaggio della campagna, gli alberi, l'acqua dei laghi (quasi uno specchio leggermente increspato che lascia intravedere foglie di ninfee), i fiori (massima espressione della forza vitale della natura) sono evocatori di bellezza, di armonia, di calma, ma anche riflessi della complessità delle nostre emozioni: l'acqua trasparente riflette il cielo, la nostra voglia di librarsi in volo, ma può nascondere mostri, animali, fanghi putridi, tutte le nostre pulsioni nascoste, che spesso reprimiamo, ma che talvolta emergono dal nostro inconscio a ricordarci chi siamo veramente. Le foglie di ninfee, cullate dal dolce movimento delle acque, sono una metafora della vita: come noi esseri umani, esse sono rivolte al cielo ed aspirano ad assorbire l'energia vitale del sole mentre galleggiano sul tumultuoso incresparsi della superficie liquida, sospinte dal continuo alternarsi delle emozioni. La mia pittura si affida alla bellezza decifrabile, alla nostra dimensione umana, per consentire di immergersi in se stessi e di comprenderne il linguaggio affidandosi alla propria sensibilità, senza la necessità di pretestuose elucubrazioni intellettuali esterne. Quello che realmente ci pervade è solo ed unicamente ciò che viene percepito, ciò che viene evocato dal nostro sè profondo, una parte del nostro essere: il riconoscibile bello». (Roberto Mainoldi)

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Achille Castiglioni (1918-2002) Visionario
L'alfabeto allestitivo di un designer regista

30 maggio (inaugurazione ore 19.00) - 23 settembre 2018
m.a.x. museo - Chiasso (Svizzera)
www.centroculturalechiasso.ch

In occasione del centenario della nascita, il m.a.x. museo di Chiasso (Svizzera) ospita la mostra dedicata a un grande protagonista della stagione d'oro del design degli anni Sessanta. Achille Castiglioni realizza nella sua intensa attività professionale ben 484 allestimenti - terreno di sperimentazione e innovazione - e 150 oggetti, fra cui vere e proprie icone della cultura del design. La mostra si concentra sulla grande capacità di regia che emerge nel lavoro di Castiglioni, architetto di fama internazionale dalla forte capacità visionaria; fornisce inoltre l'occasione per ricordare la stretta amicizia che lo legava al graphic designer svizzero Max Huber (1919-1992). Dai memorabili allestimenti dei Padiglioni per Rai, Eni e Montecatini ai magistrali progetti per la cultura, per l'innovazione e per l'esposizione dei prodotti, emerge chiaramente la figura di Achille Castiglioni, capace di concepire la messa in scena come una regia.

Ogni elemento è studiato, ogni peso calibrato, il ritmo modulato; unendo la sperimentazione alla razionalità, Castiglioni riesce a combinare semplicità e ironia con l'attenzione per l'utilizzo della tecnologia e dei nuovi materiali. L'esposizione presenta schizzi, disegni, modelli, testimonianze video, prototipi e oggetti di design originali (le lampade Arco e Gibigiana, il sedile da giardino Allunaggio, gli sgabelli Mezzadro e Sella, gli orologi Wall Clock e Record...), grazie alla collaborazione con Antonella Gornati che gestisce l'Archivio della Fondazione Achille Castiglioni insieme a Carlo e Giovanna Castiglioni. (Comunicato stampa Amanda Prada)

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Archimede a Siracusa
26 maggio 2018 (inaugurazione) - 31 dicembre 2019
Galleria Civica Montevergini di Siracusa
www.mostraarchimede.it

L'esposizione offre ai visitatori l'occasione, unica, di conoscere da vicino una delle più geniali figure dell'intera storia dell'umanità e, grazie alle più avanzate applicazioni multimediali, di immergersi nella città di Siracusa nel terzo secolo avanti Cristo, vera e propria capitale della Magna Grecia e del Mediterraneo centrale, dove il grande scienziato è vissuto, ha concepito le sue straordinarie invenzioni ed è stato infine ucciso da un soldato romano appena entrato in città da conquistatore. Una serie di animazioni progettate da Lorenzo Lopane e realizzate con gli allievi dell'INDA rendono viva la presenza degli antichi siracusani e tra loro del grande scienziato.

Basata sulle fonti storiche e archeologiche, una suggestiva narrazione disponibile in 4 lingue e affidata in italiano alla voce di Massimo Popolizio, consente di seguire gli eventi che portarono, sul finire della seconda guerra punica, allo scontro con Roma. Un articolato percorso di approfondimento interattivo presenta oltre venti modelli funzionanti di macchine e dispositivi che la tradizione attribuisce a Archimede. Mostra ideata dal Museo Galileo e curata da Giovanni Di Pasquale con la consulenza scientifica di Giuseppe Voza e Cettina Pipitone Voza, promossa dal Comune di Siracusa e prodotta da Civita Mostre con Opera Laboratori Fiorentini e la collaborazione di UnitàC1 e dell'Istituto Nazionale Dramma Antico di Siracusa. (Comunicato Ufficio stampa Civita)

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Richard Loskot: Cosmology Model
Cristian Avram "The place we call home"

25 maggio (inaugurazione ore 18.00-20.30) - 28 luglio 2018
Boccanera Gallery - Trento

Le opere dei due artisti indagano in maniera opposta sulle molteplici influenze nel rapporto tra uomo e spazio: Cristian Avram, nelle sue opere a olio su tela, esplora il microcosmo delle pareti domestiche della sua casa-studio nelle campagne nei dintorni della città rumena di Cluj-Napoca (Alba-Iulia, Romania, 1994), e Richard Loskot (Most - Cecoslovacchia, 1984), attraverso la creazione di apparati tecnologici rudimentali, macchinari assemblati con parti di oggetti di uso comune e pezzi di mobilio, guarda alla grandezza e ai misteri del Cosmo. Lo spazio non è solo la proiezione di un soggetto, un involucro, un disegno ma è anche il deposito di tutte le nevrosi e le fobie della società che lo circonda. In questo senso lo spazio non è vuoto ma pieno di oggetti disturbanti. L'arte ha la capacità di rappresentare lo spazio nella sua distorsione, modificando la maniera tradizionale in cui è stato storicamente concepito.

Il progetto di Richard Loskot, Cosmology Model, verte sulla contraddizione tra l'avanzamento tecnologico e suoi stessi limiti. Partendo dal concetto di reprocità, Richard riflette sul rapporto tra Uomo e Universo e su come l'ignoto scateni nella mente umana una serie di quesiti esistenziali ai quali, nonostante l'apporto delle più avanzate intelligenze artificiali, non è possibile rispondere. Loskot s'interroga su concetti apparentemente semplici: cos'è un colore, cos'è il vuoto, come si comporta il caso. Cosmology Model è un viaggio che parte dallo scheletro scarno della macchina e si muove verso alla percezione enigmatica interiore del concetto d'infinito.

I lavori di Loskot sono modelli che restituiscono immagini con l'ausilio di apparati posti strategicamente tra lo spettatore e l'oggetto, trasformando i luoghi riprodotti dalla macchina in spazi sensibili. L'opera quindi ha sempre due tempi di lettura, quella d'insieme e quella innescata dalla presenza del fruitore. Costruire questi oggetti tramite l'assemblaggio di meccanismi recuperati da oggetti comuni, ha come fine ultimo quello di riflettere sul microcosmo che circonda l'essere umano nella quotidianità. Il mondo è ricoperto di una costellazione di oggetti capaci di svelarci l'essenza della vita, se solo si cerca con attenzione.

In The Place we call Home, attraverso le sue pitture a olio su tela, Cristian Avram esplora la collisione tra mondo interno e mondo esterno, e come quest'ossimoro può dare origine a stati di coscienza superiore. Cristian come Richard parte da concetti semplici: come la ricerca della bellezza della quotidianità permetta agli esseri umani di chiamare un luogo casa. Cristian Avram recentemente si è trasferito dalla città a un remoto complesso di casa-studio d'artista nelle campagne di Cluj Napoca. Nella solitudine di quel luogo, durante il suo primo inverno passato vivendo in isolamento, ha osservato come lo spazio da impervio stabile post-soviet si sia trasformato nella sua casa ed ha ritratto la trasformazione attraverso i residui della presenza umana nello spazio.

Il lavoro di Avram, sempre concentrato sul suo vissuto personale, sviluppa il senso del tempo puro, non databile. Con un'analisi sull'estetica dello spazio, tenta di sondare le possibili alterazioni dell'ambiente, dal tangibile all'immateriale, alla dimensione privata a quella sociale. Il giovane pittore rumeno quindi cerca di ricomporre nella composizione delle sue opere una gerarchia estetica, ritraendo il disordine organizzato degli spazi usati dall'uomo in sua assenza. L'esistenza dell'essere umano è tangibile ma l'astrazione del mezzo della pittura restituisce la dimensione animifica propria degli ambienti ritratti, creando un luogo dell'ammina. Lo spazio espande nelle sue dimensioni fisiche verso l'infinito dello spirito. Entrambe le mostre convergono quindi sulla riflessione della reciprocità tra microcosmo e macrocosmo e come la dimensione sensibile della percezione dello spazio renda le sue coordinate illeggibili. (Comunicato stampa)

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Boccanera Gallery, Trento, is pleased to present the second solo exhibition by Richard Loskot (Most, CZ in 1984), Cosmology Model, at the Main Gallery space, and The Place we call Home, Cristian Avram's project (Cluj-Napoca, RO in 1994), at the Project Room space. Recently, Boccanera Gallery has developed its Trentine headquarters, and in its 300 square meters will be hosting the projects of two young Eastern European artists focused on a shared interest: space. The works of both artists investigate the relationship between man and space. In his oil paintings on canvas Cristian Avram explores the microcosm of the domestic surroundings of his home-studio in the countryside of the Romanian city of Cluj-Napoca. Richard Loskot looks at the greatness and the mysteries of the Cosmos building rudimentary devices, machines assembled with parts of everyday objects, obsolete technology and pieces of furniture.

Space is not only the extension of a subject, a box, a design but it is also the storage of neuroses and phobias of the surroundings' society. In this sense, space is not empty but full of unsettled objects. Art can represent space in its distortion, modifying the traditional way in which it has been historically perceived. Cosmology Model by Richard Loskot focuses on the contradictions of the limits of advanced technology.Starting from the concept of reciprocity, Richard envisions the relationship between Man and the Universe and how the unknown unleashes a series of enigmatic questions about existence in which, despite the contribution of the most advanced artificial intelligence, they remain incomprehensible.

Loskot reflects on likely banal concepts: what is a color, what is emptiness, how does a circumstance work? Cosmology Model is a journey that starts with the bone structure of the machine and moves towards the inner perception of the enigma of the infinite. Loskot's works are models that construct images only visible through a third piece of equipment placed strategically between the viewer and the object with the aim of translating the space reproduced by the machine in the space of consciousness. Therefore, the work always has two different stages of analysis: the whole and the one triggered by the presence of an audience. Through the assembly of mechanisms recovered from ordinary objects, Loskot reflects on the everyday life's microcosm surroundings the human beings. The world is coated with an unequivocal constellation of objects capable of unveiling the essence of life.

In The Place we call Home, in his oil paintings, Cristian Avram explores the collision between the inner world and the outer world, and how this oxymoron can rise states of higher consciousness. As with Richard, Cristian starts his research from a simple concept: what are the factors that can bring a human being to call a place home and how beauty can be the key to it. Cristian Avram recently moved from the city to a remote artist-studio complex in the countryside of Cluj Napoca. During his first winter spent living in solitude and isolation he experienced how the post-Soviet impervious building turned into his home, portraying the transformation through the ghostly presence of humans activities in the space.

Avram's work focuses on his personal experience translating it into timeless images. He explores the possible alterations of the environment capturing the moment between the tangible to the immaterial, from the personal matter to the public life. The young Romanian painter reconstructs in his works an aesthetic hierarchy, portraying the organized manmade disorder of spaces occupied by human beings in its absence. The existence of being is tangible, but the abstraction of the medium creates a place of the soul in the subject of the artwork. The physical proportions of the space expand towards a spiritual dimension. Both exhibitions reflection on the interchange between microcosm and macrocosm and how the coordinates of space are illegible applying variables related to irrational thought.

Richard Loskot was born in Most (Cz) in 1984, lives and works in Usti nad Labem (CZ). He studied in the faculty of Art and Architecture at the University of Liberec as well as in the Munich School of Fine Art. He has exhibited in Germany, the UK, and in Romania, as well as in the Czech Republic and Slovakia. In 2012 and 2014 he was one of the five finalists for the most prestigious prize in Czech Republic Jindrich Chalupecký prize with a special mention. In January and February 2014 participated in a residence in the International Studio & Curatorial Program of New York. In September 2104 he did a group exhibition Europe, Europe curated by Hans Ulrich Obrist, Thomas Boutoux, Gunnar B. Kvaran at Astrup Fearnley Museet in Oslo. Currently, he is part of two group shows Nature. Arte ed Ecologia, curated by Margherita de Pilati, in Galleria Civica in Trento and Arthouse Lapidarium, curated by Lenka Lindaurová at the National Museum in Prague.

Cristian Avram, born ad Alba-Iulia, RO in 1994, is attending the first year of the Masters in Painting at the Cluj-Napoca University of Art and Design (RO). Selected exhibitions: Talking 'bout my generation, group exhibition, Plan B Cluj-Napoca; Bridges, group exhibition, Boccanera Gallery, Milan (2018); Starpoint Prize 2017, group exhibition, Victoria Art Center, Bucharest (2017); Cutting Edge III, group exhibition, Museum of Art Cluj-Napoca, (2016). (Press release)

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Senza Tema
Carta / Paper

inaugurazione 09 giugno 2018, ore 11.30
Studio la Città - Verona
www.studiolacitta.it

In una galleria come questa, dove si è soliti incontrare grandi installazioni, sarà strano trovarsi catapultati in un'esposizione quasi ottocentesca di un centinaio di opere su carta appartenenti ad artisti e periodi diversi. Questa mostra nasce anche dalla curiosità e dal desiderio di esplorare l'opera su carta in una dimensione più intima, quasi domestica che inevitabilmente coinvolge e distingue anche il mio gusto personale, la mia libertà di scegliere per una volta...senza tema. (Hélène de Franchis)

Artisti: Brian Alfred, Andreco, Franco Angeli, Stuart Arends, Rodolfo Aricò, Carlo Battaglia, Davide Benati, Antonio Calderara, Pier Paolo Calzolari, Riccardo Camoni, Luigi Carboni, Alan Castelli de Capua, Stefano Cattaneo, Michael Challenger, Enzo Cucchi, Sonia Delaunay, Robyn Denny, Jim Dine, Piero Dorazio, Ulrich Erben Robert Feintuch, Lucio Fontana, Marco Gastini, Pia Gazzola, Michael Goldberg, Herbert Hamak Jacob Hashimoto, Nicholas Howey, John Hoyland, Salomon Huerta, Eva Kotátková, David Leverett Sol LeWitt, Emil Lukas Julia Mangold Gastone Novelli Carl Ostendarp Jürgen Paatz, Giulio Paolini, Paolo Patelli, Robert Petersen, Daniel Poengsen, Lucio Pozzi, David Rabinowitch, Mauro Reggiani,, Steve Roden, Stephen Rosenthal, David Row, Douglas Sanderson, Mario Schifano Giacomo Segantin, Giorgia Severi, Nataraj Sharma, David Simpson, Richard Smith, Ettore Spalletti, Ted Stamm, Jessica Stockholder, Eugenio Tibaldi, William Tillyer, Richard Tuttle, Hema Upadhyay, Claudio Verna, Luigi Veronesi, John Walker. (Comunicato stampa)

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Vito Carta - Francesca Pavesi
Figurazione 2.0

inaugurazione 26 maggio 2018, ore 17
Spazio E - Milano
www.zamenhofart.it

Doppia personale, a cura di Virgilio Patarini e con l'organizzazione di Zamenhof Art. Di ciascuno dei due artisti saranno presentate sette opere recenti di medio e grande formato che indagano le possibilità di una figurazione contemporanea in bilico tra un recupero di spunti classici e una declinazione contemporanea, tra fotografia e pittura. A completare il percorso nell'ambito di una figurazione contemporanea e a tratti post-moderna anche due opere ciascuno di due artisti "ospiti" ovvero il curatore stesso della mostra Virgilio Patarini e la direttrice della galleria Valentina Carrera. Entrambi gli artisti saranno in mostra con le stesse opere in una analoga esposizione nel mese di luglio alla Muef Art Gallery di Roma.

Vito Carta (Milano, 1957) ha svolto e svolge la professione di fotografo free-lance professionista. Costantemente e volentieri al margine del discorso 'produttivo' come fotografo, a causa delle personali ispirazioni ed esigenze artistiche, nel 1995 imbocca la strada artistica esponendo per la sua prima mostra al Centro Lavoro Arte di Milano. In seguito concentra l'attenzione sulla costruzione di un dialogo più diretto possibile e spontaneo con lo spettatore delle sue immagini. Non impantanato nei nuovi immensi orizzonti delle possibilità digitali, senza rifiutare la tecnologia, ma rivolgendosi allo studio della pittura per esprimer meglio la tensione comunicativa, sceglie la via di una fusione sintetica fondata sulla necessaria e vitale pratica espressiva manuale, senza mai abbandonare o disconoscere la matrice di suo universo artistico che è nato dalla fotografia. L'esigenza di una sempre maggiore espressività si convoglia sul versante stilistico verso il tema della labilità dell'immagine e della realtà, sempre vissuta come ricordo autobiografico, e sul versante contenutistico. Numerose le collaborazioni editoriali, con la realizzazione di tavole illustrative.

Francesca Pavesi (Viareggio, 1965) trascorre qui la sua vita fino al completamento degli studi universitari a Pisa, dove si laurea in Lettere Moderne ad indirizzo artistico con una tesi sull'uso del colore nel cinema di Michelangelo Antonioni. Il vero punto di svolta è rappresentato dal trasferimento definitivo a Milano, nel 1993,dove riesce a sviluppare tutte le sue aspirazioni artistiche coltivate fino ad allora da autodidatta. Studia recitazione e doppiaggio presso il CTA di Milano con Nicoletta Ramorino. Pubblica nel 2000 un piccolo libro di poesie "Come un filo d'erba", grazie ad Oppure una piccola realtà editoriale romana. In seguito studia canto per circa tre anni con Liliana Olivieri. E' nel 2012 che approda al suo ultimo "amore" la pittura prima da autodidatta, poi inserendosi nel laboratorio di Peschiera Borromeo con il maestro Fabio Cuman che continua a frequentare. (Comunicato stampa)

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Lino Tardia | Germinare mondi
25 maggio (inaugurazione ore 18) - 09 giugno 2018
Galleria d'arte Edarcom Europa - Roma
www.edarcom.it

Personale del Maestro Lino Tardia che a pochi mesi dal compimento degli 80 anni, in un dialogo con l'amico scrittore Franco Campegiani, parlerà al pubblico della propria vita e della propria arte. L'artista, siciliano di nascita, a Roma fin dagli anni '60, presenterà una raccolta di dipinti selezionati dalla produzione degli ultimi trenta anni per poter fornire a visitatori e collezionisti una chiave di lettura e di comprensione della propria ricerca. La mostra è curata da Francesco Ciaffi. La opere scelte consentiranno di scoprire come, a partire dalla mostra "In viaggio con i Fenici" tenutasi nel 1996 alla Galleria Comunale d'Arte Moderna di Spoleto, fino a "La scatola dei miti" allestita nel 2009 presso le sale dell'Appartamento Barbo del Museo Nazionale di Palazzo Venezia di Roma, la ricerca di Tardia sia stata improntata alla realizzazione di un immaginario figurativo caratterizzato dall'astratta esaltazione del contrasto di linee, forme e colori.

Proprio Franco Campegiani, nella presentazione della mostra tenutasi nel 2015 al Museo Mastroianni di Marino, scriveva che le opere di Tardia "sono delle vere e proprie cosmogonie, racconti del germinare mondi, l'uno dall'altro, secondo un'incessante e incandescente esplosione vitale. Un teatro fresco e zampillante, fantasmagorico, che pone in scena la creazione universale, ciò che affiora e viene alla luce da sorgenti misteriose e incorruttibili. Al contrario del teatro dechirichiano, che mostra l'eterna consunzione, l'infinito logoramento e l'inappellabile estinzione delle cose, qui è l'alba della vita a fare la sua apparizione, con quello sdoppiamento (si noti la frequente divisione della tela in due campiture) che sembra evocare la Madre Fenicia, la sua capacità di spezzarsi come il pane per dare vita a tutti gli esseri e a tutti i mondi".

Lino Tardia (Trapani, 1938), conseguita la maturità artistica, rifiuta l'incarico di docenza in Discipline Pittoriche al Liceo Artistico di Palermo e si trasferisce a Roma dove frequenta gli studi di Renato Guttuso e Saro Mirabella. Nel 1955 inizia ad esporre, ottenendo ben presto consensi in Italia e all'estero. Gli anni Sessanta segnano il suo passaggio dal Realismo all'Informale e ancora alla Nuova Figurazione, secondo la maniera di Francis Bacon che incontra durante un soggiorno a Londra. Partecipa a mostre collettive insieme a Guttuso, De Chirico, Sironi, Treccani e altri autori noti nel panorama artistico internazionale. Espone le sue opere in mostre personali a Londra, New York, Chicago, Parigi, Huston, Ottawa e Tripoli. Dal 2001 al 2008 è titolare della cattedra di Pittura presso la RUFA (Rome University of Fine Arts). Nel 2003 il Presidente della Repubblica Carlo Azeglio Ciampi gli conferisce la Medaglia d'Oro per i Benemeriti della Cultura. Nel 2009, su invito del Prof. Claudio Strinati, Soprintendente per il Patrimonio Storico, Artistico ed Etnoantropologico e per il Polo Museale della Città di Roma, si svolge la grande antologica "La scatola dei miti" nelle sale dell'Appartamento Barbo di Palazzo Venezia a Roma. Ha preso parte a numerosi premi nazionali e internazionali. (Comunicato stampa)

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Diego D. Testolin: Cinque100
Il mito di una Popcar

24 maggio (inaugurazione ore 18.30) - 26 giugno 2018
Galleria Liconi Arte - Torino
www.liconiarte.com

Miracolo di design italiano, è l'auto che ha migliorato la vita quotidiana di milioni di persone, ha accompagnato la ripresa economica, ha messo l'Italia su quattro ruote e poi l'ha esportata in tutto il mondo: la Fiat 500 è una vera e propria icona, entrata stabilmente nell'immaginario collettivo dei prodotti di massa con forte personalità. In occasione del suo sessantesimo compleanno, il 4 luglio del 2017, la 500 è stata riconosciuta addirittura come un'opera d'arte moderna ed è entrata a far parte della collezione permanente del MoMA di New York, un tributo straordinario al valore artistico e culturale di questo simbolo, democratico e distintivo, dello stile italiano nel mondo. Proprio da un'interpretazione creativa di questo intramontabile modello parte la rassegna personale di Diego D. Testolin, curata da Roberta Di Chiara; la mostra allestita lo scorso ottobre presso la Mirafiori Galerie del Motor Village di Torino per celebrare il compleanno della mitica 500, viene riproposta, insieme a nuove opere che completano il ciclo.

"Ho sempre guardato alla pop-art e ai grandi maestri americani indagando i temi della quotidianità, innalzandoli a simboli del mio tempo - spiega il pittore - La mostra nasce da qui: è un omaggio all'icona che ha motorizzato gli italiani rendendo onore al suo stile e al design che l'hanno resa celebre nel mondo". Privata volutamente della sua specificità d'uso, nelle opere di Testolin la 500 corre sulla tela e, divenuta opera d'arte, si trasforma nell'unica protagonista del momento, attraverso immagini che raccontano il suo appeal rimasto intatto nel tempo e che ha lasciato un segno indelebile nella storia dell'automobile. I ritratti esposti, circa una ventina di oli su tela accompagnati da qualche opera a tecnica mista, la vedono indiscussa protagonista spesso immersa nella sacralità segreta dei paesaggi urbani, la indagano esaltandone il carattere come Testolin, artista esperto in fisiognomica, è abituato a fare.

La mostra rievoca la serialità di wahroliana memoria, ma al contempo dà voce all'unicità di ogni esemplare in un'opera in cui il tutto è più della somma delle singole parti. Fra le nuove opere che vanno a completare il ciclo anche la tela a tema 457 Stupinigi Experience, il progetto targato Ruzza Torino e dedicato alla vera sede natia della FIAT 500, la cui nascita venne decisa presso quella Palazzina Reale dove la rassegna di Testolin verrà esposta il prossimo 1 Luglio. Ma prima, il 9 giugno, in concomitanza con Parco Valentino - Salone dell'Auto Torino, un lotto di FIAT 500 pre-selezionate farà passerella da Stupinigi al centro città, sino a giungere in espositiva in Piazza Bodoni, proprio a ridosso della galleria Liconi Arte.

La produzione artistica di Diego D. Testolin (Schio - Vicenza, 1968) inizia da giovane con varie sperimentazioni e dipinti ispirati alla pop art Americana e alla letteratura beat. Una ricerca che guarda ai grandi maestri statunitensi e strizza l'occhio alle tecniche pittoriche più all'avanguardia prendendo spunto dalla quotidianità. E' artista forense ed è referente sul Triveneto per la Polizia di Stato nella realizzazione a mano libera di identikit. E' inoltre esperto di fisiognomica. Nel 2005 con il ciclo di dipinti "crime scene" frutto della sua esperienza professionale, descrive un'umanità dolente vittima della violenza e della follia. Nel 2011 inizia un ciclo di dipinti con i quali rilegge in chiave moderna, con il suo stile ormai definito, il neoclassicismo di Antonio Canova. Le sue opere sono presenti in importanti collezioni italiane ed estere. (Comunicato stampa)

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Günter Umberg: De Pictura
24 maggio (inaugurazione ore 18.30) - 17 luglio 2018
Galleria A arte Invernizzi - Milano

Come per le precedenti esposizioni tenutesi in galleria a partire dal 1997, anche in questa occasione l'artista tedesco ha ideato un percorso espositivo mirato e specifico, che mette in relazione diretta le opere e l'ambiente circostante. Sin dagli anni Settanta Günter Umberg interpreta il tema del monocromo creando opere che si definiscono come presenze pienamente corporee nello spazio, lavori che l'artista ottiene sovrapponendo pigmenti puri di colore fissati con resine. Umberg stende i pigmenti in modo verticale e orizzontale alternato, fino a che ciò che appare visibile a chi osserva il suo lavoro non è più un insieme di strati di pittura sovrapposti ma un corpo "altro", completamente indipendente.

Come scrive Serge Lemoine: "Questa pittura che sta a contatto diretto col muro, e che non ha nulla a che vedere con un quadro da cavalletto, è la caratteristica tipica del modo di fare arte di Günter Umberg: una struttura semplice, un colore, una superficie uniforme, un supporto molto sottile, privo di materialità. L'opera non lascia emergere alcuna composizione, non ha una struttura e non ha corpo. E' una sola ed unica entità, al contempo superficie e profondità, generatrice di uno spazio immateriale". Le superfici dei diversi Ohne Titel esposti negli spazi della galleria, sia singolarmente che nei Plan, insiemi organizzati di più elementi, vibrano dell'eco di profondità insondabili e si mostrano cariche di materia, quasi emanassero un'energia sufficiente a mutare la percezione degli ambienti in cui sono installate. In occasione della mostra verrà pubblicato un volume che ripercorre le diverse esposizioni, dalla metà degli anni Novanta, alla galleria A arte Invernizzi e in musei e spazi pubblici, con un saggio introduttivo di Serge Lemoine, testi di Paolo Bolpagni, Massimo Donà, Carlo Invernizzi e Eva Schmidt, la riproduzione delle opere esposte in mostra e un aggiornato apparato bio-bibliografico. (Comunicato stampa)

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Sostanza d'acqua - I canali della Serenissima
Cipriani | Corò | Madormo | Milleville | Segato | Tadei | Zanutto

28 maggio - 06 luglio 2018
Palazzetto Tito - Venezia

Venezia, luogo d'acqua, luce e terra tremula è l'idea che unisce 7 artiste di abilità differenti intorno a un progetto complesso e di largo respiro. I nastri liquidi dei canali sono il palcoscenico sul quale tutte quante si cimentano dicendo il proprio amore per la Serenissima cui tributano il ruolo di musa. La mostra si dipana attraverso metodologie e scelte artistiche che spaziano dalla pittura morbida su tele antiche di Elisabetta Zanutto alla fotografia minuziosa e romantica, stampata su carta cotone, di Carmela Cipriani, passando per le reinvenzioni poetiche dei fondali, fissati su lastra dibond, di Marialuisa Tadei. E ancora la ricerca minimalista di Luana Segato che rincorre le anse del Canal Grande intagliato su tessuti dipinti, dove trame cucite con fili grossi e prepotenti tengono insieme le due rive.

E poi l'installazione intelligente e aerea di Paola Madormo che ricostruisce molecole d'acqua con fili metallici e dentro imbriglia pesci e plancton, alghe e minuscoli animali di fondale. Alla ricerca di un'acqua perduta. Per passare alle figure impalpabili di Claudia Corò che sulla primigenia mappa della città ridisegna e suggerisce vite passate e sogni futuri di pescatori di laguna. Mentre Peggy Milleville, scultrice, manda a spasso lungo le fondamenta le sue sculture ispirate a personaggi che paiono ombre tratte da dipinti di Tintoretto. Il tema è dunque l'architettura reale e mentale di un luogo che come nessun altro al mondo e attraverso i secoli ha riempito gli occhi e le mani di centinaia di artisti. Quel controcanto, ancora, arriva diritto sin qui. (Anna Caterina Bellati - curatrice della mostra - maggio 2018)

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Arturo Vermi
07 giugno (inaugurazione ore 18.00-21.00) - 27 luglio 2018
Ca' di Fra' - Milano

Seconda mostra di Arturo Vermi (Bergamo, 1928 - Paderno d'Adda,1988) prendendo le mosse dalla prossima uscita del tanto atteso Catalogo ragionato a cura di Luciano Caramel (Skira editore). Parleranno di questo evento editoriale il professor Francesco Tedeschi, Alessandro Bonfanti di Skira e Rino Tornambè, responsabile dell'Archivio A. Vermi (Galleria Artestudio). Una personale che desidera toccare i temi portanti della ricerca di Arturo Vermi, dai Diari agli Inserti, dalle Presenze alle Sequoie ai Colloqui. Una occasione per riprendere il dialogo con la ricerca sul segno degli artisti del Gruppo del Cenobio. La serata inaugurale presenterà un altro evento di assoluto prestigio: Ca' di Fra' ed il liutaio Pierre Bohr, ospiteranno un concerto per viola da gamba del virtuoso Petr Wagner. Una contaminazione di Arti, una collaborazione gioiosa e collaudata da eventi quali il concerto per due viole da gamba di Roberto Gini e Marco Angilella nel 2010 o le improvvisazioni alla viola da gamba di Paolo Pandolfo su letture di Ugo Cornia nel 2014. (Comunicato stampa)

I cortili di ringhiera della Vecchia Milano si animano.
.. ore 18.30-19.30, Petr Wagner, concerto per viola da gamba
.. ore 20.00 F. Tedeschi, presentazione del Catalogo ragionato di Arturo Vermi

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Susanne Kutter: Lost in the middle of the street
24 maggio (inaugurazione ore 18) - 13 luglio 2018
MAAB Gallery - Milano

Susanne Kutter (Wernigerode - Germania, 1971) presenta una serie di nuovi lavori concepiti appositamente per lo spazio della galleria. Il lavoro video e installativo di Susanne Kutter da sempre ruota intorno ai meccanismi che creano e sedimentano in ognuno di noi certezze e aspettative, per poi eluderle e frustrarle attraverso piccole e grandi catastrofi quotidiane. Smontando e relativizzando i preconcetti, il lavoro dell'artista tedesca mostra anche che quanto ciò che pensiamo di vedere è spesso illusorio e irreale, frutto più della nostra educazione o delle nostre paure, che realmente corrispondente alla realtà delle cose.

Se spesso il suo lavoro si è concentrato sull'ambiente domestico, costruendo modelli in scala reale che poi finiscono per essere sovvertiti o finiscono completamente distrutti, come nel video Die Zuckerdose (La Zuccheriera), l'installazione realizzata per MAAB Gallery ci trasporta in un anonimo parcheggio sotterraneo la cui visione lascia però spazio a diverse perplessità percettive e alla materializzazione di estranianti presenze che sta all'osservatore individuare e che si ripresentano anche nei light-boxes che accompagnano questo lavoro.

Suovere e sovvertire uno stato di quiete ordinata e sfidare le leggi della logica sembrano così essere temi ricorrenti del lavoro di Susanne Kutter, come avviene puntualmente nelle altre opera in mostra: un'intera parete di ripiani su cui vasi e ceramiche pericolosamente sfidano le leggi della fisica, oltre che la nostra incolumità, una serie di quadri incidentati dove vetri rotti e cocci raccontano di passati disastri e di nuove configurazioni plastico-pittoriche, e infine un armadio ricolmo di suppellettili e cristallerie che sorprenderà i visitatori facendo collassare protezione e sicurezza in un esito paradossale e catartico. La mostra sarà accompagnata da un catalogo con testo critico di Gianluca Ranzi. (Comunicato stampa)

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Dadamaino
Oltre la problematica pittorica

termina lo 01 luglio 2018
Sala Lucio Fontana - Comabbio (Varese)

Antologica dedicata a Emilia "Eduarda" Maino in arte Dadamaino (Milano, 1930-2004). Come ebbe a scrivere lei stessa, Dadamaino fu come "folgorata sulla via di Damasco" dalla visione e dalla conoscenza dell'opera di Lucio Fontana che influenzò dalla fine degli anni '50 in poi la sua ricerca e la sua opera come pure quella di tutta la sua generazione, giovani artisti che cercavano nuovi linguaggi espressivi abbandonando i canoni della pittura "classica". Il titolo stesso della mostra nasce dalla presentazione che Piero Manzoni, grande amico di Dada, fece in occasione della mostra che lei tenne nel maggio '61 presso la sede del Gruppo N a Padova:...Dada Maino ha superato la problematica pittorica: altre misure informano la sua opera: i suoi quadri sono bandiere di un nuovo mondo: non si accontentano di "dire diversamente": dicono cose nuove...

Così scriveva nel 1961 uno dei più grandi innovatori del '900. E Dada era appena agli inizi della sua carriera, dopo aver abbandonato la pittura figurativa prima e informale poi per entrare nel percorso della sperimentazione più rigorosa e autonoma, dai Volumi ai Moduli Sfasati attraverso le opere optical, la Ricerca del Colore sino al nuovo segno degli Inconsci Razionali, gli Alfabeti della Mente, gli Interludi e le Costellazioni per giungere infine ai Movimenti delle Cose che così profondamente segnarono la sua ricerca sino alla morte che sola interruppe il suo inesausto percorso. La mostra presenta un excursus necessariamente conciso della sua opera ma completo ed esaustivo per la qualità dei lavori e della documentazione raccolta. Un omaggio doveroso a una"allieva" di Lucio Fontana, una donna coraggiosa e indomita dalla carriera scevra di compromessi che la inserisce a pieno titolo nella Hall of Fame delle grandi donne dell'arte del '900, e non solo. La mostra è curata da Massimo Cassani e si avvale di un catalogo con testo critico di Claudio Cerritelli e un'introduzione di Stefano Cortina. (Comunicato stampa)

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Dadamaino
Gli anni '80 e '90, l'infinito silenzio del segno

Catalogo a cura di Stefano Cortina con Susanne Capolongo
testo critico di Elena Pontiggia
Presentazione

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Piero Cicoli. Pensieri Astratti
termina il 31 maggio 2018
Location Camponovo al Sacro Monte di Varese

L'esposizione segue l'omaggio voluto dal Comune di Varese con la Retrospettiva al Museo Castello di Masnago, che ha raccolto le opere di 60 anni di attività dell'artista marchigiano e varesino di adozione. In questa occasione saranno esposte una serie di opere risalenti alla produzione artistica degli ultimi anni, sia pittorica che ceramica, con particolare riguardo al periodo informale. Dalle parole di Chiara Gatti: "La cultura del fare, il mestiere delle mani maturato nei laboratori ceramici, ha alimentato la sua ricerca pittorica, cresciute parallelamente con lo studio dei valori espressivi. Una rispondenza fra volumi e campi di colore unisce infatti gli esiti dei grandi piatti policromi con le ultime riflessioni sul paesaggio che - dopo tanto rincorrere fili d'erba e colpi di vento - è sfumato nell'astratto.

«L'astrazione della realtà è il nostro modo di intervenire nella realtà stessa» affermava Cicoli guardandosi indietro e ripercorrendo le tappe di un operare rigoroso, lineare, quasi solenne. Il muro di una casa bianca nel viola squillante dei giardini; la griglia dei campi arati da una veduta aerea; il limite del cielo sopra i tetti dei paesi; i profili delle colline e il granoturco maturo. Ogni brano di una verità palpabile è confluito in una sintesi assoluta. Non stupisce che Piero Cicoli ci abbia regalato - nei più recenti anni della sua produzione - una sequenza meravigliosa di piccoli oli su tavola, Pensieri astratti, dove il suo scrupoloso criterio di riduzione ha raggiunto l'equilibrio esatto fra visione e sublimazione. Fra vita delle cose e forma della vita."

Il 27 maggio per tutta la giornata si svolgerà il primo laboratorio gratuito di incisione dedicato a tutti coloro che vogliono apprendere la tecnica di questa antica arte. Il grande spazio espositivo ospita fino al 26 agosto una doppia mostra permanente con le opere degli artisti dell'Associazione Liberi Artisti di Varese che si confrontano con il piccolo formato quadrato di cm.25x25, dove il tema libero permette di esprimere la personale cifra stilistica di ogni singolo autore, mente una riflessione più specifica sul formato di cm.40x40 è dedicata al Sacro Monte, ove gli autori si confrontano con le suggestioni, i capolavori e la sacralità della Via Sacra. (Comunicato stampa)

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Teresa Pollidori: "Stanze"
15 maggio (inaugurazione ore 18.00)
Galleria Scoglio di Quarto - Milano
www.galleriascogliodiquarto.com

Mostra fotografica di Teresa Pollidori a cura di Gabriella Brembati con testi critici di Matteo Galbiati e Loredana Rea. Dieci opere fotografiche che concludono il lungo periodo dedicato al recupero evocativo della casa natale. I luoghi della memoria vengono esplorati e rielaborati con strumenti digitali attraverso una metodologia operativa di matrice pittorica ma che rifugge da ogni suggestione della materia. Pollidori cancella ogni immediatezza e spontaneità come se il ricordo fosse frutto esclusivo di una elaborazione mentale. Costringe le immagini in spazi atemporali, collocandole in un'atmosfera metafisica. Atmosfera che la riallaccia alle "Piazze" di De Chirico, ai "Paesaggi" di Carrà, agli "Interni" di Hopper. Artisti appartenenti al passato prossimo della Storia dell'Arte e accomunati da un sentimento di solitudine, di silenzio ma anche di "calore materico". Pollidori invece, protagonista della contemporaneità, ricerca e sottolinea il sentimento di straniamento rinunciando alla "fisicità materica della pittura" a favore della freddezza del linguaggio digitale. (Comunicato stampa)

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Sicilia, il Grand Tour
termina il 22 luglio 2018
Palazzo Cipolla - Roma

Raccolta di acquerelli di Fabrice Moireau raccontati da Lorenzo Matassa. Un'iniziativa promossa e realizzata dalla Fondazione Cultura e Arte, in collaborazione con la Fondazione Federico II. Nel titolo c'è il richiamo alle suggestioni di quel fenomeno che, tra il Settecento e la prima metà dell'Ottocento, portò in Sicilia viaggiatori stranieri e uomini di cultura accompagnati da artisti del paesaggio. Così accadde a Goethe che visitò l'Isola nel 1787. Il suo diario, illustrato da Christoph Heinrich Kniep, divenne leggenda. Circa 400 opere a colori del "pittore dei tetti di Parigi", concesse dalla Fondazione Dragotto, tracciano un nuovo percorso goethiano. Illustri viaggiatori hanno offerto il proprio sguardo per raccontare la Sicilia al mondo intero. Superarono mille difficoltà per scoprire paesaggi disegnati dalla natura e rileggere ciò che l'antichità e l'arte avevano consolidato in monumenti d'immenso valore. Nelle loro parole la Sicilia fu il luogo della definitiva crescita conoscitiva ed emozionale.

Nei luoghi ritratti l'artista si è recato personalmente, accompagnato dall'inseparabile zaino che contiene gli attrezzi da lavoro del pittore: la tavolozza, i colori, i fogli bianchi, i pennelli, l'immancabile sgabello pieghevole. Riprese dalla mano sapiente del Maestro Moireau diventano acquerelli le testimonianze archeologiche dell'Isola, le vedute di alcune riserve naturali, le isole minori, i numerosi castelli, gli scorci dei siti Unesco. Un lungo itinerario nella Sicilia più intima, nei luoghi meno conosciuti, ma non per questo meno affascinanti e meritevoli di un viaggio.

«La mostra "Sicilia, il Grand Tour" è per me un meraviglioso viaggio nella memoria, un'immersione nei luoghi, negli scorci, nei paesaggi più belli e suggestivi della mia terra natia, condotta sull'onda della soave pennellata di Fabrice Moireau, indiscusso maestro di una tecnica tanto pregevole quanto oggi scarsamente praticata qual è l'acquerello. - afferma il Prof. Avv. Emmanuele F. M. Emanuele, Presidente Onorario della Fondazione Cultura e Arte - Un percorso espositivo che è una vera poesia, un inno all'isola che indusse Federico II di Svevia ad affermare che era al tal punto felice di vivere in Sicilia da non invidiare a Dio il Paradiso. Ecco, gli acquerelli di Moireau, con l'ideale contrappunto dei testi di Lorenzo Matassa, connotati da un lirismo ispirato che fa apparire le opere ancora più belle, restituiscono oggi intatto il senso della meraviglia dei viaggiatori stranieri di fine Settecento ed inizio Ottocento, di cui Goethe narrò in una delle sue famose lettere: "E' in Sicilia che si trova la chiave di tutto. La purezza dei contorni, la morbidezza di ogni cosa, la cedevole scambievolezza delle tinte, l'unità armonica del cielo col mare e del mare con la terra... chi li ha visti una sola volta, li possederà per tutta la vita".». (Estratto da comunicato ufficio stampa Civita)

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The Rough Guide - Sicilia (Recensione di Ninni Radicini)

Andreas Schulze - Dipinti di panorami e sculture in ceramica dal viaggio in Sicilia dell'artista tedesco (Mostra, giugno-agosto 2013)

La Trinacria - Storia e Mitologia (Articolo di Ninni Radicini)

Rassegna Internazionale del Cinema Archeologico 2010 | Documentari su Grecia e Sicilia Ellenica

Sicilia e Grecia | Città fondate da Siciliani e Greci

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Veronica Smirnoff
Tales of Bright and Brittle

termina il 20 luglio 2018
Galleria Riccardo Crespi - Milano

Terza personale in Italia dell'artista inglese di origine russa Veronica Smirnoff. Le opere in mostra costituiscono un corpus quasi completamente unitario, concepito e dipinto tra il 2017 e il 2018 dall'artista che approfondisce varie intuizioni tra fantasia e storia, folclore e immaginazione. Smirnoff trae ispirazione dalle sue esperienze di luoghi, dal suo amore per libri e racconti, nel rispetto di storia, miti ed epiche comuni. La tempera all'uovo su tavola gessata, una delle tecniche più antiche e minuziose, è strumentale al procedimento in cui l'artista combina la tecnica dell'icona con la miniatura, la tradizione asiatica con l'arte popolare, nonché con spunti e simboli da altre fonti, per aggiungere significato e validità ai suoi soggetti. Impadronendosi di diversi linguaggi pittorici attraverso giustapposizione irrazionale e pura intuizione, fa intuire l'implacabile conflitto tra figurazione e astrazione, un equilibrio sottile e costantemente re-immaginato tra allegoria e appropriazione.

Nelle parole dell'artista: "La magia dell'audacia di raccontare quel che sempre accade nello spazio mentale è la prova dell'immaginazione che permette di muoverci liberamente nel regno della fantasia, riluttanti a mettere in discussione la mancanza di logica tra le cose incomprensibili che prima o poi trovano un senso e ci insegnano qualcosa sul mondo reale." Gli spunti tematici sono molteplici e inestinguibili: in Scarlet and Seraphim l'esplicito riferimento a L'isola dei morti di Böcklin si allenta in uno spazio più luminoso, suggerendo la possibilità di esplorare ancora pittura e vita - che qui mostrano un destino comune in cui pensieri ed immagini sono soggetti ad un eterno ritorno. La mostra sarà accompagnata da un libro edito da Gli Ori, Pistoia. (Comunicato stampa)

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Marino Calesini | Modan | Rodolfo Savoia
termina il 24 maggio 2018
Galleria d'Arte Contemporanea Wikiarte - Bologna
www.wikiarte.com

La concezione della realtà come passo verso una sovra realtà è da sempre considerata prioritaria per apparati mitologici e religiosi legati alla spiritualità dell'individuo. La convinzione che l'arte è l'espressione massima di tale spiritualità rende la capacità umana dell'operare estetico un vero ponte verso il soprasensibile, quello che va oltre le strutture fisiche dei sensi, i ponti verso la realtà.

Nel mondo stanno accadendo cose incredibili. A portata di mano, sull'altra riva del fiume, c'è ogni sorta di apparecchiatura magica, e noi continuiamo a vivere come gli asini... Le parole di Marquez sono sempre una rivelazione magica un pò come i lavori  di Marino Calesini, artista visionario che porta all'arte la botanica degli affetti. L'artista esercita questa sua scienza inesatta da una parte tecnicamente perfetta e grazie allo strumento d'esecuzione - una mano chirurgica, precisa e ferma, ma dall'altra magicamente riflessiva con la continua moltiplicazione di piani reali e immaginari che rendono inesauribili i punti di vista. Nell'erbario delle sue cactacee ogni pianta esplode il suo cuore esotico in un mondo di magia reale a portata di mano, sull'altra riva del fiume offrendo all'occhio uno stimolo-ponte tanto prorompente nel suo aspetto da sovraeccitare i sensi in una inondazione di adrenalina che non lascia indifferente nessuno. In questo giardino di fiori esotici la magia sembra alla portata di tutti...

Altrettanto magica è la realtà di Modan che trascura la precisione dello sguardo analitico per un'osservazione mediata del mondo. Questo infatti indossa in ogni opera di Modan una maschera che è tanto coprente quanto evidente, deformando la realtà lasciandola riconoscibile. Oltrepassato il fiume ci si trova, dunque, immersi non in una cappella di vegetazione barocca ma nella stazione metropolitana delle realtà condivise dove magicamente le cose accadono in una condivisione temporale di uno spazio a cui non appartengono. L'apparecchiatura magica qui non è il pennello ma l'obbiettivo della macchina fotografica che colpisce l'attimo di verità che esplode nel suo cuore poetico in un mondo di magia reale su questa riva del fiume. I sensi ora sono sollecitati non dalla realistica apparenza del magico ma dall'aspetto stregato del reale che nutre l'immaginazione e confonde la percezione. L'occhio è portato a sforzarsi nel riconoscere le forme per applicargli un senso in un processo di inversione della cognizione che dal complesso ricava il semplice, radice di ogni immagine, vera o ideata.

La raffigurazione quale la vita segreta delle cose è oggetto anche dell'arte di Rodolfo Savoia. La raffinatezza del colore purissimo e luminoso che il pastello genera sulla carta permette al creativo di costruire i trasparenti campi multistrato di una narrazione figurativa piena di lirismo e fluidità. L'impronta fotografica di un realismo tecnicamente reso corretto è soprafatta dall'ondata di misticismo sollevata dalla cromia luminosa e il tratto delicato ma onnisciente. Quanto dura un tramonto? E uno sguardo? E un campo da duna di sabbia? Il contenimento spazio-temporale è trasformato in un pretesto per l'esercizio simbolista che ritrae luoghi e personaggi incontaminati, privi di legami con la realtà se non per l'aspetto esteriore sovrastato dall'aura onirica della fantasia. Oltre il fiume ora si apre la foresta di simboli baudelairiana dove realtà e rappresentazione si fondono e accolgono chi, guardando, ci si avventura trasportato dalle parole del poeta: O monti, purità delle cose intatte, forza, mistero/ sopra la Terra, ella va e ritorna come un pensiero/ immortale sopra la Terra. (Gabriele D'Annunzio) (Presentazione di Denitza Nedkova)

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Nanda Vigo: Sky Tracks
termina il 29 giugno 2018
Galleria San Fedele - Milano

Il percorso espositivo - a cura di Andrea Dall'Asta SJ e Marco Meneguzzo -, concepito come un viaggio intergalattico tra le opere dell'artista-architetto, conduce lo spettatore verso dimensioni "altre", verso nuovi spazi cosmici. Nanda Vigo presenta opere sculture di grande forza creativa, che nel corso della sua ricca produzione artistica, in cinquanta anni di lavoro, hanno meglio rappresentato il concetto di viaggio: dai Cronotopi, ai Trigger of the Space, fino ai lavori piu' recenti, i Deep Space. Protagonista dei movimenti artistici d'avanguardia, italiani ed europei, a partire dagli anni '60, opera con un rapporto interdisciplinare tra arte, design e architettura con un'attenzione particolare alla poetica della luce in relazione allo spazio e al tempo. Significativa è la sua vicinanza con i maggiori artisti italiani e stranieri del tempo, aderisce al Gruppo Zero, movimento artistico nato in Germania negli anni '60, segnando una rottura definitiva con i dogmi dell'arte tradizionale: un cambiamento epocale, nel desiderio di "ripartire da zero".

La sua poetica si fonda sullo studio della luce, sia questa naturale o artificiale, visibile nelle opere di questi anni, che affrontano il rapporto spazio-tempo, luce-trasparenza, da cui il nome dei suoi lavori: Cronotopo (dal greco chronos e topos), vale a dire "tempo-spazio". Attraverso l'uso di materiali industriali come il vetro e l'alluminio, l'artista realizza opere che si pongono come filtri visivi della realtà in cui siamo immersi. La percezione comune che abbiamo del reale è in questo modo alterata, mutata in maniera incerta, affinché possiamo vivere impressioni inedite e impensate. Al periodo Cronotopico seguono nuove e continue esperienze e produzioni, sempre però facendo della luce l'elemento motore della sua ispirazione.

Ciò che avviene con i suoi Trigger of the Space è proprio questo, movimentatori dello spazio, catturano la luce naturale e la riframmentano, specchiandola e generando sempre nuovi ed infiniti spazi. Alla ricerca costante di una armonia universale di ordine cosmico, questa più che mai si esprime nei suoi Deep Space, opere di recente produzione. Le triangolazioni luminose create dall'artista, con i suoi colori diffusi, spesso blu, ci direzionano verso un viaggio ascensoriale, conducendoci in un percorso interiore e interstellare, alla ricerca di una dimensione superiore dello spirito. Vigo ci immerge nell'immaterialità di giochi di riflessi e di luce, in meditazioni fatte di sottili trasparenze e di illusioni percettive. Una vera esplorazione dello spazio, in e out, attraverso la luce.

Nanda Vigo (Milano, 1936) si laurea all'Institute Polytechnique di Lausanne. Dal 1959 inizia ad esporre le sue opere in gallerie e musei in Europa e in Italia; prende parte al Gruppo Zero, con cui espone tutt'ora, oltre alle collaborazioni con Gio Ponti e Lucio Fontana. Nel 1965 cura la leggendaria mostra "Zero avantgarde" nello studio di Lucio Fontana a Milano. Nella sua attività Vigo opera con un rapporto interdisciplinare tra arte, design, architettura, ambiente, è impegnata in molteplici progetti sia nella sua veste di architetto che di designer che di artista. Quello che contraddistingue la sua vivace carriera è l'attenzione e la ricerca dell'Arte, che la spinge ad aprire collaborazioni con i personaggi più significativi del nostro tempo ed a intraprendere sempre progetti volti alla valorizzazione dell'Arte come la mostra "Italian Zero & avantgarde 60's" al MAMM Museum di Mosca nel 2011. Nel 2014/2015 espone al Guggenheim Museum di New York, al Martin-Gropius-Bau di Berlino e allo StedelijkMuseum di Amsterdam nelle retrospettive dedicate a Zero.

Tra il 2013 e l'inizio del 2016 realizza diverse personali: "Nanda Vigo LightsForever", Galleria Allegra Ravizza, Lugano, "Affinità elette" al Centro San Fedele di Milano e in seguito alla Fondazione Lercaro di Bologna, "Zero in the mirror" alla Galleria VolkerDhiel di Berlino, oltre a quella più recente "Nanda Vigo" alla galleria Sperone Westwater di New York. Ha partecipato alla XXI Triennale (21st Century. Design After Design) e nel 2016 ha presentato la sua prima opera monumentale, "Exoteric Gate", esposta nel cortile Ca' Granda dell'Università degli Studi di Milano. Nel 2017 partecipa alla mostra "Fantasy access code" a Palazzo Reale di Milano e al K11 Museum di Shanghai in collaborazione con Alcantara, a "SocleduMonde, Biennale 2017" all'HeartMuseum di Herning in Danimarca e alla mostra "Lucio Fontana. Ambienti/ Environment" a Pirelli Hangar Bicocca, Milano. Nel 2018 realizza per il Maxxi di Roma in collaborazione con Alcantara la mostra "Arch/arcology". (Comunicato stampa)

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Nuovo Museo Diocesano di Feltre e Belluno
dal 12 maggio 2018
Castello Vescovile - Feltre (Belluno)
www.museodiocesanobellunofeltre.it

Il completo recupero dell'antichissimo Palazzo dei Vescovi, innalzato su uno sperone roccioso al punto di arrivo di Via del Paradiso, affascinante lembo della storica "Città Verticale", ha consentito alla Diocesi di Feltre e Belluno di dispiegare nelle 27 sale i suoi tesori d'arte e di fede. Amalgamandoli sapientemente ad un contenitore che testimonia con i suoi affreschi (notevole il grande intervento mantegnesco nell'androne di ingresso) e le sue architetture, lo stratificarsi di una storia millenaria. Il suggestivo allestimento è riuscito a creare una perfetta simbiosi tra le antiche pietre, i preziosi affreschi murali sopravvissuti alle ingiurie dei secoli e degli uomini, ed i tesori che qui sono stati concentrati, provenienti dai moltissimi conventi, monasteri, certose e chiese delle vallate feltrine e bellunesi.

Tesori che spesso sono esempi della raffinatissima arte della lavorazione delle pietre, dei metalli e soprattutto del legno che nei secoli passati ha contraddistinto questi territori. Notevolissima, ad esempio, la collezione di sculture lignee del nuovo Diocesano, che annovera, tra le tante, l'emozionante "parata" dei 12 Apostoli o un intenso San Giorgio e il drago. Il nuovo Diocesano esprime attenzione anche nei confronti delle grandi personalità artistiche di questo magnifico territorio. Espone, ad esempio, quella che è la maggiore collezione di sculture di Andrea Brustolon, "il Michelangelo del legno", come ebbe a definirlo Honorè de Balzac. Oppure l'importantissimo gruppo di dipinti a tema sacro di Sebastiano Ricci, anch'egli bellunese di origine. O uno straordinario Tintoretto, firmato.

Sculture e dipinti ma anche oreficerie. Che in questo Museo si mostrano con reperti di importanza mondiale. A partire dal mitico calice paleocristiano del Diacono Orso, il più antico calice eucaristico dell'Occidente. Un oggetto che per alcuni studiosi, soprattutto del mondo inglese, riporta al Santo Graal. Non meno notevole è il raffinato Reliquiario a busto di San Silvestro Papa, proveniente dalla Certosa di Firenze, capolavoro di Antonio di Salvi, allievo del Pollaiolo. Sorpresa dopo sorpresa, il percorso conduce sino al contemporaneo, con un giusto omaggio ai grandi mastri del territorio feltrino e bellunese e con l'accoglienza di due opere che Mimmo Paladino e Arnaldo Pomodoro hanno creato proprio per questo Museo.

Tutto in un Palazzo-castello che nei millenni si è stratificato su un insediamento già preromano, poi trasformato in sistema fortificato in epoca medievale e ancora in un sontuoso palazzo veneziano e infine adattato, in epoca barocca e poi neoclassica, al mutare dei tempi e dei gusti. Nel "Paradiso" che domina Feltre, la bellissima "città verticale" dove coesistono Medioevo e Rinascimento. Tutto intorno le Prealpi Feltrine che introducono al Parco delle Dolomiti. E' in questo ambiente bellissimo, Patrimonio dell'Umanità, che il visitatore del nuovo Diocesano è invitato a percorrere anche l'Itinerario Sacro che, trovando epicentro proprio nel Museo. (Comunicato Studio Esseci)

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Giorgio Soave: Il circolo rosso
termina il 24 maggio 2018
Galleria "Arianna Sartori" - Mantova
info@ariannasartori.191.it

Giorgio Soave (San Giovanni Lupatoto - Verona, 1951) svolge l'attività di architetto. Ha partecipato a mostre in Italia e all'estero. E' nella "Società delle Belle Arti" di Verona e del gruppo di artisti internazionali "Gruppe 30". La mostra Il circolo rosso è curata da Arianna Sartori.

«Giorgio Soave (...), autodidatta nel campo pittorico, trasporta nei suoi dipinti la precisione e l'eleganza formale che è richiesta nel suo ambito lavorativo riuscendo però ad infondere una personale poesia nel gioco elegante delle linee e delle geometrie che caratterizzano i suoi lavori. Nelle sue opere, astratte e solide, il colore acrilico viene steso con tecnica, pazienza e pulizia formale quasi a voler richiamare con il gesto fisico una meditazione spirituale di sapore orientale, imprigionando l'energia e la forza dei singoli colori in spazi astratti definiti ma che, contemporaneamente, esplode in un particolare che accomuna parecchie sue opere. Un piccolo cerchio rosso, colore e forma dinamica e spirituale, che ci accompagna come un mantra o uno spiritello astratto libero e giocoso, restando punto fisso nello sguardo dello spettatore e coinvolgendolo in un gioco di ricerca di assenza/presenza.

Trovatolo viene naturale posare lo sguardo sul dialogo che instaura con il resto della composizione, liberando i piani della stessa e rivelando un nuovo universo, serio e dosato nell'opera, ma libero e giocoso nella forma. Una pittura meditata e di meditazione quella di Giorgio Soave, che deve essere osservata con il giusto tempo per accorgersi di tanti piccoli particolari che arricchiscono le tele coinvolgendo colori e superfici in un gioco di richiami e intersezioni scelte con cura e attenzione, che portano ritmo nella composizione e frammentano la superficie in incastri che sembrano disturbare la serenità apparente che coinvolge ad un primo sguardo. Sono queste "dissonanze" che creano ritmo e generano curiosità, portandoci a riflettere davanti a queste tele. Un "non equilibrio" che genera quasi un senso di "non finito" e che, per questo, ci coinvolge e ci emoziona.» (Il circolo rosso, di Matteo Tropina)

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Catalogo Sartori d'Arte Contemporanea 2018
Presentazione

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Manet e Massimiliano
Un incontro multimediale

termina il 30 dicembre 2018
Scuderie e Castello di Miramare - Trieste
www.castello-miramare.it

Dopo le celebrazioni dei 150 anni dalla morte di Massimiliano d'Asburgo, un percorso immersivo e "multimediale" - a cura di Andreina Contessa e Rossella Fabiani, in collaborazione con Silvia Pinna - per dar vita all'incontro impossibile tra l'imperatore del Messico, fucilato il 19 giugno 1867, ed Édouard Manet, il grande pittore francese che, indignato dalla vicenda, denunciò con la sua pittura le responsabilità dell'imperialismo francese. Il sorprendente itinerario - promosso dal Museo storico e il Parco del Castello di Miramare e prodotto da Civita Tre Venezie e Villaggio Globale International - trasporterà migliaia di visitatori all'interno di questa storia, dentro i luoghi che l'hanno scandita, da Miramare al Messico a Parigi, grazie a una dimensione immersiva di suoni, proiezioni e ambienti ricreati. Sarà inoltre valorizzato anche il contesto di Miramare richiamato attraverso testimonianze quali lettere, libri, documenti e dipinti.

Ad accompagnarci in questo flashback virtuale sarà la narrazione teatrale ideata dallo sceneggiatore Alessandro Sisti e recitata da Lorenzo Acquaviva, che nei panni di Massimiliano farà rivivere le emozioni e le contraddizioni di questa trama, raccontando in prima persona le preoccupazioni dell'imperatore, il suo amore per Carlotta e per Trieste, il suo impegno per il Messico e i suoi tentativi di un governo illuminato. La "multimedialità" sarà al centro di questa rievocazione, instaurandosi su più livelli di lettura, non solo per l'evidente relazione tra il racconto digitale e l'ambiente di Miramare in cui questo viaggio viene "rivissuto", ma anche per la pluralità di piani cui rimanda.

Dai giornali, attraverso cui Manet viene a conoscenza della tragica fine di Massimiliano, alla pittura come mezzo per aprire un acceso dibattito sulla censura - che fu animato peraltro dallo scrittore Émile Zola e coinvolse figure come Giosuè Carducci e Franz Listz -, dalla narrazione scenografica e potente ai video finali di due artisti messicani che ci riporteranno all'oggi. In questo tessuto di connessioni emergerà anche la doppia valenza dell'arte, che se da un lato indossa le vesti ufficiali della cronaca, come mostrano i dipinti del tempo esposti nelle Scuderie e nel Castello, dall'altro esprime la sua capacità di smascheramento della rappresentazione della realtà.

Massimiliano, divenuto imperatore del Messico su invito dell'invasore francese Napoleone III, viene fucilato dalle truppe ribelli a Querétaro insieme ai due generali Miramòn e Mejía. Di fronte a rivolte divenute ormai scontro armato, il sovrano francese lo aveva abbandonato. L'eco della notizia giunse immediata in Europa e a Parigi. La morte di Massimiliano fu uno scandalo per le implicazioni politiche e culturali che portava con sé: sotto la patina rifulgente della Belle Époque, metteva in moto i fermenti che avrebbero condotto alla Prima Guerra Mondiale. Manet ne fu così ossessionato che realizzò tra il 1867 e il 1868 ben tre versioni di grande formato, come si confaceva ai dipinti di storia, uno schizzo ad olio e una lastra litografica. La forza polemica e la verve politica dell'opera ne impedirono l'esposizione al Salon di Parigi, dove era stata annunciata, e nessuna delle versioni dell'Esecuzione di Massimiliano fu mai esposta al pubblico finché Manet fu in vita.

Dalla partenza per il Messico, con cui si apre la mostra, allo scoppio inarrestabile della guerra civile guidata da Benito Juàrez, saremo condotti fino a Parigi, dentro lo studio di Manet. Ascolteremo i pensieri dell'artista e i commenti dei giornali del tempo, vedremo gli scatti dell'unico fotografo autorizzato a immortalare il cadavere di Massimilano sul luogo della fucilazione, Francois Aubert; davanti ai nostri occhi scorreranno le immagini dei quadri - conservati ora in vari musei d'Europa e d'America (Boston, Londra, Copenhagen, Mannheim) - di cui scopriremo dettagli e particolari inediti. Grazie a una serie di effetti speciali seguiremo l'evoluzione del lavoro. Nella prima versione del dipinto, realizzata di getto a poche settimane dal truce episodio, Manet manifesta la partecipazione emotiva agli eventi, ma risente delle ancora scarse notizie e della mancanza di immagini circolanti in Europa. Nelle versioni successive l'artista cerca di arricchire i particolari in base alle informazioni ormai diffuse.

Aggiunge così il muro di fondo, alcuni spettatori, cambia la posizione dei generali di Massimiliano e soprattutto inserisce un'invenzione che esprime una precisa presa di posizione: veste i soldati del plotone d'esecuzione non più con i panni borghesi, bensì con le uniformi dell'esercito francese, definendo il messaggio e il senso dell'opera. La versione finale del 1868 sarà la più grande, quella dal tratto più definito, in cui l'esempio della pittura spagnola e di Goya appare esplicito. Ora la cronaca si decanta e acquisisce un significato universale: dalla crudezza del primo impatto si è giunti all'equilibrio simbolico del dipinto finale e Massimiliano, fra i due generali, finisce per assomigliare a Cristo fra i due ladroni, sacrificato sull'altare dell'imperialismo francese.

Da Parigi torniamo così a Trieste, lì dove il viaggio aveva preso avvio. Il mare e le onde nell'ultima sala ci circondano. Il 15 gennaio 1868 la fregata Novara, la stessa con la quale la coppia reale era partita piena di speranze, riconduce il feretro del sovrano nell'unica città in cui Massimiliano si era sentito veramente a casa. Trieste, proclamato il lutto cittadino, veglia il corteo funebre, che attraversa le strade della città. In lontananza la sagoma del Castello di Miramare. Dopo l'esperienza immersiva ideata e realizzata da Senso Immersive (studio creativo, spin-off di DrawLight), ecco le lettere di Massimiliano, i libri della sua biblioteca riferiti al Messico e all'America, altri documenti storici - dai proclami alle stampe sulla sua fucilazione - e poi alcuni dipinti conservati nei depositi e in altri ambienti del Castello, che descrivono la partenza per il nuovo regno e il rientro della salma.

Al centro di quest'ultima sezione è esposto l'imponente Ritratto di Massimiliano Imperatore, a rievocare il simbolo delle antiche glorie. Memorie iconiche che preparano a scoprire l'immaginario messicano e la sua rivisitazione artistica in chiave contemporanea. A chiudere il percorso sono, infatti, i video di due giovani artisti Calixto Ramírez e Enrique Méndez de Hoyos, che si confrontano con una vicenda cruciale della storia del loro Paese e offrono uno sguardo che restituisce alla (nostra) prospettiva europea la lente d'ingrandimento messicana, intrecciando ancora una volta in un'unica trama presente e passato, storia e arte. (Comunicato stampa Civita Tre Venezie)

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Una ritrovata Madonna della Fabbrica di San Pietro
termina il 16 luglio 2018
Palazzo Madama - Torino

L'opera viene esposta in anteprima assoluta al pubblico dopo un lungo e complesso restauro. Il dipinto è un olio su tavola e fu commissionato nel gennaio del 1519 a un "Dipintore", del quale purtroppo non è tramandato il nome e per il quale non c'è al momento un'attribuzione sicura. Conosciamo, invece, il committente, la moglie di tal Pietro Pedreto, che fece realizzare il dipinto per la chiesa di San Giacomo Scossacavalli in Roma. L'edificio sorgeva nei pressi della basilica vaticana, ma fu demolito nel 1937, insieme a tutte le case circostanti della cosiddetta "Spina di Borgo", per realizzare la monumentale Via della Conciliazione che dal Tevere conduce a Piazza San Pietro. In seguito alla demolizione della chiesa di San Giacomo, il dipinto fu trasferito nei depositi della Fabbrica di San Pietro e abbiamo notizia di primi tentativi di restauro nel XVII e poi nel XVIII secolo.

Solo nel 2016 venne avviato il non facile restauro, affidando l'incarico a due valenti professionisti romani: Lorenza D'Alessandro per la parte pittorica e Giorgio Capriotti per il supporto ligneo. L'intervento è stato lungo e impegnativo, perché il dipinto era fortemente danneggiato, soprattutto sul busto della Vergine e nella metà inferiore, con cadute irreversibili di colore dovute molto probabilmente all'immersione nell'acqua del Tevere che era straripato allagando tutta la chiesa all'antivigilia di Natale del 1598. Le cronache raccontano che l'acqua si arrestò improvvisamente sotto le labbra della Vergine, lasciando il segno della piena. Quella storica traccia si può ancora riconoscere in una scura linea orizzontale che attraversa il dipinto, e il danno è ancora più evidente nella parte inferiore, dove la pittura è andata totalmente perduta.

Nell'allestimento ideato per Palazzo Madama dall'architetto Roberto Pulitani, oltre al dipinto vengono presentate riproduzioni di fotografie e documenti che descrivono non solo il complesso intervento di restauro in tutte le sue fasi, ma anche la storia della chiesa andata distrutta e del contesto urbanistico ove essa sorgeva. La chiesa di San Giacomo era infatti sede dell'Arciconfraternita del Santissimo Corpo di Cristo, che ebbe come confratelli più di venti cardinali - tra i quali i futuri papi Innocenzo IX e Paolo V - e numerose alte cariche della curia romana, con personaggi illustri come Domenico Fontana e Pierluigi da Palestrina. Il restaurato dipinto della Madonna col bambino era allocato sopra l'altare della prima cappella a destra entrando.

Qui certamente lo vide Raffaello, che abitava in un palazzetto di fronte a questa chiesa, e anche il pittore Perin del Vaga, che dimorò anch'egli in Borgo Nuovo in una casa vicino all'abitazione del maestro urbinate, del quale fu allievo e collaboratore. Nel 1521 un anonimo artista di Parma realizzò per la Madonna di Scossacavalli un tabernacolo, che serviva anche da "macchina processionale" quando la venerata immagine mariana veniva solennemente portata in processione, come nell'anno 1522 per scongiurare la peste che aveva colpito la popolazione di Roma. Nella cappella ad essa dedicata, detta anche "Cappella della Beata Vergine delle donne", il dipinto fu oggetto d'intensa devozione, testimoniata sulla tavola dalla presenza di numerosi fori e abrasioni dovuti alla pratica devozionale di fissare con chiodi corone, collane, gioielli ed ex voto.

La mostra di Palazzo Madama costituisce un'occasione unica e irripetibile, nel mese che per la religione cattolica è tradizionalmente dedicato alla Madonna. Dal Medio Evo a oggi, maggio è il mese della primavera e delle rose, fiore mistico, dedicato alla Santissima Vergine, a Torino particolarmente venerata nell'icona di Maria Consolata, patrona della Città insieme a San Giovanni Battista. La mostra rappresenta dunque un appuntamento imperdibile non solo per gli appassionati di arte, ma anche per tutti i devoti che a Torino avranno l'opportunità di conoscere la storia di questa straordinaria icona. (Estratto da comunicato stampa)

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Haec est civitas mea
Opere di giovani artisti dell'Accademia "I.S. Glazunov" di Mosca

termina lo 09 giugno 2018
Satura art gallery - Genova
www.satura.it

Dopo Roma, dove è stata presentata, per la prima volta in Italia, nel Complesso Monumentale del Vittoriano, arriva a Genova, nelle suggestive sale di Palazzo Stella, la mostra dei quadri di grande formato di 32 giovani pittori diplomatisi all'Accademia moscovita che rappresenta l'orgoglio dell'arte russa contemporanea. Elemento d'interesse dell'esposizione, dedicata al trentennale dell'Accademia Russa di pittura, scultura e architettura di Il'jà Glazunòv, consiste nel fatto che i pittori russi contemporanei portino avanti, sulla base della grande scuola greca e romana, un tema nazionale e che, come all'epoca del Rinascimento italiano, raccontino, con linguaggio classico, pagine della propria storia. Non è un caso se, come titolo dell'esposizione, è stata scelta la frase latina «Haec est civitas mea»: nella storia russa i pittori italiani hanno avuto un ruolo quanto mai rilevante.

Tradizionalmente nel XIX secolo i migliori diplomati dell'Imperiale Accademia di Belle Arti, come stabilito dall'Imperatore in persona, venivano mandati in Italia per un lungo soggiorno, nel corso del quale godevano il privilegio di ricevere una speciale "pensione", di viaggiare e creare, studiando i sublimi modelli dell'arte, dall'antichità ai tempi moderni. L'Italia divenne così luogo di pellegrinaggio degli artisti russi, consolidando il secolare legame culturale tra le nostre nazioni. L'anno delle "Stagioni russe" in Italia è un meraviglioso pretesto per rinnovare l'insigne tradizione dell'Imperiale Accademia di Belle Arti e per osservare come stia continuando questa interazione culturale nel mondo attuale.

La convinzione che «gli studi sono le ali, senza le quali un artista non può innalzarsi fino alle vette dello spirito e della maestria», comune a Il'jà Glazunòv e ai suoi allievi, continuatori della tradizione della scuola russa, ha dato lo stimolo alla creazione di un'istituzione russa che, alla base del suo processo formativo, ha il metodo classico di educazione artistica. La presente esposizione ripercorre la storia di questo fiore all'occhiello della didattica e formazione della scuola russa. I meccanismi della narrazione sono le opere, in cui il realismo contemporaneo e la tradizione russa vengono a fondersi, regalando allo spettatore un suggestivo racconto per immagini della secolare cultura pittorica moscovita. (Comunicato stampa)

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Michelangelo alla Cripta di San Sepolcro
termina il 15 settembre 2018
Cripta del Santo Sepolcro - Milano
www.criptasansepolcromilano.it

In uno dei luoghi più suggestivi della città, un'installazione del grande regista Michelangelo Antonioni dedicata al Mosè di Michelangelo Buonarroti, conservato in San Pietro in Vincoli a Roma, accompagnata da alcune immagini del fotografo Aurelio Amendola. Dopo la mostra di Bill Viola, tocca a Michelangelo Antonioni (1912-2007), uno dei maggiori registi della storia del cinema. Lo sguardo di Michelangelo, un cortometraggio di 15 minuti, realizzato dal regista ferrarese nel 2004, tre anni prima della sua scomparsa, può essere considerato una sorta di suo testamento spirituale. Lo sguardo di cui si parla nel titolo è quello del regista che entra camminando nella penombra della chiesa, si arresta e rimane immobile, quasi sopraffatto, di fronte al capolavoro del Buonarroti, scrutandone i particolari e soffermandosi sull'espressione del profeta.

Il Mosè è un marmo che "parla", capace di trasmettere all'osservatore tutta la bellezza che l'artista gli ha regalato. In questa sua visita, Antonioni entra in completa simbiosi con la scultura, muovendo delicatamente il braccio fino a sfiorarla con la mano per coglierne lo spirito. L'uscita del regista dalla porta della chiesa, accompagnato da un misteri oso coro di Pierluigi da Palestrina, fa ritornare l'autore del documentario verso la luce del sole che penetra dall'esterno. Il percorso espositivo sarà arricchito da alcuni ritratti fotografici del Mosé realizzati da Aurelio Amendola. Al termine della mostra sarà possibile acquistare gli scatti d'autore originali e nello stesso tempo contribuire sensibilmente alle opere di recupero della Cripta. (Comunicato stampa)

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Maria Enrica Ciceri: "Respiro Urbano"
26 maggio (inaugurazione ore 18) - 03 giugno 2018
Villa Borletti - Origgio (Varese)

Villa Borletti di Origgio ha tutte le caratteristiche della dimora del Settecento Lombardo, circondata da un bel parco. Nata come casa di villeggiatura dei conti Borromeo, oggi è sede di eventi culturali, creati dall'Associazione Culturale Hesperia con il patrocinio del Comune di Origgio. La mostra prende avvio dalla vocazione unica e particolare dell'artista di Uboldo nel cogliere il senso vero di città e metropoli in continuo movimento. In scansioni prospettiche dalle pennellate intense il forte gesto pittorico evidenzia l'esplorazione esistenziale del paesaggio urbano.

L'artista lo fa con i toni inquietanti dei chiaroscuri, negli squarci di luce improvvisi sulle tele dipinte a collage, tecniche miste o con pittura a olio. Il "Respiro Urbano" di New York e Milano, soprattutto, accentrano mille caleidoscopiche sfaccettature. Ma è il capoluogo lombardo ad entrare di getto nei lavori pittorici in mostra. Milano e i suoi tram: quando passa ancora oggi sferragliando, il numero 1, tram storico come il tram 33, tutto sembra fare un passo all'indietro nel tempo. Perché dal 1928, il vecchio tram "Carrelli" è ancora in funzione, accanto ai Jumbotram e ai nuovissimi Sirietto. Intrecci di binari, fili sospesi, lo sferragliare continuo.

Nella presentazione critica, Fabrizia Buzio Negri così scrive di Milano nella pittura di Maria Enrica Ciceri: "Non è più la futuristica 'città che sale' con la frenesia di migliaia di passi che corrono via veloci, con il fascino oscuro dei misteri dentro lo smog quotidiano. E' qualcosa di diverso. E' il ricordo nella realtà dell'oggi, che non procede nel futuro senza il passato. Sono poesia e vita insieme, come quelle strofe della canzone amata da Giorgio Strehler, Ma mi: "Sòta a sti mur /passen i tram/ fracass e vita del mè Milan." (Sotto a queste mura/passano i tram/ fracasso e vita della mia Milano). Un pezzo di storia, in un percorso a rotaie, in una Milano che cambia, ma dal fascino intramontabile. Con qualche frammento di quotidianità, appena sfiorata, tra compagni di un breve viaggio." (Comunicato stampa)

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Piero Dorazio
Limina: il decennio 1975-1985

termina il 24 giugno 2018
VV8artecontemporanea - Reggio Emilia
www.vv8artecontemporanea.it

Mostra dedicata al decennio 1975-1985 di Piero Dorazio che espone una quindicina di opere, tra quadri di grande, medio e piccolo formato, del grande artista romano. "Limina" si richiama al ruolo innovatore e a quella tensione verso la ricerca dell'essenza ultima che ha sempre caratterizzato Dorazio fin da quando nel 1947 l'artista fondò il gruppo Forma 1, per poi affermarsi sulle maggiori ribalte nazionali e internazionali dell'arte contemporanea, dalla Biennale di Venezia al Moma di New York. E' la scelta fuori dalle righe di un periodo dell'opera di Dorazio ancora poco frequentato dal mercato dell'arte, ma che raccoglie l'espressione più matura della poetica dell'artista, quando l'esuberanza del colore tipica degli anni Settanta e Ottanta viene domata dal rigore della linea, punta di riflessione più alta raggiunta nel rifugio dell'antico convento di Todi, dove Dorazio si stabilì nel 1974.

Piero Dorazio (Roma, 1927 - Perugia, 2005) dopo il liceo classico, negli anni Quaranta approfondisce da autodidatta il suo interesse per la storia dell'arte, sensibilizzato anche dalla frequentazione dello studio del pittore Aldo Bandinelli, padre del suo compagno di scuola Angiolo. La sua formazione prosegue poi con gli studi incompiuti di architettura a La Sapienza di Roma. Le sue relazioni con gli artisti di quel periodo lo portano a fondare nel 1947 il gruppo Forma 1 insieme a Giulio Turcato, Concetto Maugeri, Antonio Sanfilippo e Carla Accardi. Nello stesso anno, entra in contatto con i maggiori artisti internazionali recandosi a Parigi, dove nel 1948 espone al "Salon des réalités nouvelles". Nel frattempo, a Roma, è presente con le proprie opere alla Quadriennale e contribuisce all'organizzazione della mostra "Arte astratta in Italia".

Invitato nel 1953 per un seminario all'Università di Harvard, si trasferisce a New York dove presenta la sua prima mostra di disegni e la sua prima personale. Tornato in Italia, nel 1955 pubblica il compendio "La fantasia nell'Arte nella vita moderna" e nel 1957 presenta la sua prima personale a Roma. Nel 1956 e 1958 partecipa alla Biennale di Venezia e nel 1959 a Documenta 2 a Kassel. Nel 1960 espone di nuovo alla Biennale, in una grande sala personale. Lo stesso anno, all'Università di Pennsylvania, Filadelfia, inizia a dirigere il dipartimento di Belle Arti, incarico che ricoprirà nei successivi dieci anni, insegnando un semestre l'anno. Nel 1961 riceve il Prix Kandinsky e nel 1962 viene invitato a far parte del Gruppo Zero, con il quale parteciperà in seguito a numerose mostre collettive e pubblicazioni. Nel 1965 espone alla mostra "The Responsive Eye" al MoMA - Museum of Modern Art di New York.

Nel 1966 presenta una seconda mostra personale alla Biennale di Venezia e l'anno successivo collabora con Giuseppe Ungaretti al volume "La Luce". Dopo avere trascorso sei mesi a Berlino su invito dell'Accademia tedesca nel 1968, lavora a numerose mostre personali e viaggia in Grecia, Medio Oriente e Africa finché nel 1974 si trasferisce definitivamente a Todi, da dove continua a dipingere assiduamente e a partecipare alla vita artistica e culturale italiana e internazionale. Nel 1979 ha luogo la sua prima retrospettiva in Francia, al Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, mentre nel 1983 viene accolto con una retrospettiva del suo lavoro alla Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma.

Nello stesso anno partecipa con una selezione di opere alla mostra "Italian Art 1960-1980" presso la Hayward Gallery di Londra, nel 1986 riceve il Premio dell'Accademia di San Luca e nel 1988 presenta la sala personale alla Biennale di Venezia. Negli anni Novanta il suo lavoro è esposto in varie mostre, tra le quali un'ampia antologica al Museé de Grenoble nel 1990, alla Galleria Civica di Bologna nel 1991, e una personale al Museo civico di Atene nel 1994 e al Pac di Milano nel 1988. Nei primi anni Duemila le sue opere continuano a essere oggetto di mostre e riconoscimenti in Italia e all'estero. (Comunicato stampa CSArt - Comunicazione per l'Arte)

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Alessandro Trovati: Olimpiadi
termina lo 03 giugno 2018
Casa Museo Spazio Tadini - Milano

Selezione delle fotografie più significative e autoriali fatte alle Olimpiadi, partendo da quelle appena conclusesi - Pyeongchang 2018 - percorrendo poi quasi tutte le 11 Gare Olimpiche, da Atene 2004 a Pechino 2008 a Londra 2012, attraverso i più grandi momenti e protagonisti della storia dello sport. Dopo la mostra "Lo sport in bianco e nero", incentrata sulla narrazione che si muove nel bianco e nero di Alessandro Trovati e dell' intensità e carattere delle sue fotografie,  concentriamo l'attenzione sul colore e sulla sua duplice capacità: quella di dare prima un'assoluta e suggestiva bellezza formale e, un attimo dopo, far accorgere che si sta parlando di sport, anzi della sua anima. (...) Rispetto ad un tempo oggi un fotografo sportivo può fotografare sott'acqua, avvalersi di robotica per comandare a distanza la macchina fotografica in situazioni e posizioni non raggiungibili, eccetera.

Ma per quanto il progresso tecnologico sia di reale ausilio nella fotografia sportiva, non è ciò che fa la differenza per Alessandro Trovati. La differenza è data dal fatto che la sua è la fotografia dei grandi. Quella che sa cos'è la luce, e sa giocarvi con maestria, quella che ha l'attitudine di far emergere ombre e dettagli grazie a passaggi chiaroscurali (e avviene anche nel colore), quella che ha ritmo, tempo, le pause. Quella fotografia fatta anche di inquadrature sapienti, sempre molto equilibrate, articolate, che chiedono all'osservatore di essere attivo in ogni senso, muovendosi in ogni spazio e tempo della fotografia, oltre ogni soggetto attivo, passivo o in primo piano. Anche nei coni d'ombra. Perché è lì, in quella formula visiva e narrativa, che si conchiude ogni sfumatura e azione, che si svela il senso della storia che Alessandro Trovati ha scelto di raccontare.

E così nella mostra ci muoviamo tra fotografie che si distinguono subito per la luce, i piani, la tonalità, l'inquadratura, il punto di vista, i soggetti, la struttura e la dinamicità. Dove il movimento è nella sua natura e nella sua testa prima ancora che nel mirino della macchina fotografica. Un movimento che non è mai congelato ma sempre in divenire per ogni secondo del nostro sguardo sulla foto, obbligandoci a vedere e non semplicemente a guardare. Nella mostra - a cura di Federicapaola Capecchi - sono esposte anche 3 fotografie di 4 colleghi di Alessandro Trovati - Stefano Rellandini, Luca Bruno, Marco Trovati, Giovanni Auletta - in una sorta di omaggio alla fotografia sportiva che condividono come mestiere e passione,a concretizzare uno dei più grandi valori dello sport e delle Olimpiadi: lealtà e fratellanza.

In fondo i cinque anelli intrecciati su fondo bianco, simbolo e bandiera del Comitato Internazionale Olimpico (Cio) e dei giochi olimpici fin dal 5 aprile 1896, giorno in cui ad Atene furono aperte le prime Olimpiadi dell'era moderna, simboleggiano proprio ciò. A ogni colore corrisponde un continente: blu per l'Oceania, nero per l'Africa, rosso per le Americhe, verde per l'Europa e giallo per l'Asia. Con questo simbolo il barone francese Pierre de Coubertin, che lo aveva ideato insieme ai Giochi olimpici, voleva sottolineare lo spirito di fratellanza che doveva caratterizzare la manifestazione. A suggello di questo omaggio alla fotografia sportiva, un piccolo omaggio è per Armando Trovati, padre di Alessandro e fondatore di Pentaphoto, del quale quattro fotografie suggestive aprono il percorso della mostra. (Comunicato stampa)

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Maurice Lemaître: Fin de tournage?
termina lo 07 luglio 2018
Galleria Martini & Ronchetti - Genova

L'esposizione è dedicata all'ultimo lavoro di Maurice Lemaître, datato 2016. Sono esposte venti fotografie stampate su carta fotografica ad alta conservazione tratte dal suo film Fin de tournage?, diretto tra il 1985 e il 1990, in cui l'artista rielabora fotogrammi della Nouvelle Vague. Su queste immagini Lemaître è intervenuto ulteriormente con diverse tecniche dal collage alla pittura. La mostra costituisce un'anteprima di questo lavoro finora inedito. Le venti immagini sono esposte qui per la prima volta. Al fine di contestualizzare e mettere in prospettiva questo lavoro recente sono esposti in mostra anche altri lavori fotografici. La serie intitolata The Colbert Slides prende il nome dal caffè Le Colbert, vicino al Palais Royal a Parigi, trasformato da Lemaître in Café Cinéma per proiettarvi film e mettervi in scena spettacoli e performance. Queste immagini mostrano come la pratica di rielaborare diapositive recuperate da fonti diverse fosse oggetto della sperimentazione artistica di Lemaître fin dagli anni '60. La mostra presenta inoltre fotografie di film del 1962, nonché alcune stampe firmate e numerate degli anni '90.

Personaggio storico delle Lettrismo, Maurice Lemaître (Parigi, 1926) entra nel Mouvement Libertaire nel 1949 dove inizia una carriera come giornalista. Nel 1950, a fianco di Isidore Isou, si unisce al gruppo d'avanguardia lettrista e contemporaneamente crea due riviste: Front de la Jeunesse e Ur, la prima politica, l'altra letteraria e artistica, destinate a diventare riviste di culto. Mentre accompagna la propagazione delle teorie del Lettrismo, agisce nei vari campi in cui viene praticata l'attività del movimento, dalla poesia al teatro, passando attraverso la pittura, la fotografia il cinema e la danza, ma anche nell'economia, la politica o la filosofia.

Artista dotato, registra le sue poesie alla Columbia dal 1958, pubblica un gran numero di manifesti, libri, riviste opuscoli e partecipa a numerose mostre ed eventi. Maurice Lemaître è anche un pioniere del cinema sperimentale mondiale. Precursore del happening con Le film est déjà commencé? concepito e realizzato nel 1951, ha ispirato gran parte dell'attuale avanguardia cinematografica americana o europea e ha avuto un'influenza più ho meno esplicita sulla Nouvelle Vague. Autore di oltre cento film e azioni filmiche, l'artista sì è impegnato a esplorare attraverso il cinema molteplici dimensioni della creazione. Così nella sua filmografia si alternano film concettuali, lavori sulla materia, sul riuso (found footage), performance o saggi disnarrativi. (Comunicato stampa)

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Alan Gattamorta: Spiagge
termina il 24 giugno 2018
www.alangattamorta.it

Sul sito antologico il pittore Alan Gattamorta presenterà una rassegna di 20 acrilici su carta.

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Sogni Incisi
Incisione Italiana Contemporanea e un omaggio a Fernando Eandi

termina il 26 maggio 2018
Biblioteca Statale Stelio Crise - Trieste

La presenza dell'Associazione Nazionale Incisori Contemporanei alla Biblioteca Statale Stelio Crise di Trieste prosegue con una mostra dedicata esclusivamente agli artisti italiani. L'esposizione offre un'ampia ricognizione sulle ricerche stilistiche dell'incisione italiana contemporanea. Dopo i venti artisti italiani presentati nella mostra con la Romania nel mese di aprile, ne vengono qui esposti altri ventisette, attivi su tutto il territorio nazionale e assai diversi per finalità espressive. La presentazione della mostra è di Gianfranco Schialvino. Come in tutte le rassegne promosse dalla nostra Associazione, anche in questo caso si affiancano ai giovani i maestri che hanno segnato la storia dell'incisione italiana contemporanea.

Accanto ad opere realizzate con tecniche tradizionali come l'acquaforte, l'acquatinta, la puntasecca, il bulino o la xilografia, si trovano in mostra lavori che sono il risultato di una continua ricerca e sperimentazione sia dal punto di vista tecnico che formale fatta a livello nazionale. Quando fu programmata la mostra gli artisti dovevano essere ventotto. Purtroppo lo scorso febbraio è mancato Fernando Eandi, un grande maestro torinese a cui vogliamo rendere omaggio esponendo una cinquantina di sue opere realizzate negli ultimi 50 anni. La necessità di informare il grande pubblico sull'attualità delle sue esperienze artistiche è primaria dell'Associazione, che espone anche in questo caso per didattica una serie di matrici, con la proiezione di alcuni di video che mostrano l'intero ciclo della realizzazione di una stampa calcografica, dalla preparazione della lastra al foglio impresso al torchio.

Espongono: Maria Pina Bentivenga, Daniela Cataldi, Malgorzata Chomicz, Tina Ciravegna, Lara Monica Costa, Alessandro De Bei, Dario Delpin, Valentino De Nardo, Gianni Favaro, Patrizia Flaccomio, Paola Ginepri, Bruno Gorlato, Fulvio Ioan, Lanfranco Lanari, Arianna Loscialpo, Cesco Magnolato, Silvana Martignoni, Marcela Miranda, Bruno Missieri, Paola Nasso Grienti, Luciana Nespeca, Claudio Olivotto, Maria Antonietta Onida, Olivia Pegoraro, Antonio Pesce, Elena Sevi, Antonino Triolo. (Comunicato stampa)

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Adriano Attus: Numerage + Neometrie
termina lo 06 giugno 2018
Wild Mazzini data art gallery - Torino
www.wildmazzini.com

Con la serie Numerage, a partire da numeri ritagliati da giornali di tutto il mondo, Attus crea collage che attirano e confondono l'osservatore, giocando con la nostra fiducia nell'oggettività dei numeri. Loro, i numeri sono tutti lì, 1 a 100, in uno spazio delimitato e rassicurante, sembrano non poter sfuggire dal nostro controllo, tuttavia trovare il successivo è un'impresa. Dopo l'1 e il 2 il nostro occhio inizia a girovagare e la frustrazione cresce e proprio in quel momento la leva della domanda accende la curiosità: perché sono stati disposti così? Cosa mi stanno dicendo questi numeri? Da dove devo iniziare? Dove mi porteranno? Come spesso accade la domanda è più importante della risposta. Nell'assemblaggio vengono forzate tante regole di percezione visiva e lo spettatore, per seguire la successione ordinata, ha bisogno di tempo e attenzione. La forma è gradevole a livello estetico ma il messaggio risulta sovraccarico nella presentazione. E i numeri, manipolati, mentono. Il focus è perso, il lettore disorientato, la verità nascosta.

Nella serie Neometrie i numeri hanno cambiato forma ma sono sempre lì: sono diventati multipli, sequenze. Le singole tessere formate da elementi geometrici di base si ricompongono in innumerevoli permutazioni e l'occhio, ancora lui, ricerca l'unità, la sintesi che sembra vicina ma ogni volta sfugge. E se in Numerage Attus invitava a camminare sul filo della sequenza numerica, qui si tratta di lasciarsi cadere verso il nero che appare nel caleidoscopio di colori o correre intorno alle geometrie senza ferirsi tra gli spigoli. Ricordi di culture africane o del Sudamerica, di grafici finanziari, mosaici o azulejo: il punto d'incontro tra noi, gli altri e l'artista si trova a metà strada tra i riferimenti personali e quelli universali. Durante l'inaugurazione della mostra l'attore Dario Benedetto e il musicista Federico Malandrino presenteranno un estratto dal libro Il meraviglioso mondo dei numeri (Einaudi) dello scrittore e matematico inglese Alex Bellos. (Comunicato stampa)

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Alfredo Pini: "Appena in tempo"
termina il 29 giugno 2018
Sala Mediolanum di Banca Mediolanum - Ferrara
www.lacerba.com

Quindici opere di Alfredo Pini, pittore di origini mirandolesi, realizzate nell'ultimo biennio, a parte alcune del 2015 e del 2016, tra cui un omaggio al ferrarese Giorgio Bassani, i cui significati emergono nello stesso farsi, in un'immanenza creativa che dona loro gradualmente anima e segno. In questo turbine di movimento permanente, forme e colori non possono, però, che essere perlopiù sfumati, astratti, indefiniti, cristallizzazioni ingannevoli, tentativi dichiaratamente vani di voler fermare il tempo. Un tempo, mai oggettivabile e dunque liquefatto, che è dunque cifra della modernità e della post modernità: così le icone urbane che affiorano dalla luce artificiale dei grigi agglomerati di Pini, sono automobili, filobus, o la mitologica Vespa che sfreccia nelle ampie strade cittadine, tra incombenti palazzi.

La stessa figura umana compare in sole due opere in mostra - a cura di Lucio Scardino - e le sagome dei corpi assomigliano tristemente, nella loro unidimensionalità, a meri riflessi, a ombre di ombre, a "vuoti a rendere" da riempire con la prossima merce. Sono corpi quasi trasparenti, come trasparente, liscio e senza profondità si caratterizza il nostro mondo liquido, senza autentiche mediazioni possibili. Un mondo che, nonostante tutto questo, Pini ha il pregio di saper rappresentare con maestria, restituendoci anche la sua parte di bellezza. (Andrea Musacci)

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Georgina Spengler
Thàlassa | Ouranòs

termina il 30 giugno 2018
Galleria MAC Maja Arte - Roma
www.majartecontemporanea.com

La mostra, a cura di Daina Maja Titonel, presenta una recente serie di dittici della pittrice Georgina Spengler (Atene - Grecia, 1959). Nelle dieci opere esposte (olio e a carboncino su tavola) il punto di partenza è una macchia di colore ottenuta sovrapponendo tra di loro due tavole di compensato non preparate, una delle quali inizialmente cosparsa con uno strato di pigmento ad olio molto diluito. Osserva Claudio Zambianchi nel testo critico che accompagna la mostra: "Il colore, liquido e fluido, intride il legno e ne rileva le venature, un po' com'era successo nella Histoire naturelle di Max Ernst, ma con modalità tecniche diverse (lì si trattava di frottage). La macchia fa affiorare il disegno segreto del legno, la sua complessa epidermide che altrimenti rimarrebbe in buona parte nascosta.

Il raddoppiamento speculare dell'immagine, come nelle macchie di Rorschach, aggiunge un ulteriore elemento di sollecitazione visiva e immaginativa alla mente dell'artista. Il processo preparatorio (...) serve a liberare l'immaginazione, che ora può proiettare sulla macchia un mondo a un tempo aereo e abissale, fatto di cieli e profondità marine, di Ouranòs e di Thàlassa; e, se la parte celeste si popola di nuvole dalle forme fantastiche, nella parte acquatica dei dipinti appaiono gorghi e creature del profondo, queste ultime legate spesso più alla mitologia che alla zoologia." (Comunicato stampa)

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Elogio della Luce
Riflessi e riflessioni per i vent'anni di Elle Arte

termina il 14 giugno 2018
Galleria Elle Arte - Palermo
www.ellearte.it

La mostra, organizzata in occasione del compimento del ventesimo anniversario di attività di Elle Arte, si avvale del contributo pittorico di alcuni degli artisti italiani e stranieri che in questi anni sono stati parte integrante del percorso della galleria. Gli autori si sono confrontati, ciascuno secondo la sua peculiare lettura, su un tema universale che ha attraversato la storia dell'arte nei secoli: la luce è energia vitale, materia e spirito, fisica e metafisica, sogno e realtà, conoscenza e rivelazione, elemento duttile e ricco di infinite interpretazioni che consente ad ogni artista di restare fedele alla propria cifra stilistica e di offrirne le più svariate e suggestive declinazioni.

In esposizione, a cura di Laura Romano, opere di: Barbara Arrigo, Daniela Balsamo, Peter Bartlett, Francesco Caltagirone, Massimo Campi, Pedro Cano, Ilaria Caputo, Salvatore Caputo, Salvo Catania Zingali, Pascal Catherine, Sergio Ceccotti, Liliana Conti Cammarata, Massimo De Lorenzi, Angelo Denaro, Cristiano Guitarrini, Anna Kennel, Giovanni La Cognata, Sarah Miatt, Gaetano Lo Manto, Antonio Micciché, Giuseppe Modica, Giuseppe Montalbano, Vincenzo Nucci, Vincenzo Piazza, John Picking. Franco Polizzi, Luca Raimondi, Ilaria Rosselli Del Turco, Milvia Seidita, Tino Signorini, Enzo Tardia, Bice Triolo. Catalogo Elledizioni (Collana Astra) con testi di: Eleonora Chiavetta, Valentina Di Miceli, Salvo Ferlito, Aldo Gerbino, Salvatore Lo Bue, Piero Longo, Elisa Mandarà, Rosanna Pirajno, Laura Romano, Anna Maria Ruta, Pino Schifano, Maria Antonietta Spadaro, Floriana Spanò, Emilia Valenza. (Comunicato stampa)

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Franco Matticchio: "A bruciapelo"
termina 26 maggio 2018
Galleria Ghiggini 1822 - Varese
www.ghiggini.it

"Preparare una mostra di e con Franco Matticchio richiede colpo d'occhio e, purtroppo, un poco di cattiveria, con noi stessi, si intende. I disegni - acquerelli, pastelli, matite, chine - sono centinaia e, ovviamente, tutti interessanti. Decine di cartellette piene, lavori di ieri e di oggi, fumetti, illustrazioni per le copertine dei libri o per i molti giornali con cui l'artista collabora, tavole della Piccola Fuggitiva e del Signor Ahi, perfino qualche quadro, anche se l'autore dice di non volerne fare più, soprattutto per l'ingombro. Cosa fare? Cercare di dividere per temi, dopo esserci procurato molto dolore e averne procurato di certo anche a lui. (...)

Ecco dunque i lavori per i noir di Giorgio Scerbanenco, il Tom Sawyer di Mark Twain, i libri di Murakami, Etgar Keret e Paul Watzlawick, e quelli di Carlo Emilio Gadda per Garzanti: per questi disegni, come ricorda Matticchio, il professor Isella si adontò, gli parevano irriverenti. Non mancano l'illustrazione per Il Mostro di Roberto Benigni e Il pipistrello poeta di Randal Jarrell, quella per il romanzo d'esordio di Chiara Zocchi, Olga, e la raccolta di racconti Il disco della Fougez, di chi scrive. La vena surreale esplode invece in un altro dei temi ricorrenti di Matticchio, cavalli e fantini però al contrario, con gli umani irrisi da equini ribelli che assistono in un 'androdromo' alla corsa dei loro cavalieri... ". (Tratto dal testo di Mario Chiodetti - curatore della mostra)

I lavori su carta e le opere pittoriche del disegnatore Franco Matticchio (Varese 1957), accompagnate dal testo introduttivo di Chiodetti, saranno disponibili nel catalogo digitale edizione Ghiggini. Inoltre, una stampa, disponibile in tiratura limitata, tratta dal disegno originale realizzato ad hoc da Matticchio e che dà titolo alla mostra.

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La forma della carta
Graffi, incisioni, colori nell'opera di Paolo Gubinelli   

termina il 30 maggio 2018
Biblioteca Vallicelliana - Roma

Paolo Gubinelli (Matelica - Macerata, 1945) si diploma presso l'Istituto d'arte di Macerata, sezione pittura, continua gli studi a Milano, Roma e Firenze come grafico pubblicitario, designer e progettista in architettura. Giovanissimo scopre l'importanza del concetto spaziale di Lucio Fontana che determina un orientamento costante nella sua ricerca: conosce e stabilisce un'intesa di idee con gli artisti e architetti: Giovanni Michelucci, Bruno Munari, Ugo La Pietra, Agostino Bonalumi, Alberto Burri, Enrico Castellani, Piero Dorazio, Emilio Isgrò, Edgardo Mannucci, Mario Nigro, Emilio Scanavino, Sol Lewitt, Giuseppe Uncini. Partecipa a numerose mostre personali e collettive in Italia e all'estero. Le sue opere sono esposte in permanenza nei maggiori musei in italia e all'estero. Sono stati pubblicati cataloghi e riviste specializzate, con testi di noti critici, e cataloghi di poesie inedite dei maggiori poeti Italiani e stranieri.

Nella sua attività artistica è andato molto presto maturando, dopo esperienze pittoriche su tela o con materiali e metodi di esecuzione non tradizionali, un vivo interesse per la "carta", sentita come mezzo più congeniale di espressione artistica: in una prima fase opera su cartoncino bianco, morbido al tatto, con una particolare ricettività alla luce, lo incide con una lama, secondo strutture geometriche che sensibilizza al gioco della luce piegandola manualmente lungo le incisioni. In un secondo momento, sostituisce al cartoncino bianco, la carta trasparente, sempre incisa e piegata; o in fogli, che vengono disposti nell'ambiente in progressione ritmico-dinamica, o in rotoli che si svolgono come papiri su cui le lievissime incisioni ai limiti della percezione diventano i segni di una poesia non verbale.

Nella più recente esperienza artistica, sempre su carta trasparente, il segno geometrico, con il rigore costruttivo, viene abbandonato per una espressione più libera che traduce, attraverso l'uso di pastelli colorati e incisioni appena avvertibili, il libero imprevedibile moto della coscienza, in una interpretazione tutta lirico musicale. Oggi questo linguaggio si arricchisce sulla carta di toni e di gesti acquerellati acquistando una più intima densità di significati. Ha eseguito opere su carta, libri d'artista, su tela, ceramica, vetro con segni incisi e in rilievo in uno spazio lirico-poetico. (Comunicato stampa)

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Franco Bini
Gioconda e Primavera 2.0

termina lo 02 giugno 2018
Bottega d'arte Gibigiana - Venezia
www.gibigiana.com

Ci si può trovare smarriti difronte alla sublime ma sempre più spesso impenetrabile arte contemporanea; moltitudini di individui si immaginano artisti solo perché scattano foto da mettere su Instagram e artisti ormai consacrati nel circuito dell'arte progettano opere realizzate da altri, ne sono ideatori ma "distanti"... Questa condizione che ben rappresenta il nostro secolo è il punto di partenza che porta Franco Bini allo studio profondo dei grandi maestri del passato e che si concretizza con la realizzazione paziente di opere antiche, reinterpretate con materiali altri quali matite colorate nel caso della famosissima Primavera del Botticelli. Questo atto creativo che può sembrare un po' folle, è vissuto con gioia e ironia; vuole essere provocazione viva per portare lo spettatore ad una riflessione sulla condizione dell'arte odierna, ma anche come dono per poter essere vicini, per un attimo, alla bellezza.

«Con Leonardo ho avuto a che fare sin dalla mia infanzia. Mio nonno aveva appesa in camera una riproduzione rarefatta in bianco e nero della Gioconda e mi chiedevo spesso chi rappresentasse e perché fosse così preziosa da tenerla in un ambiente così intimo... Mai avrei immaginato che dopo cinquant'anni, approfondendo la mia passione e gli studi per il Rinascimento, sarei venuto a conoscenza che Lisa Gherardini ovvero Monna Lisa, era nata e vissuta fino al suo matrimonio con Francesco Del Giocondo in una casa in Via Sguazza, che fa angolo con Via Maggio. Proprio lì dove ho vissuto la mia infanzia e adolescenza, in una casa del '400 nel bellissimo Oltrarno di Firenze. Quasi sfidando me stesso, nel 2012, decisi di dipingere la mia Gioconda cercando di capire come Leonardo arrivò a questo ritratto icona nel mondo; scelsi di farla più somigliante possibile all'originale...

Nel 2013 ho creato l'Associazione MonnaLisaDay per ricordare e festeggiare la nascita di Lisa il 15 Giugno 1479, e proprio in quella casa ho messo una targa e un calco in gesso di Lisa. Quest' anno il 15 Giugno 2018 sarà la sesta edizione del Festival MonnaLisaDay. Porto in laguna finalmente la mia Gioconda, in Bottega d'arte Gibigiana, dai miei amici Serena e Mirko che in questi anni mi esortavano sempre più a farlo, convinti che un ritorno ai grandi maestri avrebbe solamente giovato nel caotico e sempre più "inaccessibile" mondo dell'arte contemporanea. Per quest' occasione presento anche la mia Primavera del Botticelli, che ho finito di disegnare con matite e pastelli appena tre mesi fa; scomposta in pannelli di legno per poterla ricomporre nella sua misura reale. Non posso pensare che le mie riproduzioni di tali opere, realizzate con molto impegno e un po' d'ironia, suscitino la meraviglia di quando si è realmente al loro cospetto, ma spero di dare agli spettatori almeno l'opportunità di riscoprire un emozione come se vi si fosse vicini, in un sogno!» (Franco Bini)

Franco Bini (Rimini, 1943), di madre basca e padre fiorentino e nonna paterna di Vinci, origini che influenzeranno la sua pittura. Finita la guerra la famiglia torna a Firenze. Sin da piccolissimo ricorda che il più bel regalo che gli si poteva fare erano album con bellissime matite colorate; incuriosito e stimolato dallo zio Mario Bini, pittore e ballerino al teatro comunale di Firenze, cresce la sua passione per il disegno e la pittura; lo zio sarebbe stato il suo primo maestro e mentore. Si diploma all'istituto d'arte di Porta Romana, scuola che è stata una vera e propria bottega rinascimentale di formazione per artisti e artigiani fiorentini conosciuti, come Bruno Rosai, Galileo Chini, Sandro Chia nella pittura e Enrico Coveri nella moda, Franco Zeffirelli nel cinema...

Mentre studia, lavora nel laboratorio del padre come disegnatore e modellista di accessori per la moda. Nei primi anni Sessanta partecipa a diverse mostre anche fuori città, ha l'occasione di confrontare così la propria capacità pittorica con quella di altri artisti suoi contemporanei e decide di continuare. Arrivano gli anni Ottanta che vedono Firenze città d'avanguardia nell'arte, musica e moda; forma con un gruppo di amici artisti l'associazione "Lo Stato dell'Arte", con la quale organizzerà diverse mostre. Nel 1986, dopo una serie di mostre a Caracas, si esprime a lungo nel privato anche con la scultura; busti in creta di amici e familiari, riproduzioni in ottone di palazzi rinascimentali fiorentini. Continua ad approfondire l'interesse per l'arte Rinascimentale e fonda nel 2012 l'Associazione MonnaLisaDay. Conduce la sua personale interpretazione del Rinascimento realizzando a matita, pastelli e olio noti ritratti rinascimentali e poi il Cenacolo e la Primavera. (Comunicato stampa)

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Elisabetta Bacci | Mirko Rajnar
termina il 08 giugno 2018
JulietRoom - Muggia (Trieste)

Motivi, situazioni, temi, all'apparenza diversi, si dispiegano in un unico progetto espositivo, quasi in una sorta di contrappunto, confronto e dialogo. E, sebbene la declinazione delle singole opere conduca a una apparente diversità, l'impeto conduttore, per ambedue questi artisti è il medesimo: l'impeto che li unisce è il ragionare sulla luce, attorno alla luce, con la luce. Un modo questo, per dire che il colore, è il vero e proprio assillo del loro pensiero e il loro profondo punto di comunione. Il colore in tutte le sue declinazioni cromatiche e nella disposizione alternata nel caso della Bacci e nell'intera possibilità del suo azzeramento nel caso di Rajnar.

Per Elisabetta Bacci, la stesura del colore si manifesta nella costruzione dello spazio disegnato, diviene architettura come definizione del dettaglio all'interno della macrostruttura e come definizione di luoghi simbolici definiti per sagome geometriche semplici e appiattite, mentre nel secondo il colore diviene sottrattivo, pastellato, sfumato. Curiosamente nel ciclo "Jutro" diviene persino afferente a un'origine figurativa. Certo, si tratta di una figurazione, di un'immagine quasi scomparsa, messa a riposo sotto cumuli di pigmento. Più difficile percepire l'oggetto delle trame nella pittura della Bacci: un trapezio è il molo, un rettangolo d'oro è la "Tebah", mentre una sottile riga verticale diviene l'energia che separa due campiture: il ciclo s'intitola "Fracture". Quasi un assoluto in variazione cromatica e di misura.

Non che si possa parlare di lavori seriali per questi due autori, ma, in ogni caso, l'istanza conduce alla tensione di una variazione all'interno di un ciclo (o, per dirla in altro modo, potrebbe aprire anche a questa possibilità): la ripetizione come gioco di perfezione; la sequenza come schema compositivo e allestitivo. Un dialogo non solo tra linguaggi che presentano spunti in comune, e tra autori di formazione diversa (Bacci si è formata all'Accademia di Belle Arti di Genova, Rajnar in quella di Lubiana), ma anche tra culture e modi di sentire il mondo davvero diversi: più solare e spirituale la prima, più cupo e materialistico il secondo. (Comunicatro stampa)

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La fotografia dipinge: il Grand Tour di Andrea Samaritani
termina il 23 novembre 2018
BFMR & Partners - Reggio Emilia

In mostra, una quarantina di Fotodipinte di Andrea Samaritani: immagini fotografiche provenienti dall'ampio archivio dell'artista, successivamente sottoposte a coloritura manuale «per rendere più poetica la fotografia e più realista la pittura». «Intenso e profondo - scrive il curatore Sandro Parmiggiani - è il rapporto che Andrea Samaritani intrattiene, da tanti anni, con la fotografia: il suo sguardo ha cercato di catturare immagini del "Bel Paese", di andare alla scoperta di itinerari culturali insoliti, di rivelare i segreti di studi d'artista e di opere d'arte antiche e moderne. Dodici anni fa, Andrea si è avventurato in un'esperienza, intensificatasi nel tempo, che riunificasse la sua duplice passione per la fotografia e per la pittura, cominciando a stendere colori sulle sue immagini stampate su carta.

Ecco riunite, in questa mostra, alcune delle visioni con le quali Samaritani sembra essersi impegnato in una sorta di aggiornamento dei portolani del Grand Tour italiano, sulle orme dell'incanto che sedusse aristocratici e intellettuali europei dal Seicento in poi. In verità, Andrea ci propone una revisione di alcune delle immagini che fondarono il mito della bell'Italia nella cultura d'Europa, che per lui ora s'incarna nella fusione delle piazze silenti, metafisiche, contese tra la luce e l'ombra, di Giorgio de Chirico, e delle figure scarnificate di Alberto Giacometti, che l'artista di Stampa percepiva come una visione che s'assottigliava fin quasi a dissolversi nel vuoto».

Andrea Samaritani (Cento di Ferrara, 1962) artista dal 1985, si è espresso in diverse discipline: fotografia, giornalismo, grafica, pittura e regia video. Collabora con le principali riviste dell'editoria italiana e europea. Ha pubblicato più di 50 libri fotografici come autore e sue immagini sono contenute in più di 300 volumi di storia e di arte. Ha realizzato più di 100 mostre d'arte e fotografia. Ha percorso l'Italia da Nord a Sud per trent'anni, sul tema degli Itinerari Culturali e del Grand Tour. Nel 2006 ha iniziato a intervenire manualmente sulle sue fotografie creando la serie delle Fotodipinte. Sono più di duemila i soggetti fotografici dipinti da Andrea Samaritani, dal vasto archivio fotografico personale, composto da 500.000 immagini. (Comunicato CSArt - Comunicazione per l'Arte)

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Giacomo Piussi. Universale
termina il 24 giugno 2018
Chiesa dei S.S. Lorentino e Pergentino - Arezzo
www.galleriabagnai.it

La Fraternita dei Laici di Arezzo presenta il progetto "Fraternita Giovani", il cui atto è la mostra personale dell'opera di Giacomo Piussi (Udine, 1967), a cura di Fabio Migliorati, con la collaborazione di Galleria Alessandro Bagnai e il Patrocinio del Comune di Arezzo. Il progetto - che prevede anche momenti di musica, letteratura, incontri - intende riscoprire quella funzione di "attenzione culturale" che l'antico ente di mutuo soccorso e misericordia ha esercitato nei secoli. La Fraternita dei Laici di Arezzo, istituzione civica da oltre 750 anni attenta alla socialità aretina, torna quindi anche a occuparsi in maniera programmatica, come nel Rinascimento, di attualità visiva.

In esposizione quasi 100 formelle in terracotta monocroma, una delle quali entrerà a far parte della prestigiosa Collezione di Fraternita, parte esposta nel nobile Palazzo in Piazza Vasari, parte presso il Museo d'Arte Medievale e Moderna di Arezzo. Il lavoro di Piussi è una selezione quasi casuale di "momenti in bassorilievo" appartenenti a un'opera "in progress" ispirata alla figura di J.W. Goethe, al suo diario Viaggio in Italia, e all'insegnamento che si trae dal carattere interdisciplinare della sua produzione. L'aspetto enciclopedico è quello che Piussi cerca di rendere con la varietà dei soggetti: una visione sfaccettata che tratta temi contemporaneamente e liberamente. Questo intervento è una rappresentazione del Gran Tour quale sequenza di cartoline, una cronaca di viaggio nel clichè iconografico del paesaggio, della tradizione, della propaganda, insomma del bagaglio visivo tipicamente italiano.

L'artista rende omaggio al folklore toscano; guarda ai Della Robbia nell'utilizzo sia dello smalto, sia di una certa teatralità scenografica. L'estetica si rifà alla rappresentazione elementare e spesso grossolana, viva nella decorazione delle chiese aretine - dove spesso l'arte sacra è un alibi per tirare fuori un campionario di animali veri o immaginari, di mitologia, di tradizione evangelica, di frammenti di realtà sfumati di sogno o di fantasia. Piussi finisce cosi` per interessarsi del messaggio medievale icastico, quello fatto di storie da apprendere secondo l'etimo di due parole: facilmente (che è possibile fare) e semplicemente (che si intreccia, si piega una sola volta, quindi in maniera accessibile, in superficie). Da qui l'estrema capacità di sintesi che forgia una sorta di semiotica dell'immediatezza da identificazione.

Il suo linguaggio è quello semplice del cartoon, declinato alla versatilità espressiva attraverso il colore della pittura o la monocromia della ceramica. L'alfabeto di immagini che utilizza si riferisce a forme di rappresentazione elementari, come quelle che nell'alto medioevo supplivano alla non alfabetizzazione della maggior parte della popolazione. Accostare a una persona un particolare oggetto o animale, oppure vederlo intento in un particolare tipo di azione, regalava al personaggio un nome e un ruolo. Questo presupposto, Piussi lo estende fino alla rappresentazione contemporanea giocando con la pubblicità e con l'alfabeto pop. Persiste nei suoi lavori la raffigurazione ironica e drammatica dell'idealità utopistica.

Inoltre, il progetto "Fraternita Giovani" si propone di riattivare l'antica Scuola del disegno e della modellazione chiusa nel XIX secolo e confluita nell'organizzazione dell'Istituto d'Arte di Arezzo. La funzione culturale della Fraternita dei Laici diviene in tal modo cruciale nel ritrovare un nuovo, accorto e solerte "servizio pubblico", perchè gli artisti via via coinvolti si presteranno in docenza per chiunque sarà curioso d'imparare a disegnare, a modellare, a padroneggiare le tecniche dell'arte. Come in passato, la Fraternita dei Laici si fa garante di quest'attività che ha donato alla storia dell'arte toscana tanti autori di valore, altrimenti destinati a non poter sostenere gli studi che, nel tempo, hanno perfino regalato loro fama e celebrità. (Comunicato stampa)

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Salvatore Tudisco: Etna in blu
termina il 26 maggio 2018
Associazione Culturale Renzo Cortina - Milano
www.cortinaarte.it

La mostra fotografica presenta 15 immagini che interpretano in modo inconsueto e originale una delle più note icone del panorama siciliano. Tra i vulcani attivi del nostro pianeta l'Etna fa parte del Patrimonio dell'Unesco dal 2013 ed è il protagonista di spettacolari paesaggi immortalati da artisti e poeti di tutto il mondo. "Idda a Muntagna", per chi abita alle falde di questo vulcano, è sicuramente qualcosa di più di un bene paesaggistico, è la mitica montagna, femmina, madre feconda, musa ispiratrice. Per Salvatore Tudisco, autore degli scatti in mostra, rappresenta il privilegio di avere un contatto diretto con le origini del mondo con misteri ancestrali che suscitano riflessioni profonde, che arrivano fino al significato stesso dell'esistenza umana e della natura delle cose. E' proprio il frutto di queste considerazioni che genera un caleidoscopio di emozioni intense, vivide, brulicanti di energia nativa.

Nell'immaginario collettivo il vulcano ricorda lava, calore rovente, magma incandescente, lapilli di nero fumo, per un uomo nato a Taormina il vulcano è luminescenza, divinità, splendore aureo, azzurro cielo. Quest'ultima visione non è in contrasto con la prima ma ne è semplicemente la conseguenza naturale, è andare oltre l'apparenza esteriore delle cose per coglierne l'essenza. La rugosa consistenza della crosta lavica quindi lascia spazio a deliri evanescenti, a improvvisi palpiti, lapilli di puro colore primario, steso in campiture sempre più rarefatte. La classica vista fotografica che faceva incorniciare l'Etna nel famoso Teatro di Taormina si trasforma allora in un non-luogo astratto, in una rapsodia emozionale di colori che ci fa perdere le coordinate reali e ci trasporta sulle note blues dell'inconsistenza e del dubbio fino ad arrivare all'apoteosi concreta del magma originario.

Salvatore Tudisco si è laureato presso l'Università "La Sapienza" di Roma. E' docente di "Valorizzazione dei Beni Ambientali ed Architettonici" presso l'Accademia di Belle Arti di Catania. Si occupa di fotografia e scultura (arte povera), completa la sua poliedrica figura la gestione del Monastero Basiliano del Santuario della Madonna della Rocca a Taormina. Vincitore del concorso internazionale "Lo sguardo sulla città" indetto dall'Uniroma-3 nel 2007 Salvatore Tudisco in arte Turi Tudisco è uno dei principali esponenti nel panorama artistico taorminese. Ha collaborato con il critico d'arte Italo Mussa, con il fotografo Carlo Orsi, con lo scultore Arnaldo Pomodoro in "La scultura del XX secolo a Taormina" ed infine ha partecipato alla realizzazione delle scenografie del "Piccolo Diavolo" di Roberto Benigni. Nel 2015 è stato protagonista del documentario "Taormina" di Geo&Geo. (Comunicato stampa)

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Giusy Depase
termina il 26 maggio 2018
Associazione delle Comunità Istriane - Trieste

Personale della pittrice Giusy Depase, introdotta dall'arch. Marianna Accerboni. In mostra una quarantina di opere dedicate al paesaggio, soprattutto istriano, alla natura morta, al ritratto e alla figura umana, realizzati dal 2002 a oggi prevalentemente a olio, acquerello e china.

Presentazione

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Sogni Incisi. Incisione Italiana Contemporanea
termina il 26 maggio 2018
Biblioteca Statale Stelio Crise - Trieste

Omaggio a Fernando Eandi, organizzata dall'Associazione Nazionale Incisori Contemporanei. L'esposizione offre un'ampia ricognizione sulle ricerche stilistiche dell'incisione italiana contemporanea, e presenta ventisette artisti, attivi su tutto il territorio nazionale e assai diversi per finalità espressive. A giovani incisori, come da tradizione dell'Associazione Nazionale Incisori Contemporanei, vengono affiancati maestri che hanno segnato la storia dell'incisione italiana contemporanea. Accanto ad opere realizzate con tecniche tradizionali come l'acquaforte, l'acquatinta, la puntasecca, il bulino o la xilografia, in mostra si trovano lavori che sono il risultato di una continua ricerca e sperimentazione sia dal punto di vista tecnico che formale fatta a livello nazionale. Quando fu programmata la mostra gli artisti dovevano essere ventotto ma, purtroppo, lo scorso febbraio è mancato Fernando Eandi, un grande maestro torinese al quale viene reso omaggio esponendo una scelta delle sue opere realizzate negli ultimi 50 anni. L'Associazione vuole informare il pubblico sull'attualità delle sue esperienze artistiche: verranno quindi esposte per didattica una serie di matrici e proiettati alcuni video che illustrano l'intero ciclo della realizzazione di una stampa calcografica, dalla preparazione della lastra al foglio impresso al torchio.

Gli artisti in mostra saranno i seguenti: Maria Pina Bentivenga, Daniela Cataldi, Malgorzata Chomicz, Tina Ciravegna, Lara Monica Costa, Alessandro De Bei, Dario Delpin, Valentino De Nardo, Gianni Favaro, Patrizia Flaccomio, Paola Ginepri, Bruno Gorlato, Fulvio Ioan, Lanfranco Lanari, Arianna Loscialpo, Cesco Magnolato, Silvana Martignoni, Marcela Miranda, Bruno Missieri, Paola Nasso Grienti, Luciana Nespeca, Claudio Olivotto, Maria Antonietta Onida, Olivia Pegoraro, Antonio Pesce, Elena Sevi, Antonino Triolo. (Comunicato stampa)

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La Capitale delle Steppe
Immagini dagli scavi di Karakorum in Mongolia

termina lo 03 giugno 2018
MAO Museo d'Arte Orientale - Torino
www.maotorino.it

Quando Genghis Khan nel 1220 decise di costruire una capitale per il suo regno nella valle del fiume Orkhon, le considerazioni non erano solo di carattere strategico: la regione, infatti, da oltre mille anni era identificata con la formazione stessa dello Stato per le popolazioni nomadi che vi si erano succedute. Chi dominava "la foresta di Ötükän", come veniva allora chiamata la valle, possedeva il lustro dell'autorità e la fortuna del destino, e poteva governare dal centro del mondo un nuovo impero egemone nel mondo delle steppe. La città di Karakorum fu edificata sotto il figlio di Genghis Khan, Ögedei, nel 1235, e rimase la capitale dell'impero mongolo sotto i successori Güyük e Möngke. Durante questo periodo di splendore furono molti gli stranieri che visitarono Karakorum, tra cui i francescani Giovanni di Pian del Carpine e Guglielmo di Rubruck.

A causa delle lotte interne per la successione nel 1260 la città subì pesanti distruzioni e Kublai Khan spostò la capitale e lasciò a Karakorum il ruolo di centro amministrativo e snodo commerciale più importante della "provincia a nord delle montagne", almeno fino al 1388 quando fu distrutta dall'esercito cinese dei Ming. Nel 1585-86, Abdai Khan fondava Erdene Zuu, il più grande monastero buddhista della Mongolia, proprio nei pressi dell'antica capitale. L'identificazione delle rovine a Nord di Erdene Zuu con il sito di Karakorum si deve a Nikolai M. Yadrintsev nel 1889; la conferma definitiva al turcologo Wilhelm Radloff (1837-1918). I primi scavi furono effettuati nel 1933-34 da Dmitry Bukinich, ma fu soltanto con la missione mongolo-sovietica del 1948-49, guidata da Sergei V. Kiselev, che la conformazione del sito nella sua interezza cominciò ad essere compresa.

Doveva passare un altro mezzo secolo affinché le indagini sul sito riprendessero, adottando i canoni, le attenzioni e gli strumenti dell'archeologia moderna, quando nel 1998 prese forma la Spedizione Mongolo-Tedesca. Anche l'Italia, attraverso il Centro Scavi di Torino per il Medio Oriente e l'Asia, è ora in procinto di avviare un progetto con le controparti mongole. A due anni dalla firma del Patto di Collaborazione tra la Città di Torino e la Città di Kharkhorin, e grazie alla collaborazione con l'Archivio fotografico del Museo di Karakorum, il MAO rende omaggio alla storia culturale e artistica della Mongolia attraverso una esposizione fotografica dedicata al sito archeologico dell'antica capitale Karakorum. (Comunicato stampa)

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"Ensemble"
Daniela Caciagli | Riccardo Corti | Guido Morelli | Valente Taddei

termina il 24 giugno 2018
Palazzo Carli - Sillico di Pieve Fosciana (Lucca)
www.mercurioviareggio.com

Rassegna di pittura organizzata dall'Associazione Polis Sillico in collaborazione con la galleria Mercurio Arte Contemporanea di Viareggio.  In mostra recenti dipinti di Daniela Caciagli, Riccardo Corti, Guido Morelli e Valente Taddei: i quattro autori - tre toscani e un ligure - vantano nutriti curricula, con personali e collettive in tutta Italia e all'estero: seppur differenti tra loro per cifra stilistica e formazione estetica, sono uniti da un profondo spirito di ricerca nell'ambito della pittura figurativa contemporanea, oltre a essere affini per il rigore compositivo e per l'accuratezza formale che rendono armonioso l'accostamento dei rispettivi lavori in un progetto espositivo comune. La mostra, patrocinata dal Comune di Pieve Fosciana, è corredata di catalogo con introduzione di Gianni Costa.

Nei dipinti a olio e acrilico di Daniela Caciagli (Bibbona, 1962) si combinano, con originalità, richiami di matrice Pop e surrealista. L'artista cerca di plasmare la realtà e di farla immaginare in continua mutazione, creando libere associazioni fantastiche di frammenti di vita quotidiana, in cui i riferimenti spazio-temporali appaiono indefiniti.

In dipinti raffinati, nei quali l'eleganza dinamica delle forme si unisce alla delicatezza delle sfumature, Riccardo Corti (Firenze, 1952) propone i suoi soggetti prediletti: esili pini marittimi, policromi agrumi in sezione, sensuali angurie e bastoncini sospesi nel vuoto. Gli oli di Corti, dalla spiccata valenza simbolica, creano un gioco testuale di notevole pregio stilistico, nel contesto di una pittura di sintesi, volta a indagare il sensibile con profondità e lirismo.

Guido Morelli (La Spezia, 1967) è autore di oli dall'impronta materica, nei quali sono raffigurati sintetici paesaggi naturali: questi ultimi non sono però riproduzioni di luoghi reali, bensì composizioni in cui quello che conta è la ricerca di una determinata struttura, fondata su un gioco di rispondenze e su un equilibrio di spazi. Morelli si concentra su un linguaggio psicologico del dipinto, allontanandosi dagli aspetti descrittivi e mirando a una pura fusione di cromatismi e luminosità.

Valente Taddei (Viareggio, 1964) realizza con cura meticolosa dipinti a olio e china dal taglio narrativo e minimalista, in cui un minuscolo individuo, temerario ma indeciso, si ritrova in situazioni costantemente in bilico tra ironia e paradosso. Gli sfondi, per lo più monocromi, densi di sfumature, creano un'ambientazione nella quale i confini del tempo e dello spazio si disperdono, trasformando il personaggio di Taddei in una sorta di icona della fragilità umana, sospesa tra sogno e inconscio. (Comunicato stampa)

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Robert Capa Retrospective
termina lo 09 settembre 2018
Real Albergo dei Poveri - Palermo

La mostra dedicata alla figura di spicco del fotogiornalismo del XX secolo, in occasione delle celebrazioni dei 70 anni dalla fondazione di Magnum Photos, giunge a Palermo, promossa dall'Assessorato Regionale ai Beni Culturali e all'Identità Siciliana in occasione di Palermo Capitale della Cultura 2018 ed è organizzata da Civita in collaborazione con Magnum Photos, e la Casa dei Tre Oci. Robert Capa (Budapest, 22 ottobre 1913-Thai Binh, Indocina, 25 maggio 1954), è lo pseudonimo di Endre Friedmann, inventato nel 1936 insieme alla compagna Gerda Taro.

Il progetto curatoriale di Denis Curti, fa fede alla mostra originariamente curata da Richard Whelan. La rassegna, presenta 107 fotografie in bianco e nero, che il fotografo, fondatore di Magnum Photos nel 1947 insieme a Henri Cartier-Bresson, George Rodger, David "Chim" Seymour e William Vandivert, ha scattato dal 1936 al 1954, anno della sua morte in Indocina. Eliminando le barriere tra fotografo e soggetto, le sue opere raccontano la sofferenza, la miseria, il caos e la crudeltà della guerra. Gli scatti, divenuti iconici - basti pensare alle uniche fotografie (professionali) dello sbarco in Normandia, il 6 giugno 1944 - ritraggono cinque grandi conflitti mondiali del XX secolo, di cui Capa è stato testimone oculare. «Se la tendenza della guerra - osserva Richard Whelan, biografo e studioso di Capa - è quella di disumanizzare, la strategia di Capa fu quella di ri-personalizzare la guerra registrando singoli gesti ed espressioni del viso. Come scrisse il suo amico John Steinbeck, Capa "sapeva di non poter fotografare la guerra, perché è soprattutto un'emozione. Ma è riuscito a fotografare quell'emozione conoscendola da vicino"».

L'esposizione si articola in 12 sezioni: Copenhagen 1932, Francia 1936-1939, Spagna 1936-1939, Cina 1938, Gran Bretagna e Nord Africa 1941 - 1943, Italia 1943 - 1944, Francia 1944, Germania 1945, Europa orientale 1947, Israele 1948-1950, Indocina 1954. La mostra si conclude con una sezione dedicata ai Ritratti di amici e artisti: Gary Cooper, Ernest Hemingway, Ingrid Bergman, Pablo Picasso, Henri Matisse, Truman Capote, John Huston, William Faulkner, Capa stesso insieme a John Steinbeck, e infine un ritratto del fotografo scattato da Ruth Orkin nel 1951. La mostra comprende una sezione speciale dedicata alle fotografie scattate da Capa in Sicilia. Il fotografo era giunto qui nel luglio del 1943 imbarcato su una nave che portava rifornimenti e fungeva da copertura per l'avanzata della Settima Armata del generale George D. Patton verso Palermo. Infine sarà messa a disposizione di tutti i visitatori, inclusa nel biglietto di ingresso, una audioguida in italiano e in inglese, con cui seguire tutto il percorso espositivo. (Comunicato ufficio stampa Civita)

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Sisyu. Satori, la percezione dello spirito
11 maggio - 23 giugno 2018
Fondazione Luciana Matalon - Milano
www.fondazionematalon.org

Prima mostra personale in Italia dell'artista e calligrafa giapponese Sisyu, che con un approccio filosofico unisce tradizione e innovazione. La selezione di circa 40 opere fra cui grandi dipinti su tela che reinterpretano l'arte classica giapponese; sculture calligrafiche sospese che proiettano le loro lunghe ombre sulle pareti dando un valore aggiunto alla tridimensionalità; una grande installazione video, che mette in scena le scritture attraverso suggestivi giochi di luci e ombre, svelano nel complesso la versatilità dell'arte di Sisyu. Nota infatti per aver incorporato la calligrafia giapponese in altre forme d'arte quali la scultura, le arti multimediali e la pittura, considera l'arte come un processo in continuo divenire in cui si uniscono e mescolano sculture, luci e ombre.

Le sue opere traspongono l'arte calligrafica in un linguaggio contemporaneo, offrendo una nuova dimensione, nuove prospettive artistiche. Lo si osserva sia negli inchiostri su carta come Shatter the Past Tear the Present (2011) in cui il tratto costituisce l'elemento dominante, sia nelle sculture in ferro Solitude (2007), You have loved me (2009) e Beauty (2011) dove gli idiomi nella loro forma tridimensionale, sospesi in aria o su piedistallo, creano ombre con le quali si istituisce un legame imprescindibile. Un dialogo che si ritrova anche nei lavori composti da acrilici su tela e da sottili sculture in ferro, che ne riprendono alcuni dettagli e forme, completandosi vicendevolmente in una visione d'insieme di forte impatto. Ne sono esempio Ukiyoe Seven (2017) che ritrae una donna truccata e abbigliata nel tradizionale stile giapponese i cui tratti del volto e la parte alta del corpo sono ripresi nella scultura antistante o analogamente in Shunga celebrates the pleasure of lovemaking (2018) dove sono rappresentati i corpi di due amanti uniti in un vorticoso abbraccio.

Afferma Vittoria Coen nel testo critico dedicato alla mostra: "Sisyu si esprime, così, con l'ausilio di media differenti, da quelli più antichi a quelli virtuali, con esiti ed effetti di forte suggestione, generata da colori accesi e da un senso della luce particolari. Le esplosioni cromatiche generate da pennellate mosse e sfumate, in cui il linguaggio calligrafico si sovrappone, ci raccontano una specie di metamorfosi che i soggetti vivono. Creature fantastiche popolano il mondo interiore dell'artista che gioca su movimenti ondulati e spiraliformi".

Nella ricerca di Sisyu fondamentale è la fusione delle differenti tecniche espressive veicolo di energia, vitalità, in una costante tensione verso la spiritualità come sostiene il curatore Nello Taietti: "Le opere di Sisyu esprimono l'infinito partendo dal finito e rispondendo a quel bisogno di eternità di cui è espressione la vita spirituale di ognuno". Una spiritualità che traspare da molte opere fra cui l'imponente Feasting crow, feasted crow (2017) composta da 6 pannelli (cm.175,5x370) che affronta il tema legato alla vita e alla morte; l'immagine di un corvo intento a nutrirsi allude alla lotta per rimanere in vita e rappresenta la vita stessa in contrapposizione alla morte. L'acrilico su tela dai toni molto scuri e le sculture sospese di colore rosso, contribuiscono ulteriormente a esprimere l'intensità del momento.

Tramite i suoi lavori l'artista crea un messaggio capace di raggiungere un pubblico internazionale, senza la necessità di conoscere i caratteri giapponesi e i codici calligrafici. Lei stessa parla della sua arte sottolineando come la calligrafia sia, per lei, un modo per trovare la calma nel caos della vita: "Il pennello non è facile da controllare. Hai bisogno di un elevato livello di concentrazione. Quando sei in grado di comandare il pennello, padroneggi quella concentrazione, sei in grado di liberarti da tutto ciò che ti lega. Puoi concentrarti solo su quel momento". Infine, per Sisyu la componente tecnologica è fondamentale perché, essendo il Giappone un paese di cultura e tecnologia, ritiene che combinare questi due elementi sia il modo migliore per trasmettere il suo vissuto al mondo.

Sisyu, dopo essersi trasferita a Tokyo, inizia la sua carriera come artista e calligrafa professionista. Sue mostre personali sono esposte in numerose sedi pubbliche e private internazionali; fra tutte si ricordano nel 2012 quelle in Svezia in occasione della Nobel Prize Cerimony e in Svizzera alla Riunione annuale del Forum economico mondiale di Davos; in Giappone a Tokyo espone nel 2013 al National Art Center, nel 2014 al National Museum of Modern Art e nel 2015 al Tokyo Metropolitan Art Museum. La vediamo inoltre negli Stati Uniti al Florida Morikami Museum e in Francia al Carrousel du Louvre - Museo del Louvre. In Italia le sue opere sono esposte alla Biennale di Venezia (2005/2011) e a Milano in occasione del Salone del Mobile 2014 e presso il Padiglione del Giappone per Expo 2015. Molteplici le collaborazioni con grandi aziende. (Comunicato IBC Irma Bianchi Communication)

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Esquilinogram
www.salauno.com

Sala 1, in collaborazione con l' Associazione Arco di Gallieno, presenta la prima mostra d'arte in Italia concepita per Instagram e organizzata secondo dei criteri curatoriali. La mostra sarà visibile on line dal 20 aprile sulla pagina Instagram di Sala 1: @sala1galleria. Curata e ideata da Emily Barr e Mary Angela Schroth per far convergere le potenzialità comunicative del noto strumento social con il lavoro artistico contemporaneo. Il progetto di mostra, diffuso esclusivamente online, raccoglie le opere dei diversi artisti operativi nel quartiere romano di Piazza Vittorio Emanuele II e riuniti nell'Associazione Arco di Gallieno: Fabio Alecci, Paola Glaviano Alviano, Aurelio Bulzatti,Clara Casoni, Franco Cenci, Primarosa Cesarini Sforza, Stefano Cioffi, Gianluca Esposito, Giancarla Frare, Carlo Grossi, Mark Kostabi, Massimo Livadiotti, Michele Marinaccio, Leonella Masella, Giuseppe Modica, Lucilla Monardi, Elly Nagaoka, Beatrice Pasquet, Elena Pinzuti, Elisabetta Pizzichetti, Massimo Ruiu, Loretta Surico, Anna Maria Tanzi.

La collaborazione tra artisti è l'elemento chiave nella storia evolutiva dell'arte moderna: dai Salon parigini all'attuale gruppo romano dell'Esquilino, il 'fare gruppo' e riunirsi in un'associazione ha portato all'ideazione di un'infinità d'iniziative. Come un moderno Salon, la "mostra" proposta da Sala 1 con l' Ass. Arco di Galieno racconta le diverse voci degli artisti attivi nel panorama romano dell'arte contemporanea. L'uso della piattaforma di Instagram può solamente che ampliare la fruizione dell'arte, arrivando a raggiungere nel quotidiano ogni individuo. La Sala 1 ha scelto, fin dal suo inizio, di mettere in mostra artisti che spesso non espongono il loro lavoro nelle gallerie commerciali. Questa piattaforma di social media è la prossima frontiera per promuovere questa missione. (Comunicato stampa)

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Le esplorazioni Polari
termina il 31 maggio 2018
Museo Postale e Telegrafico della Mitteleuropa - Trieste

L'esposizione realizzata dal Museo Postale e Telegrafico della Mitteleuropa - Spazio Filatelia di Trieste e dal Centro Regionale Studi di Storia Militare antica e moderna di Trieste, prende spunto dall'emissione del francobollo dedicato alle esplorazioni polari italiane emessa in occasione del 90° anniversario della spedizione del dirigibile Italia al Polo Nord e dalla ricerca curata da Giampaolo Reiter, socio del Centro Studi, che racconta la storia delle esplorazioni Artiche a partire dal 1800 fino all'impresa di Nobile con il Dirigibile Italia. Numerosi i documenti esposti, dai dispacci postali e relativi annulli, ai diorami relativi alle spedizioni artiche Austro Ungariche dal 1871 al 1874, ai numerosi comunicati stampa dell'epoca, riportati sui quotidiani Il Piccolo, Il Piccolo Sera e Le Ultime Notizie di Trieste. (Comunicato stampa)

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Maria Rebecca Ballestra: Labrys
termina il 30 giugno 2018
Galleria Spazio Testoni - Bologna
www.spaziotestoni.it

Esposizione di opere realizzate per il progetto di Maria Rebecca Ballestra e a cura di Giorgia Gastaldon, che in occasione di questa serata inaugurale insieme presenteranno in anteprima anche il catalogo monografico sul progetto stesso appena pubblicato da De Ferrari Editore di Genova. Labrys è un progetto di arte contemporanea ideato e realizzato dell'artista visiva Maria Rebecca Ballestra che, come suggerisce il titolo stesso, indaga il tema - simbolico e visivo - del labirinto, prendendo spunto dalla lettura dei testi di Julien Friedler The Truth of the Labyrinth. Il progetto si è sviluppato durante due anni attraverso nove tappe, ciascuna delle quali si è concretizzata nella realizzazione di una o più opere d'arte, frutto di collaborazioni con altri protagonisti del mondo del contemporaneo (artisti, coreografi, attori, scrittori, e così via...), e in residenze d'artista nazionali ed internazionali.

Oltre alle opere realizzate interamente da Maria Rebecca Ballestra ed in collaborazione con altri artisti, e quelle realizzate dagli artisti invitati, accompagnano questa esposizione allo Spazio Testoni sei storici documenti fotografici sull'opera di Land Art Spiral Jetty realizzata nel 1970 da Robert Smithson a Rozel Point, Great Salt Lake Utah - Usa, e l'opera di Aldo Spinelli Il segno e il simbolo del 1978, entrambe gentilmente concesse dalla Galleria UnimediaModern di Genova. Il soggetto "labirinto" non è scelto dall'artista in maniera casuale, anzi: Maria Rebecca Ballestra porta avanti la sua riflessione su questo tema proprio alla luce della constatazione che l'immagine del labirinto, nei diversi secoli e civiltà, è stata sempre investita di significati diversi e "altri". Nelle varie tappe di questo progetto, infatti, l'artista indaga, di volta in volta, un aspetto diverso legato all'immagine ed al concetto di labirinto e ciascuna di queste riflessioni rappresenta una diversa tappa di Labrys.

L'intero progetto - realizzato anche grazie alla promozione di Altreforme Udine - si è concretizzato in una serie di mostre, tavole rotonde, laboratori didattici, performance, che si sono svolte a Gorizia da Ottobre 2017 a Marzo 2018. Il progetto affonda le sue radici su una solida ed intricata rete di partner tecnici e scientifici. Nei mesi della sua gestazione, infatti, numerosissime sono state le realtà che hanno fornito, nei modi più diversificati, il loro prezioso contributo allo svolgimento ed alla realizzazione dell'ambizioso programma di Labrys. Dopo Gorizia il progetto Labrys, si sposta a Bologna ospite della galleria Spazio Testoni, anch'essa tra i partner di questo progetto e che dal 2012 rappresenta il lavoro dell'artista Maria Rebecca Ballestra. (Comunicato stampa)

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Ettore Sordini: Opere 1957/2002
termina il 30 maggio 2018
Galleria Peccolo - Livorno
mostre-e-dintorni.blogspot.it

Ettore Sordini (Milano, 1934 - Cagli, 2012) comincia a dipingere ed esporre nella metà degli anno '50. Incoraggiato da Lucio Fontana, frequenta il mondo artistico della bohémienne milanese di quegli anni tra Brera e il Bar Giamaica dove stringe amicizia con Piero Manzoni, Castellani, Peverelli e molti degli altri artisti frequentatori. Aderisce a tutti i movimenti e manifesti che in quel decennio cercano il rinnovamento della Pittura e dell'arte del dopoguerra: Arte Nucleare, Contro lo Stile, ecc. Sono di quegli anni le opere "Antropoidi" 1957 e le "Composizioni Nucleari" 1958-59. Nel 1962 si allontana dalle radicalizzazione artistiche e dall'azzeramento proposto dal Gruppo Azimuth di Manzoni e Castellani prima e dai Cinetici poi, con le loro opere optical; e fonda insieme con Agostino Ferrari, Ugo La Pietra, Arturo Vermi e Angelo Verga il Gruppo del Cenobio.

Gli amici milanesi del Cenobio erano accumunati dal rifiuto di cancellare la pittura attraverso la deformazione della superficie come predicavano gli aderenti di Azimuth o del Gruppo Zero, ma, al contrario, recuperavano il valore della pittura e della superficie della tela tracciandovi segni minimi, appena palpabili: una Pittura, alcuni Segni accennati sul quadro e la superficie pittorica era completata con poetici segni minimi a formare quasi una scrittura immaginifica. Sono di quegli anni le serie di quadri "Almugavari" 1962, "Campo dei Paladini" 1963 e le carte intelate "Scrittura". Dopo lo scioglimento del Gruppo, Sordini proseguirà la sua ricerca pittorica sempre basata su una pittura minimale formata da pochi ma essenziali segni sulla tela. Fino ad approdare dopo gli anni '90 alla serie di dipinti "Marine"; "Paesseggiate" e i quadri degli ultimi anni intitolati "Marina novecento" in cui riprende la memoria della tradizionale pittorica astratta novecentesca italiana.

In questa concisa retrospettiva livornese sono esposti esempi di opere delle serie qui citate e una particolare parete della galleria è dedicata ai quadretti "mignon", telette di piccolo formato cm.13x18, nelle quali Sordini componeva un minuscolo, variopinto campionario dei temi che aveva sviluppato in tanti anni del suo lavoro. Accompagna la mostra un catalogo bilingue italiano/inglese edito dalle Edizioni Peccolo, con la prefazione del curatore della mostra Bruno Corà, le testimonianze di Ugo La Pietra e Nanda Vigo e le riproduzioni delle opere in esposizione. (Comunicato stampa)

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"Yesterday, Today, Tomorrow"
Elegia del colore dagli anni '40 ad oggi

termina il 21 luglio 2018
Galleria d'Arte 2000 & Novecento - Reggio Emilia
www.duemilanovecento.it

Esposizione collettiva che, attraverso le opere di tredici autori selezionati, illustra l'uso del colore nella pittura italiana dagli anni '40 ad oggi. Tre sezioni distinte, ricerche ed espressioni artistiche differenti, proposte eterogenee che, pur nella loro diversità, risultano complementari l'una all'altra. La parte storica comprende due opere del 1946 di Galliano Mazzon, esposto per la prima volta in Galleria, due tempere su tela e su cartoncino, rispettivamente di Mario Nigro e Carla Accardi, e due opere di Fausto Melotti riferibili agli anni '70. A completare il gruppo, una tela di Giulio Turcato del 1971, un paesaggio di Carlo Mattioli, caratterizzato da una grande matericità, colori intensi e dipinto al limite della sinestesia, ed un olio su tela del 1988 Piero Dorazio, artista che ha incarnato per una vita la ricerca dell'Astrattismo italiano.

La sezione "Today" pone l'attenzione su opere recenti di Enrico Della Torre e Valerio Adami, entrambi nati nella prima metà degli anni '30. Lavori a sviluppo geometrico di Della Torre accostati a "Looking to the east" di Adami, il cui stile si distingue nell'uso di una materia cromatica in stesure piatte, lisce e continue, all'interno di nette recinzioni nere delimitate dal disegno. Concetto e disegno confluiscono pertanto inscindibilmente nell'impianto artistico-narrativo del quadro suggerendo un forte e sicuro impatto comunicativo ed emotivo. A queste ricerche, si aggiungono un dipinto di Walter Valentini e diversi lavori di Giorgio Griffa, al centro di importanti rassegne italiane ed internazionali. Dell'artista torinese sono esposti, in particolare, due acquerelli su cartoncino e un acrilico su tela di grandi dimensioni. Aprono, infine, al divenire le sculture da parete di Paola Pezzi, realizzate attraverso il meticoloso assemblaggio di matite colorate, ed un grande paesaggio contemporaneo del 2002 di Andrea Chiesi, "S.P.K. 38", dipinto in maniera lenta e rigorosa, in cui tempo e memoria si fondono con i concetti di impermanenza e vacuità.

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L'esplorazione spaziale fra modellismo e filatelia
termina il 26 maggio 2018
Palazzo delle Poste - Trieste

L'esposizione nata dalla collaborazione tra il Museo Postale e Telegrafico della Mitteleuropa di Trieste e il Centro Regionale Studi di Storia Militare antica e moderna di Trieste, farà conoscere al visitatore il progetto originale realizzato dall'Associazione "Space in a hand" ("Lo spazio in una mano") di Giovanni Chelleri, responsabile della sezione astronautica dell'Associazione. Un progetto in cui la passione per l'astronautica e l'astronomia hanno "insegnato" a Chelleri ad "autocostruire" modelli di sonde, missili e satelliti per divulgare attraverso il modellismo e l'autocostruzione, il misterioso mondo dell'esplorazione spaziale. Il concetto "Space in a hand" vuole invece promuovere la passione per la riproduzione fedele e dettagliata, e diffondere la complessità e grandezza dell'esplorazione spaziale. Un'avventura cui comprensione e contemplazione può essere alla portata di tutti. A far da cornice alla mostra sarà una rassegna filatelica spaziale (Donazione Costantinides), un racconto cosmico narrato dai francobolli che si rispecchierà nelle stesse riproduzioni esposte. (Comunicato stampa)

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Paolo Gubinelli: "Segni per Dante"
termina il 26 maggio 2018
Biblioteca Dante Alighieri - Foligno
Locandina della mostra

L'artista Paolo Gubinelli, la cui lunga e fortunata carriera si è espressa con immutata intensità nelle esposizioni realizzate in tanti luoghi d'Italia e all'estero, e spesso nelle biblioteche, si propone ora, nel mese di Dante, aprile, in cui si ricorda la stampa della I edizione della Divina Commedia (Foligno, 11 aprile 1472). Il maestro marchigiano, poeta della pittura, noto per il suo rapporto di sperimentazione artistica con e sulla carta, nel proporci lirici acquerelli di intensa e assieme delicata suggestione emotiva, accosta il suo lavoro ai versi danteschi con opere realizzate su carta a mano della cartiera Artem di Fabriano. Ospitata già alla Biblioteca Classense di Ravenna nel 2016 e nel 2017 nel monastero di Fonte Avellana negli spazi dello scriptorium e della cripta, è stato scelto quale testimone della Commedia da affiancare al lavoro di Gubinelli il più antico manoscritto di Dante posseduto dalla Classense, quel manoscritto classense 6 copiato da un copista padano, Bettino de' Pili, alla fine degli anni Sessanta del Trecento, a cinquant'anni dalla morte del poeta.

Scrive di lui, nella sua presentazione al catalogo della mostra, Claudia Giuliani, già direttrice della Biblioteca Classense del Comune di Ravenna: "Sulla carta, o sulla pergamena, il poeta prima, il copista poi, tracciano il testo, gli conferiscono quella materialità che noi percepiamo nella coinvolgente esperienza personale della lettura del testo poetico. Scegliendo i versi di Dante dedicati a Ravenna, estrapolandoli dal contesto del canto di cui fanno parte, ma lasciandoli nella forma che il copista, l'inchiostro, il supporto scrittorio, hanno dato al testo dantesco, è stato instaurato un dialogo fra segni, quei Segni per Dante che l'artista Gubinelli ha voluto come titolo per la sua mostra, e i versi manoscritti della Commedia.

Paolo Gubinelli è un artista lirico, che si rapporta alla poesia nella costante ricerca del verso poetico come fonte e finalità di creazione artistica; a lui tanti poeti, spesso contemporanei e fra i maggiori, hanno dedicato loro versi in dialogo con la sua opera. Oggi egli propone, in questo omaggio a Dante, una scelta di lavori in cui le pennellate conferiscono forme astratte ai colori sulla carta, attraversata dagli accumuli di materia pittorica che riempiono le incisioni che la solcano, i graffi che la incidono, percepibili come rilievi, al tatto negli originali, all'occhio nelle riproduzioni del catalogo. Il rimando alla poesia verbale rimane criptico, affidato allo sguardo del fruitore-lettore, alle sue intuizioni, alle sue scelte, alla sua preziosa ed insostituibile performance percettiva e critica". (Comunicato stampa)

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«Dante»
di Nidia Robba (poesia dedicata a Dante Alighieri pubblicata nel libro Ultima cetra)

Poesia

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Silvano Clavora: Espressioni carsiche
13 aprile - 18 maggio 2018
Palazzo del Consiglio Regionale - Trieste

La rassegna, introdotta dall'architetto Marianna Accerboni, propone più di una cinquantina di lavori, tra cui molti inediti, realizzati dall'artista secondo varie tecniche e dedicati esclusivamente al Carso: dal figurativo d'inclinazione tradizionale dipinto a olio su faesite negli anni Sessanta, al materico a tecnica mista degli anni Duemila, orientato sempre più verso l'informale.

Presentazione mostra

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Claudius Schulze: "State of Nature"
termina il 16 giugno 2018
VisionQuesT 4rosso contemporary photography - Genova

Prima personale in Italia del fotografo e ricercatore tedesco Claudius Schulze. La ricerca alla base di questo progetto si domanda in che misura le protezioni costruite dall'uomo contro le calamità naturali diventano parte integrante del paesaggio europeo. Claudius Schulze (Monaco, 1984) ha percorso circa 50.000 km in Europa sul suo furgone con una piattaforma rialzante, capace di sollevare lui e il suo banco ottico 4x5", fotografando quelli che sembravano essere meravigliosi e pittoreschi paesaggi, ampie vedute panoramiche di luoghi in cui la bellezza della natura è stata sapientemente progettata per resistere ai disastri. In questa era di cambiamenti climatici e di innalzamento del livello dei mari, la cultura benestante europea ha impiegato infatti le migliori e più brillanti menti dell'ingegneria civile per produrre difese contro le catastrofi naturali, sforzandosi di creare vedute "pittoresche" che sono in realtà artificiali e come afferma il pittore inglese del XVIII secolo William Giplin, il pittoresco è l'addomesticamento della natura in un parco paesaggistico.

Il pittoresco riduce la natura al piacevole e consumabile. In ognuna delle fotografie di Schulze c'è sempre qualcosa di non proprio perfetto: i panorami alpini sono attraversati dai paraneve, la costa del mare del Nord come altre spiagge sabbiose, sono solcate e protette da frangiflutti, pareti di dighe minacciose incombono sui giardini delle case, tunnel tagliano montagne come ferite, argini artificiali confinano fiumi e laghi di montagna, pale eoliche contrastano l'energia del vento trasformandola in elettricità. Tutte queste difese e barriere diventano prerogative per ognuno di questi paesaggi: il sole brilla sulla superficie dei laghi di montagna solo perché è stato arginato artificialmente, le dune si ergono solo perché sono protette contro le mareggiate.

Come dice Oskar Piegsa nel suo saggio dedicato a questo progetto "Queste foto non si focalizzano sulla definizione del confine tra cultura e natura. Al contrario: ci mostrano molto chiaramente quanto le due sfere si uniscono l'una all'altra. Nel mondo attuale, l'antropocene del nostro pianeta, sta subendo infatti riscaldamenti, erosioni, deforestazioni, acidificazioni degli oceani, estinzioni e molto di più". Per adesso, possiamo ancora trarre benefici dal costante cambiamento climatico attraverso il nostro consumismo. Le calamità per le quali ci siamo attrezzati e che sono le conseguenze delle nostre azioni, sono sentite in gran parte altrove e non nel "Vecchio Continente". Al momento possiamo ancora illuderci e vivere spensierati, credendo nella bellezza pittoresca della natura, mentre altrove il potere catastrofico della stessa colpisce più duramente di quanto non abbia mai fatto.

Le fotografie di Claudius Schulze sono un'indagine visiva su come queste protezioni contro i cambiamenti climatici, creati dall'uomo, sono diventati inseparabili dai paesaggi idilliaci cosi come li conosciamo adesso. Durante la storia dell'umanità non solo la natura è cambiata ma è anche cambiato il modo in cui la percepiamo. Questi paesaggi sono lo specchio di come siamo arrivati a vedere il mondo: bello, sicuro e senza preoccupazioni. Eppure abbiamo quasi dimenticato quanto il duro lavoro di geologi e ingegneri è fondamentale per mantenerlo cosi. "La natura idilliaca", afferma Schulze, "è in realtà un prodotto di enti di protezione che lavorano duramente per mantenere l'ordine. Gli uominii hanno modellato il paesaggio del pianeta in modo così drammatico che i nostri strumenti di protezione sono diventati parte dell'ambiente, mescolandosi perfettamente nello scenario". La mostra è accompagnata dal libro State of Nature | Naturzustand, pubblicato da Hartmann Books. (Comunicato stampa)

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Walter Dahn: Anni '80
termina il 12 giugno 2018
Studio d'Arte Cannaviello - Milano
www.cannaviello.net

Gli anni '80 sono forse i più rappresentativi per l'opera di Walter Dahn e questa mostra, con più di 20 lavori su tela e su carta, ne costituisce un perfetto spaccato. L'artista tedesco, infatti, durante quel periodo matura il suo stile, lontano dalle forme di pittura che nel suo Paese iniziavano a svilupparsi in quel momento. L'espressività di Dahn, come ha rilevato in un'intervista l'artista Richard Prince che ne ha curato un'esibizione nel 2003, si sviluppa sia sotto l'influenza del suo insegnate Beuys sia sotto l'ascendente della cultura americana. Questa sua apertura verso le forme artistiche degli Stati Uniti hanno determinato un linguaggio particolare, se non unico, nella Germania dell'epoca, nel quale si fondono soggetti drammatici e ironici a una rappresentazione ridotta all'essenziale. L'impegno di Dahn come musicista punk, inoltre, ha segnato ancora di più il suo gesto grafico, a tratti stilizzato, elaborato per permettere una comunicazione rapida e di impatto.

Walter Dahn (St. Tönis, 1954) oltre ad essere pittore e fotografo è anche un musicista tedesco. E' considerato fra i principali protagonisti della Junge Wilden. Oggi è uno dei docenti della Hochschule für Bildende Künste di Braunschweig. Ha studiato arte presso la cattedra di Beuys alla Kunstakademie di Düsseldorf tra il 1971 e il 1979. Nel 1982 è invitato a partecipare a Documenta 7 di Kassel, dove espone alcuni suoi dipinti. Fra le sue altre esposizioni si segnalano: 1980, Galerie Paul Maenz, Colonia; 1983, Mary Boone Gallery, New York; 1986, Kunsthalle, Basilea; 2003, Expressiv! Fondation Beyeler, Basilea; 2008, Martian Museum of Terrestrial Art, Barbican Art Gallery, Londra. (Comunicato stampa)

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Gio' Pomodoro: Panta rei
termina il 15 luglio 2018
Galleria Nazionale delle Marche (Palazzo Ducale) - Urbino

In omaggio ad uno dei più emblematici scultori italiani del'900, Gio' Pomodoro, la Galleria dedica una singolare antologica, inaugurando, di mostre in memoria dei grandi artisti di origine marchigiana. La mostra, fortemente voluta dal Direttore Peter Aufreiter, nasce dal progetto ideato dall'architetto Marisa Zattini col figlio dell'artista Bruto Pomodoro che propone un dialogo inedito fra l'arte rinascimentale e la scultura classica contemporanea. Questo omaggio al Maestro marchigiano - uno fra gli scultori italiani più significativi del dopoguerra - avviene a sedici anni dalla sua scomparsa e a quattordici anni dall'inaugurazione della piazza a lui dedicata a Orciano, grande "Luogo scolpito" dell'artista nelle sue amate terre d'origine.

Profondamente legato ai propri luoghi natali, Gio' Pomodoro (Orciano di Pesaro, 1930 - Milano, 2002), l'artista montefeltrino ha più volte ricordato quanto la cultura materiale, paesaggistica e storica del Montefeltro abbia influito sul suo percorso artistico e intellettuale: la scoperta in età giovanile dei capolavori dell'umanesimo rinascimentale, in particolare quelli di Piero della Francesca e di Raffaello custoditi nelle sale della Galleria Nazionale, sono stati fondamentali per lo sviluppo creativo del giovane artista. Il cortile di Palazzo Ducale, nelle sopralogge e negli affascinanti spazi sotterranei, appannaggio della corte di Federico, Duca di Montefeltro, ospita 25 sculture fra marmi, bronzi e poliesteri, alcuni di dimensioni monumentali.

A completamento della mostra si potranno ammirare una dozzina di grandi carte disegnate a china, alcune delle quali inedite, strettamente connesse al ciclo delle Tensioni, alle quali il progetto espositivo è interamente dedicato. Nel decennio che va dal 1958 fino al 1968, abbandonate le esperienze legate all'Informale, Gio' Pomodoro sviluppa un propria ricerca legata alla espressione del vuoto: "Il vuoto è all'origine del nostro essere scultori, non già il bisogno di innalzare statue". L'ossessione di ogni vero scultore è per Pomodoro il vuoto, "il tentativo di esprimerlo o catturarlo o definirlo". Le Superfici in tensione, declinate nelle loro molteplici forme - Folle, Tensioni, Forme Distese, Radiali - ne individuano la natura in un fluire continuo, dove "il vuoto coincide con il pieno in un espandersi virtualmente infinito".

Abbandonata la ricerca all'inizio degli anni '70, per seguire la geometria e i numeri ad essa legati, si assiste a una ripresa delle Tensioni a partire dall'inizio degli anni '90 con le opere, documentate in mostra, quali la Figlia del Sole, le Derive fino agli ultimi Frammenti di Vuoto, opere monumentali che chiudono l'esperienza artistica del Maestro sul nascere del nuovo millennio. In un fluire ininterrotto di intuizioni geniali che percorrono un arco temporale di più di quarant'anni di lavoro, le opere di Pomodoro sono la testimonianza di uno fra i momenti artistici più alti nel panorama della scultura internazionale del XX secolo, che gli avvale - pochi mesi prima della sua scomparsa - il prestigioso premio alla carriera Lifetime Achievement Award in Contemporary Sculpture. (Comunicato stampa)

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Nancy Burson: Composites. La Pioniera dei ritratti computer-generated
termina il 30 settembre 2018
Galleria Paci contemporary - Brescia
www.pacicontemporary.com

Sin dall'inizio della propria carriera artistica, Nancy Burson si è interessata alle interazioni tra arte e scienza ed è stata tra i primi artisti ad applicare la tecnologia digitale al genere della ritrattistica fotografica. Attraverso la sintesi di diverse immagini resa possibile dall'impiego del suo personalissimo metodo di lavoro, Burson genera opere completamente nuove che sfidano la verità fotografica con la nascita della manipolazione digitale. Il suo lavoro è da considerarsi unico perchè è stata la prima artista ad introdurre i ritratti "composite" nell'era elettronica. E' conosciuta, infatti, proprio per il suo lavoro pionieristico nell'uso delle tecnologie di morphing, l'impiego di programmi computerizzati per cambiare o sovrapporre le foto mostrando nuovi aspetti dell'età, della razza o del personaggio del soggetto originale.

Oltre alla fusione di due o più immagini in un "composite", il lavoro di Nancy Burson include anche immagini modificate al computer attraverso un sistema deformante che interviene cambiando la realtà di un'immagine, invecchiando e ringiovanendo fotografie e proiettando, così, un ritratto nel futuro o nel passato. In collaborazione con i ricercatori del Massachusetts Institue of Technology, Nancy Burson ha iniziato a produrre ritratti "composite" generati al computer tra la fine degli anni '70 e l'inizio degli anni '80: ha sviluppato, così, un software che può essere utilizzato per "invecchiare" un volto umano. Il suo lavoro affonda le proprie radici in secoli di studi sociali, scientifici e pseudo-scientifici sul volto umano.

Tuttavia l'atteggiamento dell'artista verso la scienza è da sempre intriso di ironia e di una profonda consapevolezza delle assurdità insite in molti concetti storici, come quelli di razza e genere, che oggi diamo per scontati. La mostra antologica "Composites" esplora i primi lavori pionieristici di Nancy Burson a partire dal 1976 (Method and Apparatus for producing an image of a person's face at a different age) sino alle serie "Composite" degli anni '70 e '80. Combinando e manipolando digitalmente immagini di individui spesso molto noti, tra cui star del cinema e leader mondiali, Burson esamina questioni politiche, genere, razza e standard di bellezza.

Una sezione speciale della mostra sarà poi dedicata alla serie dei Composite Paintings del 1986: Nancy Burson ha impiegato la sua solita tecnica per combinare e mescolare alcuni dei più famosi capolavori di artisti del XX secolo quali Picasso, De Kooning, Rothko, Cézanne, Van Gogh, Newman... Un grande volume antologico sarà pubblicato a corredo della mostra. Le opere di Nancy Burson sono esposte in musei e gallerie in tutto il mondo e sono parte delle collezioni di importanti musei quali il Metropolitan Museum of Art di New York; il Whitney Museum of American Art, New York City; il Centro Internazionale di Fotografia, New York City; New Museum, New York City; la Biennale di Venezia, Venezia; il Museum of Contemporary Arts di Houston e il Museum of Contemporary Photography di Chicago. (Comunicato stampa)

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The Paci contemporary gallery is pleased to announce the Solo exhibition "Nancy Burson: Composites. The Pioneer of computer-generated portraits", centered on the American photographer Nancy Burson, the last great new entry in the gallery. Since the beginning of her artistic career, Nancy Burson has been interested in the interactions between art and science and was among the first artists to apply digital technology to the genre of photographic portraiture. Through the synthesis of several photos made possible by the use of her very personal working method, Burson generates completely new works that challenge photographic truth with the birth of digital manipulation. Her work is to be considered unique because she was the first artist to indroduce "composite" portraits into the electronic age. Indeed, she is known for her pioneering work in the use of morphing technologies: the use of computer programs to overlay and manipulate photos showing new aspects of the age, race or character of the original subject.

In addition, by merging two or more images into a "composite", Nancy Burson's work also includes computer-modified images through a distorting system that intervenes by changing the reality of an image, aging and rejuvenating photographs, and thus projecting a portrait in the future or in the past. In collaboration with researchers at the Massachusetts Institute of Technology, Nancy Burson began producing computer-generated "composite" portraits in the late 1970s and early 1980s: she developed software that could be used to "age" a human face. Her work has its roots in centuries of social, scientific and pseudo-scientific studies on the human face.

However, the artist's attitude towards science has always been imbued with irony and a profound awareness of the absurdities inherent in many historical concepts, such as those of race and gender, which we take for granted today. This great anthological exhibition "Composites" explores the first pioneering works of Nancy Burson from 1976 (Methods and Apparatus producing an image of a person's face at a different age) to the "composite" series of the '70s and' 80s. By digitally combining and manipulating images of often well-known individuals, including movie stars and world leaders, Burson examines political issues, gender, race and beauty standards.

A special section of the exhibition will then be dedicated to the series of Composite paintings of 1986: Nancy Burson used her techniques to combine and mix some of the most famous masterpieces of twentieth century artists such as Picasso, De Kooning, Rothko, Cézanne, Van Gogh, and Newman. A large anthological volume will be published in support of the exhibition. Nancy Burson's works are exhibited in museums and galleries all over the world and are part of the collections of important museums such as the Metropolitan Museum of Art in New York; the Whitney Museum of American Art, New York City; the International Center of Photography, New York City; Museum of Modern Art, New York City; the Venice Biennale, Venice; the Museum of Contemporary Arts, Houston; and the Museum of Contemporary Photography, Chicago. (Press release)

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Mary Zygouri: La Répétition de l'Impossible
termina il 31 maggio 2018
Prometeogallery di Ida Pisani - Milano
www.prometeogallery.com

Mary Zygouri (Atene, 1973) ricerca e riconfigura le politiche e le poetiche dell'archivio, si colloca nelle crepe, nei conflitti e nei silenzi, facendo emergere storie "minori" che reclamano di essere ascoltate. Mary Zygouri crea una poesia politica e civica attraverso linguaggi di varia natura dalla performance al video e all'installazione, dal ricamo alla fotografia, invitando lo spettatore a una lettura stratificata dei significati. Nelle sue opere lo spazio urbano e quello sociale, con tutte le loro discontinuità, rotture e contraddizioni diventano piattaforme e megafoni aperti alla partecipazione attiva di cittadini-attori-spettatori, concependo punti di vista alternativi, de-naturalizzando concetti consolidati, in una continua lotta per restituire il vero significato alle cose, per aprire strade a nuove visioni. Con un'attitudine allegorica crea strategie critiche finalizzate a ricostruire visivamente la storia e la storia dell'arte, modificando i modelli precostituiti della comunicazione e della società. In mostra sono esposti quattro grandi progetti che l'artista ha realizzato negli ultimi anni, Venus Of The Rags / In Transit \ Eleusis, 2014, Movimento in Semi-Libertà, 2015, Je Reviens Toujours, 2017, The Round Up Project: Kokkinia 1979 - Kokkinia, 2017, 2017, realizzato in occasione di Documenta14, Atene e Kassel. (Comunicato stampa)

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Francesca Catellani
Memories in Super8
(Daily life in Europe 1970/1980)

termina il 17 giugno 2018
Galleria Parmeggiani - Reggio Emilia

Esposizione personale di Francesca Catellani, a cura di Francesca Baboni e Stefano Taddei, nell'ambito della tredicesima edizione di Fotografia Europea. Il progetto è stato selezionato da un comitato composto da Diana Baldon, Laura Gasparini e Walter Guadagnini tra le oltre 300 proposte pervenute tramite open call da artisti e curatori nati o residenti in Europa. In linea con il tema generale della manifestazione - Rivoluzioni. Ribellioni, cambiamenti, utopie - Francesca Catellani presenta una selezione di oltre 400 fotografie che riguarda proprio una sorta di rivoluzione silenziosa, una testimonianza di rinnovamento e trasformazione che si focalizza sui cambiamenti non soltanto socio-antropologici e di pensiero, ma anche architettonici e di costume avvenuti nel decennio cruciale tra il 1970 e 1980 in Italia e in Europa.

La fotografa ha raccolto con un minuzioso lavoro di ricerca tra l'Italia, le sue Isole e l'Europa, un numero considerevole di filmini amatoriali girati in Super8. Materiale documentativo privato sottoposto ad una peculiare ed estesa postproduzione, tesa a ripulire la pellicola, eliminare il superfluo, restituire l'essenziale. Le immagini presenti in mostra sono state selezionate tra oltre 12.000 scatti: documenti d'epoca che manifestano trasformazioni sostanziali in atto, attraverso piccoli estratti di vita quotidiana. Il percorso espositivo comprende, inoltre, la proiezione di video digitalizzati che permettono al visitatore di immergersi completamente nell'atmosfera del periodo.

«Il progetto di Francesca Catellani - scrivono i curatori - si muove su due dimensioni. Da una parte quella strettamente legata alla documentazione di partenza, dall'altra quella del lavoro autoriale, la sezione Celeste Terrestre, nella quale la visione perde la focalizzazione iniziale per espandersi verso l'ambito trascendentale e l'essenzialità del momento. Si crea dunque un metaforico passaggio da un sentimento collettivo e profondamente sociale ad uno particolarmente intimistico e individuale. Nella sezione documentativa troviamo testimonianza di costumi, eventi e architetture che testimoniano una silenziosa rivoluzione, a partire dalla fine degli anni Sessanta fino ai primi anni Ottanta. Nel lavoro autoriale invece si passa ad una dimensione esistenziale ed intimista, che trova valore nella possibilità di dare un senso all'esistenza all'interno del rapporto spazio-temporale, e ci pone la riflessione sul cosa dovremmo fare del nostro futuro e del peso di ciò che abbiamo vissuto, che volenti o nolenti ci portiamo dietro».

Francesca Catellani (Reggio Emilia, 1971), artista poliedrica, proviene dal mondo del teatro e della danza. Studiosa di filosofie orientali, inizia a esprimersi attraverso il linguaggio fotografico nel 2010. Dall'attenzione al paesaggio esteriore quale rispecchiamento del mondo interiore nasce la prima mostra personale, Rodriguez Mon Amour, presentata con successo a Fotografia Europea 2016, sezione Off. Nel 2017, il nuovo progetto, Celeste Terrestre, presentato al Museo Palazzo dei Principi di Correggio (Reggio Emilia). La tappa intermedia del percorso che l'ha condotta verso questa nuova creazione, Memorie in super8 - Distillare il tempo, ha ricevuto una segnalazione della giuria del Premio Combat 2017. (Comunicato stampa CSArt - Comunicazione per l'Arte)

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Giovanni Frangi: "Falsa Primavera"
termina il 22 giugno 2018
Al Blu di Prussia - Napoli

Prosegue la stagione espositiva dello spazio multidisciplinare di Giuseppe Mannajuolo diretto da Mario Pellegrino - che festeggia i 10 anni di attività culturale ospitando la nuova personale dell'artista milanese Giovanni Frangi che, di ritorno a Napoli a tre anni dalla mostra "Lotteria farnese" al Mann Museo Archeologico Nazionale di Napoli dove si era confrontato con gli ampi spazi della sala della Meridiana, sceglie la dimensione più intima di una galleria e approda Al Blu di Prussia. In esposizione, un corpus di opere della sua più recente produzione - composto da 11 tele olio su tela di grande formato e 5 carte pastello a olio e pigmento dal ciclo dedicato ai boschi e alle ninfee - accompagnato da un testo di Marta Cereda.

Da tempo affascinato dal mondo naturale, motivo sul quale insiste e rinnova la propria ispirazione, Frangi guarda a rami, foglie e arbusti, ninfee e altri elementi tropicali che proiettano e immergono lo spettatore nella natura non per un desiderio di atmosfere agresti quanto un modo per indagare quella difficile relazione che esiste tra natura e città; stemperandone il conflitto sino a ipotizzare una riconciliazione attraverso una nuova ottica che prevede il superamento del conflitto stesso. Nella visione di Giovanni Frangi, i due ambienti non sono più antagonisti ma, in assenza di confini, l'uno diventa sviluppo, prosecuzione e proiezione dell'altro.

Giovanni Frangi (Milano 1959) inizia a dipingere prestissimo, si diploma all'Accademia di Brera; dopo varie collettive il 1983 è l'anno della sua prima personale a Torino, alla galleria La Bussola. A Milano esordisce nel 1986 con una personale alla galleria Bergamini da cui muove un'intensa carriere espositiva che nel 1989, con la mostra a Berna gli apre contesti internazionali dai quali non si è mai più discostato. (Comunicato ufficio stampa Paola De Ciuceis)

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I + I + I
Johanna Grawunder + Christoph Hefti + Antoni Malinowski

termina lo 01 giugno 2018
Assab One - Milano
www.assab-one.org

La seconda edizione di I + I + I, il format espositivo ideato da Elena Quarestani e curato per la seconda volta, da Marco Sammicheli torna a indagare le relazioni tra arte, architettura e design nella pratica di tre autori. Un architetto, un artista e un designer sono stati invitati a abitare gli spazi di Assab One con tre installazioni site specific e opere inedite. I codici e i riferimenti disciplinari si dissolvono all'insegna di un processo creativo in divenire che ruota attorno a differenti ricerche visive, tra pittura e luce, materiali e forme, suoni e performance. Johanna Grawunder, architetto statunitense, costruisce due grandi percorsi di luce e colore all'interno dei quali il visitatore si muove per perdersi. Il contrasto tra i materiali utilizzati e la relazione con lo spazio oscurato offrono una sospensione dove compiere un cammino tra verità e visione. Il titolo della sua installazione è Alone Together.

Christoph Hefti, designer svizzero, allestisce un accampamento surreale dove tappeti, ceramiche e oggetti diventano occasioni di incontri immaginifici tra la fantasia dell'autore e la reazione del visitatore. Lo spazio è un arcipelago visivo, tattile e sonoro ricco di suggestioni. Il titolo della sua installazione è That horse, slamming doors. Antoni Malinowski, artista polacco-inglese, alterna una serie di tele di grande formato a wall drawings. L'autore desidera mettere alla prova la dimensione percettiva dello spazio e indagare le teorie del colore in dialogo con l'architettura. Il titolo della sua installazione è Almost seen. I + I + I è corredata da un calendario di lecture, attività didattiche, aperture straordinarie e visite guidate. Nei giorni della Milano design week Assab One ospiterà anche un progetto speciale degli studenti dell'Isia di Faenza coordinati dal designer Andrea Anastasio. (Comunicato stampa)

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The Greeks
termina il 31 maggio 2018
Studio Gariboldi - Milano
studiogariboldi.com

"(...) cominciando dalle cose belle di qui, salire sempre più, quasi usandole come gradini, in vista del bello supremo, da una a due e da due a tutti i bei corpi, e dai bei corpi alle belle istituzioni, e dalle belle istituzioni alle belle nozioni, finché dalle nozioni si trovi compimento in quella nozione, che non è nozione d'altro se non del bello stesso, e così, in conclusione, si conosca ciò che è il bello in sé." (Platone, Simposio)

Una collettiva di artisti greci le cui opere hanno contribuito alla evoluzione e alla formazione dell'arte contemporanea greca. L'intento è di mettere in mostra diverse genealogie artistiche nate dalla tradizione e sviluppate grazie ai percorsi di ricerca interiore di ciascun artista. Artisti in mostra: John Christoforou, Costa Coulentianos, Nicholas Georgiadis, Constantin Karahalios, Ioannis Kardamatis, Pavlos, Lucas Samaras, Theodoros Stamos, Takis Vassilakis. (Comunicato stampa)

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Jacques Hèrold: Le impronte dei sogni
termina lo 08 giugno 2018
Annunciata Galleria d'Arte - Milano

Proseguendo il filone dei surrealisti, avviato con la grande mostra di Mayo, la prossima esposizione è incentrata su un altro grande pittore surrealista francese: Jacques Hérold. Considerato uno dei più importanti surrealisti, Hérold nacque in Romania nel 1910. Trascorse gran parte della sua fanciullezza nella città portuale di Galati. Fra il 1925 ed il 1927 studiò alla School of fine arts, in Bucharest, contro la volontà paterna, ma dopo soli due anni abbandonò l'Accademia di arte e cominciò a lavorare presso uno studio di architettura. Nello stesso anno collaborò con alcune riviste surrealiste rumene. Nel 1930 si trasferì a Parigi dove cambiò il suo nome Herold Blumer in Jacques Hérold. Si ambientò a Parigi, dove divenne intimo amico di Constantin Brâncusi, per il quale lavorò come cuoco ed anche segretario. Fece inoltre conoscenza del pittore surrealista Yves Tanguy, che lo introdusse nel gruppo surrealista, partecipando a giochi e contribuendo con dipinti che vennero tenuti in grande considerazione da Raoul Ubac e dallo stesso Breton

Dopo il drammatico periodo della Seconda guerra mondiale, riuscì ad organizzare la sua prima mostra personale nel 1947. A partire dall'"Esposizione internazionale del Surrealismo", fu attivamente presente in tutte le mostre dei Surrealisti in tutto il mondo. Dopo il 1951 (separatosi dal gruppo di Breton), il suo stile diviene sempre più astratto e sarebbe stato associato più tardi con l'astrazione lirica ed il Tachismo. Nel 1958 pubblicò il testo Maltraité de penture e ricevette un premio dalla Copley foundation. Nel 1959 organizzò una mostra alla Tate gallery di Londra. Nel 1972 una mostra personale all'Abbaye de Royaumont. Nel 1986, un anno prima della sua dipartita, espose delle opere alla Biennale di Venezia. Morì l'11 gennaio 1987 a Parigi

Nella sua vita Hérold ha anche dipinto copertine artistiche e le illustrazioni per oltre ottanta libri con vivo apprezzamento da parte di Luca Gherasi, Tristan Tzara, Francis Ponge, Julien Gracq, Marquis de Sade, Michel Butore, Alain Bosquet, Gellu Naum, Ilarie Voronca, Claude Sernet etc. Nel 1955, il critico d'arte Sarane Alexandrian ha pubblicato il saggio Jacques Hérold. Étude historique et critique. La mostra presenta una trentina di opere del pittore dipinte negli anni '60-'70, che mostrano come Hérold riduca «l'inaccessibile» allo stato di scorticato od a quello di cristallo, approdando così alla perfezione obbiettiva, al cristallo e cioè ciò che rimane dopo che il velo che anestetizza gli oggetti è strappato, come scriveva Boris Rybak nel lontano 1944. Si evince chiaramente dalle opere in mostra l'ansia di Hérold di mostrare non l'apparenza esterna ed effimera della realtà, ma il suo nucleo più segreto e reale che, a detta degli alchimisti, determina l'aspetto esteriore. (Comunicato stampa)

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Joan Miró. Opere Grafiche 1948-1974
termina il 15 luglio 2018
Castello Carlo V - Monopoli (Bari)
www.mostrepuglia.it

La mostra, promossa dal comune di Monopoli e organizzata dalla società Sistema Museo, è rappresentativa della creatività di uno dei più grandi e influenti artisti del Novecento, è dedicata alla scoperta del meraviglioso mondo di Miró attraverso un'antologia di circa 90 opere grafiche, appartenenti a quattro serie complete. Nelle creazioni del Maestro catalano le forme, i colori e lo straordinario alfabeto di segni sono il risultato della sua incredibile capacità di rinnovarsi alla luce di una visione globale dell'arte, vissuta con curiosità e versatilità. Gli sfondi neutri vengono "macchiati" da colori brillanti, come blu, rosso, verde, giallo e nero, in una precisa alternanza tra corpi informi e linee curve, per dare vita alle sue visioni oniriche. Le serie in mostra sono Parler Seul (1948-50), Ubu Roi (1966), Le Lézard aux Plumes d'Or (1971) e Les Pénalités de l'Enfer ou les Nouvelles-Hebrides (1974).

Quattro capolavori realizzati tra il 1948 e il 1974 che raccontano il "sogno poetico" di Miró, quella sua capacità di oggettivare le immagini della fantasia e di esprimerle attraverso un linguaggio assolutamente personale. "Niente semplificazioni né astrazioni. In questo momento io non mi interesso che alla calligrafia di un albero o di un tetto", scriveva Miró. Un linguaggio surrealista composto da colori e segni, una vera "baraonda cromatica" che incanta lo sguardo dell'osservatore. Sperimentatore di tecniche e materiali, Miró - come Chagall, Picasso, Braque - si rivolse alla litografia affascinato dalle sue molteplici potenzialità in termini di espressione artistica. La prestigiosa esposizione di Monopoli è un'occasione unica per scoprire il meraviglioso mondo di Miró dal quale lasciarsi incantare. La mostra accompagna il visitatore alla scoperta dell'alternanza armoniosa di segni, di immagini vibranti di colori e di versi, per sorprendersi di inattese visioni e libertà espressiva.

Miró dialogò con l'opera di alcuni dei principali esponenti del mondo letterario del Dopoguerra. La serie di litografie Parler Seul racconta l'omonimo poema scritto da Tristan Tzara durante la degenza nell'ospedale psichiatrico di Saint-Alban nel 1945. Tzara, poeta rumeno, fu uno dei fondatori del movimento Dada e grande ispiratore e animatore del movimento surrealista. In Parler Seul Miró non volle "illustrare" il testo, ma preferì far dialogare le sue litografie con le parole di Tzara, giungendo ad una rara ed esemplare simbiosi tra scrittura e immagini. Il ritmo e l'ordine sono determinati da un lato dall'alternarsi di illustrazioni al testo e dall'altro da sequenze dinamiche di immagini, tanto che versi e disegni sembrano provenire da un'unica mano.

La serie Ubu Roi è una raccolta del 1966 composta da coloratissime e corpose litografie: Ubu è un personaggio grottesco le cui funzioni viscerali dominano su quelle intellettuali e rappresenta la caricatura di ogni abiezione umana. Una serie ispirata dall'opera teatrale omonima di Alfred Jarry del 1896. In tanti l'hanno rappresentata in diverso modo, da Pablo Picasso a Salvador Dalí da Jacques Prévert a Max Ernst.

Le Lézard aux Plumes d'Or, realizzata nel 1971, rappresenta la fusione compiuta tra immagine e testo poetico dal grande artista catalano, in una equilibrata coesistenza di grafismo e immagini. La poesia surrealista diventa immagine e l'immagine è testo poetico: l'attività di illustratore ha sempre rappresentato un momento fondamentale nel percorso artistico di Miró, facendone un protagonista assoluto della storia del libro d'artista. Le parole si liberano del "buon comporre" e prendono vita: il segno diventa disegno in una vera baraonda cromatica.

Il ciclo Les Pénalités de l'Enfer ou les Nouvelles-Hebrides prende il nome da una nota opera del poeta francese surrealista Robert Desnos. Miró e Desnos avevano immaginato una collaborazione già nel 1922 ma le vicissitudini storiche e l'internamento di Desnos nel campo di concentramento di Terezin dove trovò morte nel 1945 impedirono la realizzazione del progetto. Fu la moglie del poeta a fornire a Miró le poesie e l'artista spagnolo, con questo ciclo, rese omaggio all'amico scomparso. Le opere lavorano su suggestive giustapposizioni di grafemi, forme e contrasti cromatici. Il particolare formato delle tavole permette inoltre a Miró di impostare le sue opere in un'ambivalenza di vertigine espressiva e forma narrativa. (Comunicato Ufficio stampa Sistema Museo)

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___ Mostre a Sud e nelle Isole

L'essenziale verità delle cose. Francesco Trombadori
termina lo 02 settembre 2018
Galleria d'Arte Moderna di Palermo
Presentazione

Giovanni Frangi: "Falsa Primavera"
termina il 22 giugno 2018
Al Blu di Prussia - Napoli
Presentazione

L'elica e la Luce. Le Futuriste. 1912-1944
termina il 10 giugno 2018
MAN Museo d'Arte della Provincia di Nuoro
Presentazione

Da Ribera a Luca Giordano
Caravaggeschi e altri pittori della Fondazione Roberto Longhi e della Fondazione Sicilia
termina il 10 giugno 2018
Villa Zito - Palermo
Presentazione

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"Voci"
Vittorio Corsini con Laura Bosio, Mauro Covacich, Maurizio de Giovanni, Romano De Marco, Ferruccio Parazzoli, Laura Pugno

Peccioli (Pisa), dal 21 aprile 2018




- Sedi espositive
.. Chiesa del Carmine, Piazza del Carmine, Peccioli
.. Chiesa delle Serre, Le Serre, Peccioli
.. Chiesa di San Giorgio, Via di Cedri, Peccioli
.. Campanile della Chiesa di San Verano, Piazza del Popolo 1, Peccioli
.. Oratorio della Santissima Annunziata, Via Santa Maria, Ghizzano (Pisa)
.. Chiesa dei Santi Rocco e Sebastiano, Via Vittorio Veneto, Fabbrica (Pisa)

Progetto del Comune di Peccioli in collaborazione con la Fondazione Peccioliper. I racconti inediti di sei tra i più noti scrittori italiani contemporanei - Laura Bosio, Mauro Covacich, Maurizio de Giovanni, Romano De Marco, Ferruccio Parazzoli, Laura Pugno - e la pratica artistica di Vittorio Corsini danno voce e forma a sei nuove installazioni permanenti che, a partire dalla cittadina di Peccioli, si snodano tra i borghi circostanti creando percorsi inattesi. Incastonato in un paesaggio collinare dal sapore antico, Peccioli unisce il fascino della Toscana medioevale all'idea di un vero e proprio museo diffuso. Da circa un trentennio l'Amministrazione Comunale porta avanti un progetto che interseca l'arte contemporanea con il territorio e la sua identità. Grazie ad una serie di interventi ad hoc di artisti contemporanei (tra questi Nagasawa, Dubosarsky-Vinogradov, Garutti e lo stesso Corsini), si è costituito nel tempo una sorta di museo a cielo aperto che ha stabilito nuove relazioni con il paesaggio circostante arricchendolo di elementi che si intrecciano con la storia e le tradizioni locali.

Voci nasce dalla volontà di creare all'interno del territorio del Comune di Peccioli un percorso artistico-letterario che accompagni alla scoperta di luoghi nuovi e inesplorati. Le voci narranti sono quelle di alcuni tra i maggiori autori contemporanei. A ciascuno di loro è stato chiesto di costituire un tassello di questo percorso, scrivendo un racconto a partire dalle suggestioni nate dall'incontro con alcuni edifici religiosi del territorio, per lo più costruiti in prossimità di piccoli borghi, ognuno con una propria storia e identità. Trasposte in forma audio dagli stessi autori, queste storie tornano al luogo che le ha generate e trovano modalità di ascolto attraverso sei nuove opere concepite appositamente da Vittorio Corsini e installate all'interno del Campanile della Chiesa di San Verano, della Chiesa della Madonna del Carmine e della Chiesa delle Serre a Peccioli, nella Chiesa di San Giorgio a Cedri, nella Cappella dei Santi Rocco e Sebastiano a Fabbrica, nell'Oratorio della Santissima Annunziata a Ghizzano.

La ricerca di Vittorio Corsini si estende attraverso tre decenni di intensa attività nel campo della scultura e dell'installazione; fin dagli inizi si concentra sul concetto e sui modi dell'abitare, sulle dinamiche che interessano la vita negli spazi domestici e negli spazi pubblici e sullo spazio fisico come metafora di incontro tra l'individuo e la collettività. Essenziale nelle forme, il lavoro di Corsini si fa tramite di un contenuto emozionale e genera le condizioni per una diversa esperienza del quotidiano. Nel corso degli anni numerosi interventi di arte pubblica nello spazio urbano hanno visto l'artista a lavoro in centri abitati con la realizzazione e la progettazione di cortili, fontane, giardini pensati come generatori di incontri e sorti come effetto di pratiche ordinarie o abitudini consumate dagli abitanti locali. "Abbiamo bisogno di attivare nuovi territori, afferma Corsini, l'artista è come un esploratore che rende visibili quei nuovi territori, che oggi sono fatti non tanto di materiali, tecniche, linguaggi, quanto piuttosto di modi, rapporti, energie (...)

La scultura pubblica per me è qualcosa che attiva uno spazio; è importante che l'opera funzioni, che si possa attraversare, che sappia dialogare che possa assumere una dimensione umana e sociale, di scambio e di relazione". Riprodotta su un tappeto di segatura colorata piuttosto che proiettata come fascio di luce sulle pareti di una stanza, la parola da sempre è uno degli elementi fondanti della ricerca di Vittorio Corsini. Nel 2007 collabora per la prima volta con uno scrittore per Chi mi parla, un lampione con seduta che racconta le storie degli abitanti del luogo. Nel 2011, avvalendosi nuovamente dell'ausilio di due scrittori realizza per il Macro di Roma Xenia, un luogo di sosta ritagliato sulla terrazza del museo, dove le vibrazioni di una staccionata trasformano i racconti in suono. Definiscono uno spazio, creano relazioni, predispongono all'ascolto e, come nell'installazione romana, danno materialmente voce alle narrazioni dei sei autori le opere che Corsini concepisce per Voci.

E non per vendetta è il titolo dello scritto di Laura Bosio. Narratrice dell'anima, in questo racconto come nei suoi libri sceglie una donna come protagonista della storia. Liuba è una ragazza ucraina che fugge dalle violenze della guerra. Approda a Peccioli e grazie all'aiuto del parroco della Chiesa del Carmine dà inizio a una nuova vita. Corsini coglie del racconto della Bosio la dimensione corale e predispone all'ingresso della chiesa due sedute a semicerchio che si fronteggiano. L'elemento posto al centro diffonde la voce narrante dell'autrice.

La scrittura di Mauro Covacich dialoga in modo intenso con l'arte come testimonia la pentalogia che realizza tra il 2003 e il 2011. "Il sagrato è protetto da due lecci. Sul tronco di entrambi un'antica ferita. Due alberi gemelli castigati dallo stesso fulmine, sopravvissuti allo stesso incendio, in cima a questa altura che sembra una nuvola sospesa sulla campagna, e invece è terra, invece è Toscana". Così Covacich inizia il suo racconto, accompagnandoci nella Chiesa delle Serre di Peccioli. Credo è un monologo interiore, una preghiera laica lucida, spietata, a tratti disperata che tuttavia non abbandona la speranza. Corsini restituisce visivamente il rigore della scrittura di Covacich collocando all'interno della chiesa delle panche di pietra. A "parlare" dall'alto di un ponteggio di ipotetici lavori in corso, un asse in legno che vibra.

Maurizio de Giovanni per questo progetto firma Il segno della Madonna. La storia, ambientata in una Chiesa di San Giorgio a Cedri, racconta un'improbabile conversazione tra due anziani personaggi, Giuseppe e Guido, in merito alla "scomparsa" di un prezioso dipinto: la Madonna dell'Umiltà di Beato Angelico. "Sono molto diversi fra loro, i due anziani. Uno se ne sta dritto, composto, i capelli grigi tirati all'indietro e gli occhiali di corno, le mani in grembo. L'altro è un po' curvo, la chioma candida disordinata sulla nuca e sulle spalle, una specie di mantello scuro addosso. Le mani gli tremano un po' (...)". L'installazione di Corsini è un invito a riflettere sul paradosso diacronico messo in scena dallo scrittore.

Si intitola L'ora della verità il racconto di Romano De Marco, uno dei più apprezzati scrittori italiani di genere noir e, più di recente, thriller. Il giallo si consuma durante la visita di un famoso quanto attempato scrittore, il professor D'Eramo, ad uno dei monumenti simbolo di Peccioli, il Campanile della Chiesa di San Verano. "E' la storia di una ragazza che si suicidò, gettandosi proprio da una di queste aperture." D'Eramo lo guardò, finalmente incuriosito. "Aveva vent'anni, ed era di qui, di Peccioli. Sin da bambina sognava di diventare una scrittrice di romanzi (...)". Corsini fa correre la voce di De Marco lungo il corrimano delle scale che danno accesso alla torre. Il suono ci conduce idealmente fino alla sommità del Campanile; lì De Marco svela il finale della sua storia.

Ferruccio Parazzoli è uno dei più significativi scrittori contemporanei, i suoi romanzi si caratterizzano per una costante attenzione ai problemi etici e per il capovolgimento del fantastico e del metafisico nell'umile quotidiano. Per predisporre le persone all'ascolto della narrazione di Parazzoli, Prima della notte, Corsini colloca sul fondo dell'Oratorio della Santissima Annunziata a Ghizzano due sedie e una scultura di marmo statuario. Le sedie poste vicine, ricreano quell'atmosfera intima e privata che caratterizza la conversazione tra i due protagonisti del racconto: "(...) Questa che vede", riprese il professore, "è la Santa dei Santi, il mio oratorio privato. Qui regna la pace. Vuole sapere da cosa erano ricoperte queste pareti prima che prolificasse questa colonia di Santi? Libri, soltanto libri, ormai inutili libri. La metamorfosi ebbe origine molti anni fa quando..." Si tolse gli occhiali, appoggiò il capo sulla spalliera della poltrona e cominciò a raccontare, come raccontasse un sogno (...)".

"Ogni autore ha delle ossessioni che si ripropongono: io torno spesso a scrivere di natura, del rapporto tra l'uomo e gli animali, delle trasformazioni del pianeta, ma anche del rapporto che abbiamo con la morte e la scomparsa. Un'ambientazione ricorrente, per me, è il bosco", dichiara la poetessa e scrittrice Laura Pugno in una intervista rilasciata in occasione del Premio Campiello 2017. L'incendio, il racconto che scrive per questo progetto, è la storia di Pietro un uomo che appicca incendi convinto di ritrovare, tra le fiamme del fuoco, il volto della figlia scomparsa. "Sapeva che era l'ultima volta, che appiccando quell'incendio - in qualche modo, lo sapeva - sarebbe morto, anche se neanche adesso, sul prato della chiesa, con l'umido sotto e il cielo sopra, le sue ustioni erano mortali. Chiuse gli occhi, sentì qualcosa (...)". L'altare della Chiesa dei Santi Rocco e Sebastiano a Fabbrica è cinto da un intreccio di rami e di foglie. Sedendoci su una delle panche il cespuglio si accende del rosso del fuoco e, dall'altare che vibra, si diffonde la voce dell'autrice. (Comunicato ufficio stampa Silvia Pichini)

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Photosequences
termina il 26 maggio 2018
Osart Gallery - Milano
www.osartgallery.com

Dieci opere storiche fotografiche realizzate tra il 1969 e il 1979 dagli artisti Vito Acconci, Vincenzo Agnetti, Peter Hutchinson, Duane Michals, Dennis Oppenheim, Gina Pane, Mario Schifano, Aldo Tagliaferro. La mostra si propone di analizzare il mezzo fotografico in funzione del concetto di sequenza. La sequenza, infatti, oltre ad "animare" l'immagine conferisce all'opera un ritmo narrativo trasformandola, così, in un vero e proprio racconto. Ebbene, gli artisti qui rappresentati, nonostante appartengano a movimenti artistici diversi tra loro, hanno in comune il fatto di aver utilizzato il concetto di foto sequenza per raccontare se stessi, i propri cari, le proprie idee, senza escludere lo spettatore assegnandogli una funzione attiva e non più solo contemplativa.

Peter Hutchinson viene considerato l'artista più rappresentativo della cosiddetta Narrative Art soprattutto per il suo modo innovativo con cui distanziava il rapporto tra fotografia e scrittura. L'opera The Visit (1972), per l'appunto, costruisce il percorso che il nostro cervello può compiere sia quando osserviamo un'immagine sia quando, invece, ci affidiamo al solo percorso guidato dal significato delle parole. Nelle sequenze fotografiche di Vito Acconci (Margins, 1969), Gina Pane (Je, 1972) e Dennis Oppenheim (2 image transfer drawing, 1975) è evidente il riferimento alla Body Art. Il corpo umano, rappresentato anche nella sua sfera emotiva, diventa la modalità attraverso cui gli artisti studiavano se stessi e gli esseri umani. Infatti, in queste tre opere l'artista è anche protagonista ricoprendo il ruolo di intruso in Je, sottolineando la sua presenza - e al contempo assenza - in Margins, ritraendo la versione passata e futura di se stesso in 2 image transfer drawing. Guardando al panorama italiano, le opere di Vincenzo Agnetti (Autotelefonata, 1974),

Mario Schifano (Polaroids, 1974) e Aldo Tagliaferro (Io ritratto, 1979) affrontano in modo innovativo e dialettico l'inesorabile avanzata dei mass media e la conseguente riflessione psicologica su di sé. Fu proprio nel 1974 che questi tre grandi artisti parteciparono a Fotomedia, presso il Museum am Ostwall di Dortmund, curata da Daniela Palazzoli, grazie alla quale la fotografia concettuale italiana ottenne uno dei primi riconoscimenti nel panorama artistico mondiale. Il ritratto di Bill Brandt (1973), invece, è un vero e proprio omaggio alla fotografia impersonata da uno dei suoi maggiori protagonisti. La sequenza, costituita da nove immagini disposte circolarmente, rivela la superlativa creatività fotografica che Duane Michals pratica da più di cinquant'anni di lavoro.

Per comprenderlo a fondo basta citare due frasi che raccontano la sua idea di fotografia: "La parola chiave è espressione, né fotografia, né pittura, né scrittura" (...) e "Quando voi guardate le mie fotografie state guardando i miei pensieri." Alla base di tutte le opere partecipanti a Photosequences c'è il volere dell'artista di raccontare attraverso il mezzo fotografico un pensiero, un avvenimento, un sentimento. Ciò alimenta la nostra curiosità e ci invita ad abbandonarci ad un flusso di idee, immagini ed emozioni tutte da scoprire "... cosicché Io partecipi a L'Altro" (cit. Gina Pane). Accompagna la mostra un catalogo bilingue con testi critici a cura di Daniela Palazzoli. (Comunicato stampa)

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Una Collezione Italiana: Opere della Collezione Merlini
termina il 23 luglio 2018
Museo Palazzo Fortuny - Venezia

Fondazione Civici Musei Veneziani svela, a Palazzo Fortuny, la Collezione Merlini, una tra le maggiori raccolte private d'arte specializzate sul Novecento nazionale. Singole parti della grande Collezione sono già apparse in alcune mostre in anni recenti (nella stessa Venezia, a Palazzo Loredan a Firenze al Museo Marino Marini a Firenze, a Bologna al Museo Morandi, ecc.), ma questa esposizione ha il merito di proporre la Collezione in modo realmente rappresentativo dei suoi notevolissimi contenuti. Al Fortuny la Collezione Merlini non potrà essere esposta nella sua integrità, dato che il suo patrimonio supera di gran lunga i 400 pezzi. Ma Daniela Ferretti e Francesco Poli, curatori dell'esposizione, ne offrono una rappresentazione curatoriale di assoluto rilievo. In sintonia con lo spirito del collezionista, in una prospettiva di lettura inedita, determinata anche dalle affascinanti e peculiari caratteristiche degli ambienti del museo.

Le principali sezioni attraverso cui è stata scandita la collezione sono le seguenti: Metafisica e Novecento italiano; Realismo sociale e esistenziale; L'Astrattismo geometrico e il MAC; La stanza del collezionista (Wildt, Fontana, Melotti); Le tendenze dell'Informale (Gruppo degli Otto, Spazialismo, Movimento Nucleare, Ultimi Naturalisti); Omaggio a Morlotti; Il gruppo Azimuth e le tele strutturate; la Pittura Analitica. "Nucleo centrale della Collezione, e della mostra, è proprio "La stanza del Collezionista". Al Fortuny - sottolinea Mariella Gnani che della collezione è la curatrice viene riproposto, arredi compresi, uno degli ambienti di casa Merlini, quello che riflette maggiormente le passioni del Collezionista. Che ha voluto riunire, in questa stanza, una sequenza spettacolare di opere di Fontana, accanto alla "Madre" di Wildt, opera che lo scultore tenne per se stesso, e a due capolavori assoluti di Melotti, tra cui Teorema".

Giuseppe Merlini ha iniziato ad acquistare opere d'arte negli anni '60/'70, sviluppando - sottolinea Francesco Poli - "il suo interesse da un lato verso i grandi protagonisti ormai storicizzati del '900, e dall'altro verso le tendenze del dopoguerra, con un'attenzione costante anche agli sviluppi più attuali. In questo modo il suo progetto si è definito nel tempo come un tentativo riuscito di delineare un percorso (ben meditato e culturalmente fondato) tale da documentare con esempi significativi quasi tutti gli aspetti salienti dell'arte italiana. Ma è importante sottolineare il fatto che non si tratta di un insieme con caratteristiche freddamente documentarie, bensì di scelte di qualità che rispecchiano un gusto individuale e l'interesse particolare per certi artisti, nonché l'esclusione di altri".

"Merlini, ad esempio, si è interessato poco agli artisti della Pop Art, e per nulla alle ricerche sperimentali degli anni '60/'70 di area poverista e concettuale. Rimanendo fedele alla sua passione per la pittura ha però concentrato la sua attenzione su un buon numero di esponenti della cosiddetta Pittura Analitica, emersa negli anni'70, tra cui in particolare Olivieri e Vago". Per Merlini, Poli fa diretto riferimento alla grande tradizione del collezionismo lombardo. Quella che ha portato alla formazione di grandi raccolte come quelle di Jesi, la Mattioli, Piero Feroldi, Carlo Frua De Angeli, Carlo Grassi e Giuseppe Vismara, Piero Boschi - oggi in gran parte oggi confluite in musei pubblici. "Successivamente, con lo sviluppo sempre più accelerato e allargato del sistema dell'arte (a partire grosso modo dalla fine degli anni Settanta) il comportamento delle nuove generazioni di collezionisti è cambiato assumendo spesso connotazioni più mondane e più dichiaratamente speculative, con lo sguardo maggiormente rivolto alla scena artistica internazionale", chiosa Francesco Poli.

Quello di Giuseppe Merlini rimane invece uno straordinario esempio di "collezionismo vecchio stampo", essenzialmente improntato alla volontà di contribuire, con entusiasmo e competenza, a formare dei percorsi che, anche se rimangono un patrimonio privato, devono comunque avere come finalità quella di accrescere la circolazione e la conoscenza dell'arte a livello socialmente più allargato. Le oltre 400 opere raccolte da Merlini testimoniano questa visione culturale, mai speculativa. E, insieme, il raffinato gusto del collezionista forgiato anche attraverso attente frequentazioni con musei, gallerie e artisti. Con una scala di attenzione del tutto personale. Come un vero collezionista deve saper fare ed esprimere. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Katerina Šedá: As a UFO
termina il 31 maggio 2018
Galleria Michela Rizzo - Venezia
www.galleriamichelarizzo.net

La pratica artistica di Katerina Šedá, artista ceca (Brno, 1977) e tra le più riconosciute a livello internazionale, può facilmente rientrare nell'ambito di quella che Fanni Fetzer ha definito come arte "terapeutica". Le sue opere nascono da indagini sociali, intrecciano urbanistica, architettura, politica, dinamiche economiche, relazioni private e collettive. Si tratta di azioni pubbliche, disegnate, progettate e coordinate dall'artista stessa, che vedono come protagoniste le comunità e i luoghi nelle quali prendono vita. Katerina Šedá si muove come una sorta di catalizzatore, come una registanello spazio pubblico. Partendo da situazioni problematiche entra in dialogo diretto con le persone e, attraverso la costruzione di un complesso sistema di azioni e di esperienze partecipate, tenta di ricucire quelle fratture che il potere politico ed economico o che le dinamiche sociali hanno generato.

L'artista dà vita a un palinsesto di azioni verticali e orizzontali con l'obiettivo di procedere in direzione di un superamento delle barriere fi siche e mentali che si celano dietro le complesse realtà prese di volta in volta in esame. La produzione di opere d'arte è solamente l'ultimo step di un percorso complesso che individua l'oggetto artistico come strumento terapeutico. Il nucleo centrale di lavori storici, che hanno connotato la sua pratica artistica come una tra le più riconoscibili a livello interazionale, è composto dai progetti: There Is Nothing There (2003); It Doesn't Matter (2005); For Every Dog A Different Master (2007); Over and Over (2008); The Spirit of Uhyst (2009) e Mirror Hill (2010).

As A UFO, a cura di Andrea Lerda, anticipa la partecipazione di Katerina Šedá alla prossima edizione della Biennale di Architettura di Venezia, occasione in cui l'artista sarà protagonista del Padiglione della Repubblica Ceca e Slovacca. (...) La mostra è il modo in cui gli abitanti di Nošovice (piccolo paesino della Repubblica Ceca, nella Regione della Moravia-Slesia) definiscono la fabbrica della Hunday da quando, nel 2008, si è insediata nel tessuto urbano della cittadina. La famosa multinazionale automobilistica è stata invitata ad insediare un grande stabilimento in un'area a destinazione agricola nel centro di questo luogo. L'intera vita di Nošovice è stata a quel punto sconvolta. La geografi a del territorio è cambiata, la strada che attraversava la campagna e che permetteva di mettere in relazione alcune parti della cittadina è a partire da quel momento definitivamente scomparsa, bloccata da una cancellata invalicabile.

Attorno alla nuova fabbrica si erige ora un muro fatto di terra che, se ufficialmente viene indicato come necessario per preservare il segreto industriale, a livello pratico ha ripercussioni enormi nelle relazioni personali e negli spostamenti fisici dell'intera comunità. Quando nel 2008 Katerina Šedá è giunta per la prima volta a Nošovice ha avuto la sensazione di assoluta impotenza. Cambiamento dell'assetto urbano, modifi cazione delle dinamiche che regolavano le relazioni tra le persone, rottura degli equilibri di un'intera comunità. In questo scenario, le parole che l'artista sentiva pronunciare più frequentemente da parte degli abitanti erano sempre le stesse: "Ora non c'è più niente che possiamo fare".

Attraverso un percorso pluriennale che si è sviluppato in più fasi e che ha prodotto una grande quantità di opere (oggetti, fotografi e, disegni, azioni live), Katerina Šedá ha cercato di mettere in atto un processo di elaborazione comunitaria del problema. Grazie all'approccio partecipativo, tipico del suo modo di lavorare, No Light è da intendersi come un'esperienza che valica i confini artistici. Il suo fine è quello di elaborare il trauma intimo e collettivo causato dall'insediamento della fabbrica della Hunday, ma anche di individuare nuovi modelli di comunicazione e inedite modalità di abitare il limite. (Comunicato stampa)

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L'essenziale verità delle cose. Francesco Trombadori
termina lo 02 settembre 2018
Galleria d'Arte Moderna di Palermo

Esposte circa sessanta tele, dipinte tra il 1915 e il 1961, provenienti da importanti collezioni pubbliche e private di tutta Italia, disegni, libri, cataloghi di mostre e articoli di giornale provenienti dall'Archivio dell'artista, custodito nel suo studio a Villa Strohl-Fern. La mostra, che ha avuto una sua prima edizione a Roma, presso la Galleria d'Arte Moderna (13 ottobre 2017 - 11 marzo 2018), riscuotendo un ampio successo, si inserisce nel programma di Palermo 2018 Capitale italiana della cultura. E' promossa dall'Assessorato alla Cultura del Comune di Palermo, dalla Galleria d'Arte Moderna di Palermo e da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, ed è a cura di Giovanna Caterina De Feo dell'Associazione Amici di Villa Strohl-Fern e della Sovrintendenza Capitolina. L'organizzazione è affidata a Civita - Opera Laboratori Fiorentini. Il catalogo è edito da Maretti edizioni.

Il titolo della mostra è tratto da una considerazione di Trombadori che per intero recita: "Moderna non è certo l'arte perché rispecchia il nostro tempo, che allora si tratterebbe di una questione di moda e formale. L'arte moderna come è anche antica, solo quella che riesce ad esprimere l'essenziale verità delle cose con profonda umanità e spiritualità...", un pensiero che, chiarendo quali siano le aspirazioni dell'artista, ne spiegano anche il proprio coerente percorso pittorico. Dopo più di dieci anni, dall'ultima mostra monografica tenuta a Siracusa, la Sicilia torna ad ospitare l'opera di Francesco Trombadori.

Siracusano di nascita, Trombadori dal primo dopoguerra visse a Roma, tuttavia non dimenticò mai la terra natia, come giustamente notava Leonardo Sciascia: "la pittura di Trombadori è ineffabilmente, segretamente intrisa del suo nascere a Siracusa, degli anni dell'infanzia e della prima giovinezza che vi ha passato, del suo esserci anche standone lontano". Lo dimostra Siracusa mia! (1919 ca), una veduta del Teatro Greco di Siracusa con sullo sfondo Ortigia e il mare, un quadro in mostra che, insieme ai paesaggi siciliani degli anni Cinquanta, testimoniano un amore costante per la Sicilia, seppure a distanza. Dal primo decennio del Novecento Trombadori è a Roma dove esordì nel vivace ambiente della cosiddetta Terza Saletta del Caffè Aragno, nel primo decennio del XX secolo, dove l'artista si avvicina al formativo ambiente de "Il Convito", la rivista d'arte e letteratura fondata da Adolfo De Bosis con Gabriele d'Annunzio e Angelo Conti.

Di questo primo periodo - raccontato in mostra anche dai disegni giovanili e da alcune, poco note, prove di illustratore condotte sotto l'influenza dello Jugend Münchner illustrierte - si propongono, tra le altre, anche le opere Il Viale di Villa Strohl-Fern (1919 circa), che apre alla nuova fase nella pittura di Trombadori e Alberi controluce (1920), un raro dipinto di stampo simbolista. La seconda sezione della mostra è incentrata sulle opere dipinte all'indomani della Prima Guerra Mondiale. Trombadori è ora vicino all'ambiente di Valori Plastici, la rivista fondata da Mario Broglio e, sulla scorta delle suggestioni del cosiddetto "Realismo Magico" di Bontempelli, avvia una profonda riflessione sull'antico in rapporto dialettico con le istanze dell'avanguardia e della tradizione.

Alle Biennali di Venezia e di Roma e alle Mostre del Novecento Italiano cui è invitato in questi anni perviene ad un proprio, personale neoclassicismo, immergendo in atmosfere domestiche di raffinata purezza formale i suoi ritratti, nature morte, quali, ad esempio, la Natura morta con i limoni, (1923) già in collezione Ugo Ojetti, la Natura morta con i cavoli rossi (1937). In questi anni Trombadori inizia un'intensa attività espositiva, in occasione della quale i suoi quadri vengono acquistati dal Comune di Roma ed entrano a far parte delle collezioni della Galleria d'Arte Moderna di Roma. Negli anni Trenta prosegue il contatto con il mondo culturale della capitale, in particolare con il mondo della rivista "Circoli" (1931-1939) fondata dal poeta Adriano Grande, per cui scrive come critico d'arte, i cui collaboratori sono Eugenio Montale, Salvatore Quasimodo, Giacomo Debenedetti, Giuseppe Ungaretti, Marcello Gallian, Alberto Savinio, Umberto Saba, Romano Bilenchi e Rosso di San Secondo. In questo periodo dipinge la Natura morta con i cavoli rossi, boccale e tela (1937, Galleria d'Arte Moderna di Roma Capitale), opere mature, ricche di suggestioni musicali e letterarie.

La mostra prosegue con un accenno al difficile decennio 1940-1950, tra guerra e ricostruzione, con l'anomalo quadro "Lo sbarco del pilota ferito" (1942, Studio Francesco Trombadori, Villa Strohl-Fern). Il percorso espositivo si conclude, infine, con i dipinti dal 1950 al 1961, scorci immersi in un'atmosfera deserta e lunare: i "paesaggi del silenzio" dipinti nelle tonalità dell'azzurro neutro e del grigio. Sono vedute di Roma, la città in cui vive, ma anche vedute della Sicilia, come il rimarchevole "La Fonte Aretusa", la "Casa con i fichi d'India", già collezione di Anna Magnani, La Marina di Siracusa, e i passaggi a livello. Ogni sezione della mostra è corredata dal ricco patrimonio documentario proveniente dall'Archivio dell'Artista a Villa Strohl-Fern, oggi Casa Museo, con cui si intende illustrare anche l'importante attività di critico che Trombadori svolse, dagli anni Venti, scrivendo per diverse testate nazionali. (Comunicato ufficio stampa Civita)

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(In)Croci al Museo Lia
termina il 27 maggio 2018
Museo Civico "Amedeo Lia" - La Spezia
www.casatestori.it

Per i 25 anni da Testori una mostra che propone una relazione affascinante. Un ciclo di Crocifissioni di Testori realizzato negli anni 80 viene presentato in dialogo con le antiche Crocifissioni dipinte e quelle preziose di orificeria della collezione Amedeo Lia di La Spezia. Amedeo Lia è stato uno dei maggiori collezionisti della pittura del 300 italiano, grazie alle indicazioni e alla supervisione di Federico Zeri. Oggi queste preziose tavole sono chiamate a un inatteso confronto con l'approccio tutto novecentesco di Testori. La calma compositiva viene come interrogata dal segno sconvolto è inquieto dei pastelli testoriano. La mostra è curata da Davide Dall'Ombra, direttore di Casa Testori e da Andrea Marmori, direttore del Museo Amedeo Lia. In mostra verrà presentato anche la Crocifissione dipinta da Testori nel 1949, con tutti i disegni preparatori da poco ritrovati.

«Giovanni Testori avrebbe amato perdutamente il Museo Amedeo Lia di La Spezia.E non solo perché tra queste mura sono conservate opere di alcuni degli autori che, come critico d'arte, ha più amato: da Vincenzo Foppa a Giacomo Ceruti. L'avrebbe amato perché questo museo racconta la storia di uno dei grandi collezionisti europei del secolo scorso, restituendocene la fisionomia. Lo scrittore gli avrebbe certamente dedicato parole infuocate sulle pagine del "Corriere della Sera", di cui curò per quasi vent'anni la pagina dedicata all'arte. Del resto, Testori fu anche un vorace, irrequieto e dilapidante collezionista: di quadri visse e non si contano le opere d'arte antica e moderna che passarono dalle sue mani. Non sorprende rivederne alcune tra queste sale spezzine, ove approdarono magari attraverso il gallerista Bruno Lorenzelli o il critico Federico Zeri.

Ma Giovanni Testori è stato uno degli intellettuali più versatili e importanti del Novecento italiano e il suo amore incondizionato per la pittura lo portò a cimentarsi personalmente nella creazione artistica, divenendo pittore dagli esiti significativi e in corso di riscoperta, negli ultimi anni. Nella mostra che inaugura sabato, a 25 anni dalla morte, si è scelto di indagare un tema centrale della sua produzione: la Croce e la Crocifissione, due soggetti tra i più diffusi nella storia dell'arte Occidentale, con numerose occorrenze nel Museo Lia, e indagato da Testori lungo tutta la vita: come drammaturgo, poeta e, appunto, pittore. Il visitatore troverà due cicli di dipinti e disegni, realizzati negli anni Quaranta e negli anni Ottanta, a oltre trent'anni uno dall'altro, qui presentati integralmente e insieme per la prima volta, per dar vita a un inedito dialogo con le Croci del Museo: da Lippo di Benivieni all'oreficeria medioevale di Limoges.» (Dall'introduzione di Davide Dall'Ombra)

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Arte e Diletto
Valeria Pasta Morelli (1858-1909) e le pittrici del suo tempo

termina il 26 agosto 2018
Pinacoteca cantonale Giovanni Züst - Rancate (Mendrisio)
www.ti.ch/zuest

La Pinacoteca Züst ha ricevuto di recente un'importante donazione di opere - 34 dipinti, anfore, album di studi, medaglie e diplomi - di una delle rare donne pittrici che il Ticino conti: Valeria Pasta Morelli (Mendrisio 1858 - Milano 1909). Rare e oltretutto spesso confinate nell'ambito familiare. Anche per questo motivo spesso dimenticate. E' stata la nipote, Valeria Morelli Razzini (1923-2014), che portava lo stesso nome della nonna, a destinare alla sua morte il lascito al nostro museo in memoria e onore dell'artista ma anche come segno di stima per il lavoro svolto dalla nostra istituzione. Valeria, che avrà come maestri anche Bartolomeo Giuliano e Sebastiano De Albertis, fu una delle poche ragazze a frequentare l'Accademia di Brera a Milano. Qui raccolse premi e riconoscimenti, mentre in patria la "Gazzetta ticinese" la celebrava come "esimia giovane artista" ricordando un suo dipinto allegorico realizzato per il carnevale di Mendrisio. Il matrimonio con un alto funzionario italiano chiuderà tuttavia le sue ambizioni, confinandola nel circuito domestico, l'unico ritenuto adatto a una donna della sua posizione.

La mostra intende far luce per la prima volta sulla personalità artistica di Valeria, non mancando tuttavia di contestualizzarla nel particolare ambito familiare nel quale si muoveva. Valeria era infatti figlia del noto dottor Carlo Pasta, consigliere nazionale e promotore, tra le altre imprese, della ferrovia e dell'industria alberghiera sul Monte Generoso. Lo zio era invece Bernardino Pasta, un pittore appartenente alla cerchia degli Induno che godette di buona fama. A queste figure così importanti sono quindi dedicate le prime sale della mostra. Una sezione presenta inoltre opere di altre donne artiste attive nel Cantone Ticino negli stessi anni, come Marie-Louise Audemars Manzoni, Giovanna Béha-Castagnola, Adele Andreazzi, Olga Clericetti, Elisa Rusca, Antonietta Solari e Regina Conti. Appartenenti quasi tutte a famiglie della borghesia locale, non frequentavano però le Accademie né le scuole di disegno dislocate sul territorio. Donne di buona famiglia, che coltivavano privatamente la loro passione per l arte, come un hobby piuttosto che come un lavoro, e che si esercitavano perlopiù negli studi dei pittori. Tra i maestri più apprezzati si ricorda Gioachimo Galbusera, che teneva nel suo atelier frequenti corsi e del quale si espongono alcuni dipinti. (Comunicato stampa Studio Esseci)

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Il Sogno Americano
La Fotografia di Gusmano Cesaretti

termina il 27 maggio 2018
Fondazione Giuseppe Lazzareschi - Porcari (Lucca)
www.fondazionelazzareschi.it

La mostra fotografica, a cura di Riccarda Bernacchi e Lucia Morelli, raccoglie le opere dell'artista italo americano Gusmano Cesaretti. Una selezione di trenta scatti, due sezioni, Gusmano e il cinema e Gusmano e la Street Photography narrano la vita di un fotografo vicinissimo ai grandi del cinema tra cui Michael Mann, Tony Scott e Marc Forster eppure così vicino anche agli uomini più piccoli, non per dimensioni, ma per essere ai margini della società. E' la sua prima antologica in Italia, ma il fotografo porcarese, è molto conosciuto all'estero ed ha viaggiato moltissimo. Gusmano è fotografo di locations, fotografo di scena, produttore, regista di seconda unità. La sua attività di ricerca, di osservazione, di cura del dettaglio prima e durante la realizzazione dei films sono illustrate nella mostra, al piano terra, attraverso scatti scelti tra alcuni titoli di Mann: Thief (1981), Miami Vice tv show (1985), L'ultimo dei Mohicani (1992), The Insider (1999), Miami Vice The film (2006), Blackhat (2015).

Nel piano seminterrato della Fondazione Lazzareschi è invece ricostruito lo studio di Pasadena, in California. Il profilo di un uomo tatuato, gli occhi al cielo di una guaritrice messicana, il volto coperto di chi non ha nulla da perdere. Sono istanti fissati sulla pellicola, gli scatti più personali di Gusmano Cesaretti che alla fotografia ha dedicato la sua vita. Le sue foto testimoniano una parte importante dell'East Los Angeles, fatta di cultura di strada e di graffiti. Un patrimonio inestimabile non solo sotto il profilo artistico, ma anche sotto quello storico e documentaristico. L'esposizione sarà arricchita da un'importante esclusiva: l'intervista di Gusmano a Michael Mann, appositamente realizzata per questa prima esposizione italiana del fotografo. L'incontro con il regista Michael Mann, di cui Gusmano Cesaretti è, ancora oggi, stretto collaboratore, avviene nel 1979, quando alcune foto di Gusmano vengono pubblicate sulla rivista 'Picture' e Mann lo invita sul set di The Jerico Mile.

Da allora diventa personaggio chiave del processo creativo di uno dei più grandi registi americani. Michael Mann lo definisce 'suo fratello da madre diversa'. L'iniziativa, promossa e prodotta dalla Fondazione Giuseppe Lazzareschi, vede il patrocinio di Regione Toscana, Provincia di Lucca, Comune di Porcari e, per il suo alto valore culturale, della Cattedra Unesco Universidad y Patrimonio. A comporre il Comitato Scientifico ci sono illustri membri: oltre alle curatrici, Nicola Borrelli Presidente del Lucca Film Festival e Europa Cinema; Keane artista, Fotografo e giornalista; Olimpia Niglio docente universitaria e alla Business School del Sole 24 Ore. Tra i partner della mostra ci sono il Lucca Film Festival e Europa Cinema e il Photolux Festival.  (Comunicato stampa)

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Carlo Magno va alla guerra
Cavalieri e amor cortese nei castelli tra Italia e Francia

termina il 16 luglio 2018
Palazzo Madama - Torino

La mostra presenta per la prima volta in Italia il rarissimo ciclo di pitture medievali del Castello di Cruet (Val d'Isère, Francia), una testimonianza unica della pittura del Trecento in Savoia. Dopo una prima tappa a Ginevra nel 2017, l'esposizione giunge con importanti novità a Torino grazie alla collaborazione tra il Museo Civico d'Arte Antica di Torino e il Musée Savoisien di Chambery, nell'ambito delle iniziative della Rete internazionale di musei appartenenti ai territori originariamente parte del ducato di Savoia. A Torino la mostra, grazie alla curatela di Simonetta Castronovo, conservatore di Palazzo Madama, rivolge particolare attenzione all'arredo e alla vita di corte nei castelli di Piemonte e Valle d'Aosta nel 1300, con opere provenienti da Torino, Moncalieri, Montaldo di Mondovì (Cuneo), San Vittoria d'Alba (Cuneo) e Quart (Aosta). Le pitture murali provengono dal castello di Cruet, proprietà dei signori de la Rive, vassalli di Amedeo V di Savoia (1285-1323); lunghe complessivamente oltre 40 metri, sono state staccate dalle pareti della dimora savoiarda nel 1985 per ragioni conservative e, dopo un restauro concluso nel 1988, sono da allora esposte presso il Musée Savoisien di Chambery.

Il ciclo rappresenta episodi tratti da una celebre chanson de geste, il Girart de Vienne di Bertrand de Bar-sur-Aube, composta nel 1180 e dedicata alle vicende di un cavaliere della corte di Carlo Magno. Raffigura pertanto scene di caccia nella foresta, battaglie, duelli, l'assedio a un castello, l'investitura feudale, la raffigurazione di un banchetto, accanto ad episodi narrativi specifici di questo poema cavalleresco. Presentate in sequenza in Corte Medievale, le pitture ricostruiscono idealmente la decorazione della sala aulica del castello di Cruet grazie a uno scenografico allestimento realizzato dall'architetto Matteo Patriarca con Gabriele Iasi e Studio Vairano. Accanto a queste straordinarie pitture, la mostra presenta una cinquantina di opere provenienti dalle collezioni di Palazzo Madama e da altre istituzioni, con pezzi mai esposti prima al pubblico. Essi arricchiscono il percorso consentendo di immaginare la vita nei castelli medievali della contea di Savoia tra 1200 e 1300. Sculture, mobili, armi, avori, oreficerie, codici miniati, ceramiche, vasellame da tavola, cofanetti preziosi, monete e sigilli documentano i tanti aspetti dell'arte di corte e della cultura materiale dell'epoca. (Comunicato stampa)

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Nascita di una Nazione. Tra Guttuso, Fontana e Schifano
termina il 22 luglio 2018
Palazzo Strozzi - Firenze

Viaggio tra arte, politica e società nell'Italia tra gli anni Cinquanta e il periodo della contestazione attraverso ottanta opere di artisti come Renato Guttuso, Lucio Fontana, Alberto Burri, Emilio Vedova, Enrico Castellani, Piero Manzoni, Mario Schifano, Mario Merz e Michelangelo Pistoletto. L'esposizione, a cura di Luca Massimo Barbero, vede per la prima volta riunite assieme opere emblematiche del fermento culturale italiano tra gli anni Cinquanta e la fine dei Sessanta: un itinerario artistico che parte dal trionfo dell'Arte Informale per arrivare alle sperimentazioni su immagini, gesti e figure della Pop Art in giustapposizione con le esperienze della pittura monocroma fino ai nuovi linguaggi dell'Arte Povera e dell'Arte Concettuale.

La mostra racconta la nascita del senso di Nazione attraverso gli occhi e le pratiche di artisti che, con le loro sperimentazioni, da un lato fanno arte di militanza e impegno politico, dall'altra reinventano i concetti di identità, appartenenza e collettività collegandosi alle contraddizioni della storia d'Italia negli anni successivi al cupo periodo del fascismo e della guerra. Sono questi gli anni del cosiddetto "miracolo economico", momento di trasformazione profonda della società italiana fino alla fatidica data del 1968, di cui nel 2018 ricorre il cinquantesimo anniversario. E' in questo ventennio che prende forma una nuova idea di arte, proiettata nella contemporaneità attraverso una straordinaria vitalità di linguaggi, materie e forme che si alimentano di segni e figure della cronaca. Come in una sorta di "macchina del tempo" costruita per immagini, con un originale taglio curatoriale, l'esposizione narra il periodo più fertile dell'arte italiana della seconda metà del Novecento, che oggi è riconosciuto come contributo fondamentale per l'arte contemporanea, ripercorrendo alcuni temi identitari di un Paese in cui l'arte viene concepita sia come forza innovatrice sia come strumento di approfondimento di un più ampio contesto culturale.

"Nascita di una Nazione vuole offrire una chiave di lettura ad un periodo artistico che si è intrecciato indissolubilmente con lo sviluppo dell'Italia e che ha tratto dalla politica, dal costume e dai cambiamenti sociali linfa vitale", spiega Luca Massimo Barbero. "Le sale riassumono le tensioni sociali, politiche, culturali e sociali di quegli anni dando un quadro straordinariamente ricco ed eterogeneo di ricerche artistiche che può sorprende vedere qui riunite per assonanze e contrasti, ma che fotografano un dialogo che risulta, a maggior ragione oggi, assolutamente vitale". (Comunicato stampa)

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Pier Paolo Calzolari
21 March - 12 May 2018
White Cube Gallery Mason's Yard - London

The Fondazione Calzolari is pleased to announce the first major exhibition of works by Pier Paolo Calzolari in UK, organized by Mathieu Paris. Featuring works drawn from across the artist's extensive career, the exhibition will include several major installations from the late 1960s until the late 2000s, with a strong focus on Calzolari's production from the 1970s and '80s. From the first works dating back to 1965 to the present day, Calzolari has developed a complex research process based on pluralism, keeping away from all forms of repetition unless related to the requirements of reality. His ability to constantly reinvent himself throughout his over fifty-year career means he is now considered one of the most inventive and liveliest artists of his generation. Calzolari's practice focuses on the activation of space, investigating notions of the sublime through transformative processes. Balancing materials in different states, such as lead and ice or fire and neon in installations or tableaux vivants, his work engages in a kind of alchemy, linking it with earlier traditions in art, in particular Renaissance painting and the work of Italian artists from the Valori Plastici and Pittura Metafisica movements.

Born in 1943 in Bologna, Calzolari grew up in Venice, where the city's striking light and reflections led him to explore luminosity through his now signature material, frost. Created using small refrigeration units and copper tubing, this sensory material with its tactile, powdery surface is used in his works to convey 'pure' whiteness, something that cannot be found in manufactured pigment and only exists in nature. Trained as a painter, Calzolari started exhibiting in 1966-67 with the work-performance Il filtro e benvenuto all'angelo created in his studio in Palazzo Bentivoglio in Bologna. He was among the artists on show at the Deposito d'Arte Presente in Turin as part of one of the first Arte Povera events. In 1969 he took part in the exhibition When Attitudes become Form in Berne.

His first icing sculptures date back to that period, as well as the artwork titled Casa ideale (1968), which brings together different types of works the artist actually constructed around something he wrote, which may be taken as a manifesto. His initial closeness to other Arte Povera artists is revealed in Calzolari's quest for a Franciscan-inspired horizontality that resulted in his own reworking of the relationships between art, reality, and nature. In 1972 Calzolari decided to follow his own more individual path. The unconventional employment of poor materials - including tobacco leaves, margarine, Judah's tree petals, moss, lead, ice, evanescent neon lights - confirms the artist's desire for unconventional flexibility, whose expressive and formal purity is always linked to the passing of time and the transformation of matter. Calzolari's work is democratic in its scope and anything can become part of a composite artistic language in which materials are rediscovered and redefined. His sculptures and installations attempt to create 'a democracy of exchange and language between different things. (Press release)

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Mario Botta. Spazio Sacro
termina il 12 agosto 2018
Pinacoteca Comunale Casa Rusca - Locarno
www.museocasarusca.ch

Progetto espositivo curato dallo studio Mario Botta Architetti, con la direzione scientifica di Rudy Chiappini. Dopo aver presentato artisti di fama internazionale (Valerio Adami, Fernando Botero, Hans Erni, Mimmo Rotella, Javier Marín e Robert Indiana), il Museo inaugura la programmazione espositiva del 2018 con una mostra dedicata a Mario Botta, estendendo il proprio orizzonte di ricerca e interesse anche all'architettura. L'esposizione documenta una tipologia cara all'architetto Mario Botta che, in tanti anni di attività, ha avuto diverse opportunità di confrontarsi con la dimensione del sacro, tanto da giungere ad affermare che "attraverso gli edifici di culto ho l'impressione di aver individuato le radici profonde dell'architettura stessa. I concetti di gravità, di soglia e di luce come generatrice dello spazio, il gioco delle proporzioni e l'andamento ritmico degli elementi costruttivi, fanno riscoprire all'architetto le ragioni primarie, di matrice in qualche modo sacra, detettura stessa."

Per la prima volta in assoluto saranno presentate 22 architetture realizzate in differenti Paesi. Tutti i progetti saranno documentati con modelli originali, disegni e gigantografie. La capacità dell'architetto svizzero è infatti quella di sviluppare un linguaggio architettonico basato sullo studio delle forme primarie, dei volumi puri, della geometria elementare e dei materiali naturali. Una sfida importante da vincere per Botta è misurarsi con l'infinito attraverso elementi finiti, figure semplici che sono più facilmente distinguibili e in cui tutti si possono riconoscere. L'esposizione sarà accompagnata da un catalogo illustrato, accompagnato da una introduzione di saggi critici (Salvatore Veca, Gianfranco Ravasi, Corrado Bologna, Pierluigi Panza, Giorgio Ciucci) e da una selezionata raccolta antologica a complemento di ogni capitolo. (Comunicato stampa)

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Donazioni alla Galleria Nazionale di Cosenza

La Galleria Nazionale di Cosenza acquisisce a pieno titolo nelle sue collezioni sei interessanti sculture provenienti dalle collezioni della famiglia Bilotti. Incrementano da oggi il patrimonio del museo, illustrando importanti segmenti dell'arte italiana del Novecento, le seguenti sculture Cavallo e cavaliere con berretto frigio di Giorgio de Chirico, Portatrice di fiaccola di Emilio Greco, Grande maternità di Antonietta Raphael Mafai, Onice e Solida di Pietro Consagra, Gigantea di Mimmo Rotella. Le sculture sono già presenti nel museo ed esposte in via definitiva, ad esclusione della Grande maternità di Antonietta Raphael Mafai che sarà presentata a conclusione degli interventi di manutenzione e restauro di cui necessita. La donazione fa seguito alle altre che recentemente hanno concluso il loro iter. Sono infatti entrate a far parte delle collezioni museali anche le opere Forme uniche della continuità nello spazio di Umberto Boccioni, donata da Roberto Bilotti Ruggi d'Aragona, e Natura donata dall'artista cosentino Giulio Telarico, già in esposizione rispettivamente nella sezione grafica dedicata all'artista futurista e nella sezione di Arte Contemporanea.

Il Polo Museale e la Galleria Nazionale di Cosenza hanno frattanto avviato le procedure finalizzate all'acquisizione in comodato d'uso gratuito di cinque disegni di Umberto Boccioni; i disegni a conclusione dell'iter andranno ulteriormente ad arricchire la sezione grafica dedicata al maestro del Futurismo. Le acquisizioni portate a felice conclusione e quelle in programma sono frutto di intese e accordi che rientrano fra gli obiettivi che il Polo Museale della Calabria e la Galleria Nazionale si sono posti per promuovere relazioni proficue con il territorio, accrescere, valorizzare il patrimonio d'arte e cultura e favorirne la conoscenza. (Estratto da comunicato stampa)

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Paolo Icaro
Un prato in quattro tempi | Ultimo tempo

14 marzo 2018 (inaugurazione)
Cortile della Ca' Granda - Università degli Studi di Milano
www.lastatalearte.it

La terza edizione di La Statale Arte, in collaborazione con la galleria Lorenzelli Arte, ha ospitato, dallo scorso settembre, Un prato in quattro tempi, un progetto in cui Icaro ha pensato il campo dell'Università come uno spazio da esplorare, in una continua evoluzione di azione e di pensiero. I tre tempi del'intervento realizzati a settembre - dissodamento, rastrellatura, semina - si sono rivelati gesti di insieme, atti orchestrati da Icaro e interpretati dagli studenti dell'Ateneo: i tagli dell'inverno sono stati atti botanici, volti a permettere alla natura di compiere il ciclo autonomo di crescita.

Il quarto tempo, quello del 14 marzo, sarà l'ultima visione dell'artista sul campo, la sua impronta su una terra utilizzata come materia, un intervento plastico su uno spazio preesistente. Il segno di Paolo Icaro sarà una spirale quadra, una forma continua, di tradizione classica e mediterranea, già da lui proposta in Etcoetera (Square Spirals) del 1978. Durante la performance, Icaro esplorerà, per l'ultima volta, il campo della Ca' Granda, che accoglierà la sua presenza fisica e il suo cammino. Mentre gli studenti scandiranno le parole che il processo della semina ha suscitato in loro, l'artista percorrerà il campo, ponendosi ancora una volta a misurare lo spazio, a dare fisicità al vuoto, come già dagli inizi degli anni Settanta, quando il suo corpo diventò unità di misura del reale: linea, movimento e misura sono gli elementi grammaticali del suo fare scultura, i codici del suo processo creativo.

Dietro di lui, a un metro e mezzo di distanza, verrà realizzata la spirale dagli operatori. I quattro tempi del titolo dell'intero lavoro riportano alle quattro fasi del processo creativo dell'artista, già da lui enunciate nel 1968 e ancora titolo della recente monografia curata da Lara Conte: il "faredisfarerifarevedere". Un prato in quattro tempi è dunque una visione, uno spazio mentale e fisico che è stato in un primo momento osservato per l'analisi, quindi agito coralmente, infine congedato, dopo che il suolo ha conosciuto il gesto umano e il giudizio critico si è compiuto. Tutte le fasi del work in progress sono state documentate da una serie di fotografie di Raimondo Santucci (oggetto, poi, del catalogo Skira) e da riprese video ad opera del CTU - Centro per la Tecnologia e la didattica multimediale - della Statale, visibili al termine della performance. Alle ore 15.00, nella Sala di rappresentanza del rettorato, Paolo Icaro converserà con Maria Daniela Candia, docente di Biologia animale e Prorettore Vicario: e l'arte e la scienza troveranno un terreno di germinazione futura. (Comunicato stampa)

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Mario Nigro. Gli Spazi del Colore
termina lo 02 settembre 2018
Fondazione Ghisla Art Collection - Locarno
www.ghisla-art.ch

Retrospettiva antologica su Mario Nigro (Pistoia 1917 - Livorno 1992), uno dei protagonisti dell'arte italiana della seconda metà del '900, organizzata in collaborazione con la Fondazione Centro Studi sull'Arte Licia e Carlo Ludovico Ragghianti di Lucca e con l'Archivio Mario Nigro in occasione del centenario della nascita dell'artista. La rassegna, curata da Paolo Bolpagni e Francesca Pola, già nel titolo sottolinea due aspetti fondanti dell'opera dell'artista, peraltro ampiamente rappresentati in un lavoro significativo di Nigro, Spazio totale del 1953, presente fra i capolavori della Collezione Ghisla.

Mario Nigro si situa nell'ambito dell'arte astratta in modo del tutto personale, a partire dalla fine degli anni Quaranta, con opere che guardano ai maestri delle avanguardie storiche (Kandinsky, Klee, Mondrian) coniugando sollecitazioni di matrice più lirica con un uso rigoroso della geometria, per giungere nei primi anni Cinquanta alla definizione del suo primo grande ciclo compiuto, quello dello "spazio totale", in cui struttura e colore dialogano in modo continuo, generando intensi dinamismi. Attraverso le 35 opere che costituiscono la mostra appare chiaro l'impegno di Nigro ad indagare il rapporto dell'uomo con lo spazio, inteso come luogo del divenire, luogo entro cui, nel tempo, l'azione si compie. Nelle fasce pittoriche vettoriali delle opere di "spazio totale", che lasciano campo alla libertà dei segni grafici che si intrecciano a formare reti e reticoli o a costruire forme vibranti che agiscono a raggiera, si riconosce questo suo intento che volge alla essenzialità.

In questo percorso, l'artista raggiunge prima una liberazione dalla rete di segni creando scansioni di segmenti obliqui tra loro paralleli che, per righe successive, riempiono il piano o la figura geometrica nelle progressioni del suo "tempo totale"; arriva poi alla massima semplificazione nelle opere dedicate alla "analisi della linea", in seguito spezzata a mimare il tracciato di un lampo o la fessurazione del suolo a seguito di un terremoto (da qui la denominazione del ciclo dei "terremoti") per giungere agli "orizzonti" dove un tratto orizzontale è l'unico elemento di narrazione. Siamo alla fine degli anni Ottanta quando Nigro riprende un uso espressivo del colore, con opere in cui le pennellate per lo più orizzontali prendono densità e diventano fortemente incisive, quasi l'artista intenda partecipare ai drammatici rivolgimenti della storia con un suo canto drammatico al colore, che, forzato con la gestualità dei segni, sembra diventare unico protagonista della sua pittura.

Poi tutto si placa con le "meditazioni" fatte di un pacato disporre di rettangoli di colori che si rarefanno nel tempo e con le "strutture" in cui i rettangoli sono costituiti da segni puramente cromatici, che danno nuova sostanza allo spazio. Per comprendere meglio l'artista non possiamo dimenticare che il variare della sua poetica era conseguenza diretta dell'attenzione che poneva al mondo reale, alle situazioni sociali, agli eventi, ai cambiamenti, alle persone, a se stesso. Una pittura quindi non avulsa dal tempo, come potrebbe essere ritenuta l'arte astratta, ma ben immersa dentro la storia. La rilevanza internazionale della produzione di Mario Nigro ha suscitato, per l'attualità della sua visione creativa, un crescente interesse del sistema dell'arte nelle sue varie componenti, dalle istituzioni al collezionismo, in particolare nel corso dell'ultimo decennio. Accompagna la mostra un'ampia monografia in italiano e in inglese pubblicata dalle Edizioni Fondazione Ragghianti Studi sull'Arte con testi dei curatori Paolo Bolpagni e Francesca Pola e di Mattia Patti. (Comunicato ufficio stampa uessearte)

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Atelier Blumer
Sette Architetture Automatiche e altri esercizi

termina il 31 maggio 2018
Teatro dell'architettura - Mendrisio
www.arc.usi.ch

La mostra presenta una serie di installazioni interattive, concepite e costruite dagli studenti dell'atelier di Riccardo Blumer presso l'Accademia di architettura dell'USI di Mendrisio, rappresentative di un percorso didattico che insiste sull'apprendimento dei principi fondamentali dell'architettura attraverso la comprensione delle potenzialità del corpo umano e il suo essere unità di misura del mondo antropizzato. A quell'approccio pedagogico si aggiunge il concetto scientifico di "interferenza", secondo cui da una sovrapposizione di fenomeni nasce un rafforzamento reciproco di ognuno di essi. Da queste premesse e grazie anche alla preziosa collaborazione instaurata dall'atelier Blumer con l'Istituto Dalle Molle di studi sull'intelligenza artificiale, USI-SUPSI di Manno, è nata l'idea di verificare l'incontro tra le possibilità del movimento automatico, il "pensiero" sviluppabile in una macchina, e la loro applicazione libera nel campo dell'architettura.

Le Sette Architetture Automatiche sono dunque macchine capaci di muoversi in modo autonomo secondo le più sofisticate applicazioni della robotica, installazioni con le quali i visitatori possono interagire e che rimandano ad alcune trasversali esperienze artistiche del passato più recente, dall'arte cinetica al teatro sperimentale, dall'Art en mouvement di Tinguely fino ai molti altri riferimenti che ognuno saprà trovare. Il percorso espositivo è accompagnato da sonorità prodotte da motori, pistoni, pulegge, compressori e sensori a fotoni, di un'opera collettiva utile alle possibili riflessioni sul ruolo dell'architettura in un mondo che in buona parte è fatto di interferenze. (Comunicato stampa)

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Henri Cartier Bresson. Fotografo
termina il 17 giugno 2018
Mole Vanvitelliana - Ancona

Centoquaranta scatti in una grande mostra promossa dal Comune di Ancona ed  organizzata da Civita Mostre in collaborazione con la Fondazione Henri Cartier-Bresson e Magnum Photos Parigi. Secondo appuntamento con i grandi maestri della Fotografia alla Mole, dopo quello dedicato a Steve McCurry, chiuso con grande successo alla fine di giugno dell'anno scorso. Dopo aver ammirato il più famoso fotografo contemporaneo, fino al 17 giugno 2018 sarà possibile immergersi nel mondo del più grande maestro del Novecento, per scoprire il carico di ricchezza di ogni sua immagine, testimonianza di un uomo consapevole, dal lucido pensiero, verso la realtà storica e sociologica. 

Quando scatta l'immagine guida che è stata scelta per questa rassegna retrospettiva, Henri Cartier-Bresson ha solo 24 anni. Ha comprato la sua prima Leica da appena due anni, ma è ancora alla ricerca del suo futuro professionale. E' incerto e tentato da molte strade: dalla pittura, dal cinema. "Sono solo un tipo nervoso, e amo la pittura."... "Per quanto riguarda la fotografia, non ci capisco nulla" affermava. Non capire nulla di fotografia significa, tra l'altro, non sviluppare personalmente i propri scatti: è un lavoro che lascia agli specialisti del settore. Non vuole apportare alcun miglioramento al negativo, non vuole rivedere le inquadrature, perché lo scatto deve essere giudicato secondo quanto fatto nel qui e ora, nella risposta immediata del soggetto. Per Cartier-Bresson la tecnica rappresenta solo un mezzo che non deve prevaricare e sconvolgere l'esperienza iniziale, reale momento in cui si decide il significato e la qualità di un'opera.

"Per me, la macchina fotografica è come un block notes, uno strumento a supporto dell'intuito e della spontaneità, il padrone del momento che, in termini visivi, domanda e decide nello stesso tempo. Per "dare un senso" al mondo, bisogna sentirsi coinvolti in ciò che si inquadra nel mirino. Tale atteggiamento richiede concentrazione, disciplina mentale, sensibilità e un senso della geometria. Solo tramite un utilizzo minimale dei mezzi si può arrivare alla semplicità di espressione".

Henri Cartier-Bresson non torna mai ad inquadrare le sue fotografie, non opera alcuna scelta, le accetta o le scarta. Nient'altro. Ha quindi pienamente ragione nell'affermare di non capire nulla di fotografia, in un mondo, invece, che ha elevato quest'arte a strumento dell'illusione per eccellenza. Lo scatto è per lui il passaggio dall'immaginario al reale. Un passaggio "nervoso", nel senso di lucido, rapido, caratterizzato dalla padronanza con la quale si lavora, senza farsi travolgere e stravolgere. "Fotografare è trattenere il respiro quando tutte le nostre facoltà di percezione convergono davanti alla realtà che fugge. In quell'istante, la cattura dell'immagine si rivela un grande piacere fisico e intellettuale".

I suoi scatti colgono la contemporaneità delle cose e della vita. Le sue fotografie testimoniano la nitidezza e la precisione della sua percezione e l'ordine delle forme. Egli compone geometricamente solo però nel breve istante tra la sorpresa e lo scatto. La composizione deriva da una percezione subitanea e afferrata al volo, priva di qualsiasi analisi. La composizione di Henri Cartier-Bresson è il riflesso che gli consente di cogliere appieno quel che viene offerto dalle cose esistenti, che non sempre e non da tutti vengono accolte, se non da un occhio disponibile come il suo. "Fotografare, è riconoscere un fatto nello stesso attimo ed in una frazione di secondo e organizzare con rigore le forme percepite visivamente che esprimono questo fatto e lo significano. E' mettere sulla stessa linea di mira la mente, lo sguardo e il cuore".

Per parlare di Henri Cartier-Bresson - afferma Denis Curti, curatore della mostra ad Ancona -  è bene tenere in vista la sua biografia. La sua esperienza in campo fotografico si fonde totalmente con la sua vita privata. Due episodi la dicono lunga sul personaggio: nel 1946 viene a sapere che il MOMA di New York intende dedicargli una mostra "postuma", credendolo morto in guerra e quando si mette in contatto con i curatori, per chiarire la situazione, con immensa ironia dedica oltre un anno alla preparazione dell'esposizione, inaugurata nel 1947. Sempre nello stesso anno fonda, insieme a Robert Capa, George Rodger, David Seymour, e William Vandivert la famosa agenzia Magnum Photos.

Insomma, Cartier - Bresson è un fotografo destinato a restare immortale, capace di riscrivere il vocabolario della fotografia moderna e di influenzare intere generazioni di fotografi a venire. A proposito della creazione di Magnum Photos, ancora oggi fondamentale punto di riferimento per il fotogiornalismo, Ferdinando Scianna, per molti anni unico membro italiano ha scritto: Magnum continua a sopravvivere secondo l'utopia egualitaria dei suoi fondatori. In modo misterioso è riuscita finora a fare convivere le più violente contraddizioni. Questa è la cosa che più mi appassiona. Per quanto mi riguarda, sicilianissimo individualista, ho difficoltà a sentirmi parte di qualunque tipo di gruppo, ma so che se devo riferirmi a una appartenenza culturale è in quella tradizione che mi riconosco.

La mostra è una selezione curata in origine dall'amico ed editore Robert Delpire, scomparso l'anno scorso, e realizzata in collaborazione con la Fondazione Henri Cartier-Bresson, istituzione creata nel 2003 assieme alla moglie Martine Franck ed alla figlia Mélanie e che ha come motivo principale la raccolta delle sue opere e la creazione di uno spazio espositivo aperto ad altri artisti. L'allestimento della mostra è curato da Denis Curti e Andrea Holzherr per conto di Magnum Photos. Obiettivo della rassegna è far conoscere e capire il modus operandi di Henri Cartier-Bresson, la sua ricerca del contatto con gli altri, nei luoghi e nelle situazioni più diverse, alla ricerca della sorpresa che rompe le nostre abitudini, la meraviglia che libererà le nostre menti, grazie alla fotocamera che ci aiuta ad essere pronti a coglierne e ad immortalarne il contenuto. (Comunicato stampa)

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"BurriDocumenta"
Area Multimediale Documentaria

dal 12 marzo 2018
Ex Seccatoi del Tabacco - Città di Castello (Perugia)
www.fondazioneburri.org

La nuova Sezione integra e arricchisce, infatti, la visita delle tre raccolte museali della Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri di Città di Castello: quella delle opere di Burri dal 1948 al 1985 collocata in Palazzo Albizzini e le altre due situate negli Ex Seccatoi del Tabacco dedicate rispettivamente ai Grandi Cicli degli anni settanta-novanta e all'intera Opera grafica. Dopo la visione diretta delle opere originali del Maestro, la Sezione documentaria fornisce innovativi strumenti visivi e multimediali per la conoscenza, la comprensione e l'approfondimento della sua opera e del contesto italiano e internazionale in cui essa si è distinta.

In questa Sezione, che ripercorre interamente la vita di Alberto Burri fin dalla sua nascita a Città di Castello il 12 marzo 1915, attraverso documenti autografi, riproduzioni di opere, di inviti, di cataloghi, di video e di film, sono documentate, con commento in italiano e inglese, le varie stagioni della sua opera, le molteplici esperienze in campo pittorico-plastico e architettonico, gli incontri con i critici e gli artisti, le mostre personali, le partecipazioni a rassegne internazionali e i testi specialistici che permettono la conoscenza approfondita dell'uomo e dell'artista. La prima parte della sezione documentaria è strutturata in dieci proiezioni multimediali, secondo una modalità già felicemente sperimentata in occasione della recente esposizione "Burri: lo Spazio di Materia tra Europa e Usa" (2016), che trattano gli esordi pittorici dell'artista, l'incontro con la realtà italiana del dopoguerra e l'avventura statunitense che porta Alberto Burri ad essere uno dei maestri europei più esposti negli anni Cinquanta negli Usa, fino al confronto e all'amicizia con i principali protagonisti della scena internazionale.

In tale quadro sono documentate le radicali esperienze pittoriche di Burri, il particolare e inedito uso di nuove materie - dal catrame alla tela di sacco, dal legno al ferro, dalle materie plastiche al cretto e al cellotex - l'uso di tecniche compositive che rinnovano quelle del collage e dell'assemblaggio fino all'impiego innovativo del fuoco, l'elaborazione del monocromatismo e i grandi Cicli degli ultimi anni della sua produzione. Vengono inoltre analizzati ancora altri aspetti del suo lavoro che riguardano la spazialità plastica, gli allestimenti sempre puntuali, il rapporto con il teatro e lo spazio architettonico ambientale. Rilievo ed importanza sono peraltro assegnati alla Fondazione Burri, voluta dall'artista stesso, e al suo iter costitutivo a Città di Castello, nonché alle attività portate avanti da questa dopo la morte del Maestro, avvenuta nel 1995, fino alle numerose iniziative presentate in Italia e all'estero nel corso delle recenti celebrazioni del Centenario della nascita: dalla mostra retrospettiva al Guggenheim di New York alle numerose esposizioni, dal completamento del Grande Cretto a Gibellina alla ricostruzione del Teatro Continuo di Milano, dalla riproposizione di spettacoli teatrali alla produzione di convegni internazionali.

La seconda parte di questa nuova Sezione documentaria si avvale delle moderne tecnologie informatiche e, attraverso l'uso di touch-screen, permette totale interconnettività con la consultazione di numerosi testi critici, storici, dépliant, riviste, cataloghi di mostre personali e di importanti esposizioni collettive a livello internazionale, nonché di soffermarsi su di essi con ingrandimenti e approfondimenti multimediali. Il tutto favorendo la costruzione di personali percorsi di apprendimento. L'ultima parte della Sezione presenta, in una vera e propria biblioteca multimediale, vari documenti originali. Infine, in sale attigue alla Sezione documentaria, sarà possibile visionare video e film dedicati al Maestro o alla sua opera: dai primi documenti televisivi ai film monografici, fino a quelli recenti, dedicati alla lettura di alcune sue opere e alla documentazione di spettacoli teatrali.

L'uso delle tecnologie più avanzate permetterà in seguito una continua messa a punto e un arricchimento costante delle varie parti componenti la Sezione documentaria, nonché la possibilità di rielaborazione del materiale esistente in occasione di future presentazioni nazionali e internazionali dell'opera del Maestro. I musei della Collezione Burri, la Biblioteca, l'Archivio storico e ora la Sezione documentaria fanno di Città di Castello uno dei centri italiani più autorevoli e importanti, sia per qualità che per quantità di opere e documenti, ove apprendere e studiare l'arte di Alberto Burri e quella contemporanea del XX° secolo. (Comunicato stampa Studio Esseci)

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I Tesori del Duca
Selezione di opere orientali dal Castello di Aglié

termina lo 03 giugno 2018
MAO Museo d'Arte Orientale - Torino
www.maotorino.it

Il MAO Museo d'Arte Orientale, in collaborazione con il Polo Museale del Piemonte, propone in anteprima l'esposizione di alcune tra le opere più significative della raccolta di manufatti asiatici del Castello di Agliè. Mentre la collezione viene studiata e restaurata con l'obiettivo di una futura presentazione museale nel castello stesso, pregiate porcellane cinesi, delicate lacche giapponesi, scenografiche maschere thailandesi e un tamburo rituale birmano saranno allestiti al piano nobile di Palazzo Mazzonis nello spazio che il MAO dedica a piccole e preziose esposizioni. Il territorio piemontese è costellato di residenze reali e nobiliari legate alla casa dei Savoia, molte delle quali conservano al loro interno oggetti e arredi di provenienza orientale secondo i gusti e le mode del Settecento e dell'Ottocento europei. Nel Castello Ducale di Aglié è custodita una consistente collezione di oggetti provenienti principalmente da Cina, Giappone e Thailandia, raccolti per la gran parte da Tomaso di Savoia duca di Genova (1854-1931).

Il secondo duca di Savoia Genova, figlio di Ferdinando, fratello minore di Vittorio Emanuele II, studiò in Gran Bretagna e fu imbarcato come guardamarina a soli 17 anni. La sua carriera militare fu rapidissima e fece di lui una figura di primo piano nella storia del Regno d'Italia. Nella sua vita compì numerosi viaggi per mare, tra cui spiccano la circumnavigazione del globo negli anni 1872-74 e il viaggio in Asia orientale del 1879-81. Il momento storico era quello dell'apertura di molti paesi verso l'Occidente: le missioni di Tomaso avevano obiettivi diplomatici e commerciali e gli consentirono di incontrare sia l'imperatore del Giappone sia il re del Siam. La corvetta Vettor Pisani, comandata dal duca, toccò Singapore, Hong Kong e Nagasaki. Ci fu poi una tappa in Manciuria e a Vladivostok, seguita da un nuovo attracco in Giappone, a Yokohama. La nave risalì quindi il Fiume Azzurro fino a Nanchino.

Seguì una terza tappa in Giappone sulla costa orientale, e da lì, dopo una sosta a Hong Kong, la visita al re del Siam. L'ultima tappa fu in Indonesia. Gli oggetti portati ad Aglié dal duca appaiono come un insieme di doni diplomatici e di acquisti episodici. Seguendo le tappe del suo viaggio si possono collegare le soste con alcuni oggetti, come la ceramica che risulterebbe parte della famosa torre di porcellana di Nanchino, o le lacche giapponesi acquistate grazie alla cortesia di un principe della famiglia imperiale che, per ovviare a una giornata di pioggia, avrebbe fatto venire dei mercanti durante una sosta a Nara. Tra gli oggetti della raccolta che verranno esposti al MAO vi è una maschera thailandese ottocentesca di Hanuman, il dio scimmia, in metallo e inserti vitrei. Questo tipo di maschere raffigurano i personaggi del poema epico Ramakien (versione thailandese del Ramayana) e venivano indossate dagli attori del dramma Khon, teatro classico thailandese risalente al XV secolo che veniva recitato alla corte del re.

Dalla Cina arriva invece il grande vaso del periodo Qing in porcellana craquelé decorata a smalti policromi, raffigurante l'episodio di Wu Zixu che solleva un pesante tripode a un incontro tra capi di stato, un soggetto frequente nella letteratura e nel teatro popolari. Si esporrà al pubblico anche un prezioso dipinto a quattro mani di Kawanabe Kyosai (1831-1889) e Kawabata Gyokusho (1842-1913) raffigurante una cortigiana col suo servitore, che è stato recentemente oggetto di un complesso intervento di recupero da parte dell'Istituto Superiore per la Conservazione e il Restauro. E' interessante e singolare il fatto che i due pittori fossero viventi al momento dell'arrivo di Tomaso in Giappone: si tratta forse di una commissione diretta del duca durante uno shogakai, un incontro pubblico di pittura e calligrafia. Oltre al nucleo principale, negli anni '50 del Novecento venne donato ad Aglié un importante gruppo di oggetti thailandesi e cinesi raccolto da Giuseppe Canova, l'ingegnere italiano che era stato progettista della prima ferrovia da Bangkok a Phetchaburi. (Comnicato stampa)

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L'elica e la Luce. Le Futuriste. 1912-1944
termina il 10 giugno 2018
MAN Museo d'Arte della Provincia di Nuoro
www.museoman.it

Dopo i progetti sull'Espressionismo tedesco e le coppie dell'avanguardia russa, una mostra dedicata al Futurismo e le donne. Si completa in questo modo la trilogia dal taglio inedito, realizzata con la direzione artistica di Lorenzo Giusti e focalizzata sui movimenti dell'avanguardia storica. La presenza delle donne nell'arte del Novecento è stata messa in luce da diversi studi a partire dalla fine degli anni Settanta: al di là dell'intenzione di scoprire un genere, uno specifico femminile in arte, sono state compiute ricognizioni storico-critiche che hanno portato o riportato in luce personalità eccezionali, opere di alto valore, esistenze dalle trame complesse, di cui prima si ignoravano addirittura le date di nascita o morte, e ci hanno restituito un panorama dell'arte delle donne nelle avanguardie, fino a quel momento rimasto in secondo piano.

Un caso ancora aperto e controverso è il ruolo delle donne nel Futurismo, movimento programmaticamente misogino, che fin dalla sua fondazione proclamava il disprezzo della donna e costruiva una visione dell'arte totalizzante su valori quali la forza, la velocità, la guerra, da cui il genere femminile doveva rimanere escluso ("Noi vogliamo glorificare la guerra - sola igiene del mondo - il militarismo, il patriottismo, il gesto distruttore dei libertari, le belle idee per cui si muore e il disprezzo della donna", Manifesto del Futurismo, 1909). La mostra rintraccia - attraverso oltre 100 opere fra dipinti, sculture, carte, tessuti, maquette teatrali e oggetti d'arte applicata - l'operato di queste donne che hanno lavorato dagli anni dieci fino agli anni Quaranta, firmando i manifesti teorici del Futurismo, partecipando alle mostre, sperimentando innovazioni di stile e di materiali in ambiti trasversali quali le arti decorative, la scenografia, la fotografia e il cinema, ma anche la danza, la letteratura e il teatro. Figure indipendenti, artiste e intellettuali di primo piano nella ricerca estetica d'inizio secolo.

Le vicende sono a volte spregiudicate (esemplare la biografia di Valentine de Saint-Point), spesso passate in sordina rispetto alle cronache, qualche volta inosservate dalla critica coeva, o assorbite dall'anonimato della vita famigliare (come accadde a Brunas) o cancellate delle guerre (Alma Fidora, la cui biblioteca e l'archivio di documenti sono andati distrutti sotto i bombardamenti). Spiccano artiste totali, non solo la più nota Benedetta, ma anche Marisa Mori, Adele Gloria e il gruppo di coloro che collaborano a "L'Italia futurista": i campi d'interesse sono vastissimi, dalla scrittura, alla pittura, all'illustrazione, alla ceramica, non esclusi gli studi di metapsichica e l'occultismo, verso cui anche il Manifesto della Scienza futurista mostra attenzione.

La mostra, che vanta prestiti in arrivo da collezioni pubbliche e private italiane, con opere anche poco conosciute, prende le mosse dal Manifeste de la Femme futuriste, pubblicato da Valentine de Saint-Point il 25 marzo 1912, in risposta alla Fondazione e Manifesto del Futurismo di Marinetti pubblicato a Parigi nel 1909 su "Le Figaro". Il percorso individua i caratteri di una ricerca collettiva che - libera da stereotipi, cliché, luoghi comuni e banali dipendenze legate ai rapporti di parentela con i "maschi" del movimento - testimonia la profondità di una riflessione estetica condivisa dalle donne del gruppo, ricca di implicazioni peculiari. La selezione delle opere è accostata da un ampio apparato documentario, prime edizioni di testi, lettere autografe, fotografie d'epoca, manifesti originali, studi, bozzetti.

Ogni capitolo del percorso, che procede per macro-temi - il corpo e la danza, il volo e la velocità, il paesaggio e l'astrazione, le forme e le parole - documenta una vena particolare delle artiste futuriste, dedite ora alle arti applicate, al tessuto, ora all'uso del metallo e, in generale, a una sperimentazione polimaterica e multidisciplinare nel campo delle arti figurative, ma anche letterarie e coreutiche. La mostra racconta le affascinanti biografie di ciascuna di loro, che s'intrecciano con la vita artistica e culturale del periodo (i salotti, le maggiori mostre nazionali, le riviste, i teatri) ma si ambientano anche sullo sfondo di un paese, allo stesso tempo, eccitato dal progresso, ferito dal conflitto. In catalogo saranno pubblicate le opere esposte con testi di Giancarlo Carpi, Enrico Crispolti, Chiara Gatti, Lorenzo Giusti, Raffaella Resch e una intervista a Lea Vergine, autrice della memorabile mostra curata nel 1980 per il Palazzo Reale di Milano, "L'altra metà dell'avanguardia", dedicata alle artiste attive tra il 1910 e il 1940. (Comunicato ufficio Stampa Studio Esseci)

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"Cinema! Storie, protagonisti, paesaggi"
24 marzo - 01 luglio 2018
Palazzo Roverella - Rovigo

Una ampia rassegna da conto della singolare attrazione che il cinema ha provato, e continua a nutrire, per il Delta del Po, la dove il Grande Fiume si confonde con l'Adriatico. Si calcola che le acque, i lembi di sabbia, le piane dell'ampio Delta siano state protagoniste, più che semplice scenario, di almeno 500 tra film, documentari, fiction televisive, girati dai più grandi registi fra i quali Luchino Visconti, Roberto Rossellini, Giuseppe De Santis, Michelangelo Antonioni, Alberto Lattuada, Mario Soldati, Pupi Avati, Ermanno Olmi e Carlo Mazzacurati. La mostra, curata da Alberto Barbera, focalizzata sull'area del Polesine, è affidata all'utilizzo di diverse tipologie di materiali, esposti in originale o in copie, stampe e ingrandimenti realizzati per l'occasione: foto di scena e di set, manifesti, locandine e materiali pubblicitari, documenti originali, sceneggiature, materiali d'archivio, videomontaggi di sequenze di film, documentari e sceneggiati TV, interviste filmate ai protagonisti. Nel 1943 Luchino Visconti gira Ossessione nel Delta del Po.

Nell'immediato Dopoguerra, Roberto Rossellini vi ambienta il suo Paisà mentre Giuseppe De Santis, esordisce con Caccia tragica, su una sceneggiatura sua e di Michelangelo Antonioni, Umberto Barbaro e Cesare Zavattini. Pochi anni dopo, il Grande Fiume è il protagonista de Il mulino del Po per la regia di Alberto Lattuada. Florestano Vancini ambienta qui i documentari Uomini della palude e Tre canne e un soldo e più tardi è aiuto regista di Mario Soldati che, con La donna del fiume, consacra definitivamente Sophia Loren. Qui avviene l'esordio di Michelangelo Antonioni, nel 1957 con Gente del Po. Il regista ferrarese scegli ancora più volte il Polesine per i suoi film. Qui ambienta Il grido del '57, per scendere poi a Ravenna per Il deserto rosso e risalire a Ferrara per l'ultimo episodio di Al di là delle nuvole codiretto con Wim Wenders.

E' del '58 Un ettaro di cielo, film d'esordio di Aglauco Casadio, per la sceneggiatura di Tonino Guerra con Elio Petri e Ennio Flaiano. Anche l'altro grande ferrarese, Vancini, è di casa nel Delta. Ad esso dedica numerosi documentari e poi, nel 1984, il film tv La neve nel bicchiere. Nella valli di Comacchio, Giuliano Montaldo ambienta L'Agnese va a morire. Con La casa dalle finestre che ridono Pupi Avati trasforma la bassa nel teatro ideale di film horror. Il Po e il vicino Veneto sono protagonisti di molti film di Carlo Mazzacurati che nel Delta gira, bel 1987, il film d'esordio, Notte italiana. Ma anche tanti altri, da Goffredo Alessandrini a Comencini ai Fratelli Taviani, Bertolucci, Luigi Magni, Bigas Luna, Silvio Soldini. Senza tralasciare Scano Boa, per la regia di Renato Dall'Ara (1961) tratto dal romanzo di Antonio Cibotto, grande scrittore rodigino recentemente scomparso cui la mostra tributerà, proprio con la proiezione del film.

Accanto alla produzione cinematografica di finzione, almeno 60 documentari sono stati dedicati a queste terre. Tra essi, Gente del Po di Michelangelo Antonioni (1943-1947), Delta padano (1951) e Una capanna sulla sabbia (1955) di Florestano Vancini, La missione del Timiriazev di Gillo Pontecorvo (1951), Quando il Po è dolce di Renzo Renzi (1951), Lungo il fiume di Ermanno Olmi (1992), sino al recente Il pesce rosso dov'è di Elisabetta Sgarbi (2015). A queste due categorie si affiancano infine sceneggiati e programmi tv da Il mulino del Po di Sandro Bolchi (1962) a De Gasperi l'uomo della speranza di Liliana Cavani. "L'esposizione - afferma il curatore - si propone di ricostruire la storia del rapporto intenso, profondo e originale che si è instaurato in oltre ottant'anni di intensa frequentazione fra un territorio dalle caratteristiche pressoché uniche e i cineasti italiani, dando vita a opere indimenticabili destinate a rimanere nella storia del cinema". (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Omaggio a Gino Rossi
termina lo 03 giugno 2018
Museo Luigi Bailo - Treviso

Settant'anni fa, nel Manicomio di Sant'Artemio a Treviso, si spegneva Gino Rossi. Treviso, in concomitanza con la grande mostra su Auguste Rodin, gli riserva - per mano di Marco Goldin - un più che doveroso omaggio. La rassegna, composta di 18 dipinti, sarà visitabile al museo che accoglie stabilmente 10 opere dell'artista, il nucleo pubblico più importante che di lui si conservi. Gino Rossi è un artista "raro". La sua produzione supera di poco i 130 dipinti, quantitativamente nulla rispetto alla produzione di altri artisti del suo secolo. Nino Barbantini, storico direttore di Ca' Pesaro a Venezia, ebbe a ricordare che Rossi riuscì a dipingere per pochi anni soltanto, ed è noto che una parte non trascurabile di quanto da lui creato è finita distrutta o dispersa, per effetto delle sue vicissitudini personali e familiari.

La mostra curata da Goldin, e con gli apparati critici in catalogo di Alessandro Del Puppo, unitamente a un testo di nuova concezione sul periodo bretone di Gino Rossi, scritto da André Cariou, propone ai visitatori un percorso che in modo preciso configura la vicenda artistica di "uno dei rari pittori italiani che, all'inizio del Novecento, - afferma Goldin - hanno respirato per davvero l'aria della grande pittura figurativa europea, secondo una lezione che inizialmente proviene dall'opera finale di Gauguin e dai Fauves". Rossi, veneziano di origine e di formazione, fu a Parigi la prima volta già tra 1906 e 1907, e lì guardò con ammirazione al Simbolismo proprio di Gauguin e all'arte dei Fauves da poco rivelatasi nella capitale. Sulle orme del pittore di Tahiti, si recò quindi nel 1909 in Bretagna, che costituì per lui una grande scoperta. Di tutto questo risentono le sue prime opere connotate da un temperamento forte e da vibranti interpretazioni personali.

Rossi diceva che "non si costruisce con il colore: si costruisce con la forma e un'arte dove il colore comanda è un'arte incompleta fin dalla base". In questo si manifesta da subito quell'eco cezanniana che emergerà soprattutto nelle nature morte, ma anche in taluni ritratti, della seconda fase della vita artistica di Gino Rossi. Da qui l'arrovellarsi del suo segno, in un espressionismo che approderà anche a una sorta di originalissima trascrizione delle ricerche cubiste, per il tramite proprio di Cézanne, sempre nel quadro di un fortissimo legame con la terra d'origine e d'elezione (Burano e i colli asolani e del Montello). Un "esprit nouveau" che lo accomuna - e lo distanzia negli esiti - alle opere dei suoi contemporanei, ma che lo rende pittore di apertura davvero europea, sperimentatore di soluzioni colme di poesia, fra ariosi paesaggi e sezionature di visi. Uno sguardo intriso di reminiscenze d'oltralpe, che divengono assimilazione e commistione di diversi linguaggi, vero rovello della sua pittura, ma pure espressione delle sue native qualità artistiche.

"La nota interpretativa più autentica della modernità di Rossi sta nel tenace, quanto geniale, sforzo di meditate connotazioni che non andassero oltre la consistenza formale del quadro e della sua armonia compositiva. Quasi a contrastare il pericolo, da lui avvertito, di una troppo stretta identificazione fra valore cromatico e valore decorativo". La sua ricerca e la sua pittura virano quindi verso il cubismo e appunto il recupero di Cézanne. Ma presto la guerra combattuta al fronte, la prigionia, le vicende familiari lo conducono verso l'abisso della malattia mentale. E poi fu solo il buio. Degli occhi e dell'anima. La mostra di Treviso presenta opere di tutti i periodi di Gino Rossi, da quello bretone a quello di Burano, da quello dei colli asolani ai colli del Montello, fino alle nature morte e ai ritratti di matrice post-cubista, per un percorso completo che consentirà di conoscere l'artista nelle sue diverse fasi di lavoro. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Riapre al pubblico la nuova Pinacoteca del Museo Santa Caterina
www.studioesseci.net

Riapre al pubblico al Museo Santa Caterina la Pinacoteca civica, una delle più antiche istituzioni culturali trevigiane, fondata nel 1851. L'allestimento delle opere è totalmente nuovo e si articola negli spazi della "manica lunga", dalla quale si aprono piccoli ambienti in origine abitati dai frati. Un contesto di grande pregio architettonico, che permette di godere dell'arte in un ambiente carico di storia ma completamente rinnovato nelle modalità espositive. Il progetto museologico, curato da un gruppo di lavoro composto da Andrea Bellieni, Enrica Cozzi, Emilio Lippi, Maria Elisabetta Gerhardinger, Eugenio Manzato e Sergio Marinelli, è stato tradotto in termini museografici dal team di architetti Studiomas (Marco Rapposelli e Piero Puggina) che ha ridisegnato gli spazi, le luci, parte degli impianti e gli apparati didascalici. Il risultato finale è un percorso di grande suggestione, che coniuga l'impatto estetico con l'efficacia in termini di fruibilità da parte del pubblico.

L'itinerario si sviluppa in senso cronologico e muove - in ideale raccordo con i famosi cicli pittorici presenti nella ex Chiesa (le Storie di S. Orsola di Tomaso da Modena e i tanti altri affreschi del Tre e Quattrocento) - dalle testimonianze medievali per giungere al Settecento, con una selezione di circa 150 opere che sottolineano la stretta interazione del Museo con il territorio, i collezionisti che l'hanno arricchito con doni, gli artisti che a Treviso hanno operato. Nelle prime sale si possono ammirare i brani figurativi staccati a partire dal tardo Ottocento da case, palazzi e chiese successivamente distrutte: un suggestivo squarcio dell'antica urbs picta, la "città dipinta" che ancora in parte sopravvive. L'affresco con le Storie di Otinel costituisce un raro esempio di narrazione in pittura di un poema cavalleresco in lingua franco-veneta, che a Treviso aveva uno dei maggiori centri di produzione e diffusione in Italia.

Il periodo del gotico internazionale è poi rappresentato da alcune selezionate opere di alta qualità, tra cui una Madonna col Bambino di Gentile da Fabriano, artista che operò anche nell'ex chiesa. Il visitatore ha quindi la possibilità di accedere alla galleria dei capolavori del Rinascimento, con opere di Dario da Treviso - iniziatore in città del nuovo stile 'antico' elaborato a Padova da Squarcione e Mantegna -, Cima da Conegliano, Giovanni Bellini, Pordenone, Lorenzo Lotto. Si prosegue con la sala dedicata ai capolavori del Manierismo: le grandi pale d'altare di Paris Bordon e Jacopo Bassano e la galleria dei ritratti, tra cui celebre è quello di Tiziano dedicato a Sperone Speroni. In un ambiente più raccolto - una vera novità che recupera opere finora collocate nei depositi - si espongono quadri e oggetti di vario tipo che documentano il gusto collezionistico delle "Wunderkammer", gli studioli privati fatti per stupire e che spesso costituiscono i nuclei dei primi musei aperti al pubblico.

Un'ampia antologia del patrimonio d'arte del Seicento e del Settecento completa il percorso, comprendente alcuni pezzi di recente restauro e finora mai esposti al pubblico e le opere di Francesco Guardi, Rosalba Carriera, Giovanni Marchiori, Giambattista e Giandomenico Tiepolo. Con questo riallestimento si completa la riorganizzazione del complesso di Santa Caterina, che valorizza la funzione museale dell'ex convento. Viene così recuperato alla piena fruizione un autentico gioiello, scrigno di capolavori finalmente offerti al pubblico e polo fondamentale del sistema museale cittadino, che nel Museo Luigi Bailo ha l'altra grande struttura, dedicata all'arte dell'Ottocento e del Novecento. (Comunicato stampa Studio Esseci)

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Giorgio Griffa
26 January - 08 April 2018
Camden Arts Centre - London

The Italian abstract painter (b. Turin 1936) is closely linked to the Arte Povera movement and became known in the 1960s with a generation of artists who radically redefined painting. This exhibition spans the breadth of the artist's practice, incorporating works from the 1960s to the present. Believing in the 'intelligence of painting', Griffa allows the elements of his process such as the type and width of the brush, the colour or dilution of the paint, and the nature of the canvas, whether linen, cotton or hemp, to influence and form the work. His minimal and primordial marks relate to his fascination with quantum energy, time-space mathematics, and the golden ratio.

Recent solo exhibitions include: Galleria Lorcan O'Neill (2017), Fondazione Giuliani, Rome, Italy (2016); Fondation Vincent Van Gogh Arles, Arles (2016); Serralves Museum, Porto (2015); Bergen Kunsthall, Bergen, Norway (2015); and Centre d'Art Contemporain Genèva, Switzerland (2015). Griffa was included by Christine Macel in the Venice Biennale this past year, his third time at the Biennale following presentations in 1978 and 1980. (Press release Galleria Lorcan O'Neill)

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Senza Titolo (2005)
Jannis Kounellis in Statale

Esposizione permanente dal 20 febbraio
Università Statale di Milano

La Fondazione Arnaldo Pomodoro e l'Università degli Studi di Milano si fanno promotori dell'iniziativa Jannis Kounellis in Statale, a un anno dalla scomparsa dell'artista. La sede centrale dell'Ateneo ospiterà l'opera Senza titolo (2005) di Jannis Kounellis (1936-2017), concessa in comodato gratuito alla Statale dalla Fondazione Arnaldo Pomodoro, che nel 2006 invitò l'artista ad allestire nel proprio spazio espositivo a Milano, la grande mostra intitolata "Atto unico", curata da Bruno Corà. Senza titolo si presenta come una lunga putrella di ferro, montata in verticale, che occupa in altezza tutto lo spazio, dal pavimento al soffitto. Sulla sua sommità è adagiata una grande risma di fogli da disegno, che piegandosi naturalmente verso il basso formano una sorta di capitello. Il ferro, come materiale grezzo e industriale e la struttura della putrella, come elemento che evoca la costruttività, ricorrono spesso nel lavoro di Kounellis, mentre i fogli da disegno rimandano all'attività tradizionale dell'artista.

Realizzata appositamente per gli spazi della prima sede della Fondazione Pomodoro e alta 540 cm, l'opera si inserisce perfettamente nell'architettura del nuovo spazio che la ospiterà in Statale, progettata da Piero Portaluppi nei primi anni Cinquanta. L'opera di Kounellis si aggiunge alle importanti testimonianze di arte del Novecento (da Wildt a Fontana) già presenti nella sede centrale dell'Università e va ad arricchire la collezione permanente d'arte contemporanea avviata negli ultimi anni grazie al progetto La Statale Arte, che comprende già i lavori di Nanda Vigo, Mikhail Ohanjanian e Paolo Icaro - il cui intervento è attualmente in corso - e che nasce proprio per valorizzare la suggestione del colloquio tra la monumentalità dell'architettura della Ca' Granda e le interpretazioni del presente, favorendo la più ampia diffusione dell'esperienza artistica. Questa iniziativa rappresenta una tappa fondamentale dell'attività della Fondazione Arnaldo Pomodoro, nell'ottica di far conoscere la propria collezione al di fuori degli spazi museali e dei luoghi solitamente adibiti a esposizioni d'arte, per rendere patrimonio di tutti l'arte contemporanea. (Comunicato stampa)

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Claud Hesse: Dna Epigen
termina lo 06 gennaio 2019
MUSE Museo delle Scienze - Trento

L'artista Claud Hesse porta al MUSE, nell'ambito della mostra Genoma Umano. Quello che ci rende unici, una macro scultura interattiva, che sollecita i visitatori a introdurre delle mutazioni importanti nello stato dell'opera, diventandone loro stessi artefici. Tramite la scelta di parole chiave "epigeniche" - che illustrano situazioni impattanti sul genoma umano, proposte su un maxi tablet - il pubblico può provocare in Dna Epigen il passaggio da uno stato quieto e armonioso a uno attivo. Vengono così svelati, uno a uno, i contenuti segreti custoditi nei "cubi epigenetici" incastonati in questo macro frammento significante di DNA, per raccontare in modo interattivo e sempre diverso l'impronta che le esperienze e gli stili di vita possono imprimere sul DNA e che sono studiati, appunto, dall'epigenetica.

Claud Hesse, artista visiva che lavora tra l'Italia e Berlino, è considerata "l'artista del DNA". Da sempre lavora sulle tematiche della genetica ed è conosciuta per aver ideato e realizzato il progetto dei Dna Portraits (veri e propri ritratti ad personam del genotipo di varie persone, molte delle quali illustri) partecipando a numerose mostre in Italia e all'estero e vincendo diversi premi. Il campo d'ispirazione primario della sua ricerca artistica è sempre stato quello della genetica, della biologia e della fisica, tematiche presenti in maniera latente nelle sue opere, tanto da trovarne continuamente riferimenti, che si arricchiscono anche di raffinati concetti filosofici e profonde riflessioni interiori. La sua opera, Dna Epigen - costruita ad hoc per il MUSE e per la mostra Genoma umano - declina con il linguaggio immaginifico dell'arte i temi complessi e importanti che trovano nella mostra un approfondimento scientifico e coinvolge il pubblico chiamato a mettersi in gioco e scoprire i concetti dell'epigenetica.

Perché le persone sono tutte diverse? Da dove provengono i talenti? Perché c'è chi invecchia in modo invidiabile e chi, purtroppo, no? Perché la vita ha un termine biologico e come possiamo prevenire le malattie? La mostra Genoma Umano. Quello che ci rende unici affronta interrogativi che ci riguardano profondamente e sui quali, oggi, è focalizzato un settore importante e promettente della ricerca in campo biologico. L'esposizione costituisce il principale progetto espositivo per l'anno 2018 con il quale il Museo conferma il proprio ruolo di centro di mediazione di una conoscenza scientifica che mira a rendere il proprio pubblico più consapevole, offrire modalità comunicative nuove per poter comprendere temi scientifici complessi, discriminare e scegliere tra le offerte della biologia moderna.

Genoma umano sarà un viaggio tra le nuove sfide offerte dalla genomica - una scienza in continua evoluzione che non manca di suscitare interrogativi e dubbi anche sul piano etico - con un focus su opportunità e rischi originati dall'applicazione delle nuove conoscenze ad ambiti particolarmente sensibili, quali la salute. Grazie a un percorso interattivo e immersivo - che potrà contare su numerosi supporti multimediali ed exhibit in grado di toccare le corde più profonde della sensibilità personale, attraverso video e multi-proiezioni di grande impatto scenico e la mediazione dell'arte - la mostra affronterà tre questioni fondamentali sul patrimonio genetico umano: quanto conta il DNA, quali altri fattori intervengono nella sua definizione (ad esempio ambiente e stili di vita), come e quanto possiamo intervenire per modificarlo.

Un cambio di scala, dal macro al micro, che tuttavia non trascura la componente umana e sociale, porterà il pubblico a esplorare un mondo affascinante, che custodiamo dentro di noi e che ci rende ciò che siamo: unici. Lo studio del nostro genoma e di quello delle altre specie, supportato dall'evoluzione di tecnologie sempre più sofisticate, prospetta future possibili soluzioni per migliorare la qualità della vita. Tra queste, ad esempio, l'aumento della longevità e la prevenzione e cura di numerose patologie. Al contempo, il suo sviluppo porta con sé nuovi interrogativi che investono scelte e decisioni personali e sociali. A promesse, speranze e aspettative si accompagnano infatti incertezze sulla reale efficacia e i potenziali rischi, facendo nascere molti dubbi di natura etica, giuridica ed economica.

E' il caso ad esempio dei test sul nostro DNA, oggi disponibili a chiunque anche on-line e al di fuori delle strutture mediche, che promettono di portarci alla scoperta delle nostre origini e di fornirci dati (di difficile interpretazione per chi non è 'addetto ai lavori') su eventuali predisposizioni a malattie. Inoltre, la diffusione mediatica di informazioni non affidabili, soprattutto in campo medico, ostacola spesso un proficuo dibattito pubblico. La mostra Genoma Umano sollecita il pubblico a riflettere sulla realtà e sui problemi di una scienza in continua evoluzione, mantenendo sempre viva l'attenzione su aspetti etici e promuovendo un approccio critico. (Comunicato stampa)

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Da Ribera a Luca Giordano
Caravaggeschi e altri pittori della Fondazione Roberto Longhi e della Fondazione Sicilia

termina il 10 giugno 2018
Villa Zito - Palermo

La Fondazione Sicilia presenta una mostra curata da Maria Cristina Bandera, direttrice scientifica della Fondazione Longhi, e dedicata ai pittori che hanno operato nell'Italia centromeridionale nel Seicento e nel primo Settecento e in particolare ai numerosi artisti che chiamiamo "caravaggeschi". La maggior parte delle opere esposte provengono dalla Fondazione di Studi di Storia dell'Arte Roberto Longhi, che custodisce il lascito di quello che è stato il più importante storico dell'arte italiano, oltre che uno straordinario collezionista. Alla pittura del Caravaggio e ai suoi seguaci Longhi ha dedicato una vita di studi, a partire dalla tesi di laurea dedicata al Merisi del 1911. Si trattò, a quella data, di una scelta pioneristica, tanto all'epoca il pittore era uno dei "meno conosciuti dell'arte italiana".

Longhi seppe da subito riconoscere la portata rivoluzionaria della pittura del Caravaggio, così da intenderlo come "il primo pittore dell'età moderna". Nella sua dimora fiorentina - villa Il Tasso - oggi sede della Fondazione che gli è intitolata, Longhi raccolse un numero notevole di opere dei maestri di tutte le epoche, che furono per lui occasione di ricerca e di studio. Tra queste il nucleo più importante e significativo è senza dubbio quello che comprende le opere dei pittori caravaggeschi, oltre al Ragazzo morso da un ramarro dello stesso Merisi (che vanta esposizioni internazionali di spicco e recentemente esposto a Milano alla rassegna "Dentro Caravaggio"), da lui acquistato nel 1928 e da cui ha tratto un magnifico disegno a carboncino, firmato e datato 1930.

Il disegno sarà esposto nella sezione introduttiva della mostra, che poi presenta più di 30 dipinti dei seguaci di Caravaggio e di altri artisti attivi nell'Italia del Sud, che offrono una efficace esemplificazione degli orientamenti e degli obiettivi promossi e stimolati dalle opere del Merisi e del significato storico della sua pittura. La mostra si apre infatti con il capolavoro di Valentin de Boulogne, la Negazione di Pietro, che rappresenta un eccezionale esempio della cosiddetta "manfrediana methodus", quella particolare declinazione del caravaggismo che è stata messa in opera da Bartolomeo Manfredi. La monumentale tela, recentemente esposta al Metropolitan Museum of Art di New York e al Museo del Louvre di Parigi, raffigura un soggetto caro a tutti i caravaggeschi: l'ambientazione della scena è infatti un preciso riferimento alla famosa Vocazione di San Matteo di Caravaggio, nella chiesa di San Luigi dei Francesi.

Tra i grandi capolavori del primo caravaggismo spicca inoltre una serie di cinque tele raffiguranti gli Apostoli, in origine parte di una serie completa, del giovane Jusepe de Ribera e la Deposizione di Cristo di Battistello Caracciolo. Nel David con la testa di Golia di Giovanni Lanfranco l'espressività caravaggesca si abbina felicemente alla poetica degli affetti. Inclinazione verso soggetti misteriosi e bizzarri dimostra la Vanità di Angelo Caroselli, una delle migliori opere dell'artista, con possibili significati alchemici. Nei due Paesaggi riferibili rispettivamente a Filippo Napoletano e a Viviano Codazzi si vedono le trasposizioni delle novità caravaggesche nel genere di paesaggio con un Bivacco notturno di grande effetto drammatico del primo artista e, del secondo, la Torre di san Vincenzo a Napoli (restaurata per l'occasione) contraddistinta da forti contrasti chiaroscurali.

Il profondo radicamento dell'esempio del Caravaggio nell'arte napoletana è attestato dal David di Andrea Vaccaro (anch'esso restaurato per l'occasione) e dal drammatico San Girolamo del Maestro dell'Emmaus di Pau. Diversamente, l'Assunzione della Vergine di Antonio De Bellis, contraddistinta dalla minuziosa preziosità della tecnica esecutiva, dimostra la tendenza verso uno schiarimento della tavolozza che si verifica nell'arte napoletana nei decenni centrali del Seicento. Nelle opere di Matthias Stom, a lungo attivo in Sicilia, si vede materializzarsi una perfetta sintesi tra la cultura nordica di partenza - legata al caravaggismo olandese - e la pittura italiana. Il percorso prosegue con due capolavori di Mattia Preti - l'artista che più di ogni altro pittore contribuì al mantenere fino alla fine del Seicento la vitalità della tradizione caravaggesca.

La mostra comprende inoltre due capolavori di Natura morta, particolarmente variegata e ricca nella pittura napoletana, per la prima volta esposti al pubblico - la scenografica Natura morta di pesci di Giovan Battista Recco e la più quotidiana Natura morta di Tommaso Realfonzo, firmata e datata 1737 dall'artista. Infine vengono presentati i capolavori della pittura di figura del Settecento appartenenti a due differenti correnti stilistiche - quella di pittura di respiro aulico, come Lucrezia e Cleopatra di Francesco Solimena e San Gaetano intercede per la cessazione della peste di Alessio D'Elia, e quella naturalistica esemplificata dall'irriverente Fantesca di Gaspare Traversi.

Nel percorso espositivo sono infine presentate quattro opere di alto valore artistico appartenenti alla Fondazione Sicilia. Si tratta di due grandi tele di Luca Giordano, artista che traghetta l'arte napoletana dal naturalismo di Ribera verso la pittura più chiara e leggera del Settecento, rappresentato da una drammatica Giuditta e da un monumentale quadro mitologico con Nettuno e Anfitrite. Altre due opere della Fondazione palermitana sono Cristo e la samaritana di Mattia Preti e Salomone e la regina di Saba di Francesco Solimena che si accostano alle tele degli stessi artisti presenti nella collezione Longhi. La mostra sarà accompagnata da un catalogo realizzato da Marsilio Editori che presenta tutte le opere esposte, corredate da una scheda e da una breve biografia degli artisti. Per la mostra sarà inoltre sviluppato un articolato progetto didattico, rivolto sia al mondo della scuola che alle famiglie, con visite animate e laboratori. (Comunicato stampa)

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Renato Guttuso
L'arte rivoluzionaria nel cinquantenario del '68

termina il 24 giugno 2018
GAM - Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea di Torino
www.gamtorino.it

Esposizione alla pittura di Renato Guttuso (Bagheria, Palermo 1911 - Roma 1987), presenza di forte rilievo nella storia dell'arte italiana del Novecento e figura nodale nel dibattito concernente i rapporti tra arte e società che, nel secondo dopoguerra, ha significativamente accompagnato un ampio tratto del suo cammino. Curata da Pier Giovanni Castagnoli, con la collaborazione degli Archivi Guttuso, la mostra raccoglie e presenta circa 60 opere provenienti da importanti musei e collezioni pubbliche e private europee. Primeggiano alcune delle più significative tele di soggetto politico e civile dipinte dall'artista lungo un arco di tempo che corre dalla fine degli anni Trenta alla metà degli anni Settanta.

Nell'ottobre del 1967, cinquantesimo anniversario della rivoluzione d'ottobre, Renato Guttuso scriveva su Rinascita, rivista politico-culturale del Partito Comunista Italiano, un articolo intitolato Avanguardie e Rivoluzione, nel quale il pittore riconosceva alla rivoluzione il titolo inconfutabile e meritorio di essere stata il fondamento di una nuova cultura, con la quale profondamente sentiva di identificarsi e che lo induceva a chiudere il suo scritto con l'esplicita professione di fede: "L'arte è umanesimo e il socialismo è umanesimo". Guttuso era stato, a partire dagli anni della fronda antifascista e tanto più nel secondo dopoguerra, un artista che, come pochi altri in Italia, si era dedicato con perseverante dedizione e ferma convinzione a ricercare una saldatura tra impegno politico e sociale ed esperienza creativa, nella persuasione che l'arte, nel suo caso la pittura, possa e debba svolgere una funzione civile e sia costitutivamente dotata di una valenza profondamente morale.

A poco più di cinquant'anni dalla pubblicazione dell'articolo e nella ricorrenza del cinquantenario del '68, la GAM di Torino si propone di riconsiderare il rapporto tra politica e cultura, attraverso una mostra dedicata all'esperienza dell'artista siciliano, raccogliendo alcune delle sue opere maggiori di soggetto politico e civile. A partire da un dipinto quale Fucilazione in campagna del 1938, ispirato alla fucilazione di Federico Garcia Lorca, che a buon diritto può essere assunto a incunabolo di una lunga e ininterrotta visitazione del tema delle lotte per la libertà, per giungere alla condanna della violenza nazista, nei disegni urlati e urticanti del Gott mit uns (1944) e successivamente, dopo i giorni tragici della guerra e della tirannia, alle intonazioni di una reinventata epica popolare risuonanti in opere nuove per stile e sentimento come: Marsigliese contadina, 1947 o Lotta di minatori francesi, 1948.

Un grande, ininterrotto racconto che approda, negli anni Sessanta a risultati di partecipe testimonianza militante, come in Vietnam (1965) o a espressioni di partecipe affettuosa vicinanza, come avviene, nel richiamo alle giornate del maggio parigino, con Giovani innamorati (1969) e più tardi, in chiusura della rassegna, a quel compianto denso di nostalgia che raffigura i Funerali di Togliatti (1972) e in cui si condensa la storia delle lotte e delle speranze di un popolo e le ragioni della militanza di un uomo e di un artista. "Nel secondo dopoguerra - afferma Carolyn Christov-Bakargiev Direttore della GAM - negli ambienti della cultura di sinistra si discuteva tra avanguardia formalista e realismo figurativo. Ci si chiedeva quale fosse più rivoluzionaria e quale più reazionaria. Oggi, paradossalmente, nell'era della realtà aumentata e della virtualità, la pittura di Guttuso può sembrarci tanto reale e materica quanto il mondo che stiamo perdendo".

A fronte dell'antologia di tali dipinti e in dialogo con essi, la mostra offre anche un repertorio variegato di opere di differente soggetto. Quadri tutti coevi ai tempi di esecuzione dei dipinti di ispirazione politica e sociale, selezionati con il proposito di offrire indiscutibile prova dei traguardi di alta qualità formale conquistati da Guttuso nell'esercizio di una pittura che - afferma il curatore Pier Giovanni Castagnoli - "per comodità, potremmo chiamare pura, con l'intendimento di saggiare, attraverso il confronto dei diversi orizzonti immaginativi, l'intensità dei risultati raggiunti su entrambi i versanti ideativi su cui si è esercitato il suo impegno di pittore e poter consegnare infine all'esposizione, pur nel primato assegnato al cardine tematico su cui la mostra si incerniera, un profilo ampiamente rappresentativo della ricchezza dei registri espressivi presenti nel ricchissimo catalogo della sua opera e della poliedrica versatilità del suo estro creativo". La mostra è accompagnata da un catalogo, edito da Silvana Editoriale, con saggi di Pier Giovanni Castagnoli, Elena Volpato, Fabio Belloni, Carolyn Christov-Bakargiev e un'antologia di scritti di Renato Guttuso. (Comunicato stampa)

«Per noi l'arte non può essere antiumana, nel nostro presente, anzi, cerchiamo di cogliere i fermenti opposti a tanto rassegnato pragmatismo». Renato Guttuso

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Museo Navigante

Il Museo Navigante è una iniziativa promossa dal Mu.MA - Galata di Genova, dal Museo della Marineria di Cesenatico, dall'associazione La Nave di Carta della Spezia e dall'Associazione Musei Marittimi del Mediterraneo, che ha riunito musei pubblici e privati per valorizzare il patrimonio culturale marittimo italiano. Il Polo Museale della Calabria, guidato da Angela Acordon, ha aderito all'iniziativa con il Museo Archeologico dell'antica Kaulon, diretto da Rossella Agostino e con il Museo Archeologico Nazionale di Capo Colonna - Crotone, diretto da Gregorio Aversa.

Il percorso espositivo del Museo archeologico dell'antica Kaulon - Monasterace (Reggio Calabria) illustra la storia della colonia magno-greca di Kaulonia dall'età di fondazione, ad opera dei crotoniati, fino ad età ellenistico-romana ed ospita anche reperti subacquei tra cui, ancore e resti di colonne lavorate da aree limitrofe all'odierno Museo situato a poca distanza dalla costa nei pressi di Punta Stilo caratterizzata dalla presenza del Faro. L'esposizione presenta per alcuni settori parziali ricostruzioni di edifici abitativi e sacri finalizzate ad una migliore lettura da parte del pubblico.

Le Collezioni più importanti sono: rocchi di colonne in marmo anche lavorate rinvenute nelle acque antistanti il sito dell'antica città di Kaulonia; Tetto tempio del Colle della Passoliera di età greca caratterizzato da una ricca policromia; Collezione numismatica e fra i "pezzi" più significativi si segnalano: manufatti bronzei, tra cui specchi, elementi di armature ed una interessante iscrizione votiva in lingua achea dall'area del tempio dorico; Mosaico pavimentale policromo con la raffigurazione di drago di età ellenistica dall'abitato.

Il Museo Archeologico Nazionale di Capo Colonna - Crotone è suddiviso in tre sezioni principali dedicate la prima ("Terra") ai resti dell'insediamento sorto sul promontorio in età romana, la seconda ("Sacro") al santuario di età greca sviluppatosi sullo stesso luogo e, infine, una terza ("Mare") destinata ad illustrare le problematiche dell'archeologia subacquea, espone una parte del carico di marmi trasportati dalla nave naufragata presso Punta Scifo e databile al III sec.d.C., oltre ad altre suppellettili rinvenute durante lo scavo del relitto e oggetti prelevati da altri contesti sottomarini. Terrecotte architettoniche, vasi a figure nere, vasetti miniaturistici, bronzetti figurati attestanti la frequentazione del santuario greco e appartenenti al cd. Tesoro di Hera, formano le collezioni più importanti. Fra i pezzi di maggior pregio si ricordano: frammenti in marmo pario appartenenti alla decorazione del grande tempio di ordine dorico di cui, nell'attiguo Parco Archeologico, si conserva parte del basamento ed una colonna in blocchi tufacei. (Comunicato stampa)

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Monaco, Vienna, Trieste, Roma
Il Primo Novecento al Revoltella

termina lo 02 settembre 2018
Civico Museo Revoltella - Trieste
www.museorevoltella.it

E' un continuo dialogo tra il dentro e il fuori quello che si può ammirare al quinto piano della Galleria d'Arte Moderna del Museo "Revoltella". Il "dentro" è rappresentato dalle fondamentali proposte di artisti triestini e giuliani. Il "fuori" è offerto dalla superba collezione di artisti italiani, e non solo, patrimonio del Museo. Il titolo dell'esposizione - "Monaco, Vienna - Trieste - Roma" - richiama l'influenza di Monaco di Baviera e di Vienna su Trieste, negli anni in cui il capoluogo giuliano apparteneva all'Impero d'Austria-Ungheria, e l'interscambio - parallelo e successivo - tra gli artisti della città e del territorio e l'Italia.

Il percorso, ideato da Susanna Gregorat, conservatore del "Revoltella", si sviluppa su sette sezioni, a documentare questi flussi e queste influenze, dagli anni delle Secessioni a quelli del "ritorno all'ordine", coprendo una storia che dagli albori del Novecento si inoltra nel "secolo lungo", sino a lambire il secondo conflitto mondiale. L'esposizione prende il via dalle opere realizzate nei primi anni del Novecento dai più prestigiosi e noti artisti triestini e giuliani. Ricorrono i nomi di Eugenio Scomparini, Glauco Cambon, Arturo Rietti, Adolfo Levier, Argio Orell, Vito Timmel, Guido Marussig, Antonio Camaur, Alfonso Canciani, Piero Lucano, Guido Grimani, Gino Parin, e ancora Carlo Sbisà, Arturo Nathan, Leonor Fini, Giorgio Carmelich, Vittorio Bolaffio, Edgardo Sambo, Marcello Mascherini.

Sono dipinti, sculture e grafica fortemente condizionati dal clima secessionista d'Oltralpe monacense e viennese. Sperimentato, in molti casi, attraverso la formazione veneziana e il clima internazionale delle Biennali, ma soprattutto frutto della formazione alle Accademie di Belle Arti di Monaco di Baviera e di Vienna. Una sezione monografica è riservata all'arte pittorica e grafica di Federico Pollack, più noto a Trieste come Gino Parin, contraddistinta da uno stile del tutto originale e maturata in ambito europeo e britannico.

Il percorso introduce poi il visitatore nella duplice sezione dedicata all'arte italiana degli anni Venti e Trenta, caratterizzata dal recupero della tradizione artistica italiana (il cosiddetto 'ritorno all'ordine' di sarfattiana memoria). Qui si ammirano i capolavori patrimonio del Museo: i dipinti di Felice Casorati, Carlo Carrà, Mario Sironi, Guido Cadorin e Felice Carena, in ambito nazionale. E, a livello territoriale, le autorevoli opere di Piero Marussig, Carlo Sbisà, Edgardo Sambo, Oscar Hermann Lamb, Edmondo Passauro, Mario Lannes, Eligio Finazzer Flori, Alfonso Canciani. La sezione successiva indaga lo stretto rapporto umano e artistico instauratosi tra i triestini Arturo Nathan, Carlo Sbisà e Leonor Fini, non disgiunto dall'interazione, pur limitata nel tempo, con un grande artista avanguardista quale fu Giorgio Carmelich, prematuramente scomparso a soli ventidue anni. Segue la sezione dedicata alla figura del pittore goriziano Vittorio Bolaffio, artista dalla personalità tormentata, fortemente legato a Trieste e al triestino Umberto Saba, nel cui particolare lirismo si rispecchiò.

A concludere il percorso è la inedita sezione riservata alla Secessione romana, rievocata dai dipinti di alcuni protagonisti di quella stagione particolare che, sviluppatasi tra il 1913 e il 1916, vide a confronto numerosi artisti di diversa provenienza geografica e formazione artistica, in una visione moderatamente avanguardistica, ma molto ben definita. Qui, opere di artisti italiani quali Armando Spadini, Plinio Nomellini, Giovanni Romagnoli, Felice Carena, Lorenzo Viani si affiancano ad artisti territorialmente più vicini, quali Teodoro Wolf-Ferrari, Virgilio Guidi, lo scultore Ceconi di Montececon e, ancora, il triestino Edgardo Sambo che nel suo sorprendente dipinto Macchie di sole del 1911 riecheggiò mirabilmente quella fervida e oramai lontana esperienza del secessionismo italiano.

"Questa mostra - osserva Laura Carlini Fanfogna, Direttore dei Civici Musei di Trieste - evidenzia, ancora una volta, la ricchezza delle Collezioni d'arte del "Revoltella", Museo fondamentale per qualsiasi indagine sul Novecento italiano. Qui troviamo, com'è opportuno che sia, una documentazione puntuale e organica dell'arte giuliana. Ma qui si conservano e ammirano anche capolavori tra i maggiori del secolo, degli artisti italiani e non solo. Come questa esposizione attentamente mette in luce". (Comunicato stampa Studio Esseci)

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Capolavori a confronto
Bellini / Mantegna
Presentazione di Gesù al Tempio

termina lo 01 luglio 2018
Fondazione Querini Stampalia - Venezia
www.querinistampalia.org

Affascinante, per un profano, cercare le differenze tra le due "Presentazioni di Gesù al Tempio" eccezionalmente affiancate nella raffinata mostra proposta dalla Fondazione Querini Stampalia, a Venezia. Due capolavori assoluti della storia universale dell'arte, l'uno di mano di Giovanni Bellini, di Andrea Mantegna il secondo. Ad un primo sguardo sembrano del tutto eguali, eppure si capisce che le due opere-specchio hanno "personalità diversissime". Ma chi fu l'inventore della meravigliosa composizione? Bellini, veneziano, e Mantegna, padovano del contado, si conobbero certamente, dato che quest'ultimo sposò la sorellastra del primo. Ma sarebbe sbagliato - chiarisce Giovanni Carlo Federico Villa, co-curatore dell'esposizione, immaginarli l'uno accanto all'altro intenti nel dipingere questo medesimo soggetto. Certo il cartone, la cui realizzazione richiedeva un enorme virtuosismo artistico, "stregò l'uno e l'altro, ma un lasso di tempo non piccolo, una decina di anni, separa i due capolavori". Che, sia pure a distanza, si sia trattato di una gara alla massima eccellenza, lo si evince dalla qualità assoluta delle due opere. E' un caso probabilmente irripetibile quello che consente, per la prima volta nella storia dell'arte, di ammirare l'una a fianco dell'altra.

"E' l'effetto - sottolinea Marigusta Lazzari, che dell'istituzione veneziana è il Direttore - di una di quelle alchimie che di tanto in tanto si verificano nella storia. Nel nostro caso, l'impossibile è diventato possibile nel dipanarsi della complessa trattativa che ci ha portato a concedere il prestito del nostro Bellini alla grande mostra su Andrea Mantegna e Giovanni Bellini, che il 1 ottobre 2018 aprirà alla National Gallery di Londra per poi trasferirsi alla Gemäldegalerie di Berlino il 1 marzo 2019. Il raffronto tra le due 'Presentazioni al Tempio' è uno dei cardini di queste mostre. (...)".

Per accogliere questo magico confronto, la Querini Stampalia ha mobilitato l'architetto Mario Botta per l'allestimento e sta predisponendo un innovativo sistema illuminotecnico. Non solo: accanto a queste due inarrivabili "vedettes" in Querini saranno esposte le opere coeve patrimonio del museo veneziano. E il visitatore sarà poi invitato, con lo stesso biglietto a scoprire, o riscoprire, gli infiniti tesori della Querini Stampalia, una casa-museo tra le più importanti al mondo. Sala dopo sala, negli storici ambienti, si avrà l'emozione di entrare nell'universo di una delle più potenti e illustri Famiglie veneziane: ammirare le celebri opere d'arte, i preziosi arredi, patrimonio della Famiglia e pervenuti alla Fondazione nel 1869, poco meno di 150 anni fa, a seguito dell'importante lascito. E' un mondo di storia, cultura, meraviglia quello che attende i visitatori in Querini, in un'atmosfera unica com'è quella della Venezia autentica. (Comunicato Studio Esseci)

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La Collezione Roberto Casamonti
termina il 10 marzo 2019
Palazzo Bartolini Salimbeni - Firenze
www.collezionecasamonti.com

Dal mese di marzo 2018 Firenze avrà un nuovo luogo dedicato all'arte moderna e contemporanea. L'antica dimora - attentamente restaurata - accoglierà la selezione delle opere che Roberto Casamonti, nella sua lunga attività nel mondo dell'arte, ha raccolto per costituire il corpus principale della propria Collezione. I dipinti e le sculture esposte sono il frutto di anni di appassionate ricerche che danno vita ad un assieme in grado di rappresentare l'eccezionale evoluzione storico artistica che attraversa per intero il XX secolo.

"La Collezione, con le sue dotazioni in permanenza, si appresta a qualificarsi - sottolinea il critico Bruno Corà - come una delle maggiori raccolte d'arte moderna e contemporanea aperte al pubblico esistenti in Italia. La scelta di offrire questa sua Collezione a fiorentini e turisti - evidenzia ancora il curatore scientifico della Collezione - si esprime come un autentico gesto mecenatizio (...) l'atto di riconoscenza di un cultore appassionato d'arte, per la città che lo ha seguito nel corso della sua attività professionale e della sua stessa vita". Per precisa scelta dell'Associazione Culturale, appositamente costituita per gestire e animare questo nuovo spazio culturale, il pubblico potrà ammirare le opere esposte accedendovi gratuitamente, su semplice prenotazione.

La Collezione di opere d'arte italiane e straniere si articola in due grandi nuclei: il primo considera opere di artisti agli esordi del Novecento e sino ai primi anni Sessanta, il secondo, dal 1960 ai nostri giorni. In Palazzo Bartolini Salimbeni, la Collezione sarà proposta per sezioni. Il primo nucleo, dal 24 marzo 2018 e sino alla primavera del '19 e, a seguire, il secondo. Al primo appartengono capolavori di Fattori, Boldini, Balla, Viani, Sironi, Severini, Marini, Morandi, de Chirico, Savinio, Prampolini, Casorati, Magnelli, Licini, Picasso, Leger, Soutine, Klee, Chagall, Ernst, Kandinsky, Hartung, Fautrier, Matta, Lam, Dorazio, Accardi, Afro, Vedova, Capogrossi, Burri, Klein, Fontana, Castellani, Manzoni, Lo Savio e numerosi altri. La direzione è stata affidata a Sonia Zampini, storica dell'arte e da anni collaboratrice della galleria Tornabuoni Arte. (Estratto da comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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San Teonisto
Il ritorno dei dipinti trafugati da Napoleone

Chiesa di San Teonisto - Treviso
www.fbsr.it

Ritorno in San Teonisto, antica chiesa trevigiana, di 19 delle 22 opere pittoriche che erano patrimonio dell'edificio monastico sino alla sottrazione napoleonica del 1810. Quando, per effetto dei decreti napoleonici, il monastero benedettino di San Teonisto, nel cuore di Treviso, venne demanializzato, le opere d'arte che monastero e chiesa conservavano vennero confiscate. Finirono dapprima a Parigi, per andare poi a Milano, dove furono distribuite tra Brera e Castello Sforzesco, una fu in seguito destinata a Roma, altre rientrarono a Treviso, al locale Museo Civico. L'odissea delle opere rientrate "a casa" non era finita. Dal museo trevigiano, che ne era diventato proprietario, le tele furono riposizionate nell'originario luogo di culto.

Ma, durante la Seconda guerra mondiale, nel 1944, la chiesa, come gran parte della città, venne colpita da un terribile bombardamento alleato. Recuperati dalle macerie, i dipinti furono trasferiti al Museo Civico che li ha custoditi fino a oggi. Ora tornano sui muri per i quali erano stati dipinti, restituiti nella loro originaria bellezza da un accurato intervento di restauro di cui si è fatta carico la Fondazione Benetton, che consentirà alla cittadinanza di godere nuovamente di queste importanti opere pittoriche. Le grandi tele furono commissionate nel corso del Seicento dalle monache benedettine che avevano eretto il convento e la chiesa di San Teonisto a illustri pittori dell'epoca quali Jacopo Lauro, Carletto Caliari, Matteo Ingoli, Bartolomeo Scaligero, Pietro della Vecchia, Ascanio Spineda, Alessandro Varotari detto il Padovanino, Matteo Ponzone, Paolo Veronese e Antonio Fumiani.

A rendere possibile l'evento del loro rientro, per molti versi storico, è il completo restauro di San Teonisto, voluto e finanziato da Luciano Benetton, che ha riconsegnato alla città un importante patrimonio storico per lo svolgimento di attività culturali. Il complesso intervento di recupero dell'edificio, iniziato alla fine del 2014 e affidato alla cura e alla creatività dell'architetto Tobia Scarpa nel solco del suo fertile sodalizio con il Gruppo Benetton, ha restituito un'architettura rinnovata, ma capace di raccontare i segni del passato di luogo consacrato, poi gravemente danneggiato dai bombardamenti del 1944 e spogliato dei suoi arredi, e infine dimenticato.

Successivamente sconsacrato e adibito a usi diversi, l'edificio è stato gestito dal Comune di Treviso fino all'acquisizione, nel 2010, da parte di Luciano Benetton che successivamente l'ha donato alla Fondazione Benetton Studi Ricerche per farne un luogo di cultura in grado di ospitare eventi di respiro internazionale. Ora, grazie a un accordo trentennale tra il Comune di Treviso e la Fondazione Benetton, i muri di San Teonisto ritrovano il loro patrimonio d'arte che potrà nuovamente essere ammirato dal pubblico nella cornice originaria. Nel rendere concreto l'ambizioso progetto di ricollocazione ha avuto parte decisiva anche la Soprintendenza Archeologia, Belle Arti e Paesaggio per l'area metropolitana di Venezia e le province di Belluno, Padova e Treviso.

I dipinti inizialmente sottratti a San Teonisto erano 22, taluni di grandissime dimensioni. A tornare sono oggi "solo" 19 di essi, anzi 18 perché una delle pale d'altare, "Le nozze di Santa Caterina" del Lazzarini, inserita nelle esposizioni stabili della Pinacoteca Civica, resta nelle sale dei Musei Trevigiani. In sostituzione di essa, dalla Pinacoteca giunge però la pala della "Madonna del Rosario e i santi Domenico e Rosa" di Jacopo Lauro. Una sostituzione per nulla casuale. Questa pala, infatti, era già stata collocata in San Teonisto allorché un dipinto della stessa chiesa, il "Martirio di Santa Giuliana" era finito al Castello Sforzesco di Milano, dove ancora è conservato. All'appello mancano ora tre capolavori. Oltre al già citato "Martirio di Santa Giuliana" di Jacopo Lauro, ora di proprietà dello Sforzesco, la pala dell'altare maggiore di Jacopo Palma "Martirio dei Santi Teonisto, Tabra e Tabrata" (1603) finita nella chiesa di Brusuglio, poi danneggiata da un incendio e trasferita nella Galleria di Brera per essere restaurata. La terza delle opere mancanti, "Le Nozze di Cana" di Paolo Veronese e bottega (1580), è custodita nella Sala Gialla di Palazzo Montecitorio.

«La famiglia Benetton ha restituito dignità a questa antichissima chiesa e ha voluto affidarla alla nostra Fondazione perché la faccia vivere» commenta Marco Tamaro, direttore della Fondazione Benetton. «La restituzione a San Teonisto delle sue opere, da parte del Comune di Treviso, è un atto di amore e responsabilità che completa quello del signor Luciano che di questa chiesa abbandonata ha voluto farsi carico. In un momento così importante non posso nascondere un sogno» continua Tamaro «che anche il gioiello maggiore di San Teonisto torni a casa. Mi riferisco alla lunetta di Paolo Veronese raffigurante "Le Nozze di Cana", oggi "esiliata" a Montecitorio, sede della Camera dei deputati. Quella tela è entrata nelle collezioni di Brera per decreto di Napoleone Bonaparte, finendone confinata nei depositi.

Successivamente è stata concessa a Roma per ornare le pareti di un luogo di passaggio e di incontro in Montecitorio. Credo che oggi ci siano le condizioni culturali e strutturali perché questo nostro capolavoro torni a casa. Naturalmente, ferma la "proprietà" che su di esso, da oltre due secoli, ha diritto di vantare il Museo di Brera. Così come mi auguro possa gradualmente avvenire anche per il Palma che da tempo resta a Brera in attesa di restauro, sempre che non venga destinato alla chiesa milanese che lo aveva temporaneamente ospitato, e per il "Martirio" di proprietà del Castello Sforzesco». (...) In occasione del rientro delle opere in San Teonisto, la Fondazione organizza alcuni momenti pubblici per riscoprire quest'ingente patrimonio artistico. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Mario Merz Prize
Termine di partecipazione: 31 maggio 2018
www.mariomerzprize.org

E' aperto il bando della terza edizione del Premio biennale, per individuare e segnalare, attraverso la competenza di una fitta rete internazionale di esperti, personalità nel campo dell'arte e della musica. Alla competizione possono partecipare, per la sezione arte, artisti segnalati da curatori, direttori di museo, critici, galleristi o altri membri di associazioni culturali, e per la sezione musica, compositori indicati da istituzioni musicali, interpreti, critici e personalità del mondo della musica. I compositori e gli artisti non possono nominare loro stessi. I cinque artisti finalisti saranno protagonisti di una mostra collettiva, mentre i cinque compositori finalisti presenteranno un brano da eseguire in un concerto. La giuria di preselezione sarà svelata a bando concluso. In una fase successiva una giuria internazionale insieme al voto del pubblico sceglierà i vincitori. (Comunicato stampa)

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The call for application of the Mario Merz Prize third edition is open. The Prize, awarded biennially, has been created to spotlight significant talents in the fields of art and music, through the competence of an extensive international network of experts. The application deadline is May 31, 2018. Eligible to take part in the competition are: for the Art section, artists nominated by curators, museum directors, critics, gallerists, or by other members of cultural associations; and for the Music section, composers nominated by music institutions, performers, critics, or music professionals. Artists and composers cannot nominate themselves. Shortlisted artists will take part in a group exhibition, while the five composers selected for the Music section will present their score at the finalists' concert. Members of the pre-selection jury will be announced once this call is closed. In a following phase, an international jury, together with the public vote, will select the winners. (Comunicato stampa)

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Teodoro Wolf Ferrari. La modernità del paesaggio
termina il 24 giugno 2018
Palazzo Sarcinelli - Conegliano (Treviso)
www.mostrawolfferrari.it

Una inedita riflessione dedicata al pittore veneziano Teodoro Wolf Ferrari (Venezia, 1878 - San Zenone degli Ezzelini, 1945). La rassegna, curata da Giandomenico Romanelli con Franca Lugato, promossa dal Comune di Conegliano e da Civita Tre Venezie, si pone di indagare alcuni aspetti fondamentali, ma meno conosciuti, della storia dell'arte italiana, facendo luce sulla figura emblematica e ancora da approfondire di Wolf Ferrari. In mostra verrà presentata un'accurata selezione di oltre 60 opere, sapientemente individuate presso collezioni private, gallerie, dimore di appassionati e intenditori, dove la produzione dell'artista si E' principalmente concentrata, diffondendosi in un territorio nel quale non mancano rinvenimenti di qualità e nuove scoperte. Sarà, così, possibile entrare nell'atelier di questo "poeta del paesaggio" e contemplare attraverso dipinti, acquarelli, pannelli decorativi, vetrate, studi per cartoline, riuniti assieme per la prima volta, le colline che vanno da Asolo a Conegliano fino alle alture del Grappa o i più cupi e inquietanti scenari che raccolgono un profondo sentimento del mistero.

Prove che dichiarano l'amore per il paesaggio, le sperimentazioni e l'eterogeneità di tecniche proprie di Wolf Ferrari, il quale ha saputo far confluire a Venezia e in Italia all'alba del Novecento le moderne istanze secessioniste europee. Il percorso espositivo ripercorre l'intera vicenda artistica di Wolf Ferrari con una linea tematica che abbraccia vari momenti ed esperienze, dall'affaccio sulle tendenze mitteleuropee con un'affascinante sezione dedicata al tema della "tempesta", tra cui Paesaggio Notturno, Bufera, Notte, Danza macabra, alle novità artistiche veneziane fino alle delicate passeggiate autunnali dal Grappa al Piave. Il dialogo con un ristretto ma significativo nucleo di opere di artisti contemporanei del pittore (quali Otto Vermehren, Mario De Maria, Mariano Fortuny, Gino Rossi, Ugo Valeri) diviene importante e necessario per stabilire alcune connessioni e qualche comunanza di percorso con l'itinerario artistico di Teodoro.

Dopo la formazione presso l'Accademia di Belle Arti veneziana sotto la guida di Guglielmo Ciardi, Wolf Ferrari studia a Monaco, dove nel 1895 entra in contatto con alcuni degli ambienti simbolisti e secessionisti più avanzati e cosmopoliti del momento. Sono anni attraversati da un cambiamento e un'innovazione febbrili, nel corso dei quali la rappresentazione della natura, fonte di straordinaria ispirazione, diviene anzitutto espressione di un paesaggio interiore e soggettivo, luogo primigenio dell'anima. E' a questo contesto che l'autore attinge per costruire il suo universo poietico tramite le influenze di artisti quali Böcklin, Von Stuck, Klinger, Kandinskji che lasceranno un segno inconfondibile nella sua pittura. Sensibile alle novità che giungono dal mondo bretone e sintetista, Teodoro aderisce anche al gruppo Die Scholle ("la zolla"), animato dalla genialità dell'amico Leo Putz.

Sono queste le atmosfere e i principi che l'artista trasferisce nella città lagunare, apportando nuova linfa agli stili ed entrando in contatto con il gruppo degli artisti di Ca' Pesaro, che, sotto la regia di Nino Barbantini, rivoluzionano l'arte veneziana e italiana. Nel 1912 Wolf Ferrari partecipa alla mostra di Ca'Pesaro, avvicinandosi a Gino Rossi, Ugo Valeri, Arturo Martini, Tullio Garbarti, Umberto Moggioli e costituisce il movimento l'Aratro, con l'intento di creare un "ambiente armonico", dove le arti applicate assumono un ruolo di prim'ordine. Un'occasione rara per conoscere e (ri)scoprire un autore più noto agli specialisti che al vastopubblico, il quale non ha solo raffigurato con grazia la natura, ma ha anche raccontato la trasformazione dell'arte italiana tra XIX e XX secolo. Accompagna la mostra un catalogo edito da Marsilio Editori. (Comunicato ufficio stampa Civita Tre Venezie)

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L'Amsterdam Museum presenta i suoi capolavori del XVII secolo restaurati

L'Amsterdam Museum è attualmente impegnato nel restauro di uno dei suoi capolavori, I Capi della Guardia Civica (1653) di Bartholomeus van der Helst (ca.1613 - 1670), che sarà l'opera di punta della mostra in prestito a TEFAF Maastricht 2018, nella sezione TEFAF Paper. Per la prima volta i visitatori della Fiera potranno non solo ammirare i risultati del restauro, ma anche comparare gli oggetti raffigurati nel dipinto con esempi originali di argenteria del XVI secolo - una situazione unica per l'arte olandese. TEFAF Maastricht, la Fiera di arte figurativa e antiquariato più importante del mondo, ha avuto luogo dal 10 al 18 marzo 2018 al MECC (Maastricht Exhibition and Congress Centre) di Maastricht, Paesi Bassi.

Il ritratto di gruppo raffigura diverse personalità di spicco: l'ex borgomastro Jan van de Poll (1597-1678), il mastro birraio Albert Dircksz Pater (1602-1659) e il celebre cartografo ed editore Joan Willemsz Blaeu (1598-1673). Insieme, erano i custodi della Guardia Civica, e della sua collezione di ritratti di gruppo e reperti storici. I personaggi sono raffigurati seduti a un tavolo, mentre sulla destra i loro figli allenano le proprie doti di arcieri. I quattro uomini del dipinto sono circondati di preziosa argenteria; sullo sfondo, una credenza appare colma di tazze, tazzine e cucchiai; sulla sinistra Banninck Cock regge un calice finemente decorato, e i suoi colleghi mostrano il collare e il bastone della Guardia, coronato da decorazioni a forma di uccelli. Sullo sfondo, la moglie del locandiere presenta il corno potorio sul suo piede d'argento, sempre appartenente alla Guardia. La presenza di questi oggetti preziosi sul tavolo richiama l'illustre storia della Guardia Civica di quegli anni, sottolineando il buon governo delle personalità raffigurate nel dipinto.

Oltre che per il suo pittore, uno dei più grandi ritrattisti del Secolo d'oro olandese, per la fama dei suoi protagonisti e per l'apprezzata prospettiva sott'in su, questo ritratto di gruppo si distingue poiché raffigura tre oggetti d'arte tuttora esistenti. Il collare, il bastone e il corno potorio finemente decorati, appartenenti alla collezione della Guardia Civica, non erano solo valorizzati dai capi del 1653, ma possono ancora essere ammirati dai visitatori dell'Amsterdam Museum, poiché appartengono al Comune di Amsterdam. Capolavori in argento del genere, provenienti dal XVI secolo, sono una rarità in qualsiasi collezione pubblica o privata dato che in molti casi venivano modificati sulla base dei gusti delle varie epoche oppure addirittura fusi. L'esistenza di oggetti di tale valore, raffigurati in un dipinto di così alta qualità, è un fatto più che eccezionale.

Il capolavoro di Van der Helst sarà circondato da altri cinque ritratti di gruppo che sono stati restaurati da poco. Insieme testimoniano il successo e la qualità della ritrattistica di gruppo ad Amsterdam durante il Secolo d'oro. Due di questi dipinti, entrambi restaurati nel 2017, sono di Ferdinand Bol (1616-1680) e raffigurano i governatori e le governatrici dell'Asilo dei Lebbrosi di Amsterdam. Al momento fanno parte della mostra sull'artista dell'Amsterdam Museum. Un altro ritratto di gruppo di Van der Helst, I Capi degli Archibugieri della Guardia Civica, restaurato nel 2011, dopo un prestito per cinque anni alla National Gallery of Art di Washington sarà esposto per la prima volta dal suo ritorno nei Paesi Bassi. Le ultime opere sono due Lezioni di Anatomia, una di Aert Pietersz (1550-1612), l'altra di Adriaen Backer (1635-1684), restaurate in collaborazione con le istituzioni che negli anni le hanno prese in prestito per le proprie mostre. Dal 2016 l'opera di Backer ha fatto parte della mostra permanente di ritratti del Secolo d'oro dell'Hermitage Amsterdam, che vanta un'incredibile collezione di ritratti di gruppo ambientati ad Amsterdam. Queste sono le quattro opere che completeranno la mostra in prestito a TEFAF Maastricht. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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"Ritratto" attribuito a Giorgione
Opera rientrata in Italia e poco conosciuta
www.letramedigiorgione.it

Danila Dal Pos, curatrice della imminente mostra "Le trame di Giorgione" (Castelfranco Veneto, Casa di Giorgione, dal 27 ottobre al 4 marzo), annuncia l'inserimento in mostra di un'opera che sicuramente farà discutere. "E' patrimonio di una importante collezione veneziana - annuncia la curatrice - ed è rientrata in Italia dopo essere stata in collezioni francesi e americane. Pur presente e citata in vari vecchi cataloghi e monografie su Giorgione, pochi hanno avuto modo di ammirarla in una mostra". "Sono convinta che questa mostra possa offrire -sottolinea la curatrice- l'occasione ideale per un confronto tra esperti di Giorgione e dell'arte veneta del primo Cinquecento, per giungere ad un serio approfondimento su questo dipinto che la tradizione attribuisce al Maestro di Castelfranco".

Si tratta di un prezioso, piccolo olio (cm.26,5x21,4) su cui, da tempo, gli studiosi si interrogano. Il quesito riguarda naturalmente la reale paternità del Ritratto di giovane, soggetto della tavoletta. Giorgione? Un artista della sua cerchia, Tiziano? Nessuno di questi? Per la mostra castellana, Augusto Gentili, che di Giorgione è uno dei maggiori studiosi, ha esaminato quest'opera, riservandole un particolare e curioso saggio in catalogo: potrebbe trattarsi di un lavoro giovanile di Giorgione, diremmo oggi di un Giorgione ancora alla ricerca della sua strada. Andando a ritroso nella storia di questo prezioso dipinto, Gentili risale agli anni '30 del secolo scorso, quando il Ritratto era presente in una importante collezione privata parigina. Già allora gli esperti si interrogavano su chi ne fosse l'autore e il nome di Giorgione venne più volte avanzato.

Retrocesso a prodotto "di cerchia" nelle monografie giorgionesche di Richter (1937) e Morassi (1942), il ritratto è infine esposto a Venezia alla mostra Giorgione e i giorgioneschi nel 1955. In catalogo, il curatore Zampetti ricorda i precedenti, pubblica una riproduzione - peraltro assai poco leggibile - dopo "il recente restauro" (affermando che questo "ha molto avvantaggiato la possibilità di riconoscere le buone qualità del dipinto") e informa che la tavoletta è ormai in collezione privata a New York. Il tutto senza sbilanciarsi nel giudizio e nell'attribuzione. "Quel che viene dopo - sottolinea Gentili - è ripetizione del già detto o già scritto, o memoria della mostra veneziana: anche perché a questo punto il Ritratto si eclissa per quasi mezzo secolo prima di ricomparire a sorpresa in laguna.

Gentili si spinge ad affermare che "l'incerto e spaurito ritratto potrebbe essere di Giorgione sui primissimi anni del Cinquecento: del Giorgione sperimentale, inventivo e innovativo di testa, ma ancora incerto e spaurito di mano, che qualsiasi catalogo dei possibili esordi accredita di una decina di opere drammaticamente diverse l'una dall'altra, e nessuna sicura più dell'altra". Si tratterebbe dunque dell'opera di un giovane Giorgione, teso a sperimentare e risperimentare per trovare la sua cifra stilistica: siamo probabilmente di fronte al punto di partenza di un percorso che avrà come traguardo il Ritratto Giustinian di Berlino. "Certezze assolute non ce ne sono ancora - spiega Danila Dal Pos - ma quest'opera si colloca a livelli molto alti e poterla finalmente ammirare da vicino, come si potrà fare in Casa di Giorgione, è un'occasione da non perdere". (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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A Jesi un nuovo Museo: il Museo Federico II Stupor Mundi
Museo multimediale per rivivere la storia che ha cambiato la Storia
www.federicosecondostupormundi.it

Nello storico Palazzo Ghislieri a Jesi, la città che ha dato i natali a Federico II di Svevia, inaugurato l'1 luglio il primo grande museo a lui dedicato, che riprende l'appellativo con cui veniva chiamato l'imperatore dai suoi contemporanei per affermare la sua inesauribile curiosità intellettuale. Il progetto è nato dalla volontà dell'imprenditore e presidente della Fondazione Federico II Stupor Mundi, Gennaro Pieralisi, di dedicare al grande Imperatore un luogo che potesse ripercorrerne la vita straordinaria, raccontare le sue imprese sia in politica che in cultura, e diffondere la conoscenza degli edifici, palazzi, castelli e vestigia, ancora conservati in Italia e in Europa.

Il Museo è stato realizzato con fondi privati e il contributo di Fondazione Marche in collaborazione con il Comune di Jesi, la Fondazione Cassa di Risparmio di Jesi, la Fondazione Federico II Hohenstaufen, la Fondazione Pergolesi Spontini e la Regione Marche. La curatela scientifica è stata affidata a Anna Laura Trombetti Budriesi, docente di Storia medievale all'Università degli Studi di Bologna, coadiuvata da Laura Pasquini e Tommaso Duranti, ricercatori presso il Dipartimento di Storia Culture Civiltà dello stesso ateneo. L'allestimento museografico è stato realizzato dalla società Volume S.r.L di Milano, capofila per questo progetto di un team di aziende quali Euphon, Studio'80, Castagna-Ravelli e Sydonia Production.

Il Museo Federico II Stupor Mundi sorge in una posizione unica al mondo: la stessa piazza dove il 26 dicembre 1194 Costanza d'Altavilla, sotto una tenda in mezzo al popolo, diede alla luce Federico II Hohenstaufen, futuro Re di Germania e di Sicilia e Imperatore del Sacro Romano Impero. Il ricordo della città natale rimase vivo nella memoria dell'Imperatore Svevo, come mostra la lettera inviata agli abitanti di Jesi nell'agosto 1239, nella quale la descrive come "nobile città della Marca, insigne principio della nostra vita, terra ove la nostra culla assurse a particolare splendore" e la definisce "la nostra Betlemme". La nascita di Federico II nella città marchigiana, ed i privilegi ad essa concessi dai suoi eredi, è alla base dell'antica definizione di "Jesi Città Regia".

Federico II di Hohenstaufen non fu solo un grande politico e condottiero, ma anche un personaggio di rara intelligenza, un fine intellettuale e studioso capace di anticipare i tempi. Si circondò di poeti eccelsi, con cui fondò la Scuola Poetica Siciliana, alla base della nascita della letteratura italiana; i suoi interessi per il sapere e la ricerca comprendevano anche i campi della medicina, dell'astronomia e della matematica, fu uomo di potere e uomo di cultura. Sedici sale tematiche, disposte su tre piani, che attraverso accurate ricostruzioni scenografiche e tridimensionali, installazioni multimediali e l'utilizzo di tecnologie di ultima generazione, come il video mapping e supporti touch-screen, costituiranno un vero e proprio viaggio immersivo e multisensoriale alla scoperta di Federico II di Svevia: la nascita e la storia dei suoi antenati; l'incoronazione come Imperatore nella medievale Basilica di San Pietro; il suo rapporto con i papi e la Chiesa; la Crociata in Terrasanta; le mogli e la discendenza; la sua passione per la falconeria (fu autore di un prezioso trattato ancora oggi attuale e modernissimo); il suo sconfinato interesse per le arti, le scienze e il sapere, che hanno contribuito a creare l'immagine di un mito che, per la prima volta, viene racchiusa in un unico luogo. (Comunicato ufficio stampa Flaminia Casucci)

Prima del nuovo numero di Kritik... / Iniziative culturali

Articoli di Ninni Radicini su festival del cinema in Grecia e Cipro

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Conferenza: "L'Italia in orbita: la tecnologia del Bel Paese nello spazio"
12 giugno 2018, alle 19.15 (ingresso gratuito per i soci della Dante - 7€ per i non soci)
Società Dante Alighieri - Berlino
www.danteberlin.com

L'offerta divulgativa della Società Dante Alighieri si allarga al settore tecnologico. Esponenti delle maggiori agenzie e programmi spaziali nazionali racconteranno il ruolo dell'Italia nelle missioni spaziali. (Estratto da comunicato stampa)

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Premio Amidei - Premio Internazionale alla Migliore Sceneggiatura
37esima edizione, Gorizia, 12-18 luglio 2018
Palazzo del Cinema - Hiša Filma | Parco Coronini Cronberg

Organizzato dal Comune di Gorizia - Assessorato alla Cultura, Associazione culturale "Sergio Amidei", Dams - Discipline dell'audiovisivo, dei media e dello spettacolo, Corso interateneo Università degli Studi di Udine e Trieste in collaborazione con l'Associazione Palazzo del Cinema-Hiša Filma, il Premio Amidei si distingue per la grande capacità di raccontare l'evoluzione della sceneggiatura promuovendo il dialogo tra grandi autori, sceneggiatori, accademici, amanti e curiosi del cinema. Fin dalla sua prima edizione la manifestazione si è posta l'obiettivo di approfondire il ruolo della sceneggiatura per accompagnare il pubblico in un continuo percorso di esplorazione nella vastità delle forme di scrittura per il cinema, la televisione e il web. Proprio la sceneggiatura, attraverso uno strutturato e armonico intreccio narrativo, assume un ruolo dominante nel raccontare realtà, nuove prospettive e mutamenti che stimolano lo spettatore a intraprendere un processo identitario.

Anche l'edizione 2018 promette un'interessante e ragionata proposta culturale dove il Premio alla migliore sceneggiatura "Sergio Amidei" - attribuito alla sceneggiatura che più si distingue per originalità e capacità di sperimentare nuove formule narrative, oltre che per l'attenzione alla realtà sociale e ai temi emergenti del mondo contemporaneo - vedrà in concorso 7 film di produzione italiana ed europea scelti tra quelli usciti nelle sale durante la stagione cinematografica 2017-18. La giuria del Premio è composta da Marco Risi, Massimo Gaudioso, Francesco Bruni, Giovanna Ralli, Silvia D'Amico, Doriana Leondeff e a partire da questa edizione anche da Francesco Munzi, regista e sceneggiatore romano. Oltre alla sezione cardine dedicata al Premio alla migliore sceneggiatura, il Premio Amidei sarà ancora una volta articolato in numerosi riconoscimenti che celebrano i modi, le forme, le invenzioni stilistiche e discorsive dello scrivere per il cinema attraverso proiezioni diurne e serali, incontri e momenti di dialogo con l'autore accessibili gratuitamente. (Comunicato stampa)

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Fumo di Londra (di Alberto Sordi, 1966)
Edizione integrale e restaurata

25 maggio 2018, ore 21.00
Teatro Morlacchi di Perugia

Il Centro Sperimentale di Cinematografia - Cineteca Nazionale, depositario del Fondo Sordi e dei materiali del film, ha promosso, insieme alla Fondazione Museo Alberto Sordi, il restauro e la digitalizzazione di Fumo di Londra (1966), diretto e interpretato da Alberto Sordi. Sordi vi interpreta un elegante e colto antiquario di Perugia, innamorato degli ambienti e delle atmosfere di una Londra più immaginaria che reale. Fumo di Londra è la prima regia di Alberto Sordi. Assieme a Polvere di stelle, è sicuramente il suo miglior film da autore a 360 gradi ed è uno dei lavori ai quali era maggiormente legato. Racconta un amore per la cultura, la società e la musica britanniche che in quello stesso 1966 veniva ribadito da Blow Up di Antonioni, e che due anni dopo avrebbe dato vita a La ragazza con la pistola di Monicelli. Testimonia anche la dimensione cosmopolita dell'uomo Sordi, un artista aperto e suggestioni internazionali e tutt'altro che ripiegato su un'identità esclusivamente italiana e "romana". Dalle diverse versioni della pellicola è stata ricostruita l'opera originale integrale di 130', ricomponendo spezzoni a suo tempo separati dallo stesso Sordi. La lavorazione è stata realizzata presso il Laboratorio Augustus Color di Roma che ha realizzato anche un making of, documentando le operazioni del restauro in 4k. (Comunicato stampa)

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Iniziative alla Biblioteca Statale Stelio Crise di Trieste

.. 24 maggio, ore 16.30
Le storiche dell'arte Rossella Scopas Sommer, Segretariato regionale del Friuli Venezia Giulia e Claudia Crosera, Soprintendenza Archeologia, belle arti e paesaggio del Friuli Venezia Giulia terranno una conferenza dal titolo Caffè e pasticcerie a Trieste tra Otto e Novecento: storia e tutela. Verranno ricordati i principali locali a Trieste destinati a caffè sotto la lente della ricerca storica ai fini della conservazione e della tradizione. La manifestazione rientra nel ciclo di iniziative culturali proposte dalla Società di Minerva di Trieste.

.. 25 maggio, ore 17.00
Il Giardino della Biblioteca ospiterà un incontro informale dedicato alla lettura e alla riflessione sulle poesie di France Prešeren, condotto da Elena Cerkvenic. (Comunicato stampa)

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Magna Graecia Film Festival
XVa edizione, Catanzaro, 28 luglio - 05 agosto 2018
www.magnagraeciafilmfestival.it

Kermesse cinematografica ideata e diretta da Gianvito Casadonte e dedicata alle opere prime e seconde. Proiezioni, dibattiti, live musicali, presentazioni di libri ed eventi collaterali animeranno il festival, che avrà numerosi ospiti, nel cuore della Magna Graecia, nella suggestiva location del porto marinaro di Catanzaro. L'edizione 2018 avrà come ospite d'onore il regista statunitense Oliver Stone. Classe 1946, regista, sceneggiatore, produttore cinematografico e attore, Oliver Stone ha diretto oltre venti film, vincendo tre Premi Oscar - due come Miglior regista, per Platoon e Nato il quattro luglio e una per la Miglior sceneggiatura non originale, per Fuga di mezzanotte. Ha inoltre vinto quattro Golden Globe, l'Orso d'Argento per la Miglior regia al Festival di Berlino per Platoon, il Leone d'Argento - Gran Premio della Giuria alla Mostra del Cinema di Venezia, due Directors Guild of America Award, un Premio BAFTA e due Independent Spirit Awards.(Comunicato stampa Reggi&Spizzichino Communication)

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Omaggio all'Espressionismo
www.filmfestivaldelgarda.it

Il Filmfestival del Garda 2018 e il Cinema di Vestone propongono un omaggio all'Espressionismo con i Restauri della Cineteca di Bologna, presentando i capolavori: 

- Nosferatu il Vampiro, di Friedrich Wilhelm Murnau
- Il gabinetto del Dottor Caligari, di Robert Wiene
- Metropolis di Fritz Lang. (Proiezione, presso la Sala Rigoni Stern, il 25 maggio, ore 21.00)

.. 27 maggio, ore 21.00, sonorizzazione al  pianoforte, eseguita dal Maestro Gerardo Chimini, di Nosferatu il Vampiro, a cui seguirà la proiezione di Il gabinetto del Dottor Caligari, di Robert Wiene. (Comunicato stampa)

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Biblioteca Trieste Contemporanea
www.triestecontemporanea.it

Inizia l'attività della nuova Biblioteca Trieste Contemporanea, specializzata in arte contemporanea con particolare riferimento ai paesi dell'Europa centro orientale, e intitolata a Franco Jesurun, professionista del teatro e fondatore dell'Associazione Culturale L'Officina, dello Studio Tommaseo - Istituto per la documentazione e diffusione delle arti e di Trieste Contemporanea. Il patrimonio librario, di circa 8000 volumi in corso di catalogazione, racconta i 20 anni di attività del Comitato Trieste Contemporanea che, attraverso collaborazioni e scambi a livello internazionale, ha permesso di raccogliere libri di straordinario interesse nell'ambito dell'arte e della cultura contemporanea del Centro Est Europa, dagli anni Novanta ad oggi.

Le raccolte della Biblioteca, che partecipa al Servizio Bibliotecario Nazionale SBN e fa parte del Polo TSA del Friuli Venezia Giulia, sono suddivise in nove Sezioni e comprendono opere di storia dell'arte dei secoli XX e XXI, design, fotografia, fumetti, cinema, critica ed estetica, monografie di artisti, cataloghi di musei, di esposizioni e di manifestazioni. Sono presenti anche opere riguardanti teatro, musica, letteratura. La consultazione è aperta a tutti, con prestito, ricerche bibliografiche, e servizio di  prestito interbibliotecario. Il catalogo è consultabile on-line sull'OPAC del Servizio Bibliotecario Nazionale e su BiblioEst. Nell'occasione Dubravka Cherubini presenterà il volume Breda's Lesson, edito da Trieste Contemporanea e Juliet Editrice nell'aprile 2018, che raccoglie gli atti del primo simposio internazionale dedicato nel 2017 all'artista e filmmaker Breda Beban. (Comunicato stampa)

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Mostre su Trieste

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Un Castello all'Orizzonte
7a edizione, 06 maggio - 13 ottobre 2018
Castello di Postignano (Perugia)

Il festival propone concerti di musica classica, jazz, contemporanea - reading - incontri con scrittori - mostre di fotografia, scultura e pittura - proiezioni di film documentario. Tutte le iniziative sono ad ingresso gratuito. L'evento clou del programma di quest'anno sarà il minifestival di musica da camera "Tra Luce e Sogno" organizzato da Mari Kodama Nagano e Bita Razeghi Cattelan, che si terrà da 26 luglio al 29 luglio, con la partecipazione degli artisti Pavel Vernikov, Andrey Baranov, Svetlana Makarov, Grazia Raimondi, Hartmut Rohde, Eivind Holtsmark Ringstad, Luigi Piovano, Matt Haimovitz, Pascal Moragues, Clara Bellegarde, Christian Gerhaher, Mari Kodama, Momo Kodama, Gerold Huber. Eseguiranno musiche di Prokof'ev, Haydn, Beethoven, Šostakovic, Mendelssohn, Benjamin, Ravel, Bruch, F.Poulenc, Debussy, Messiaen, Verdi, Schumann, Bach/Busoni, W.F.Bach, Bach/Kurtag, Hindemith, Britten, Bartók, Brahms.

L'anniversario schubertiano (1797-1828) sarà celebrato con due altri concerti eseguiti dal Trio Ars et Labor e Marco Albrizio. Sempre per la musica classica saranno ospitati Sergio Lattes, Mariano Bellopede, Carmine Marigliano, Christian De Luca, Giuseppe Guarrera. Per il jazz e la musica contemporanea si esibiranno Maurizio Marrani, Graziano Brufani, Nicola Polidori, Michela Musco, Alfredina De Vincenzi, Alessandro Musco, Manuel Magrini, Roberto Gatti. Alla fotografia, scultura e pittura saranno dedicate quattro mostre: Paolo Valerio, Stone heart Broken heart Love Cages and Surroundings; Virginia Ryan, I Will Shield You - 2015-2018; Flavia Amabile, I contadini volanti (e altri eroi); Franco Passalacqua, Metafisica della natura.

Gli scrittori che presenteranno i loro libri sono: Giulia Sissa, "La Gelosia. Una passione inconfessabile" - Patrizia Magli, "Il volto raccontato. Ritratto e autoritratto in letteratura"- Lamberto Gentili, "Un diamante per le zitelle" - Giuseppe Bearzi, "Fiabe d'Acqua" - Loredana De Pace, "Tutto per una ragione. Dieci riflessioni sulla fotografia" - Pasquale Scialò, "Storia della canzone Napoletana 1824-1931 Volume I" - Teresa Severini Zaganelli, "Il Museo del Vino Lungarotti a Torgiano" - Virginia Virilli e Margherita Vicario, Reading "Le ossa del Gabibbo". Saranno proiettati due film documentario: di Pappi Corsicato, "L'arte viva di Julian Schnabel" - di Franco Passalacqua, "La valle incantata" I pittori Plenaristi nella valle del Nera".

Castello di Postignano, in Umbria, frazione del Comune di Sellano (PG), fu abbandonato negli anni '60 ed è tornato a vivere grazie ad una attenta opera di restauro durata molti anni. Il Castello fu fondato tra il IX e X secolo lungo una importante strada che collegava Spoleto, Foligno, Norcia e Assisi, ha forma di triangolo, con torre di avvistamento in alto e mura che circondano le abitazioni costruite sul declivio di una collina, da cui il nome di "castello". La prima chiesa fu dedicata a San Primiano, il cui culto era diffuso in Valnerina, dal IX secolo d.c.. Nel 1333 la chiesa fu ridedicata a San Lorenzo e, successivamente, alla SS. Annunziata. Fu conteso da Foligno e Spoleto e prese parte alle guerre tra guelfi e ghibellini.

Soprattutto tra il XIV e il XV secolo, il borgo ebbe una fiorente economia basata su agricoltura, attività forestali, artigianato del ferro e canapa. A partire dal XVI secolo la sua popolazione cominciò a diminuire; nel corso del '900 vi fu una consistente emigrazione. Nel 1966, a seguito di un piccolo cedimento del terreno, le famiglie furono evacuate. L'abbandono provocò il deterioramento del borgo, aggravato dal sisma del 1997. "Castello di Postignano è l'archetipo dei borghi collinari italiani", così è stato definito dall'architetto americano Norman F. Carver Jr, tanto da riprodurre le imponenti case-torri del borgo, aggettanti l'una sull'altra, nella copertina del suo libro fotografico "Italian Hilltowns" pubblicato nel 1979. (Estratto da comunicato ufficio stampa Patrizia Cavalletti Comunicazione)

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Immagine della copertina del profilo di Nidia Robba, scrittrice e poetessa di Trieste

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Aperte le iscrizioni al Rome Independent Film Festival
Edizione XVII, 16-23 novembre 2018
Nuovo Cinema Aquila di Roma
www.riff.it

Termine di partecipazione: 30 giugno 2018

Il RIFF offre ai filmmakers di tutto il mondo l'occasione per presentare in Italia film originali in anteprima. In particolare, la sezione New Frontiers, che già da otto anni raccoglie e presenta opere prime e seconde, dà specifico rilievo alla produzione italiana e sarà occasione di incontro e scoperta di nuovi talenti cinematografici. Il festival, inoltre, prosegue nella mission di far conoscere e distribuire le pellicole in gara. Per i vincitori, infatti, è prevista una programmazione dedicata presso il Nuovo Cinema Aquila di Roma. Le opere selezionate per il concorso saranno oltre 150. Nell'edizione 2017 sono state inviate al Festival oltre duemila tra pellicole, file e DVD, provenienti da più di 50 paesi. Le sezioni in concorsosono 7: Feature Films (lungometraggio italiano e internazionale / opere prime e seconde); Documentary Films (italiano e internazionale); Short Films (italiano e internazionale); International Student Films (scuole di cinema); Animation (animazione); Screenplays & Subject (sceneggiature & soggetti); Il programma del RIFF 2018 sarà arricchito da retrospettive e seminari che affronteranno vari aspetti della cinematografia indie. (Comunicato stampa)

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Oltreconfine
www.goethe.de/italia/oltreconfine

Cosa sappiamo della vita che ci si lascia alle spalle in fuga da una guerra? Cosa conosciamo di chi decide di mollare tutto, casa, amici e affetti per arrivare in un luogo in cui ogni cosa è estranea, ostile? Da oggi è online una Webserie in sei episodi girata tra i Balcani, la Germania e l'Italia, in cui sei giovani registi raccontano sei storie di partenze, viaggi e arrivi oltreconfine. La serie è stata prodotta dal Goethe-Institut in Italia che ha selezionato le idee di tre studenti della dffb (Deutsche Film- und Fernsehakademie) di Berlino e tre del Centro Sperimentale di Cinematografia di Palermo. I film sono stati scritti e girati grazie alla collaborazione di due tutor autorevoli, Andres Veiel a Berlino e Stefano Savona a Palermo, entrambi registi e documentaristi premiati nell'ambito di prestigiosi festival.

Le sei storie sono l'occasione per entrare nelle vite di altrettanti protagonisti che, per motivi e in momenti storici diversi tra loro, hanno attraversato i confini del proprio paese e della propria vita. Le sei storie sono Houzayfa's Items di Carlotta Berti, Virginia Nardelli e Alessandro Drudi, Mangoes grow in Winter di Benedetta Valabrega e Claudia Mastroroberto, Filthy Maddening Race di Luca Capponi e Alessandro Drudi, 175 km di Borbála Nagy, Historia Magistra Vitae di Tamara Erbe e Sans Sommeil di Sarah Yona Zweig. (Comunicato Ufficio Stampa e Relazioni Esterne Goethe-Institut Rom)

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Il Paese dei Festival
I Festival come motori culturali sul territorio italiano

Al Goethe-Institut Palermo un incontro dei festival culturali italiani
www.goethe.de/palermo

I rappresentanti di otto festival culturali italiani si sono dati appuntamento a Palermo. Motivo dell'incontro un invito del Goethe-Institut, che ha promosso un progetto d'eccellenza creato ad hoc proprio per loro. Si tratta di "Il Paese dei Festival", un percorso finalizzato a mettere a confronto chi si occupa di festival culturali nel Sud della penisola, ovvero creare un momento di scambio e approfondimento attraverso tre incontri, di cui il primo si è appena concluso e i prossimi due si terranno nel 2018. "Obiettivo del progetto - spiega Heidi Sciacchitano, direttrice del Goethe-Institut Palermo - è quello di proporre ai partecipanti di affrontare un percorso comune di training professionale che stimolerà i direttori e i rappresentanti di otto festival a sperimentare un metodo di gestione coerente, sostenibile, internazionale e di alta qualità. In ciò ci avvarremo della consulenza e preparazione nella formazione di esperti e professionisti del settore, tra cui la Fondazione Fitzcarraldo di Torino."

Nell'incontro appena tenuto, i rappresentanti dei festival hanno affrontato in tre giorni di workshop il tema della progettazione culturale tra territori e sostenibilità. Al Goethe-Institut di Palermo sono arrivati gli organizzatori di:

.. Cufù Festival (Castrofilippo - Agrigento)
.. Eruzioni Festival (Ercolano - Napoli)
.. Festival della Letteratura Mediterranea (Lucera - Foggia)
.. La Digestion (Napoli)
.. L'Isola delle Storie, Festival letterario di Gavoi (Gavoi - Nuoro)
.. MainOFF, Congresso delle musiche e delle arti elettroniche indipendenti (Palermo)
.. Sicilia Queer Filmfest (Palermo)
.. Valdemone Festival (Pollina - Palermo)

"Sono stati giorni intensi e meravigliosi per il nostro Festival - scrive su Facebook Maria Del Vecchio, direttrice organizzativa del Festival della Letteratura Mediterranea di Lucera (Foggia). Abbiamo condiviso progetti, visioni, sorrisi, problemi, fatiche e ancora sorrisi. Il confronto è motivo certo di crescita e motore di scelta. Esiste un esercito di persone che crede che la cultura possa mutare le sorti dei nostri territori, del nostro Sud. Lontano dalla retorica e dalle lamentele: fare e costruire, edificare, progettare con passione. Condividere questa scelta, che a volte ci sembra una dannazione, ci fa sentire più forti, più convinti e felici."

A guidare gli incontri è stata la Fondazione Fitzcarraldo, un centro indipendente che svolge attività di progettazione, ricerca, formazione e documentazione sul management, l'economia e le politiche della cultura, delle arti e dei media. Gli esiti degli incontri e dei workshop saranno resi pubblici dal Goethe-Institut attraverso una pubblicazione bilingue italiana e tedesca, che sarà realizzata e messa a disposizione di altri festival e soggetti interessati. I prossimi incontri si terranno a marzo 2018 con analisi dei pubblici e strategie di audience development, e settembre 2018 con strategie di fundraising. Il Paese dei Festival - I Festival come motori culturali sul territorio italiano gode del patrocinio della Città di Palermo - Assessorato alla Cultura, e della Regione Sicilia - Assessorato al Turismo, Sport e Spettacolo - Ufficio Speciale Sicilia Film Commission / Ufficio Speciale per il Cinema e l'Audiovisivo. (Comunicato stampa - novembre 2017)

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"La memoria dell'altro"
Proiezione della versione restaurata

Nella cornice della mostra veneziana dedicata a Lyda Borelli, primadonna del Novecento (01 settembre - 15 novembre 2017), allestita a Palazzo Cini a cura di Maria Ida Biggi, direttrice dell'Istituto per il Teatro e il Melodramma, la proiezione, il 10 novembre presso l'Aula Magna dell'Ateneo Veneto, di La memoria dell'altro (1913), opera rara ed emblematicamente rappresentativa del temperamento e dell'arte della grande diva. Il film è stato restaurato per l'occasione dal CSC - Cineteca Nazionale in collaborazione con l'Istituto per il Teatro e il Melodramma - Fondazione Giorgio Cini e con il sostegno degli eredi di Lyda Borelli.

La proiezione sarà accompagnata da musica dal vivo a cura della pianista Cinzia Gangarella e sarà preceduta da una conferenza introduttiva, con interventi di Maria Ida Biggi, direttrice dell'Istituto per il Teatro e il Melodramma, Daniela Currò, conservatrice della Cineteca Nazionale della Fondazione Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma, e Angela Dalle Vacche, docente di Storia del Cinema presso il Georgia Institute of Technology di Atlanta. Il film ripropone il sodalizio di Lyda Borelli con Mario Bonnard e Vittorio Rossi Pianelli, rispettivamente nei ruoli dell'amante tragico e dell'innamorato respinto, già sperimentata con grande successo in Ma l'amor mio non muore! realizzato sempre nel 1913 dalla Film Artistica "Gloria", per la regia di Mario Caserini, film canonico del genere "diva film" italiano.

La memoria dell'altro è un dramma passionale e tragico, che si incentra sul personaggio emancipato e anticonformista di Lyda, aviatrice acclamata, guidatrice di automobile, danzatrice formidabile, ma anche donna appassionata e sensuale, fatalmente travolta da un sentimento che la conduce all'estremo delle sue possibilità e della sua volontà. Sono memorabili i voli aerei, preceduti dalla preparazione meticolosa dell'aviatrice e e seguiti da un pubblico festante; altrettanto notevoli sono gli esterni veneziani, su cui il racconto indugia, facendo muovere i protagonisti tra magnifici scenari, tra arrivi spettacolari in vaporetto, approdi in gondola e passeggiate da Grand Tour in Piazza San Marco.

La memoria dell'altro

Regia di Alberto Degli Abbati, 1913, 79';
Produzione: Film Artistica "Gloria", Torino;
Visto censura: n. 2084 del 24 dicembre 1913;
Lunghezza originale: 1650/2000 metri (sei parti);
Soggetto: baronessa De Rege;
Fotografia: Angelo Scalenghe;
Personaggi e interpreti: Mario Bonnard (Mario Alberti), Lyda Borelli (l'aviatrice Lyda), Felice Metellio (il giornalista), Letizia Quaranta (Cesarina), Emilio Petacci, Vittorio Rossi Pianelli (il principe di Sèvre).

Sinossi: La bella aviatrice Lyda respinge l'assidua corte del principe di Sèvre e s'innamora del giornalista Mario Alberti che, nonostante sia fidanzato con Cesarina, accetta l'invito di Lyda a raggiungerla a casa sua. Insospettita, Cesarina segue Mario e lo sorprende in una scena d'amore con la giovane. Approfittando di una breve assenza di Lyda, Cesarina riesce a sottrarre alla rivale Mario, convincendolo a lasciarla. Abbandonata, Lyda si concede all'amore del principe di Sèvre. Ma la donna non riesce a dimenticare Mario. Qualche tempo dopo, mentre la coppia si trova a Venezia, Lyda rincontra Mario in un teatro: colti dalla passione riaccesa, i due fuggono a Parigi per vivere il loro amore. Ma la felicità viene troppo presto guastata da una malattia che costringe Mario a letto per lunghi mesi. La miseria spinge Lyda a cercare aiuto: lo trova presso un gruppo di apaches generosi che rimangono conquistati nel vederla danzare. Il ritorno a casa però è amaro: Mario è morto. Disperata, anche Lyda si ammala e muore in una triste corsia d'ospedale dopo aver richiamato per l'ultima volta alla memoria l'immagine del suo amato Mario. (dalla scheda di Marco Grifo in Enciclopedia del Cinema in Piemonte)

Il film è stato restaurato a partire da un duplicato negativo safety b/n con didascalie italiane conservato dal CSC - Cineteca Nazionale, stampato nel 1977 da una copia nitrato d'epoca, attualmente non più conservata. Ad oggi questo duplicato costituisce l'unico testimone del film, con l'unica eccezione di un frammento di circa 200 metri conservato dalla Filmoteca Española di Madrid, un positivo nitrato con didascalie spagnole e colorazioni per imbibizione, relativo al finale del film. Rispetto a una lunghezza originale che le filmografie moderne ricostruiscono tra i 1650 e i 2000 metri, corrispondenti a una suddivisione in sei parti, il duplicato italiano ha una lunghezza di 1484 metri: risulta quindi incompleto, oltre che in gran parte privo dell'originaria suddivisione in atti (con eccezione della didascalia che introduce il I Atto).

Tuttavia le lacune, concentrate entro la prima metà del film, non incidono particolarmente nella comprensione generale della trama. Il duplicato negativo d'archivio è stato digitalizzato a risoluzione 2k e sono stati eseguiti interventi di stabilizzazione e di restauro digitale dell'immagine, con la rimozione dei difetti più evidenti, rimasti "fotografati" sul duplicato dalla copia nitrato originale, come righe, macchie, spuntinature, strappi. Si è cercato di non eccedere con l'intervento di pulizia mantenendolo entro i limiti della giusta fruibilità, tenendo conto del fatto che, in ogni caso, il materiale di partenza è rappresentato da un duplicato di tarda generazione.

Sulla base di questo stesso criterio è stata eseguita la color correction, con la finalità di uniformare il tono fotografico, scegliendo di mantenere il bianco e nero del duplicato negativo di partenza, senza tentare una restituzione delle colorazioni originarie. Si è ritenuto, infatti, che il campione di confronto rappresentato dal frammento della Filmoteca Española non fosse sufficientemente rappresentativo per una ricostruzione per congettura delle colorazioni dell'intero film. Le lavorazioni sono state eseguite interamente a cura del CSC - Cineteca Nazionale nell'estate - autunno 2017. (Comunicato Susanna Zirizzotti - Ufficio Stampa, Comunicazione, Editoria Centro Sperimentale di Cinematografia (Scuola Nazionale di Cinema - Cineteca Nazionale))

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FeliCittà
Un ritratto acustico di Palermo

www.goethe.de/felicitta

Se la felicità ha un suono, qual è? Qual è il suono o il rumore di Palermo che rende felici? Il duo artistico Katharina Bihler e Stefan Scheib raccontano Palermo attraverso i suoi suoni e le testimonianze dei suoi cittadini, per scoprire che uno degli elementi fondamentali della sua felicità è la musica. I podcast sono ascoltabili online. Il duo Liquid Penguin, ovvero Katharina Bihler e Stefan Scheib, hanno ricercato lo scorso anno i suoni della felicità in Italia, Paese nel quale da sempre i tedeschi immaginano che la felicità sia di casa. Voci e musica, il vivace rumoreggiare di una città, il silenzio, la tranquillità, ma soprattutto il mare, sono le fonti di felicità più ricorrenti che i Liquid Penguin hanno trovato a Trieste, Roma, Napoli e Palermo durante il loro "Viaggio in Italia" nell'ambito del progetto "Felicittà" del Goethe-Institut Italien.

Il ritratto di Palermo è ora online sul sito del Goethe-Institut. Su è possibile ascoltare, preferibilmente in cuffia, i 70 podcast realizzati a partire da quasi 100 ore di registrazioni. Il capoluogo siciliano viene raccontato attraverso le orecchie di artisti e personalità importanti che hanno svelato i luoghi che per loro rappresentano la felicità. L'ensemble Liquid Penguin, composto dalla autrice Katharina Bihler e dal compositore Stefan Scheib, lavora dal 1996 nel campo di musica contemporanea, arte sonora e radiodrammi. Per le loro opere gli artisti hanno ricevuto numerosi premi come il "Deutscher Hörspielpreis", il premio per il miglior radiodramma e altri. (Comunicato stampa)

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«In bocca al lupo»
Racconto di Sasha Marianna Salzmann ispirato alla città di Palermo

"Hausbesuch - Ospiti a casa", progetto del Goethe-Institut, ha portato la scrittrice, curatrice e drammaturga tedesca Sasha Marianna Salzmann a Palermo, ospite in casa dei palermitani. Da questa esperienza è nato il racconto ispirato al capoluogo siciliano In bocca al lupo.

Sasha Marianna Salzmann (Volgograd - ex Unione Sovietica, 1985) attualmente è autrice in residenza del teatro Maxim Gorki di Berlino, ben noto per le sue messe in scena dedicate alla post-migrazione. La sua pièce teatrale Muttermale Fenster blau ha vinto nel 2012 il Kleist Förderpreis. Nel 2013 il premio del pubblico delle Giornate Teatrali di Mülheim (Mülheimer Theatertage) è stato assegnato all'opera teatrale Muttersprache Mameloschn che affronta tre generazioni di tedeschi ebrei. Sasha Marianna Salzmann è famosa per i suoi ritratti umoristici dedicati a tematiche politiche. Il suo racconto In bocca al lupo è stato scritto durante il suo soggiorno nel capoluogo siciliano nel luglio 2016 per il progetto "Hausbesuch - Ospiti a casa" del Goethe-Institut. Tradotto in cinque lingue, farà parte di un e-book che uscirà in primavera e che il Goethe-Institut presenterà alla Fiera del Libro di Lipsia. (Comunicato Goethe-Institut Palermo)

Racconto scaricabile alla pagina seguente

Pagina dedicata al soggiorno palermitano di Sasha Marianna Salzmann, con videointervista

"7 domande a Sasha Marianna Salzmann e Tucké Royale"

Informazioni sul progetto "Ospiti a casa" e sugli altri "ospiti"

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"Giallo Kubrick": Le Ultime Cento Ore

Alla Biblioteca "Luigi Chiarini" del Centro Sperimentale di Cinematografia a Roma è conservata una sceneggiatura dattiloscritta del 1964 intitolata Le Ultime Cento Ore, attribuita a Stanley Kubrick, della quale non esiste traccia in nessuna monografia, filmografia, studio. Si tratta di una copia di deposito legale catalogata nei primi anni '90. Il primo a sollevare dei dubbi sull'autenticità del copione fu Tullio Kezich nel 1999 sollevando un gran polverone sulla stampa nazionale, quello che venne definito il "giallo Kubrick" rimase irrisolto fino ad oggi. Grazie alla passione di uno studioso kubrickiano, Filippo Ulivieri, che non si è accontentato di come la questione fosse stata accantonata. Sono state ricostruite le vicende e individuati gli autori, finalmente Filippo Ulivieri ha reso noto il resoconto e come sono stati risolti i relativi misteri del "giallo Kubrick". (Comunicato Susanna Zirizzotti - Ufficio Comunicazione/stampa e archivio storico Centro Sperimentale di Cinematografia-Scuola Nazionale di Cinema)

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"Basta muoversi di più in bicicletta per ridurre la CO2"
Nuovo studio dell'European Cyclists' Federation sulle potenzialità della mobilità ciclistica nelle politiche UE di riduzione delle emissioni di gas climalteranti entro il 2050

Le elevate riduzioni delle emissioni dei gas serra previste dalla UE sono sotto esame: quest'anno i progressi e i risultati effettivi sembrano non raggiungere gli obiettivi fissati dalla stessa Unione Europea. Recenti rapporti sulle tendenze nel settore dei trasporti europei mostrano che la UE non riuscirà a ottenere la riduzione delle emissioni dei mezzi di trasporto del 60% tra il 1990 e il 2050 affidandosi alla sola tecnologia. Un interessante approccio all'argomento è messo in luce da un recente studio effettuato dall'European Cyclists' Federation (ECF), che ha quantificato il risparmio di emissioni delle due ruote rispetto ad altri mezzi di trasporto.

Anche tenendo conto della produzione, della manutenzione e del carburante del ciclista, le emissioni prodotte dalle biciclette sono oltre 10 volte inferiori a quelle derivanti dalle autovetture. Confrontando automobili, autobus, biciclette elettriche e biciclette normali, l'ECF ha studiato che l'uso più diffuso della bicicletta può aiutare la UE a raggiungere gli obiettivi di riduzione dei gas serra nel settore trasporti, previsti entro il 2050. Secondo lo studio, se i cittadini della UE dovessero utilizzare la bicicletta tanto quanto i Danesi nel corso del 2000, (una media di 2,6km al giorno), la UE conseguirebbe più di un quarto delle riduzioni delle emissioni previste per il comparto mobilità.

"Basta percorrere in bici 5 km al giorno, invece che con mezzi a motore, per raggiungere il 50% degli obiettivi proposti in materia di riduzione delle emissioni", osserva l'autore Benoit Blondel, dell'Ufficio ECF per l'ambiente e le politiche della salute. Che aggiunge: "Il potenziale di raggiungimento di tali obiettivi per le biciclette è enorme con uno sforzo economico assolutamente esiguo: mettere sui pedali un maggior numero di persone è molto meno costoso che mettere su strada flotte di auto elettriche". Lo studio ha altresì ribadito la recente valutazione da parte dell'Agenzia europea dell'ambiente, secondo la quale i soli miglioramenti tecnologici e l'efficienza dei carburanti non consentiranno alla UE di raggiungere il proprio obiettivo di ridurre del 60% le emissioni provenienti dai trasporti. (Estratto da comunicato stampa FIAB - Federazione Italiana Amici della Bicicletta)

Prima del nuovo numero di Kritik... / Libri

Prefazioni e recensioni di Ninni Radicini

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Presentazione libri da Comunicato case editrici / autori

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Il passato non passa mai - Tutte le guerre sono bugiarde
di Michele De Ruggieri, ed. Europa Edizioni, 162 pagine, euro 13,90

E' la guerra che si dovrebbe raccontare nelle scuole, al di là di date, vittorie e sconfitte, quella raccontata nel romanzo di Michele De Ruggieri. La presentazione è organizzata in collaborazione con il Polo Museale della Basilicata. Il Circolo La Scaletta ha concesso il patrocinio. Interverrà l'autore che dialogherà con la giornalista Sissi Ruggi. Michele De Ruggieri racconta con una prosa schietta e molto curata una storia che prende avvio nel settembre 1916 con il protagonista che viene chiamato alle armi. Fra la famiglia che tenta senza riuscirvi di non farlo mandare al fronte, la guerra di trincea e la prigionia, sin dalle prime pagine e confermando il titolo il romanzo è una chiara condanna della guerra. La penna di Michele De Ruggieri sceglie di raccontare tutto questo attraverso un'attenta ricostruzione storica e i sentimenti. Dalla paura di essere uccisi alla lotta per la sopravvivenza nel campo di concentramento, dove la fame cambia la gerarchia dei valori. Basta una lettera da casa, che fa intravedere la vita, e le lacrime che accompagnano la lettura restituiscono gli uomini a loro stessi.

- Sinossi

E' il 28 giugno 1914; in tutta Europa giunge la notizia dell'attentato di Sarajevo. Un mese dopo, la prima dichiarazione di guerra. Pochi sanno quali proporzioni assumerà il conflitto e quanti milioni di uomini farà cadere. Idealismi improbabili e frasi piene di retorica furono sufficienti per infervorare gli animi di tanti che non avevano idea di cosa li aspettasse. In piazza si gridava "viva la guerra!" e sul fronte si moriva. Pietro è un giovane che riesce, grazie alle sue conoscenze, ad evitare il fronte, vivendo il conflitto mondiale da una posizione privilegiata e sicura. Almeno così sembra... Dopo la disfatta di Caporetto, infatti, le carte in tavola cambiano completamente. Pietro si ritrova prima in trincea, poi in un campo di concentramento, a tentare disperatamente di tenersi stretta la vita e a guardare negli occhi i suoi compagni che non ci riescono, soccombendo all'orrore di uno dei periodi più oscuri della storia dell'umanità. Ne uscirà totalmente trasformato.

Michele De Ruggieri (Palagiano - Taranto, 1938), di famiglia lucana, ha studiato e conseguito la laurea in farmacia. Si è sempre interessato di Storia Contemporanea e Storia dell'arte. Il passato non passa mai - Tutte le guerre sono bugiarde, è il secondo romanzo di Michele De Ruggieri. Nel 2010 ha pubblicato il romanzo storico Al di qua del Faro (Guida Editori), ambientato tra le montagne lucane e il golfo di Napoli agli albori dell'Unità d'Italia. (Comunicato stampa)

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Luigi Pirandello. Una biografia politica
di Ada Fichera, ed. Polistampa

www.polistampa.com

L'adesione di Pirandello al fascismo, il suo rapporto col regime e con la censura, le idee di fondo del suo pensiero politico: sono gli elementi chiave del saggio di Ada Fichera. Con l'autrice dialogheranno il giornalista e scrittore Mario Bernardi Guardi e l'editore Antonio Pagliai. Letture a cura di Dylan (Dimensione Suono Soft). Luigi Pirandello è stato sempre analizzato sotto il profilo strettamente letterario o puramente storico. Il saggio di Ada Fichera, frutto di una ricerca su documenti d'archivio inediti, rilegge per la prima volta la sua figura ricostruendone la vita in chiave politica. Dal testo, arricchito da una prefazione di Marcello Veneziani, emergono aspetti chiave del pensiero pirandelliano come la coscienza del fallimento degli ideali borghesi, l'idea del potere nelle mani di uno e non di una maggioranza, la tendenza all'azione. (Comunicato stampa)

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Raffaello on the road.
Rinascimento e propaganda fascista in America (1938-40)
a cura di Lorenzo Carletti, Cristiano Giometti (Carocci, 2016)

Che cosa ci facevano nel 1939 a San Francisco la Madonna della Seggiola di Raffaello, il Tondo Pitti di Michelangelo e la Nascita di Venere di Botticelli? Non si trattò di un furto, ma di una mostra d'arte allestita per motivi propagandistici alla fiera commerciale della Golden Gate International Exposition. Mentre il mondo era sull'orlo del precipizio, ventisette capolavori del Rinascimento italiano partirono da Genova sul transatlantico Rex senza copertura assicurativa e, con un viaggio coast to coast che si prolungò con tappe non previste a Chicago e poi a New York, tornarono in patria alle soglie dell'entrata dell'Italia in guerra. Una storia romanzesca che racconta la politica culturale fascista in America e anticipa l'odierna degenerazione del fenomeno espositivo, con i capolavori adoperati come ambasciatori o presentati insieme ai prodotti tipici nelle vetrine dell'Expo. (Comunicato ufficio stampa Maria Bonmassar)

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Catalogo Sartori d'Arte Contemporanea 2018
a cura di Arianna Sartori, ed. Archivio Sartori Editore, pp. 272 con 706 illustrazioni a colori, formato cm.30,5x21,5, €70,00
Locandina della presentazione

«Portiamo avanti ormai da diversi anni il nostro progetto di diffusione dell'arte italiana, così con nostra soddisfazione, il Catalogo Sartori d'Arte Moderna e Contemporanea, è giunto alla quinta edizione. Siamo davvero convinti che l'Italia sia un'incredibile fucina di talenti artistici, moltissimi i nomi degli artisti, pittori, scultori, ceramisti e incisori che praticano la loro arte in un ambito davvero arduo e molto impegnativo, difficile emergere, difficile farsi notare, difficile essere innovativi, difficile vivere di arte, e tutto questo, oggi, è ancora più complesso e complicato dalla crisi non solo economica, ma anche culturale che pare senza fine.

Ai nomi degli artisti confermati e dichiarati Maestri già nei decenni scorsi, continuamente se ne affiancano altri che grazie alla loro ispirazione riescono a esprimersi al meglio, producendo opere davvero intriganti, riuscendo, nonostante le difficoltà su citate, a coinvolgere galleristi, critici d'arte e, soprattutto, un buon numero di attenti appassionati e collezionisti. A tutti questi attori dell'arte, proponiamo il Catalogo Sartori d'Arte Moderna e Contemporanea come puro strumento di lavoro, come fonte al fine di poter migliorare e o confermare le conoscenze del panorama artistico contemporaneo italiano. Consapevoli che internet con i suoi numerosi motori di ricerca, aprendo orizzonti infiniti, metta a disposizione informazioni veloci e aggiornate, siamo assolutamente convinti che il "libro cartaceo" confermi la propria valenza prioritaria anche oggi, per la qualità della lettura che consente un'attenzione maggiore da parte di chi legge o sfoglia, un oggetto che per la sua fisicità, lascia un'impronta, una traccia di sé concreta nel tempo e non epifanica.

La prima fase della nostra ricerca è stata la scelta dei nomi degli artisti da invitare, quindi la "raccolta dei dati", ossia l'insieme di quelle informazioni disponibili relative al nostro progetto, le biografie, i curricoli relativi alle diverse attività artistiche, le immagini, i testi critici, l'indicazione dei contatti, gli indirizzi, i numeri telefonici, le mail e i siti Internet. L'entusiasta risposta degli artisti che hanno aderito al nostro invito e che ci hanno messo a disposizione tutto il copioso materiale, ci ha trovato pronti a disporre e ordinare le informazioni ricevute, selezionandole con metodo, per arrivare alla stesura definitiva del volume che si è completata con la migliore riproduzione possibile delle numerosissime opere raffigurate. In questa edizione proponiamo duecentocinquantanove schede dedicate ad altrettanti artisti che operano su tutto il territorio nazionale. E poiché crediamo che, solo aprendo a tutte le possibili correnti artistiche, si possa avere davvero il termometro di quale sia il tessuto artistico italiano, così ancora una volta, abbiamo inserito artisti che percorrono strade e ricerche le più diverse.» (Arianna Sartori)

259 Artisti

Acerbo Domenico, Achilli Ernesto, Alatan Anna Rita, Andreani Celso Maggio, Andreani Franco, Arpaia Enzo, Badari Grazia, Baldassari Enrico, Baldassin Cesare, Barbagallo Orazio, Bartoli Germana, Bedeschi Nevio, Begotti Andrea, Bellini Enzo, Belluti Gianfranco, Bencini Ennio, Benetton Simon, Bernardelli Angiola, Bertazzoni Bianca, Bertozzi Elisabetta, Bevilacqua Gianfranco, Bianco Lino, Bignotti Ulderico, Billoni Giuseppe, Bisio Pietro, Bobò Antonio, Bogoni Gino, Bonafini Annalisa, Bongini Alberto, Borioli Adalberto, Bornoffi Luca, Bortoluzzi Milvia, Boschi Alberto, Brogli Amedeo, Buratti Romano, Businelli Giancarlo, Buttarelli Brunivo

Calvi Cesare, Camiz Paolo, Campanella Antonia, Campitelli Maurizio, Capelli Francesca, Capodiferro Gabriella, Capraro Sabina, Carbonati Antonio, Cardone Pietro, Carradore Vittorio, Carraro Renata, Caselli Edda, Castagna Angelo, Castaldi Domenico, Castellani Claudio, Castellani Leonardo, Castellani Silvestro, Castelli Ada, Cattaneo Claudio, Cattaneo Pierluigi, Cavanna Giulio, Cavicchini Arturo, Cermaria Claudio, Cesana Angelo, Ciaccheri Paolo Francesco, Ciaponi Stefano, Cibi (Besozzi Carlo), Cipolla Salvatore, Civitico Gian Franco, Cocchi Pierluigi, Coccia Renato, Codroico Roberto, Cominale Gabry, Costantini Carla, Cotroneo Giuseppe, Cottini Luciano, Cozza Anna Paola, Cravero Margherita, Crescini Giovanna

D'Adda Gianni, Dalla Fini Mario, D'Ambrosi Diego, Da Riva Daniela, De Caro Beatrice, De Luigi Giuseppe, De Marinis Fausto, De Palos Gianfranco, Di Fazio Laura, Difilippo Domenico, Di Iorio Antonio, Diotallevi Marcello, Donato Francesco, Dugo Franco, Dulbecco Gian Paolo, Facciotto Giuseppe, Falchi Aldo, Falchi Paride, Fastosi Gabriella, Ferrari Maria Angiola, Ferri Massimo, Fioravanti Ilario, Fiore Antonio, Ufagrà, Forno Osvaldo Raffaele, Fratantonio Salvatore, Frisinghelli Maurizio, Gard Ferruccio, Garuti Giordano, Gauli Piero, Gentile Domenico, Ghisi Barbara, Ghisleni Anna, Gi Morandini, Goldoni Meris, Gorlato Bruno, Gozzi Rinardo, Granero Silvana, Graziani Alfio Paolo, Grazioli Enrico, Guala Imer, Guerrato Denis, Guidoni Francesco

Ianni Stefano, Iardella Francesca, Impinto Luca, Lanci Amedeo, Lanzi Mirco, Lanzione Mario, Laterza Lia, Lazzari Isaia, Leverone Adriano, Li Gotti Annamaria, Lipreri Mario, Lomasto Massimo, Lo Presti Giovanni, Lorenzetti Raimondo, Luchini Riccardo, Magri Pier Domenico, Mancino Enea, Mantovani Licia, Marchetto Adriana, Marciani Leopoldo, Margonari Renzo, Marino Gabriele, Marino Giuseppe, Marra Mino, Mascelli Gianfranco, Masserini Patrizia, Matshuyama Shuhei, Mattei Luigi Enzo, Melotto Vito, Merik (Milanese Eugenio Enrico), Migliorati Luciano, Moccia Palvarini Anna, Molinari Mauro, Monaco Lucio, Monfardini Alfonso, Monga Paolo, Morselli Luciano, Mottinelli Giulio, Mutti Ezio, Nagatani Kyoji, Nastasio Alessandro, Natali Silvio, Nigiani Impero, Nonfarmale Giordano, Male, Nucci Alessandra

Ogata Yoshin, Ossola Giancarlo, Pachì Stefano, Paggiaro Vilfrido, Paiano Dora, Pallavicini Maria Camilla, Pancheri Aldo, Pancheri Renato, Pantaleoni Ideo, Paolantonio Cesare, Paoli Piero, Paolini Parlagreco Graziella, Paradiso Mario, Pavan Adriano, Pegoraro Olivia, Pennoni Fiorito, Peretti Giorgio, Peretto Enrico Dennj, Perna Lucio, Perrella Maria Rosaria, Peruzzi Silvano, Pieroni Mariano, Pilato Antonio, Pilon Valerio, Pirondini Antea, Placuzzi Tosca, Poggiali Berlinghieri Giampiero, Poltronieri Alceo, Potenza Gianmaria, Pozzi Giancarlo, Puppi Massimo, Quaini Marialuisa, Rampinelli Roberto, Raza Claudia, Restelli Lucilla, Rezzaghi Teresa, Righini Valerio, Rinaldi Angelo, Roma Flavio, Romanin Sabina, Romilio Nicola, Rossato Kiara, Rosselli Natale, Rossi Gianni, Rossi Giorgio, Rovati Rolando, Ruglioni Vittorio

Salzano Antonio, Santoro Giusi, Sauvage Max Hamlet, Scaranari Claudio, Scardovelli Raffaella, Sciutto Renza Laura, Seccia Anna, Settembrini Marisa, Simone Salvatore, Soave Giorgio, Sodi Milvio, Somensari Anna, Somensari Giorgio, Somensari Luigi, Spazzini Severino, Spoltore Paolo, Stradiotto Raphael, Tambara Germana, Tancredi Giovannini Clara, Tassinari Raffaella, Temparte, Terruso Saverio, Thon (Tonello Fausto), Timoncini Luigi, Togo (Migneco Enzo), Tonelli Antonio, Torcianti Franco, Vaccaro Vito, Vanara Adriano, Venditti Alberto, Vigliaturo Silvio, Vitale Francesco, Vitolo Lucrezia, Viviani Gino, Volta Giorgio, Wal (Guidobaldi Walter), Zaffanella Bruno, Zamprioli Mirella, Zanetti Enzo, Zangrandi Domenico, Zappi Silvano, Zarpellon Toni, Zazzeroni Gianfranco, Zelda (Zanferli Elda), Zen Sergio, Zerlotti Natalina, Zitelli Fabrizio, Zitti Vittorio, Zoli Carlo.

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Zenobia l'ultima regina d'Oriente
L'assedio di Palmira e lo scontro con Roma
di Lorenzo Braccesi, Salerno editrice, 2017, p.200, euro 13,00

Il sogno dell'ultima regina d'Oriente era di veder rinascere un grande regno ellenistico dal Nilo al Bosforo, piú esteso di quello di Cleopatra, ma la sua aspirazione si infranse per un errore di valutazione politica: aver considerato l'impero di Roma prossimo alla disgregazione. L'ultimo atto delle campagne orientali di Aureliano si svolse proprio sotto le mura di Palmira, l'esito fu la sconfitta della regina Zenobia e la sua deportazione a Roma, dove l'imperatore la costrinse a sfilare come simbolo del suo trionfo. Le rovine monumentali di Palmira - oggi oggetto di disumana offesa - ci parlano della grandezza del regno di Zenobia e della sua resistenza eroica. Ancora attuale è la tragedia di questa città: rimasta intatta nei secoli, protetta dalle sabbie del deserto, è crollata sotto la furia della barbarie islamista.

Lorenzo Braccesi ha insegnato nelle università di Torino, Venezia e Padova. Si è interessato a tre aspetti della ricerca storica: colonizzazione greca, società augustea, eredità della cultura classica nelle letterature moderne. I suoi saggi piú recenti sono dedicati a storie di donne: Giulia, la figlia di Augusto (Roma-Bari 2014), Agrippina, la sposa di un mito (Roma-Bari 2015), Livia (Roma 2016). (Comunicato stampa)

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Napoleone Colajanni tra partito municipale e nazionalizzazione della politica
Lotte politiche e amministrative in provincia di Caltanissetta (1901-1921)

di Marco Sagrestani, Polistampa, 2017, collana Quaderni della Nuova Antologia, pag. 408
www.leonardolibri.com

Napoleone Colajanni (1847-1921) fu una figura di rilievo nel panorama politico italiano del secondo Ottocento. Docente e saggista, personalità di notevole levatura intellettuale, si rese protagonista di importanti battaglie politiche, dall'inchiesta parlamentare sulla campagna in Eritrea alla denuncia dello scandalo della Banca Romana. Il saggio ricostruisce il ruolo da lui svolto nella provincia di Caltanissetta, in particolare nella sua città natale Castrogiovanni e nell'omonimo collegio elettorale. In un'area dove la lotta politica era caratterizzata da una pluralità di soggetti collettivi - democratici, repubblicani, costituzionali, socialisti e cattolici - si pose come centro naturale di aggregazione delle sparse forze democratiche, con un progetto di larghe convergenze finalizzato alla rinascita politica, economica e morale della sua terra. (Comunicato stampa)

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- Pasolini sulla strada di Tarso. La conversione del poeta di Casarsa
- Dove l'acqua del Tevere s'insala. Analisi sul sacrifico di Pier Paolo Pasolini

di Ilario Quirino, Edizioni Orizzonti Meridionali
www.studio71.it

Il saggio Pasolini sulla strada di Tarso. La conversione del poeta di Casarsa, pubblicato nuovamente dopo diciassette anni, rappresenta la profonda immedesimazione dell'autore nel poeta di Casarsa, tesa a ricomporne la geniale vena artistica e la proiezione verso il sacrificio esibito. L'amore nei riguardi della madre, contrapposto al sentimento lacerante nei confronti del padre, sfocia nel senso di colpa per l'omicidio del fratello Guido, trucidato da mano fraterna nemica sui monti della Carnia. Il dolore insopportabile di Pier Paolo, che si rende conto di avere spinto il partigiano verso la testimonianza estrema, lo porta alla ricerca di una motivazione superiore che possa giustificare quanto verificatosi: lo scrittore la trova facendo rifluire la sua esistenza nel Passato per incontrare San Paolo, che diviene lo strumento per affermare l'eversione della sua poesia, mediante l'organizzazione degli eventi che preparano lo spettatore al trasumanar dell'intellettuale nella periferia di Ostia. Attraverso quella fine scandalosa e violenta, che illumina i tratti salienti della propria esistenza conferendo un significato superbo al percorso terreno di Pier Paolo Pasolini, proiettato verso l'immortalità del mito.

Il volume Dove l'acqua del Tevere s'insala. Analisi sul sacrifico di Pier Paolo Pasolini rappresenta, pur nella sua autonomia, una sorta di continuazione (e di conferma) del precedente saggio, Pasolini sulla strada di Tarso; l'autore continua la frenetica ricerca nell'ambito dell'opera pasoliniana seguendo le indicazioni del maestro Giuseppe Zigaina, che ha dedicato una porzione rilevante della sua vita alla ricostruzione semantica della matassa linguistica del poeta di Casarsa, a partire dalla sua fine tragica, esibita, nello sterro desolato della periferia di Ostia. Quirino si addentra, in particolare, in seno a due sceneggiature strettamente collegate a tale realtà geografica: Ostia e San Paolo, per chiarire le intenzioni del regista lungo l'asse che unisce il senso di colpa per l'omicidio dell'amato fratello Guido alla conseguente identificazione con l'apostolo Paolo, fino a definire i contorni di un dramma esistenziale che il genio del regista tramuta nell'operazione più controversa: quella inerente alla propria morte violenta che, come un faro, illumina i passi più significativi della sua poliedrica attività culturale in modo tale che lo scandalo di quel corpo violato continui a lampeggiare sulla nostra società. (Comunicato stampa Galleria d'Arte Studio 71 - Palermo)

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Stappiamolarte

www.al-cantara.it/news/stappiamo-larte

La pubblicazione realizzata con le opere di 68 artisti provenienti dalle diverse parti d'Italia è costituita da immagini di istallazioni e/o dipinti realizzati servendosi dei tappi dell'azienda. All'artista, infatti, è stata data ampia libertà di esecuzione e, ove lo avesse ritenuto utile, ha utilizzato, assieme ai tappi, altro materiale quale legno, vetro, stoffe o pietre ma anche materiali di riciclo. Nel sito di Al-Cantara, si può sfogliare il catalogo con i diversi autori e le relative opere. Nel corso della giornata sarà possibile visitare i vigneti, la cantina dell'azienda Al-Cantàra ed il " piccolo museo" che accoglie le opere realizzate.

Scrive nel suo testo in catalogo Vinny Scorsone: "...L'approccio è stato ora gioioso ora riflessivo e malinconico; sensuale o enigmatico; elaborato o semplice. Su esso gli artisti hanno riversato sensazioni e pensieri. A volte esso è rimasto tale anche nel suo ruolo mentre altre la crisalide è divenuta farfalla varcando la soglia della meraviglia. Non c'è un filo comune che leghi i lavori, se non il fatto che contengano dei tappi ed è proprio questa eterogeneità a rendere le opere realizzate interessanti. Da mano a semplice cornice, da corona a bottiglia, da schiuma a poemetto esso è stato la fonte, molto spesso, di intuizioni artistiche singolari ed intriganti. Il rosso del vino è stato sostituito col colore dell'acrilico, dell'olio. Il tappo inerte, destinato a perdersi, in questo modo, è stato elevato ad oggetto perenne, soggetto d'arte in grado di valicare i confini della sua natura deperibile...". (Comunicato stampa)

Visualizza versione ingrandita della locandina della presentazione del volume

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Stelle in silenzio
di Annapaola Prestia, Europa Edizioni, 2016, euro 15,90

Millecinquecento chilometri da percorrere in automobile in tre giorni, dove ritornano alcuni luoghi cari all'autrice, già presenti in altri suoi lavori. La Sicilia e l'Istria fanno così da sfondo ad alcune tematiche forti che il romanzo solleva. Quante è importante l'influenza di familiari che non si hanno mai visto? Che valore può avere un amore di breve durata, se è capace di cambiare un destino? Che peso hanno gli affetti che nel quotidiano diventano tenui, o magari odiosi? In generale l'amore è ciò che lega i personaggi anche quando sembra non esserci, in un percorso che è una ricerca di verità tenute a lungo nascoste.

Prestia torna quindi alla narrativa dopo il suo Caro agli dei" (edito da "Il Filo", giugno 2008), che ha meritato il terzo premio al "Concorso nazionale di narrativa e poesia F. Bargagna" e una medaglia al premio letterario nazionale "L'iride" di Cava de'Tirreni, sempre nel 2009. Il romanzo è stato presentato dal giornalista Nino Casamento a Catania, dallo scrittore Paolo Maurensig a Udine, dallo psicologo Marco Rossi di Loveline a Milano. Anche il suo Ewas romanzo edito in ebook dalla casa editrice Abel Books nel febbraio 2016, è arrivato semifinalista al concorso nazionale premio Rai eri "La Giara" edizione 2016 (finalista per la regione Friuli Venezia Giulia) mentre Stelle in silenzio, come inedito, è arrivato semifinalista all'edizione del 2015 del medesimo concorso.

Annapaola Prestia (Gorizia, 1979), Siculo-Istriana di origine e Monfalconese di adozione, lavora dividendosi tra la sede della cooperativa per cui collabora a Pordenone e Trieste, città in cui gestisce il proprio studio psicologico. Ama scrivere. Dal primo racconto ai romanzi a puntate e alle novelle pubblicati su riviste a tiratura nazionale, passando per oltre venti pubblicazioni in lingua inglese su altrettante riviste scientifiche specializzate in neurologia e psicologia fino al suo primo romanzo edito Caro agli dei... la strada è ancora tutta in salita ma piena di promesse.

Oltre a diverse fan-fiction pubblicate su vari siti internet, ha partecipato alla prima edizione del premio letterario "Star Trek" organizzato dallo STIC - Star Trek Italian Club, ottenendo il massimo riconoscimento. Con suo fratello Andrea ha fondato la U.S.S. Julia, un fan club dedicato a Star Trek e alla fantascienza. Con suo marito Michele e il suo migliore amico Stefano, ha aperto una gelateria a Gradisca d'Isonzo, interamente dedicata alla fantascienza e al fantasy, nella quale tenere vive le tradizioni gastronomiche della Sicilia sposandole amabilmente con quelle del Nord Est d'Italia. (Comunicato Ufficio stampa Emanuela Masseria)

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I quaranta giorni del Mussa Dagh
di Franz Werfel, ed. Corbaccio, pagg.918, €22,00
www.corbaccio.it

«Quest'opera fu abbozzata nel marzo dell'anno 1929 durante un soggiorno a Damasco, in Siria. La visione pietosa di fanciulli profughi, mutilati e affamati, che lavoravano in una fabbrica di tappeti, diede la spinta decisiva a strappare dalla tomba del passato l'inconcepibile destino del popolo armeno.» Grande e travolgente romanzo, narra epicamente il tragico destino del popolo armeno, minoranza etnica odiata e perseguitata per la sua antichissima civiltà cristiana, in eterno contrasto con i turchi, con il grande Impero ottomano detentore del potere. Verso la fine del luglio 1915 circa cinquemila armeni perseguitati dai turchi si rifugiarono sul massiccio del Mussa Dagh, a Nord della baia di Antiochia.

Fino ai primi di settembre riuscirono a tenere testa agli aggressori ma poi, cominciando a scarseggiare gli approvvigionamenti e le munizioni, sarebbero sicuramente stati sconfitti se non fossero riusciti a segnalare le loro terribili condizioni a un incrociatore francese. Su quel massiccio dove per quaranta giorni vive la popolazione di sette villaggi, in un'improvvisata comunità, si ripete in miniatura la storia dell'umanità, con i suoi eroismi e le sue miserie, con le sue vittorie e le sue sconfitte, ma soprattutto con quell'affiato religioso che permea la vita dell'universo e dà a ogni fenomeno terreno un significato divino che giustifica il male con una lungimirante, suprema ragione di bene.

Dentro il poema corale si ritrovano tutti i drammi individuali: ogni personaggio ha la sua storia, ogni racconto genera un racconto. Fra scene di deportazioni, battaglie, incendi e morti, ora di una grandiosità impressionante, ora di una tragica sobrietà scultorea, ma sempre di straordinaria potenza rappresentativa, si compone quest'opera fondamentale dell'epica moderna. Pubblicata nel 1933 I quaranta giorni del Mussa Dagh è stata giustamente considerata la più matura creazione di Werfel nel campo della narrativa. Franz Werfel (Praga, 1890 - Los Angeles, 1945) dopo la Prima guerra mondiale si stabilì a Vienna, dove si impose come uno dei protagonisti della vita letteraria mitteleuropea. All'avvento del nazismo emigrò in Francia e poi negli Stati Uniti. Oltre a I quaranta giorni del Mussa Dagh, Verdi. Il romanzo dell'opera, che rievoca in modo appassionato e realistico la vita del grande musicista italiano. (Comunicato Ufficio Stampa Corbaccio)

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- 56esima Esposizione Internazionale d'Arte della Biennale di Venezia
Padiglione nazionale della Repubblica di Armenia
Presentazione rassegna

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Cuori nel pozzo
Belgio 1956. Uomini in cambio di carbone.
di Roberta Sorgato
www.danteisola.org

Il libro rievoca le condizioni di vita precedenti alla grande trasformazione degli anni Sessanta del Novecento, e la durissima realtà vissuta dagli emigrati italiani nelle miniere di carbone del Belgio, è un omaggio rivolto ai tanti che consumarono le loro vite fino al sacrificio estremo, per amore di quanti erano rimasti a casa, ad aspettarli. Pagine spesso commosse, dedicate a chi lasciò il paese cercando la propria strada per le vie del mondo. L'Italia li ha tenuti a lungo in conto di figliastri, dimenticandoli. La difficoltà di comunicare, le enormi lontananze, hanno talvolta smorzato gli affetti, spento la memoria dei volti e delle voci. Mentre in giro per l'Europa e oltre gli oceani questi coraggiosi costruivano la loro nuova vita. Ciascuno con la nostalgia, dove si cela anche un po' di rancore verso la patria che li ha costretti a partire.

Qualcuno fa i soldi, si afferma, diventa una personalità. Questi ce l'hanno fatta, tanti altri consumano dignitosamente la loro vita nell'anonimato. Altri ancora muoiono in fondo a un pozzo, cadendo da un'impalcatura, vittime dei mille mestieri pesanti e pericolosi che solo gli emigranti accettano di fare. Ora che cinquant'anni ci separano dalla nostra esperienza migratoria, vissuta dai predecessori per un buon secolo, la memorialistica si fa più abbondante. Esce dalla pudica oralità dei protagonisti, e grazie ai successori, più istruiti ed emancipati si offre alla storia comune attraverso le testimonianze raccolte in famiglia. Con la semplicità e l'emozione che rendono più immediata e commossa la conoscenza. (Estratto da comunicato stampa di Ulderico Bernardi)

La poetessa veneta Roberta Sorgato, insegnante, nata a Boussu, in Belgio, da genitori italiani, come autrice ha esordito nel 2002 con il romanzo per ragazzi "Una storia tutta... Pepe" seguito nel 2004 da "All'ombra del castello", entrambi editi da Tredieci (Oderzo - TV). Il suo ultimo lavoro, "La casa del padre" inizialmente pubblicato da Canova (Treviso) ed ora riproposto nella nuova edizione della ca-sa editrice Tracce (Pescara).

«L'Italia non brilla per memoria. Tante pagine amare della nostra storia sono cancellate o tenute nell'oblio. Roberta Sorgato ha avuto il merito di pescare, dal pozzo dei ricordi "dimenticati", le vicende dei nostri minatori in Belgio e di scrivere "Cuori nel pozzo" edizioni Marsilio, sottotitolo: "Belgio 1956. Uomini in cambio di carbone". Leggendo questo romanzo - verità, scritto in maniera incisiva e con grande e tragico realismo, si ha l'impressione di essere calati dentro i pozzi minerari, tanto da poter avere una vi-sione intima e "rovesciata" del titolo ("Pozzi nel cuore" potrebbe essere il titolo "ad honorem" per un lettore ideale, così tanto sensibile a questi temi).

Un lettore che ha quest'ardire intimista di seguire la scrittrice dentro queste storie commoventi, intense, drammatiche - e che non tengono conto dell'intrattenimento letterario come lo intendiamo comunemente - è un lettore che attinge dal proprio cuore ed è sospinto a rivelarsi più umano e vulnerabile di quanto avesse mai osato pensare. In questo libro vige lo spettacolo eterno dei sentimenti umani; e vige in rela-zione alla storia dell'epoca, integrandosi con essa e dandoci un ritratto di grande effetto. Qui troviamo l'Italia degli anni cinquanta che esce dalla guerra, semplice e disperata, umile e afflitta dai ricordi bellici. Troviamo storie di toccanti povertà; così, insieme a quell'altruismo che è proprio dell'indigenza, e al cameratismo che si fa forte e si forgia percorrendo le vie drammatiche della guerra, si giunge ai percorsi umani che strappavano tanti italiani in cerca di fortuna alle loro famiglie.

L'emigrazione verso i pozzi minerari belgi rappresentava quella speranza di "uscire dalla miseria". Pochi ce l'hanno fatta, molti hanno pagato con una morte atroce. Tutti hanno subito privazioni e vessazioni, oggi inimmaginabili. Leggere di Tano, Nannj, Caio, Tonio, Angelina e tanti altri, vuol dire anche erigere nella nostra memoria un piccolo trono per ciascuno di loro, formando una cornice regale per rivisitare quegli anni che, nella loro drammaticità, ci consentono di riflettere sull'"eroismo" di quelle vite tormentate, umili e dignitose.» (Estratto da articolo di Danilo Stefani, 4 gennaio 2011)

«"Uomini in cambio di carbone" deriva dal trattato economico italo-belga del giugno 1946: l'accordo prevedeva che per l'acquisto di carbone a un prezzo di favore l'Italia avrebbe mandato 50 mila uomini per il lavoro in miniera. Furono 140 mila gli italiani che arrivarono in Belgio tra il 1946 e il 1957. Fatti i conti, ogni uomo valeva 2-3 quintali di carbone al mese.» (In fondo al pozzo - di Danilo Stefani)

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La passione secondo Eva
di Abel Posse, ed. Vallecchi - collana Romanzo, pagg.316, 18,00 euro
www.vallecchi.it

Eva Duarte Perón (1919-1952), paladina dei diritti civili ed emblema della Sinistra peronista argentina, fu la moglie del presidente Juan Domingo Perón negli anni di maggior fermento politico della storia argentina; ottenne, dopo una lunga battaglia politica, il suffragio universale ed è considerata la fondatrice dell'Argentina moderna. Questo romanzo, costruito con abilità da Abel Posse attraverso testimonianze autentiche di ammiratori e detrattori di Evita, lascia il segno per la sua capacità di riportare a una dimensione reale il mito di colei che è non soltanto il simbolo dell'Argentina, ma uno dei personaggi più noti e amati della storia mondiale.

Abel Posse (Córdoba - Argentina, 1934), diplomatico di carriera, giornalista e scrittore di fama internazionale. Studioso di politica e storia fra i più rappresentativi del suo paese. Fra i suoi romanzi più famosi ricordiamo Los perros del paraíso (1983), che ha ottenuto il Premio Ròmulo Gallegos maggior riconoscimento letterario per l'America Latina. La traduttrice Ilaria Magnani è ricercatrice di Letteratura ispano-americana presso l'Università degli Studi di Cassino. Si occupa di letteratura argentina contemporanea, emigrazione e apporto della presenza italiana. Ha tradotto testi di narrativa e di saggistica dallo spagnolo, dal francese e dal catalano.

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Odissea Viola. Aspettando Ulisse lo Scudetto
di Rudy Caparrini, ed. NTE, collana "Violacea", 2010
www.rudycaparrini.it

Dopo Azzurri... no grazie!, Rudy Caparrini ci regala un nuovo libro dedicato alla Fiorentina. Come spiega l'autore, l'idea è nata leggendo il capitolo INTERpretazioni del Manuale del Perfetto Interista di Beppe Severgnini, nel quale il grande scrittore e giornalista abbina certe opere letterarie ad alcune squadre di Serie A. Accorgendosi che manca il riferimento alla Fiorentina, il tifoso e scrittore Caparrini colma la lacuna identificando ne L'Odissea l'opera idonea per descrivere la storia recente dei viola. Perché Odissea significa agonia, sofferenza, desiderio di tornare a casa, ma anche voglia di complicarsi la vita sempre e comunque. Ampliando il ragionamento, Caparrini sostiene che nell'Odissea la squadra viola può essere tre diversi personaggi: Penelope che aspetta il ritorno di Ulisse lo scudetto; Ulisse, sempre pronto a compiere un "folle volo" e a complicarsi la vita; infine riferendosi ai tifosi nati dopo il 1969, la Fiorentina può essere Telemaco, figlio del padre Ulisse (ancora nei panni dello scudetto) di cui ha solo sentito raccontare le gesta ma che mai ha conosciuto.

Caparrini sceglie una serie di episodi "omerici", associabili alla storia recente dei viola, da cui scaturiscono similitudini affascinanti: i Della Valle sono i Feaci (il popolo del Re Alcinoo e della figlia Nausicaa), poiché soccorrono la Fiorentina vittima di un naufragio; il fallimento di Cecchi Gori è il classico esempio di chi si fa attrarre dal Canto delle Sirene; Edmundo che fugge per andare al Carnevale di Rio è Paride, che per soddisfare il suo piacere mette in difficoltà l'intera squadra; Tendi che segna il gol alla Juve nel 1980 è un "Nessuno" che sconfigge Polifemo; Di Livio che resta coi viola in C2 è il fedele Eumeo, colui che nell'Odissea per primo riconosce Ulisse tornato ad Itaca e lo aiuta a riconquistare la reggia. Un'Odissea al momento incompiuta, poiché la Fiorentina ancora non ha vinto (ufficialmente) il terzo scudetto, che corrisponde all'atto di Ulisse di riprendersi la sovranità della sua reggia a Itaca. Ma anche in caso di arrivasse lo scudetto, conclude Caparrini, la Fiorentina riuscirebbe a complicarsi la vita anche quando tutto potrebbe andare bene. Come Ulisse sarebbe pronta sempre a "riprendere il mare" in cerca di nuove avventure. Il libro è stato presentato il 22 dicembre 2010 a Firenze, nella Sala Incontri di Palazzo Vecchio.

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Leni Riefenstahl. Un mito del XX secolo
di Michele Sakkara, ed. Edizioni Solfanelli, pagg.112, €8,00
www.edizionisolfanelli.it

«Il Cinema mondiale in occasione della scomparsa di Leni Riefenstahl, si inchina riverente davanti alla Salma di colei che deve doverosamente essere ricordata per i suoi geniali film, divenuti fondamentali nella storia del cinema.» Questo l'epitaffio per colei che con immagini di soggiogante bellezza ha raggiunto magistralmente effetti spettacolari. Per esempio in: Der Sieg des Glaubens (Vittoria della fede, 1933), e nei famosissimi e insuperati Fest der Völker (Olympia, 1938) e Fest der Schönheit (Apoteosi di Olympia, 1938).

Michele Sakkara, nato a Ferrara da padre russo e madre veneziana, ha dedicato tutta la sua esistenza allo studio, alla ricerca, alla regia, alla stesura e alla realizzazione di soggetti, sceneggiature, libri (e perfino un'enciclopedia), ed è stato anche attore. Assistente e aiuto regista di Blasetti, Germi, De Sica, Franciolini; sceneggiatore e produttore (Spagna, Ecumenismo, La storia del fumetto, Martin Lutero), autore di una quarantina di documentari per la Rai.

Fra le sue opere letterarie spicca l'Enciclopedia storica del cinema italiano. 1930-1945 (3 voll., Giardini, Pisa 1984), un'opera che ha richiesto anni di ricerche storiche; straordinari consensi ebbe in Germania per Die Grosse Zeit Des Deutschen Films 1933-1945 (Druffel Verlag, Leoni am Starnberg See 1980, 5 edizioni); mentre la sua ultima opera Il cinema al servizio della politica, della propaganda e della guerra (F.lli Spada, Ciampino 2005) ha avuto una versione in tedesco, Das Kino in den Dienst der Politik, Propaganda und Krieg (DSZ-Verlag, München 2008) ed è stato ora tradotta in inglese.

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1915 - Cronaca di un genocidio
La tragedia del popolo Armeno raccontata dai giornali italiani dell'epoca
di Emanuele Aliprandi, ed. MyBook, 2009
www.comunitaarmena.it

Libro unico del suo genere, pubblicato alla soglia del 95esimo anniversario del genocidio armeno e all'indomani della firma dei protocolli sullo stabilimento delle relazioni diplomatiche tra Armenia e Turchia. Emanuele Aliprandi è membro del Consiglio e responsabile del periodico Akhtamar On-Line. La prefazione è firmata da Marco Tosatti, giornalista e vaticanista de "La Stampa".

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L'Immacolata nei rapporti tra l'Italia e la Spagna
a cura di Alessandra Anselmi

Il volume ripercorre la storia dell'iconografia immacolistica a partire dalla seconda metà del Quattrocento quando, a seguito dell'impulso impresso al culto della Vergine con il pontificato di Sisto IV (1471-1484), i sovrani spagnoli si impegnano in un'intensa campagna volta alla promulgazione del dogma. Di grande rilevanza le ripercussioni nelle arti visive: soprattutto in Spagna, ma anche nei territori italiani più sensibili, per vari motivi, all'influenza politica, culturale e devozionale spagnola. Il percorso iconografico è lungo e complesso, con notevoli varianti sia stilistiche che di significato teologico: il punto d'arrivo è esemplato sulla Donna dell'Apocalisse, i cui caratteri essenziali sono tratti da un versetto del testo giovanneo.

Il libro esplora ambiti culturali e geografici finora ignorati o comunque non sistemati: la Calabria, Napoli, Roma, la Repubblica di Genova, lo Stato di Milano e il Principato Vescovile di Trento in un arco cronologico compreso tra la seconda metà del Quattrocento e il Settecento e, limitatamente a Roma e alla Calabria, sino all'Ottocento, recuperando all'attenzione degli studi una produzione artistica di grande pregio, una sorta di 'quadreria "ariana" ricca di capolavori già noti, ma incrementata dall'acquisizione di testimonianze figurative in massima parte ancora inedite.

Accanto allo studio più prettamente iconografico - che si pregia di interessanti novità, quali l'analisi della Vergine di Guadalupe, in veste di Immacolata India - il volume è sul tema dell'Immacolata secondo un'ottica che può definirsi plurale affrontando i molteplici contesti - devozionali, cultuali, antropologici, politici, economici, sociali - che interagiscono in un affascinante gioco di intrecci. (Estratto da comunicato stampa Ufficio stampa Soprintendenza per i Beni Storici, Artistici ed Etnoantropologici della Calabria)

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Mario Del Monaco: Dietro le quinte - Le luci e le ombre di Otello
(Behind the scenes - Othello in and out of the spotlight)
di Paola Caterina Del Monaco, prefazione di Enrico Stinchelli, Aerial Editrice, 2007
Presentazione

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Le stelle danzanti. Il romanzo dell'impresa fiumana
di Gabriele Marconi, ed. Vallecchi, pagg.324, Euro 15,00
www.vallecchi.it

L'Impresa fiumana fu un sogno condiviso e realizzato. Uno slancio d'amore che non ha eguali nella storia. D'Annunzio, fu l'interprete ispiratore di quello slancio, il Comandante, il Vate che guidò quella straordinaria avventura, ma protagonisti assoluti furono i tantissimi giovani che si riversarono nella città irredenta e là rimasero per oltre un anno. L'età media dei soldati che, da soli o a battaglioni interi, parteciparono all'impresa era di ventitré anni. Il simbolo di quell'esperienza straordinaria furono le stelle dell'Orsa Maggiore, che nel nostro cielo indicano la Stella Polare. Il romanzo narra le vicende di Giulio Jentile e Marco Paganoni, due giovani arditi che hanno stretto una salda amicizia al fronte. Dopo la vittoria, nel novembre del 1918 si recano a Trieste per far visita a Daria, crocerossina ferita in battaglia di cui sono ambedue innamorati.

Dopo alcuni giorni i due amici faranno ritorno alle rispettive famiglie ma l'inquietudine dei reduci impedisce un ritorno alla normalità. Nel febbraio del 1920 li ritroviamo a Fiume, ricongiungersi con Daria, uniti da un unico desiderio. Fiume è un calderone in ebollizione: patrioti, artisti, rivoluzionari e avventurieri di ogni parte d'Europa affollano la città in un clima rivoluzionario-libertino. Marco è tra coloro che sono a stretto contatto con il Comandante mentre Giulio preferisce allontanarsi dalla città e si unisce agli uscocchi, i legionari che avevano il compito di approvvigionare con i beni di prima necessità anche con azioni di pirateria. (...) Gabriele Marconi (1961) è direttore responsabile del mensile "Area", è tra i fondatori della Società Tolkieniana Italiana e il suo esordio narrativo è con un racconto del 1988 finalista al Premio Tolkien.

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