Kritik Newsletter Indipendente di Ninni Radicini Mostre d'arte, Iniziative culturali, Recensione Libri, Attualità   Per ricevere la newsletter Kritik, inviare una e-mail (senza testo)

Prima del nuovo numero di Kritik... Mostre    Iniziative culturali    Libri    E-mail Link Arte    Numeri precedenti    Cataloghi da mostre La Grecia contemporanea (1974-2006) di Rudy Caparrini, Vincenzo Greco, Ninni Radicini prefazione di Antonio Ferrari, giornalista, corrispondente da Atene per il Corriere della Sera ed. Polistampa, 2007 Presentazione | Articoli sulla Grecia

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Nosferatu: dal cinema al fumetto

In ricordo di Carlo Delle Piane

Le Icone tra Sicilia e Grecia

Il cinema nella Repubblica di Weimar

Vivian Maier Mostre in Italia

«Pirandello» Poesia di Nidia Robba

1968-2018 Il Pianeta delle Scimmie Planet of the Apes - Review

Locandine rassegne

13 agosto 1978 Primo podio di Gilles Villeneuve First podium for G. Villeneuve

Mostre su Tazio Nuvolari

Maria Callas Articolo

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Mostre e iniziative a cura di Marianna Accerboni: 2019-18 | 2017 | 2016 | 2015 | 2014 | 2013 | 2012 | 2011 | 2010 | 2009 | 2007-08 | Lista mostre e conferenze 2007-2019

Grecia Moderna e Mondo Ellenico (Iniziative culturali): 2019-18 | 2017 | 2016 | 2015 | 2014 | 2013 | 2012 | 2011 | 2010-2009 | 2007-2008

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Mimmo Rotella
17-20 ottobre 2019
FIAC 2019 - Parigi
www.cardigallery.com

A FIAC 2019 una mostra personale del grande artista italiano Mimmo Rotella (Catanzaro, 1918 - Milano, 2006). In esposizione circa 40 opere delle serie Blank e Sovrapitture realizzate dall'artista negli anni '80. Questa mostra di qualità museale rappresenta una eccezionale opportunità di poter ammirare lavori raramente visibili. I blanks, detti anche coperture, sono ottenuti partendo dal manifesto pubblicitario coperto da una velina monocroma posta a silenziarne il messaggio. Sono stati esposti per la prima volta nel gennaio 1981 a Milano, presentati dal critico francese Pierre Restany che li definisce "un terzo capitolo fondamentale del linguaggio dell'affiche". Applicati su tela o su lamiera metallica, i blanks raggiungono dimensioni imponenti segnando un punto di rottura con i vecchi codici di riferimento di una società messa in discussione dalle tensioni degli anni Settanta. Dalle veline spesso emergono indizi dell'immagine sottostante. Dichiara l'artista "è la rappresentazione della fine di un'immagine. Dietro il blank c'è il mistero dell'immagine ormai obsoleta, la presenza appena percettibile di alcuni frammenti di questa immagine, che si può dire ormai 'deteriorata', come l'impressione di una latenza metafisica dell'immagine." (Rotella, 1981).

Subito dopo i blanks, Rotella approda a una nuova tecnica: la sovrapittura. L'immagine, icona riconoscibile e di dominio pubblico, è ancora centrale nella sua poetica e nel caso delle sovrapitture l'artista interviene con un gesto pittorico rude, veloce e sicuro su manifesti integri o già lacerati, unendo così la prassi pittorica - nella sua accezione più attuale, influenzata dalla Bad Painting, dalla Transavanguardia e dal Graffitismo - al linguaggio del décollage che ha caratterizzato la carriera di Rotella fin dagli esordi. "Mi accorgo che la pittura cambia. (...) Si deve tornare a una pittura barbarica di tipo semiespressionista dai colori piuttosto brutti. (...) insomma un'antipittura, una bad painting che poi diventa bella pittura, buona pittura, forte, geniale, quasi magica" (Rotella, 2002). I primi lavori così ottenuti sono esposti nella primavera del 1986 a Parma, dove i soggetti delle tele presentate spaziano da Elvis Presley a Caravaggio, da James Dean alla pubblicità del Crodino, mostrando la vitalità che caratterizza lo sguardo dell'artista durante la seconda metà degli anni Ottanta. (Comunicato stampa)

___ ENG

Cardi Gallery is pleased to present at FIAC 2019 a museum quality solo exhibition of the great Italian artist Mimmo Rotella (Catanzaro, 1918 - Milan, 2006). The exhibition will focus on the 'Blanks' and 'Sovrapittura' series conceived by Mimmo Rotella in the 1980s and will represent a rare opportunity to see these body of works. The process leading to the creation of a blank, or covering as it is also known, consists in applying a monochrome tissue paper over a poster, to silence its advertising message. The blanks were exhibited for the first time in January 1981 in Milan, presented by the French critic Pierre Restany who called them "a third fundamental chapter in the language of posters". Applied on canvas or metal sheet, the blanks reach impressive dimensions, marking a breaking point with the old codes of reference of a society challenged by the tensions of the 1970s. From the tissue often some clues emerge of the image below. The artist stated "it is the representation of the end of an image. Behind the blank is the mystery of an image that has become obsolete, the almost invisible presence of a few fragments of this image, that could be described henceforth as 'degraded', like the impression of a metaphysical latency of the image."(Rotella, 1981).

Immediately after the blanks, Rotella approached a new technique: sovrapittura or over-painting. The image, a recognizable icon in the public domain, is still central in his poetry and in the case of over-paintings the artist intervenes with a rough, fast and secure pictorial gesture on integral or torn posters. This way he combines the pictorial praxis - in his most current meaning, influenced by Bad Painting, by the Transavanguardia and by Graffitismo - to the language of décollage that has characterized Rotella's career since the beginning. "I notice that painting is changing. (...) We must return to a semi-expressionist barbaric painting of rather ugly colors. (...) In short, an anti-painting, a bad painting that then becomes beautiful painting, good painting, strong, brilliant, almost magical"(Rotella, 2002). The first works thus obtained were exhibited in Parma in the spring of 1986, where the subjects of the canvases presented range from Elvis Presley to Caravaggio, from James Dean to the advertising for Crodino, showing the vitality that characterizes the artist's gaze during the second half of the Eighties. (Press release)

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Giuseppe Uncini
La conquista dell'ombra

18 ottobre - 21 dicembre 2019
Fondazione Marconi - Milano

Mostra dedicata al lavoro dell'artista marchigiano tra il 1968 e il 1977. Questo progetto espositivo in collaborazione con l'Archivio Uncini, a distanza di quattro anni dalla mostra del 2015 incentrata sul disegno, documenta l'evoluzione della lunga e approfondita indagine dell'artista sul tema delle ombre. Punto di partenza è la mostra, intitolata appunto Ombre, che ha luogo nel 1976 allo Studio Marconi e per la quale l'artista realizza Grande parete Studio Marconi MT 6, espressamente progettata per la galleria milanese. Quest'opera rientra nel periodo in cui Uncini decide di spostare la sua attenzione dalla "costruzione di oggetti" alla "costruzione dell'ombra", dalla forma reale dell'oggetto costruito, alla sua forma virtuale.

In questa nuova ottica egli trasforma ciò che è da sempre percepito come ambiguo e labile in un elemento sostanziale dell'opera, qualcosa di stabile, visibilmente e tattilmente concreto. Luce e ombra vengono così poste allo stesso livello di valore e considerate "materie" alla stessa stregua, permettendo una nuova e inedita lettura dell'opera. Questa scoperta, motivo dominante della sua ricerca fino agli anni Ottanta, lo porta anche a riflettere sulle antinomie luce-ombra, pieno-vuoto, presenza-assenza. È dunque lo spazio a farsi materia dell'atto costruttivo dell'artista e non esiste più distinzione tra il fare pittura e il fare scultura. Per la sua maestosità, la Grande parete rappresenta un momento apicale della ricerca di Uncini e segna la sua definitiva conquista di quella "fuggevole essenza" che fa ormai parte integrante dell'opera stessa.

La mostra presenta un nucleo di opere, comprese tra il 1968 e il 1977, con l'obiettivo di fornire un excursus completo sulla produzione creativa di Uncini in questo arco temporale. Verranno così passate in rassegna tutte le principali declinazioni di quell'assidua necessità dell'artista di indagare la dimensione virtuale della proiezione dei volumi: dalle prime Sedia con ombra e Finestra con ombra (1968), alle Colonne con ombra (1969), Ombra di un cubo sospeso (1973), Muro con ombra T.23 (1976). A questi si aggiungono alcuni significativi lavori provenienti dal fondo dell'Archivio Uncini: Mattoni con ombra n. 12 (1969), Parete interrotta (1971), Ombra di due parallelepipedi T.1 (1972), Ombra di un parallelepipedo M.29 e Ombra di tre quadrati M.30 (1975). Accanto alla Grande parete saranno esposte la maquette originale dell'opera, realizzata in cemento e laminato di legno (1975-1976), alcune foto documentarie scattate durante l'esecuzione dell'opera e una selezione di disegni eseguiti negli stessi anni, visto che in Uncini il disegno ha rivestito, sin dagli inizi della sua attività, un ruolo di primaria importanza per la progettualità del suo lavoro. Farà seguito alla mostra un volume sul tema delle ombre, a cura di Bruno Corà, e in collaborazione con l'Archivio Uncini. (Comunicato ufficio stampa Lara Facco)

"Fino ad allora avevo pensato di essere e di voler fare il pittore. Poi questa convinzione a poco a poco mi cadde sotto le mani. In seguito sono diventato, mi dicono, scultore. Io ancora non ci credo e mi sento tra la scultura e la pittura e mi va benissimo, non c'è problema in questo." (G. Uncini, 1998)

"L'ombra, questa fuggevole essenza, questa negatività del segno, che troppo spesso viene ignorata o passata sotto silenzio, che quasi sempre vale solo come fattore passivo, di assenza, tutt'al più di completamento dell'indagine - doveva invece costituire, a un certo punto, il centro delle indagini dell'artista; non già come artificio per una resa prospettica o naturalistica, ma come ‘messa in luce' (non solo metaforicamente) di un elemento sostanziale dell'opera." (G. Dorfles, 1976)

"Nella nostra cultura, nella nostra storia, penso che il disegno sia il nostro linguaggio, il nostro modo di memorizzare le cose, di costruire. Ritengo che sia molto difficile pensare senza il disegno… Qualsiasi disegno su di un foglio è uno strumento, un linguaggio per individuare il nostro pensiero." (G. Uncini, 1998)

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Giuseppe Rossi: "Nature inside"
19 ottobre (inaugurazione ore 17.00) - 03 novembre 2019
Museo Diocesano Francesco Gonzaga di Mantova

La mostra, a cura di Francesca Baboni e Stefano Taddei, presenta una serie di circa 30 lavori tra oli e acquarelli basati sul dendronaturalismo realizzati dal 2009 al 2019. Il dendronaturalismo di Giuseppe Rossi racconta il suo rapporto con la natura e gli alberi, in particolare con due alberi primitivi, l'olivo e il castagno, densi di riferimenti simbolici e di significati ancestrali. L'esposizione è realizzata in collaborazione con la galleria Zanini arte contemporanea, con il patrocinio del comune di Mantova, il comune di Soriano nel Cimino, con l'adesione culturale dell'Orchestra da Camera di Mantova e con il supporto di Aglea Salus. Catalogo in mostra con testi di Francesca Baboni, Stefano Taddei, Gianfranco Ferlisi, Francesca Pandimiglio.

Come scrivono i curatori nei testi in catalogo : " Quella di Giuseppe Rossi è una pittura vigorosa ed energetica che crea tronchi antropomorfi di grandi dimensioni attraverso stratificazioni materiche che amplificano la visione, nei quali talvolta si rintracciano le sembianze di una deformazione del volto umano o di altre figure. L'artista costruisce, attraverso una densa pennellata di colore, percorsi tortuosi che alternano buchi neri nei quali ci si può immergere come in un pozzo senza fondo e parti di corteccia sbrecciata che si contorcono tra loro come sofferenti, portando alla luce i pensieri nascosti nei meandri più oscuri della mente, mentre la gamma cromatica di colori - che non sono affatto reali ma frutto di un'elaborazione fantasiosa che non corrisponde alla realtà - contribuisce a far affiorare sensazioni legate agli stati d'animo percepiti." (Francesca Baboni)

"All'interno della natura l'autore ha trovato riferimenti esistenziali che non si possono non esemplificare pittoricamente, pena il non comprendere come l'ambiente abbia ancora tanto da raccontarci. Quindi la natura, in veste di tronchi, trova un veicolo vicinissimo al fisiognomico per riverberarsi nell'attualità. Tra astrazione, informale e pittura la memoria trova trasporti particolari, segno evidente di ricordi personali dell'autore ma pure ancestrali della collettività. La natura ci racconta, anche attraverso le proprie peculiarità segniche, la storia del mondo. Sta all'essere umano cogliere tali tratti e decidere di convivere con l'ambiente in modo consono o errato." (Stefano Taddei)

Giuseppe Rossi (Roma, 1958) ha vissuto per tutta la sua giovinezza a Manziana, dove si affaccia alla pittura da giovanissimo. Precocemente iniziano le prime esperienze espositive, tra la provincia e Roma. Frequenta gli studi di alcuni pittori noti tra cui Pedro Cano, Mario Coppola e Pietro Del Greco. Cresce artisticamente con l'amico Gaetano Vari. A vent'anni, nel 1978, ordina la sua prima personale a Soriano nel Cimino (Viterbo). Frequenta successivamente, l'Accademia di belle Arti di Viterbo. Nel 2010 fonda il "Dendronaturalismo". Ha esposto, nel corso della sua carriera, in molte città d'Italia. (Comunicato stampa)

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Trieste, gli anni delle sovrastampe
termina il 16 novembre 2019
Museo postale e telegrafico della Mitteleuropa di Trieste

Mostra dedicata agli anni della cortina di ferro nel Territorio Libero. Il Territorio Libero di Trieste fu istituito il 15 settembre 1947 e amministrato temporaneamente, secondo lo Statuto Provvisorio del Trattato di pace con l'Italia, da un Governo Militare Alleato anglo-americano e da un Governo Militare jugoslavo, in attesa di un assetto stabile. I visitatori potranno consultare documenti e oggetti originali di quell'epoca nello specifico: giornali, riviste, fotografie, manifesti. Importante evidenziare anche la presenza di materiale filatelico come le buste F.D.C. (Primo Giorno d'Emissione) ed i francobolli con le famose sovrastampe A.M.G. - F.T.T. e S.T.T. - V.U.J.A. La mostra è curata ed organizzata dal triestino Marco Zaccaria, collezionista e appassionato di storia locale, in collaborazione con la Richard Francis Burton Society. (Comunicato stampa)

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Mostre su Trieste

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Aldo Bressanutti
"Il '900: l'arte di A. Bressanutti"

21 ottobre (inaugurazione ore 17.00) - 03 novembre 2019
Palazzo Municipale di Monfalcone

Le opere dell'artista Aldo Bressanutti, seguono un percorso personale e autodidatta a partire dalla sua prima opera del 1946 fino ad oggi; presero la via del realismo, sperimentando le tecniche grafiche, la riflessione auto ritrattistica ed è molto curioso e interessante il suo viaggio attraverso il simbolismo e il surrealismo, in fine ritorna al realismo sempre con grande passione ed entusiasmo. Dipinse sempre con romantica malinconia, attraverso i simboli che hanno caratterizzato nel tempo i suoi quadri: gli interni con i muri sberciati, attraversati da uno squallore irridente e ironico, il disordine dell'abbandono, vecchi giornali e oggetti assieme a scarpe e ombrelli bucati, specchi, stufe e bambole rotte magistralmente dipinti. Lasciandoci per altro, una forte testimonianza della Città Vecchia di Trieste, del Friuli Venezia Giulia, dell'Istria e di Muggia, che fornirono ispirazione all'artista in più di 1500 opere tra grafiche, disegni e dipinti. La mostra è promossa e realizzata dall'Assessorato alla Cultura del Comune di Monfalcone. (Comunicato stampa)

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Silvio Gualtiero Cosolo
"I racconti di Silvio"

18 ottobre (inaugurazione ore 17.00) - 16 novembre 2019
Biblioteca Comunale di Monfalcone

Saranno presenti le opere personali dell'artista Silvio Gualtiero Cosolo coniugate alle raffinatissime riproduzioni di opere dei grandi maestri della Storia dell'Arte: Renoir, Leonardo, Caravaggio, Vermeer, Modigliani, Beltrame, Cremona, Reni e Gauguin. All'attività di pittore e fotografo affianca numerose passioni in campo artistico, come la passione per la musica; suona il clarinetto, il violino e il corno. Accanto a queste attività, un posto particolare va alla sua passione per la scrittura, che si è concretizzata in numerosi scritti di prosa e poesia e libri. La mostra è promossa e realizzata dall'Assessorato alla Cultura del Comune di Monfalcone e con la curatela di Umberto Miniussi. Aderiscono all'iniziativa le associazioni LILT e U.N.C.I. (Comunicato stampa)

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Giuseppe Diso | Paolo Del Signore | Gigi Cau
19 ottobre (inaugurazione ore 18.00) - 31 ottobre 2019
Galleria d'Arte Contemporanea Wikiarte - Bologna
www.wikiarte.com

Zygmunt Bauman definisce la nostra attuale esistenza postmoderna liquida, ci colloca quali turisti in essa - individui gelatinosi, modulari e in continuo cambiamento e spostamento - che abitano città fluide in costante trasformazione e di passaggio - transluoghi. Paolo Del Signore esplicita questa liquidità in un progetto di anatomia degli spazi sociali. La visione di Michael Foucault di utopie - spazi astratti, liofilizzati e socialmente indefiniti - e di eteropie - luoghi concreti e socialmente connotati - è ibridizzata. Utopie e eterotopie confluiscono in quello che Marc Auge definisce "non luogo" - un multilocale con molte identità dinamiche, socialmente e culturalmente polifunzionale e multietnico - che è il landmark del nostro mondo surmoderno, fotografato dalla visione pluristilistica e mobile di Paolo Del Signore. Il risultato è un storytelling che trasforma i luoghi comuni in spazi privati e viceversa, perché oggi descrivere la citta vuol dire focalizzare e realizzare transluoghi - una messa in forma della realtà. Nascono, così neoluoghi delocalizzati ed effimeri, non ancora esplorabili se non attraverso l'immagine che dà di loro l'artista.

La fluidità della metropoli contemporanea giunge alla sua piena e straripa. Tutto sembra subacqueo, fluorescente, smaterializzato, innaturale. Le forme perdono la loro distinzione tra artificiale e naturale, tra organico e inorganico e si abbandonano a una cascata di colori di un'espressività quasi infantile. Ed è questo il primo tratto global della pittura di Gigi Cau, il definitivo prevalere della mobilità sulla stanzialità. Ad esso si aggiunge il ludico horror vacui che dall'ibridazione delle culture giunge a quella dei sentimenti, dove il dolce è anche amaro e il triste e anche divertente. Lo sguardi innocente di un bambino sul mondo che lo circonda ci ricorda - attraverso le opere di Cau - che il vuoto fa paura, ed anche il silenzio e la staticità, perché non indicano altro che assenza di vita. Dopotutto ogni luogo esiste, sentenzia Aristotele, in relazione ai corpi che vi sono contenuti. Natura abhorret a vacuo attivando un meccanismo mnemonico di espansione delle forme cosi ben visibile nella pennellata onnipresente e perpetua di Gigi Cau... Poiché quelli che affermano che il vuoto esiste fanno di esso un luogo. Ma in che modo un corpo si troverà nel luogo o nel vuoto?

La fluidità è una delle caratteristiche principali del lirismo. L'esplicitazione della soggettività non può che essere un prodotto mnemonico composto da ricordi cognitivi - quelli concreti favoriti dai circuiti neuronali attivati dai sensi - da quelli personali - quelli onirici con l'illusoria speranza di conservare e poter tornare nel proprio passato - e quelli abituali - quelli conservati ma dimenticati, perché più abituale è meno lo ricordiamo. Giuseppe Diso accede all'archivio mnestico e usa i suoi contenuti ibridizzandoli. La vista concreta di un paesaggio o la natura morta contenente oggetti reali perdono consistenza fisica e si trasformano in neoluoghi effimeri e trasparenti, instabili, dinamici e ancora inesplorati. L'opera emerge, dunque, quale motivo visivo, quale argomento di riflessione che si concretizza nella mente dell'incoerente osservatore contemporaneo come una storia sempre diversa. L'apparentemente silente arte di Diso funziona come attrattore cognitivo che rifiuta ogni forma di locus per focalizzarsi su quella mentis. Ciò perché all'essere contemporaneo - cinetico, multiculturale e pluri-identitario - occorre non una meta d'arrivo ma una stazione di passaggio in quanto non coinvolto in un pellegrinaggio ma in un'avventura del nome Vita. (Denitza Nedkova, ottobre 2019)

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Sigfrido Oliva | Carlo Roselli
Visioni di un altro mondo
18 ottobre (inaugurazione ore 17) - 04 novembre 2019
Galleria d'Arte Edarcom Europa - Roma
www.edarcom.it

Doppia personale, curata da Francesco Ciaffi, con le opere di Sigfrido Oliva e Carlo Roselli. Entrambi gli artisti, straordinari interpreti della pittura contemporanea con oltre 40 anni di carriera al proprio attivo, trasportano lo spettatore in una realtà modificata nei colori e nelle forme creando un doppio effetto di riconoscimento e spaesamento. Sigfrido Oliva (Messina, 1942) dipinge la Roma più nota, quelle delle cupole e degli scorci del fiume Tevere, ma lo fa nebulizzando l'atmosfera in una luce dai toni opachi ed ovattati astraendo le linee in una visione onirica. Carlo Roselli (Milano, 1939), attraverso la consueta ironia e l'utilizzo di una tavolozza calda e dalle sfumature leggere, raffigura scene d'interno dove personaggi dall'aria stordita e inconsapevole popolano caffè di sapore primonovecentesco. La mostra è inserita tra gli appuntamenti della quarta edizione della Rome Art Week. (Comunicato stampa)

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Zavattini oltre i confini
Un protagonista della cultura internazionale

14 dicembre 2019 - 01 marzo 2020
Palazzo da Mosto - Reggio Emilia

Il 13 ottobre 1969, giusto trent'anni anni fa, moriva Cesare Zavattini. Tre decenni paiono poter essere un giusto tempo per analizzare un personaggio così complesso, originale e appassionato quale è stato Zavattini. A lui - nelle diverse vesti di uomo di cinema, scrittore, fumettista, personaggio dal forte impegno politico - molti studi sono stati dedicati in Italia e nel mondo. Tuttavia un aspetto è rimasto, se non in ombra, certo meno indagato ed è quello che la Biblioteca Panizzi e l'Archivio Cesare Zavattini hanno approfondito in questi anni: il ruolo di Za all'estero, in tempi, i suoi, impregnati dal clima della Guerra Fredda e delle contrapposizioni ideologiche.

I risultati di queste ricerche costituiranno l'oggetto dell'esposizione dal titolo "Zavattini oltre i confini", promossa dalla Fondazione Palazzo Magnani, Regione Emilia-Romagna-IBC, Comune di Reggio Emilia e Archivio Cesare Zavattini che prenderà il via il prossimo 14 dicembre nella storica sede di Palazzo da Mosto a Reggio Emilia. L'Archivio Cesare Zavattini e la Biblioteca Panizzi che conserva l'archivio stesso, hanno condotto un'indagine realmente sistematica intorno all'intensa attività svolta dall'autore luzzarese al di fuori del contesto nazionale. Ne è emerso il ruolo cruciale di Za nel promuovere aspetti salienti della cultura italiana del secondo Novecento e in particolare del neorealismo, nell'orizzonte europeo e più in generale nel panorama internazionale, grazie alla sua intensa partecipazione a convegni, congressi, conferenze, corsi di formazione nei paesi decolonizzati o in via di sviluppo, alle collaborazioni con riviste e a co-produzioni cinematografiche.

Il progetto espositivo, curato da Alberto Ferraboschi, si impronta su due linee direttrici, da un lato indaga l'attività svolta nei diversi ambiti artistici (cinema, letteratura, pittura, ecc.) e geografici (sia in Europa che nel Nuovo Continente); dall'altro approfondisce temi e vicende particolari, come quello del viaggio (ad esempio sulle orme di Van Gogh), della pace, dei rapporti con lo scrittore latino-americano Garcia Marquez e con gli ambienti cosmopoliti ebraici. Nell'esposizione di Palazzo da Mosto, confluiranno materiali documentari e iconografici che raccontano tutte le attività e la rete di rapporti intessute da questa eclettica personalità: migliaia di carte originali, dattiloscritte e manoscritte, annotazioni autografe, insieme a fotografie, video, manifesti e libri.

Arricchiscono la mostra alcuni dei suoi inseparabili oggetti, la macchina da scrivere, il basco, la borsa da viaggio, oltre ai 150 quadri provenienti dalla Pinacoteca di Brera di Milano, facenti parte della celebre collezione di 8X10 che Cesare Zavattini aveva raccolto nel corso degli incontri con alcuni tra i più importanti artisti del Novecento. Tra i tanti saranno in mostra Giacomo Balla, Antonio Ligabue, Alberto Burri, Enrico Baj, Renato Guttuso, Giorgio De Chirico, Lucio Fontana, Fausto Melotti, Bruno Munari, Claudio Parmiggiani, Gillo Dorfles, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Mario Sironi, Alberto Magnelli e poi ancora Pietro Consagra, Roberto Crippa, Fortunato Depero, Filippo De Pisis, Gianni Dova, Michelangelo Pistoletto, Mimmo Rotella e tanti altri. Ultima sala del percorso espositivo sarà dedicata agli scatti inediti di uno dei maggiori fotografi italiani, Gianni Berengo Gardin, realizzate in occasione del lavoro che ripropone la "Luzzara" di Cesare Zavattini nel libro fotografico "Un Paese vent'anni dopo".

Nell'ambito dell'iniziativa è prevista la stampa del catalogo di mostra, "Zavattini oltre i confini", in cui sarà pubblicato al suo interno tutta la documentazione presente nell'esposizione, insieme ai recenti contributi dei membri del Comitato Scientifico dell'Archivio Cesare Zavattini. Il catalogo, tradotto anche in inglese, comprende saggi innovativi sui rapporti e l'influenza di Zavattini con la Francia (Stefania Parigi), Spagna (Alberto Ferraboschi e David Brancaleone), America Latina (David Brancaleone),  Stati Uniti (Giorgio Bertellini), Europa Orientale (Francesco Pitassio) e Africa (C. Mario Lanzafame e C. Podaliri. Specifiche ricerche sono poi dedicate al tema del viaggio nell'opera di Zavattini (Guido Conti), all'impegno per la pace (Valentina Fortichiari), al progetto su Van Gogh (Nicola Dusi), al rapporto con lo scrittore Garcia Marquez (Gualtiero De Santi) e con gli ambienti cosmopoliti ebraici (Giorgio Boccolari)".

"Dall'indagine sulla dimensione internazionale di Zavattini - continua il curatore Alberto Ferraboschi - emerge l'ampio spettro d'attività dell'autore riguardante non solo la produzione cinematografica ma anche la letteratura nonché altre forme di scambi internazionali (partecipazione a delegazioni artistico-culturali, mostre, convegni, ecc.). L'insieme di queste pratiche e contatti consente di tracciare il profilo internazionale di un intellettuale promotore di una vera e propria diplomazia culturale". (Comunicato stampa Studio Esseci)

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Renato Mambor
25 ottobre - 30 novembre 2019
Tornabuoni Arte - Firenze
www.tornabuoniarte.it

La mostra, a cura di Federico Sardella, in collaborazione con l'archivio Mambor, ripercorre il lavoro poliedrico dell'artista, tra i più originali della scena europea dell'arte durante la seconda metà del XX secolo. Mambor è stato uno dei primi a sconfinare dalla pittura verso altri linguaggi: fotografia, cinema, performance, installazioni e teatro, per tornare comunque sempre alla pittura. Continuando a lavorare sul linguaggio e sugli elementi costitutivi dell'arte, ha avviato una sperimentazione sul rapporto tra organismo e ambiente, tra arte e vita, sul cambiamento dello sguardo e dei punti di vista, sulle relazioni interne ed esterne, su separazione e unità.

Personalità eclettica, ha vissuto appieno la Roma della sperimentazione e dell'avanguardia. Con Mario Schifano, Franco Angeli, Tano Festa e Cesare Tacchi, Mambor è tra le figure di primo piano della Scuola di Piazza del Popolo. La sua prima esposizione ha luogo nel 1959 alla Galleria "L'Appia Antica" e l'anno successivo lo si vede tra i vincitori dei Premi assegnati dalla Galleria Nazionale d'Arte Moderna. Di seguito, le sue opere vengono proposte, ripetutamente, negli spazi della Galleria La Tartaruga di Plinio De Martiis. Vive dal di dentro gli anni de "La Dolce Vita", tanto da essere scelto da Fellini tra gli interpreti del film. Esperienza, quella del cinema, che lo ha visto impegnato in numerosi film e con diversi registi. Dopo il cinema, il teatro. Dal 1975 dirige il Gruppo Trousse (nome tratto dalla scultura di metallo da lui realizzata) concentrandosi su una ricerca interiore, sugli aspetti cognitivi, emotivi dell'uomo.

Per più di decennio è autore e regista di opere teatrali, e proprio nell'esperienza teatrale viene accompagnato dalla donna che diventerà sua moglie, Patrizia Speciale. Parallelamente si esprime con la fotografia e con performance, video e filmati. «Voglio fare di tutto, ballare, cantare, scrivere, recitare, fare il cinema, il teatro, la poesia, voglio esprimermi con tutti i mezzi, ma voglio farlo da pittore perché dipingere non è un modo di fare ma un modo di essere». In una frase Mambor offre una precisa immagine del suo essere artista. Alla pittura, l'amore di sempre, resterà infatti fedele sino all'ultimo. "Ho conosciuto e frequentato Renato Mambor - ricorda Roberto Casamonti, titolare della Tornabuoni Arte - ogni volta stupendomi per quanto quest'uomo, per molti versi straordinario, sapesse creare vera arte ovunque e su qualsiasi "cosa" si applicasse. Era un artista che aveva l'urgenza di esprimersi e il coraggio di farlo con i media più diversi. Lo stesso Mambor sosteneva che il lavoro di un artista andrebbe letto e considerato innanzitutto a partire dall'oggi, dagli ultimissimi elaborati e dalle riflessioni più recenti.

In tale ottica, è stato naturale pensare a questa mostra considerando i lavori degli anni Sessanta, ma nella raccolta delle opere ho scelto di assecondare il mio istinto e il mio gusto e favorire numerosi pezzi degli anni Novanta e soprattutto Duemila, sino alle grandi installazioni "Tutti sullo stesso piano" e "Fili", che trovo particolarmente importanti ed esemplificative la poetica dell'autore". Mambor, negli oltre 55 anni di impegno artistico, ha rinnovato instancabilmente le forme e approfondito la conoscenza di sé, inventando dispositivi di comunicazione che coinvolgessero lo spettatore, lasciando opere, anche inedite, di grande valore per la contemporaneità. La mostra è arricchita da un volume monografico bilingue (italiano e inglese) edito da Forma e curato da Federico Sardella con testi dello stesso Sardella, di Sara Uboldi e Patrizia Speciale Mambor, oltre una conversazione con Gianna Mazzini. (Comunicato ufficio Stampa Studio Esseci)

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Mirko Baricchi, Giulia Lazzaron
19 ottobre (inaugurazione ore 17.00) - 13 novembre 2019
Galleria 8,75 Artecontemporanea - Reggio Emilia
www.csart.it/875

Mostra bi-personale di Mirko Baricchi (La Spezia, 1970) e Giulia Lazzaron (Milano, 1992), curata da Chiara Serri. «Nelle opere di Mirko Baricchi e Giulia Lazzaron - scrive la curatrice - non c'è indugio nella descrizione, semmai allusione ai colori e alle forme del paesaggio classico, dissolti in liriche distese d'acqua, di terra e di luce, interrotte da inattesi appigli visivi (Baricchi) o da epifanie di animali appartenenti ad un bestiario costruito nel tempo (Lazzaron). Non c'è mimesi. Non c'è riproduzione. Semplicemente un ricordo che diventa opera. Nessun intento narrativo, semmai fare, azione, che apre a strade "altre", ad un mondo liquido, la cui poesia nasce dalla fusione tra interno ed esterno, immaginario dell'artista e suggestioni naturali».

Le opere di Mirko Baricchi presenti in mostra, fatta eccezione per due grandi carte esposte in precedenza al CAMeC La Spezia, fanno parte della serie "Selva", la cui trama pittorica nasce da un duplice gestualità: da un lato l'applicazione del colore acrilico sulla tela attraverso pennellate veloci, dall'altra la parziale rimozione della materia pittorica, procedura che, contrariamente a quanto si potrebbe immaginare, contribuisce anch'essa alla costruzione dell'opera.

La fotografia di Giulia Lazzaron, volutamente aniconica, costituisce la base per incisioni dirette a punta secca o indirette all'acquaforte. La scelta dell'inquadratura e gli interventi in camera oscura le consentono di ottenere un fondo soffuso, quasi un acquario nel quale si muovono animali spesso in via d'estinzione. A partire da fatti di cronaca, l'artista conduce una riflessione sull'impatto dell'uomo sul mondo animale e sulle strategie messe in atto dalla natura stessa per sopravvivere. (Comunicato stampa)

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Fausto Meli: "Perdersi nella notte"
termina il 16 novembre 2019
Galleria Spaziofarini6 - Milano
www.spaziofarini6.com

Una selezione di fotografie, della sua ricerca iniziata nel 2009, che raccontano la magia della notte e del paesaggio notturno. La notte c'insegna infatti ad accettare di "perderci" per accedere a luoghi dove l'aura della natura si preserva. La fotografia diviene allora un esercizio di attesa e di silenzio, un modo per permettere alla realtà di ritrovare una sua magia, un suo linguaggio carico di oscure e inedite sonorità. La notte, nelle sue immagini, diviene luminosa e lunare, a volte squarciata da luci artificiali metafisiche che gettano ombre nette come coltelli affilati. «I fotografi di genio sanno calcolare la durata delle loro istantanee, una durata di rêverie» - scrive Gaston Bachelard.

Così le fotografie di Fausto Meli sono attraversate da un'immaginazione quieta, fluttuante, lontane dalla fretta che ci assilla. Spazi notturni, sguardi notturni, parti di terra interiore osservati come per la prima volta, forse solo immaginati, forse davvero esistenti e visibili solo a chi, come Fausto Meli, ami Perdersi nella notte. Immagini simili a visioni in un buio lacerato da bagliori lontani, sovrastato da un cielo immenso, punteggiato di stelle e pianeti, a volte attraversato dal magico biancore luminescente della Via Lattea. (sunto tratto dal testo critico di Gigliola Foschi). In mostra 13 fotografie digitali a colori, stampe fine art a getto d'inchiostro ai pigmenti (Giclée), su carta Canson Baryta Prestige, in diverse dimensioni ed in edizione limitata di 8 esemplari, firmate e autenticate. (Comunicato stampa)

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Fondazione Sozzani apre una nuova sede a Parigi
Kris Ruhs: "Creation Language"

15-20 ottobre 2019
www.fondazionesozzani.org

La Fondazione Sozzani continuerà il suo programma culturale a Milano e a Parigi. "A quasi trent'anni dall'apertura della Galleria a Milano, desidero affrontare una nuova sfida. È tempo di estendere il percorso culturale della Fondazione in un nuovo spazio, in una città a me cara." (Carla Sozzani)

La Fondazione Sozzani è un'istituzione culturale costituita a Milano da Carla Sozzani nel 2016 per la promozione della fotografia, della cultura, della moda e delle arti. La Fondazione ha assunto il patronato della Galleria Carla Sozzani e intende proseguire il percorso dell'importante funzione pubblica che la galleria svolge da 29 anni. Proseguendo la programmazione della galleria di Milano, che ospita mostre, presentazioni, conferenze ed eventi culturali, la Fondazione Sozzani apre un nuovo spazio a Parigi: un edificio industriale del XIX secolo di 1.000 m2 in un quartiere vibrante della capitale francese, vicino allo storico "Théâtre des Bouffes du Nord", in 22 Rue Marx Dormoy. Creation Language, la nuova installazione ambientale dell'artista americano Kris Ruhs sarà la prima mostra inaugurale. L'opera di Ruhs è stata la mostra inaugurale della Galleria Carla Sozzani a Milano nel 1990. (Comunicato stampa)

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Sguardi: Omaggio a Leonardo
Opere fotografiche di Jitka Hanzlová

termina il 15 dicembre 2019
Museo della Certosa di Pavia

Il Museo della Certosa di Pavia e il Museo di Fotografia Contemporanea propongono un omaggio a Leonardo da Vinci nell'anno in cui si celebrano i 500 anni dalla sua morte: cinque ritratti fotografici realizzati dall'artista ceca Jitka Hanzlová nel 2007 e appartenenti alle collezioni del MuFoCo, a suggerire un dialogo ideale tra la fotografia contemporanea e la ritrattistica rinascimentale. I ritratti di Jitka Hanzlová sono stati realizzati a Palazzo Melzi d'Eril a Vaprio d'Adda e alle chiuse di Cornate d'Adda, dove un tempo visse e lavorò Leonardo: questi luoghi diventano per l'artista un'occasione per riflettere sulla rappresentazione della figura umana in dialogo con il paesaggio. Leonardo, infatti, è stato tra i grandi sperimentatori del ritratto inteso in senso moderno, per la sua capacità di creare un rapporto tra l'ambiente e i personaggi e di donare loro una complessità introspettiva attraverso lo sguardo, i gesti e il movimento appena accennato, tratti capaci di rivelare "i moti dell'animo".

Le fotografie di Jitka Hanzlová, intimamente legate alle atmosfere del ritratto rinascimentale, si caratterizzano per il raffinato taglio compositivo, l'uso calibrato della luce naturale e l'atmosfera magica e sfumata, senza tempo, che li avvolge. Gli sguardi, in particolare, che siano diretti allo spettatore o rivolti verso un orizzonte lontano, conferiscono ai volti un'aria poetica e misteriosa. I personaggi della Hanzlová richiamano immediatamente ai più celebri ritratti come la Gioconda, la Dama con l'ermellino e la Belle Ferronière, ma non c'è traccia del banale esercizio accademico di emulazione e di stile, quanto, piuttosto, di una ricerca artistica sull'individuo e l'identità, tutta giocata intorno ai linguaggi dell'arte contemporanea.

Jitka Hanzlová (Nachod - Repubblica Ceca, 1958), si trasferisce nel 1985 ad Essen, in Germania, dove scopre nella fotografia una forma di espressione semplice e diretta. Tra due vite, due culture, due lingue, due paesaggi, Jitka Hanzlová si affida al linguaggio universale della fotografia per affrontare un'affascinante indagine sulla figura umana e sul paesaggio. Le sue immagini si muovono alla costante ricerca del rapporto che l'individuo ha con l'ambiente dove vive. Nel 2007 partecipa al progetto Storie immaginate in luoghi reali commissionato dal Museo di Fotografia Contemporanea in collaborazione con Fondazione Cariplo e Navigli Lombardi. A novembre 2019 espone la mostra Silences presso la Galleria Nazionale di Praga. (Comunicato stampa)

___ Presentazione di mostre di medesimo argomento pubblicate in questa pagina della newsletter Kritik

Leonardo. La macchina dell'immaginazione
termina il 26 gennaio 2020
Galleria d'Arte Moderna - Palermo
Presentazione

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Radiant. Venti d'Oriente nel manga europeo
termina il 26 gennaio 2020
Palazzo Roncale - Rovigo

Con ampia presenza di capolavori, si rivive il magico impatto del Giappone - si era negli anni '60 dell'800 - sull'arte europea, che non fu più la stessa. Un secolo e più dopo, ecco la seconda "invasione", affidata ai manga che dal Giappone conquistarono il Vecchio Continente e non solo. In entrambi i casi, il percorso è avvenuto nei due sensi. Ed è a questa attualità che si rivolge la mostra. Le forme contemporanee del giapponismo passano attraverso manga e anime. A testimoniare l'influenza dell'estetica giapponese sulla cultura visiva europea del Ventunesimo secolo, un fumetto si è imposto negli ultimi anni tra i principali alfieri della nuova diffusione di stili e modelli dal Giappone: Radiant.

Creato dal francese Tony Valente, Radiant mette in scena un mondo immaginifico popolato da creature cadute dal cielo e da maghi, impegnati nella ricerca della enigmatica 'tana' delle mostruose creature. Un'avventura iniziatica immersa in uno scenario fantastico tipico degli shonen manga giapponesi, condotta da un giovane eroe, costruita per ambientazioni e sfide progressive e ricca di figure frutto di una originale rielaborazione di riferimenti tanto nipponici quanto europei: catastrofi naturali, mutazioni biologiche, medievalismi (sovrani, cavalieri, Inquisizione...). I disegni di Valente, abile interprete della composizione dinamica propria dei manga più influenti del panorama internazionale, offrono una morbidezza della linea tipicamente europea, pur facendo trasparire nel design alcuni grandi modelli giapponesi come Dragon Ball, Hunter X Hunter o Bleach.

Questo equilibrio tra Oriente e Occidente è valso a Radiant diversi premi come migliore opera occidentale in "stile manga", fra cui il premio Daruma al festival Japan Expo 2016 come miglior manga internazionale. La fortuna internazionale di Radiant, prodotta a partire dal 2013 in Francia dall'editore Ankama e pubblicata in Italia da J-Pop Manga, ha inoltre generato per la serie alcuni primati significativi. Si tratta infatti del primo manga francese ad essere stato pubblicato anche in Giappone - con il plauso di autori influenti (Yusuke Murata di One Punch Man e Hiro Mashima di Fairy Tail) - e, fatto ancora più sorprendente, il primo manga francese adattato in una serie in animazione per la tv giapponese. La mostra, inserita nel programma dell'esposizione Giapponismo. Venti d'Oriente nell'arte europea, presenta per la prima volta in Italia un percorso intorno a questo originale manga europeo, in collaborazione con Arcadia Arte, J-Pop Manga e Ankama attraverso tavole originali, illustrazioni, studi di colore e schizzi. L'autore Tony Valente, inoltre, farà visita a Rovigo in occasione della mostra, per incontrare il pubblico e illustrare la genesi e gli sviluppi recenti e futuri di Radiant. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Ivo Stazio, Possibili scenari
19 ottobre (inaugurazione ore 17.00) - 29 ottobre 2019
Vi.P. gallery Milano
www.zamenhofart.it

La mostra, a cura di Virgilio Patarini, e presenta una ventina di opere recenti dell'artista bolognese - da vicoli della città a paesaggi della periferia post-industriale, delle campagne circostanti o di luoghi lontani e immaginari. L'artista è trattato in permanenza dalla Vi.P. Gallery Milano. "Vi è una sottile relazione tra segno, paesaggio e materia nell'opera di Ivo Stazio che costituisce una costante poetica che ha un'eco immediata. Affiora una struttura silenziosa e lirica che crea un felice equilibrio: una sorta di dinamica interna che arricchisce lo sguardo di attese emotive, di ulteriori possibilità. La pittura di Ivo Stazio dà quindi per risolto il problema della rappresentazione, perché ogni paesaggio esterno è qualcosa che ci portiamo dentro". (Valerio Dehò)

Ivo Stazio (Bologna, 1959) fin dagli anni '80 inizia ad esporre in mostre personali e collettive, ottenendo nel tempo riconoscimenti di caratura internazionale. Negli anni successivi conosce ed approfondisce la pittura dei maestri della scuola bolognese che rientrano nel novero degli "Ultimi naturalisti", come rubricato da Francesco Arcangeli: Ilario Rossi, Pompilio Mandelli, Bruno Pulga, Sergio Romiti. Inizia da qui la sua sperimentazione artistica di cui, nel 1997, il critico Valerio Grimaldi, riconosce la continuità pittorica, coloristica e tonale ("Il colore dentro"). Nel 1998 la personalità dell'artista emerge in una mescolanza di "razionalità e passione", analizzata da Franco Basile ne "La luna calpestata" nella quale le metafore si mescolano in un desiderio di fuga dalla realtà, per sognare, fuggire lontano "non ha importanza se la luna non è più la stessa, basta un'ombra per ritrovare il ricordo e ritrovare, forse, parte di ciò che si è perso".

In questa ambivalenza tra sogno e realtà le luci, le dimensioni, i colori, i paesaggi si muovono in assoluta libertà. Nel 2002 Adriano Baccilieri ripercorre l'opera di Ivo Stazio in un itinerario che parte dal punto in cui si perdono le immagini degli anni novanta e nasce la pittura dei momenti lirici all'interno dei quali l'Informale viene utilizzato e piegato al figurativo contemporaneo. Negli anni che seguono, tra gli altri importanti critici che si dedicano all'artista figura Valerio Dehò che tra l'altro scrive: "la scelta cromatica di Ivo Stazio degli ultimi anni si basa su colorazioni incisive, contrastanti e cupe, colori graffianti, che incidono la tela lasciando trapelare la luce nelle morbide colorazioni. Un procedimento lento nel quale l'artista focalizza la sua attenzione alla trama, al colore, alla materia. Una ricerca che continua tutt'oggi volta a scoprire qualcosa di genuino, tra i diversi linguaggi quali la sabbia, la terra, il catrame, il gesso, in una sinfonia poetica della materia". (Comunicato stampa)

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Dalle Tracce ai Sogni
termina lo 07 novembre 2019
MUSAP Museo degli Artisti Polesani (Cittadella della Cultura) - Lendinara

L'esposizione, ideata e curata dal Dott. Guido Signorini critico e storico dell'arte, direttore del Museo degli Artisti Polesani di Lendinara, presenta una selezione di acqueforti di Ermes Bajoni e Roberta Zamboni, prestigiosi artisti le cui opere sono state acquisite da importante musei di tutto il mondo. L'ambiente e il mondo fantastico e surreale sono i soggetti proposti.

«Il lavoro artistico di Bajoni inizia a metà degli anni '60 operando prima in grafica e solo in un secondo tempo in pittura. Ritorna poi alla grafica e a partire dal 1988 si interessa soprattutto di linguaggio incisorio producendo, fino ad oggi, circa 300 lastre calcografiche. In questi trenta anni ha partecipato ad oltre 300 mostre di grafica ed è presente in catalogo alle più importanti rassegne internazionali. Fra le varie pubblicazioni che riguardano l'opera incisoria di Bajoni va ricordato la sua presenza in tutti i volumi del "Repertorio degli Incisori Italiani", nel "Dizionario della Stampa d'Arte" di P. Bellini, in "Guida all'Acquaforte Italiana", in "Grafica oggi, Viaggio nell'italia dell'Incisione", e in "Il mistero delle cose - l'oggetto e la sua anima da Durer a Ferroni".» (Ermes Bajoni)

«Incisore e pittrice, si forma presso La Bottega di G. Maestri a Ravenna e presso lo studio di E. Bajoni a Bagnacavallo (Ravenna). Si dedica all'arte dell'incisione dal 2000 realizzando circa 250 matrici e operando inizialmente attraverso le tecniche della puntasecca e successivamente dell'acquaforte, che ha sviluppato ed elaborato lavorando su tematiche sociali e ambientali, ottenendo ampi consensi a livello internazionale. È presente alle numerose manifestazioni nazionali e internazionali.» (Roberta Zamboni)

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Giuseppe Onesti: "Affreschi su tavole"
19 ottobre (inaugurazione ore 11.30) - 22 dicembre 2019
Associazione Culturale "la roggia" - Pordenone

Giuseppe Onesti (S. Giovanni - Casarsa della Delizia, 1944) ha frequentato l'Accademia di Belle Arti di Tandil in Argentina dove ha vissuto per dieci anni. Rientrato in Italia inizia ad esporre i suoi primi lavori nel 1964 realizzando da allora più di 800 mostre (tra personali e collettive) non solo in Italia ma anche in molti paesi europei (Austria, Francia, Germania, Russia, Slovenia, Spagna ecc.) e di oltre oceano (Argentina, Canada, Giappone, USA) affiancando alla sua prevalente attività di pittore numerose installazioni, performances e happenings. Nel 1980 e nel 1987 ottiene due significative segnalazioni nell'Enciclopedia Monografica del Friuli Venezia Giulia. Nel 1991 viene scelto quale artista più giovane fra gli operatori nati nel dopoguerra in provincia di Pordenone a rappresentare la generazione degli anni '40 nella prestigiosa mostra "Capi d'Opera" (pittura e scultura dal 1945 agli anni '80). Nel 2000 il "Menocchio" di Montereale Valcellina nella collana dei "Quaderni del gallo forcello" pubblica una decina dei suoi lavori del ciclo "Polenta & Co,". Nel 2001 é segnalato nel libro "Friuli Venezia Giulia L'Arte del Novecento" edito dalla Biblioteca dell'Immagine.

Nel 2003 una sua installazione pittorica viene pubblicata con testo critico e relativa immagine nel libro "Esperienza estetica e divenire umano" curato dal Dipartimento di Scienza dell'Educazione della Facoltà di Scienze della Formazione dell'Università di Padova. Nella sua ormai pluriennale attività sempre attenta alle emergenze della sperimentazione e alle nuove tensioni nello specifico della pittura, Onesti ha saputo mettersi in luce dando vita a una impegnativa serie di cicli creativi fra cui si ricordano "Uccelli", "Naturale/Artificiale", "Polenta & Co.", "Il fiume" e l'attuale "Dreams & Colors". Da segnalare, inoltre, le seguenti partecipazioni: "Continuum" Palazzo Consiglio Regionale Trieste - 2010, "Arte Contemporanea In Friuli Venezia Giulia" Villa Manin di Passamano - 2011 "Una storia a regola d'arte" alla Galleria Sagittaria di Pordenone - 2014, "Maestri a nordest" Rassegna regionale - San Giovanni di Casarsa 2016, "Percorsi" Castello di Kormend (Ungheria) e Palazzo Cecchini - Cordovado 2017. (Comunicato stampa)

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Ciriaca+Erre: "What about herstory?"
Lugano, 07 ottobre - 07 novembre 2019
www.ciriacaerre.com

L'artista Ciriaca+Erre, in occasione del 50° anniversario del suffragio femminile in Ticino, interviene con un nuovo progetto artistico su ampia scala realizzato con il Patrocinio del Comune di Lugano. L'installazione urbana, che coinvolge l'intera Città, si compone di una serie di manifesti, le cui immagini trattano il tema dell'evoluzione dell'identità femminile per ricordare una data storica e sociale molto significativa: il 19 ottobre 1969 quando per la prima volta le donne poterono votare in Ticino, ben due anni prima rispetto alla Confederazione elvetica. Il progetto è supportato dalla Poincaré, società svizzera impegnata nel settore delle arti e dello sport, da sempre attenta a promuovere e sostenere gli artisti talentuosi e i progetti con una componente etico sociale importante. Il titolo dell'installazione urbana si contrappone all'utilizzo linguistico volto al maschile della parola History, storia in inglese, una sequenza di azioni e fatti gloriosi compiuti da uomini dove il ruolo delle donne viene completamente omesso.

Per riflettere su questo e sui diritti conquistati faticosamente dalle donne, l'artista ha creato una serie di manifesti pubblicitari tratti da still dei frames di due sue opere video: Suspended Women (2016) e Suspended Witches (2017). Le immagini di archivio delle lotte delle suffragette si alternano a spot sessisti degli anni 50 a immagini contemporanee delle donne africane che ancora oggi vengono esiliate dai loro villaggi perché considerate streghe (tratte dalle riprese video che l'artista ha filmato personalmente), ad altre immagini evocative. Il tema delle streghe si relaziona con la Svizzera in quanto è stato l'ultimo Paese nel 1792 a condannare a morte una donna con l'accusa di stregoneria e il primo governo al mondo nel 2008 a riabilitarla riconoscendo quella condanna come un «assassinio giudiziario». Ciriaca+Erre interviene così nel tessuto iconografico della Città per il dovere di compiere un'azione che possa innescare dubbi ed interrogativi, portando l'arte fuori dai luoghi ad essa deputati e scuotendo l'animo dell'osservatore che si ritroverà a riflettere su un tema così importante e complesso.

La curatrice del progetto, Paola Ugolini, afferma a questo proposito: "In questo mondo in cui la levigatezza e il piacevole sono diventati il segno distintivo del nostro tempo, basti pensare agli schermi dei nostri I-phone meravigliosamente privi di asperità e ai like che la nuova società digitale ci impone nelle relazioni sociali via etere, le affissioni di Ciriaca+Erre ridanno dignità alla vista disturbandola. L'opera d'arte deve provocare un urto, una scossa in chi la guarda e le inaspettate immagini selezionate dall'artista mi auguro che possano servire esattamente a questo: scuotere". I manifesti saranno posizionati in diversi punti strategici quali l'ingresso della stazione centrale di Lugano attraverso una grande affissione, sul lungolago e in diverse altre zone di passaggio, grazie al sostegno dello sponsor tecnico Apg|Sga. Il progetto è curato da Paola Ugolini: critico d'arte e curatrice indipendente, ha curato numerose mostre e progetti artistici concentrandosi principalmente sul lavoro delle artiste, la videoarte e l'uso del corpo nella performance art e nell'arte femminista.

Ciriaca+Erre (Matera, 1973), recentemente insignita del Premio Artista Bally 2018, ha ricevuto numerosi riconoscimenti, tra cui: finalista al Mostyn Visual Arts Centre/Galles,UK (2015), Menzione Speciale del Premio Terna Italia (2010), Finalista Premio Cairo Italia (2001). Ha partecipato al Padiglione Tibet, evento parallelo della 55° Biennale d'Arte/Venezia (2013). Ha esposto in differenti musei e gallerie. (Comunicato ufficio stampa Roberta Riassetto)

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Giancarlo Bertoncini: "Ipotesi di assoluto"
23 ottobre (inaugurazione ore 18.00) - 08 novembre 2019
Studio Arte Fuori Centro - Roma
www.artefuoricentro.it

Che "l'occhio ascolti", notava Lyotard a proposito di Claudel, presuppone una leggibilità delle cose, pur nel loro substrato, una razionalità, anche se latente e variamente perseguibile. "Di contro - aggiungeva - affermo che il dato non è un testo, anzi vi è in esso uno spessore, o meglio, una differenza costitutiva che è da vedere, non da leggere; inoltre che questa differenza, e la mobilità immobile che rivela, non finiscono mai di esaurirsi nel significare il dato." (1) Per Bertoncini questa intellegibilità desiderabile per l'occhio e non integralmente afferrabile e trasmissibile in termini linguistici narrativi, è un'ipotesi. Partito dall'esperienza intensa e seria di ArteRicerca (1976-81), con Bruno Sullo (Subro), Massimo Zannoni (Zama), dopo lunghi anni dedicati allo studio e all'attività didattica, Giancarlo Bertoncini affronta nuove esplorazioni cognitive attraverso la pittura, prima immergendosi nel colore e nella materia pittorica fino a saggiarne la rispondenza alle diverse istanze emotive, letterarie e simboliche raccolte lungo un tragitto compiuto come osservando, acutamente, la distesa marina dalla terraferma.

Poi, la sua pittura diventa più spoglia e vibrante. Non teme di contendere al bianco la superficie della tela, impaginandovi sopra una struttura monocroma asimmetrica, dipinta con un pigmento squillante, disteso a larghe campiture. Il tracciato del colore compone l'immagine e non restituisce alcuna figurazione. Arriva a lambire in alcuni punti il perimetro della tela, secondo un andamento che corrisponde ad una logica puramente visiva. La pittura è aniconica, priva di qualsiasi rappresentazione, di qualsiasi segno o traccia che rimandi ad un significato simbolico, fosse anche quello assolutamente asettico e inespressivo della "segnaletica stradale". Si colloca proprio su questa stessa linea di pittura analitica, inaugurata dai "Target" di Jasper Johns ma perseguita, con sentimento decisamente meno "pop" da Kenneth Noland e da Wilfred Gaul e risalente alla ricerca di inespressività complessa di Frank Stella.

La pittura di Bertoncini affonda le sue radici in questo humus pittorico e concettuale. "Per l'arte dei primi anni sessanta - come afferma Rosalind Krauss - questa idea di disancorare il disegno (o le differenziazioni interne di una superficie pittorica) dall'espressione e quindi dall'interiorità, diventò una preoccupazione di massima importanza" (2). Una analoga tensione ha sostenuto la linea di ricerca analitica della cosiddetta "Nuova pittura" o "Pittura pittura", presente in molte esposizioni d'arte negli anni Settanta e Ottanta, poi sopravanzata, in termini di mercato, dal nuovo espressionismo della Transavanguardia. (3) Bertoncini stesso, in un suo scritto (4), ha esplicitato le affinità con questa linea protesa alla negazione, ad una disarticolazione dell'impaginato tradizionale dell'illusionismo figurativo. L'esito del fare pittorico risulta una forma organizzata di occupazione dello spazio, senza illusioni né allusioni. Questa pittura tuttavia costruisce. Ed è capace di racchiudere in sé il vuoto. Non fugge di fronte all' horror vacui, ma lo affronta; se ne fa carico. (5)

Accade quanto osserva Angela Vettese per Morris Louis, che "il vuoto centrale dell'opera si rivela quasi uno spazio mistico"". (6) E' il vuoto, ovvero l'assenza di ideologia (ma certamente non di pensiero!), a costituire il centro focale, l'ipotetico asse prospettico di un disegno che rappresenta la radicale privazione di prospettive dell'epoca che stiamo vivendo e che l'artista sembra dipingere sulla tela. Eppure la sua pittura tradisce fiducia nel linguaggio e nella forza creativa, logica e argomentativa di cui l'essere umano dispone; il vuoto che coglie non è assoluto, non ha, a ben vedere, il carattere mistico che Vettese intravvede nelle opere di Louis, che risentono delle riflessioni pittoriche di Barnett Newman, Mark Rothko e Ad Reinhardt. In questo, il lavoro di Bertoncini è più vicino a quello di Wilfred Gaul, che ha inserito "nelle sue immagini, per principio ancora monocrome, delle zone di altri colori come strisce, figure rotonde o motivi a bersagli rotondi, compiendo così il passaggio alla struttura composta.

Non è più il processo pittorico a trovarsi in primo piano, ma la formulazione di strutture formali". (7) L'oggetto rappresentato è insieme pittura e idea, una "cosa mentale", che risiede in una dimensione dove il concetto attende di essere chiarificato, raggiunto, afferrato, anche se il pieno compimento di questo processo non è che un'ipotesi, cui tendere "sulla soglia". La visione è l'azione dello sguardo e della mente che dipinge e restituisce nel suo fare l'impulso all'assoluto. Il quadro sostiene e contiene, compresenti, tutti i punti da cui possono scaturire linee di forza scaturite dal pensiero, da soppesare, sospendere nella visione e nel raggiungimento di un equilibrio. Accoglie l'assenza che si fa immagine, un vuoto attivo, dinamico che, nella sua centralità, arriva a sospingere ai margini il disegno tracciato dal colore: l'assoluto non è solo una tensione, ma possibilità di un dissolvimento delle certezze cui ancorarsi. (Presentazione di Maria Francesca Pepi)

___ Note

- 1. J. F. Lyotard, Il partito preso del figurale, in I percorsi delle forme, a cura di M. Mazzocut-Mis, Milano, B. Mondadori, 1997, p.191 in Discorso, figura, cura e trad. it. di E. Franzini e F. Mariani Zini, Milano, Unicopli, 1988.

- 2. Conclude il ragionamento Krauss: "Ciò è vero, per esempio, per l'opera di Frank Stella, le cui idee sul modernismo si formarono a partire dall'opera di Johns", in R. Krauss, Inventario perpetuo, Milano, Bruno Mondadori 2011, p. 223.

- 3. Cfr. Pittura analitica, a cura di V. W. Feierabend, M. Meneguzzo, Milano, Silvana Editoriale 2008.

- 4. Gruppo ArteRicerca, (Milano), Istituto editoriale universitario (1976), pp. 6-7.

- 5. Questa tensione alla sottrazione di immagini, messaggi e rumori derivati dall'iperproduzione postindustriale e dalla società dei consumi di massa, affonda le radici nella pittura americana del Secondo dopoguerra e, piuttosto che horror pleni, si potrebbe definire amor vacui. Cfr. G. Dorfles, Horror pleni. La (in)civiltà del rumore, Roma, Castelvecchi 2008

- 6. A. Vettese, Capire l'arte contemporanea. Dal 1945 ad oggi, Torino, Allemandi 1998, p.46

- 7. R. Lauter, Wilfred Gaul o l'inizio della Pittura Analitica. Opere degli anni 1953-1961, in E. Crispolti, R. Lauter, R. Peccolo, "Wilfred Gaul. Due anni a Roma. Opere 1959-1962", cat. della mostra, Roma, Galleria Anna D'Ascanio, 16 mag.-30 giu.; Livorno, Galleria Peccolo, 7 sett.-11 ott. 2013, Livorno, Edizioni Peccolo 2013, p.9

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Valente Taddei: "Solilunio"
termina il 31 ottobre 2019
Galleria Grafica Manzoni - Torino

Personale del pittore viareggino. In esposizione una serie di recenti dipinti a olio e china su carta: sintetici lavori dal taglio narrativo, nei quali un minuscolo individuo si ritrova in situazioni costantemente in bilico tra ironia e paradosso. L'artista propone una lettura metaforica della condizione umana, sdrammatizzando, con sottile ironia, il senso di caducità che l'uomo può provare dinanzi al proprio destino.

Valente Taddei (1964), diplomato all'Accademia di Belle Arti di Carrara, ha all'attivo un nutrito curriculum espositivo, con numerose personali e collettive sia in Italia che all'estero. Ha realizzato illustrazioni per copertine di libri (per i tipi di: Mauro Baroni Editore, Viareggio; Giulio Einaudi Editore, Torino; Alberto Gaffi Editore, Roma; FrancoAngeli Edizioni, Milano) e cd musicali, per riviste (Notizie Lavazza, Cfr:), per siti Internet. Ha realizzato il logo e il manifesto ufficiale dell'edizione 2013 di EuropaCinema, festival cinematografico internazionale con sede a Viareggio, e il manifesto ufficiale del Carnevale Pietrasantino 2014. Le sue opere sono esposte in permanenza alla galleria Mercurio Arte Contemporanea di Viareggio. La mostra è corredata di catalogo con testo critico di Edmondo Bertaina. (Comunicato stampa)

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Contrappunti di emozioni (dialoghi astratti con Carla Prina)
Personale di Lorena Ulpiani

termina il 24 ottobre 2019
Galleria "Arianna Sartori" - Mantova
info@ariannasartori.191.it

Dichiarare un viscerale amore per il colore appare un atteggiamento in contro-tendenza in questi tempi. Specie se si tratta di arte lontanissima da atmosfere di sapore minimalista-retorica, post concettuale o da seduzioni fotografiche da web art. Lorena Ulpiani in questa esposizione ha la pretesa di raccordare con ossimori apparentemente scontati, ma molto comuni nel mondo dell'arte figurativa, una pluralità di motivi stilistici inseriti in un contesto espressino, con effetti allusivi e suggestivi, sintetizzati nella parola "contrappunti". Non ci porti fuori contesto la presenza delle opere ancora reperibili di Carla Prina che non è, e non vuole essere letta come un confronto o peggio uno specchietto che strizza l'occhio a un trend di mercato, ma la testimonianza di un sincero dialogo che Lorena ha portato sul piano della riflessione pittorica come espressione emozionale del colore, (per altro non sicuramente una novità per la nostra artista).

Scrivevo un po' di tempo fa in merito alla mostra "appunti di colore"... nelle tele di Lorena Ulpiani si può dire in generale che la soluzione sia nelle geometriche campiture monocromatiche che realizzano un annullamento della opposizione sfondo-figura, quest'ultima intesa come ciò che appare, ciò che, nel monocromo, quasi mossa da una forza centrifuga, si dilata fino a perdere la sua integrità scenica annullando ciò che convenzionalmente si intende attività pittorica, ma magistralmente recuperata da una matericità e un uso sapiente del colore. Ritengo che questa chiave di lettura del lavoro attuale sia ancora valida, per quanto possa sembrare ampliato, cambiato e, a tratti, apparentemente contraddittorio.

L'asse portante del suo lavoro, per quanto spinto da una tumultuosità espressiva, rimane un'osmosi che la circonda e che assorbe e elabora quotidianamente sia essa pittura, letteratura, musica, o qualsiasi altra forma espressiva. Io non so cosa dipingerà Lorena domani, ma so che nella sua autonomia espressiva ci farà sempre apparire un qualificante rapporto di affinità tra il fare artistico, la cultura letteraria, la poesia, con una intersezione fra comunicazione scritta e visiva, nell'ambito puramente emozionale. I suoi lavori sono e rimarranno sempre frammenti, specchi di un suo mondo interiore, col quale possiamo dialogare, e ritrovarci fino a riconoscerci in quella parte più recondita del nostro sentire. (Pier Luigi Gentilini)

Lorena Ulpiani (Montefiore dell'Aso - Ascoli Piceno, 1959), marchegiana d'origine e padovana d'adozione, figlia di una pittrice, studia lettere con indirizzo artistico, laureata all'Università di Verona, giornalista professionista. Il suo interesse per i diritti umani la porta a lavorare per i Cree, popolo nativo del Nord del Quebec. Affascinata dal linguaggio geometrico, ne studia gli aspetti legati al colore. Così come li studia in tanta arte sacra, dall'Europa alla Cina, al Tibet. L'ingresso nel mercato dell'arte, arriva quasi per caso nel 2011 a Cortina d'Ampezzo (Belluno). Nel 2014 la scelta più impegnativa, lascia la redazione. Nel 2019, spacca le geometrie e sviluppa il disegno che affianca l'olio, mostrando interesse per l'informale. La pittrice conferma il filo emozionale alla base della sua ricerca, libero da vincoli di tecnica o di linguaggio. Emozionalità che si esprime anche in poesia: nel 2017 la prima raccolta. Sue opere sono presenti in collezioni pubbliche e private in Italia e all'estero. La mostra "Contrappunti di emozioni" è a cura di Arianna Sartori. (Comunicato stampa)

___ Altre mostre e iniziative della Galleria Sartori presentate nella newsletter Kritik

Catalogo Sartori d'arte moderna e contemporanea 2019
219 artisti recensiti, pp. 232, con 587 illustrazioni a colori
Presentazione

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George Maciunas
"Zefiro torna. L'utopia Maciunas"

termina il 10 gennaio 2020
UnimediaModern - Genova

«1970-2020... Una storia lunga una vita. UnimediaModern è stata aperta da Caterina Gualco nel novembre 1970. Sta quindi iniziando la cinquantesima stagione della sua esistenza. La scelta della personale di George Maciunas come prima mostra non vuole indicare una preferenza, ma soltanto colmare un vuoto... Durante i 40 anni in cui ci siano occupati di Fluxus, non abbiamo mai fatto una personale di Maciunas; Mister Fluxus merita questa scelta e siamo certi che gli altri artisti non avranno nulla da eccepire. Il titolo della mostra è "Zefiro torna. L'utopia Maciunas". Antonio d'Avossa, che ne è il curatore cita Jonas Mekas e il suo film, il cui sottotitolo è "The life and work of Fluxus artist George Maciunas as seen in clips filmed between 1952 and 1978".

Sarà pubblicato un catalogo con testi di Antonio d'Avossa, Bertrand Clavez, Philip Corner, Caterina Gualco, Billie Maciunas, Gino Di Maggio, Henry Martin e Ben Vautier. Presenteremo il catalogo in una data da comunicare. Per l'occasione ci sarà la proiezione del film di Mekas e la riedizione di alcune performance della Golden Age of Fluxus, curata da Mauro Panichella. La mostra si inaugura il 12 ottobre 2019, data in cui verrà presentata anche "Piazzetta Contemporanea", la realtà che vede in Piazza Invrea un polo del contemporaneo.» (Caterina Gualco)

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«1970-2020... A Story as Long as a Life. UnimediaModern first opened its doors in November, 1970, which means, of course, that it's now at the start of its fiftieth season. Opening this season with a George Maciunas show isn't, therefore, to be taken as a sign of any personal preference, and instead is simply a question of correcting an omission. During forty years of attention to Fluxus, we have never before presented a solo Maciunas show. Mister Fluxus surely deserves we make amends, and we'll surely enjoy the agreement of all the other Fluxus artists.

The exhibition is entitled "Zephyrus Returns. The Maciunas Utopia." Antonio d'Avossa, its curator, here refers back to Jonas Mekas and the film that bears the subtitle, "The life and work of Fluxus artist George Maciunas as seen in clips filmed between 1952 and 1978." The exhibition will be accompanied by a catalogue with texts by Antonio d'Avossa, Bertrand Clavez, Philip Corner, Caterina Gualco, Billie Maciunas, Gino Di Maggio, Henry Martin e Ben Vautier. The date of the catalogue's presentation remains to be announced, and the occasion will include a screening of Jonas Mekas' film as well as a re-edition of a number of performances from the Golden Age of Fluxus, curated by Mauro Panichella.» (Caterina Gualco)

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Ultra limina leti - Oltre le porte della morte. L'ultimo viaggio dei cittadini di Scolacium
20 ottobre 2019
Museo e Parco Archeologico Nazionale di Scolacium - Roccelletta di Borgia (Catanzaro)

Allestimento temporaneo della mostra. Saranno presentati reperti provenienti dalla necropoli di Scolacium. Le necropoli di Scolacium testimoniano l'importanza del centro. Con la crescita economica e sociale della città si organizzarono e iniziarono ad estendersi anche le "città dei morti". Le ricerche archeologiche hanno permesso di scoprire le diverse tipologie di sepolcri, dalle inumazioni alle tombe ad incinerazione, fino ai mausolei monumentali che, lungo le vie e sotto gli occhi dei cittadini, plasmavano la fisionomia del suburbio e erano uno dei punti di riferimento per i viaggiatori. Il contesto proposto per rappresentare l'ultimo viaggio proviene dalla necropoli sud-est, che ha restituito sepolture databili tra il I secolo a.C. e il IV secolo d.C.: una tomba ad inumazione in cassone di mattoni e due urne cinerarie (in terracotta e in lamina di piombo) con i loro corredi, manufatti in vetro deposti insieme alla salma e alcuni oggetti rinvenuti fusi all'esterno delle tombe, in relazione ai rituali post mortem. (Comunicato stampa)

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Ricardo Carioba
Non Linear Spatial Normalizations

termina il 23 novembre 2019
FuturDome - Milano
www.futurdome.org

Quindici installazioni interamente attraversabili, una serie di lavori fotografici e un progetto specificatamente creato per FuturDome. Nell'oscurità del piano interrato, Ricardo Carioba (São Paulo, 1976) amplifica la percezione dei legami tra suoni e immagini, basandosi sulle informazioni visive derivanti tanto dallo sguardo quanto dall'acustica sonora. Il livello armonico e il piano visuale creeranno una connessione stereofonica tra i nostri occhi e le nostre orecchie, dispiegando le fondamenta della spazialità e della percezione. L'intento è di rivelare le frequenze di onde sonore e luminose, nel vuoto, attraverso l'immagine dello spazio e la sua narrazione. Il nuovo video verrà disposto attraverso un'intrigante struttura circolare, suddivisa in due parti, con l'intento di far dialogare indipendentemente i due emisferi del cervello umano.

Il suono sarà alla ricerca di onde sinusoidali disegnate in strutture armoniche, così come ambienti scultorei ed interventi ritmici. In fine, il video analizza il suono in tempo reale e crea uno stato di sincronizzazione latente fra le frequenze in Non Linear Spatial Normalizations, il contesto diventa l'opera, non per estendere lo spazio artistico o pervadere la città, ma per trovare un tempo e un luogo assieme a coloro che attraverseranno il percorso, là dove ogni significato del suono e della luce tenderà a riformularsi. Il titolo della mostra, a cura di Atto Belloli Ardessi e Ginevra Bria, fa riferimento alla tecnica di Normalizzazione Spaziale, che viene spesso eseguita nel neuroimaging funzionale, adoperato nella scansione cerebrale. Il ricercatore la esegue per determinare quali siano le aree che comunemente si attivano quando molteplici soggetti umani eseguono gli stessi compiti o vengono stimolati allo stesso modo.

La ripiegatura non lineare, si attua invece a posteriori per poter contrastare la deformazione che le immagini del paziente possono presentare (a causa della respirazione, alterazioni anatomiche, movimenti e molti altri fattori). Se nell'imaging neuro-medico, il confronto tra aree di percezione simili è ampiamente utilizzato, la scelta di una particolare modalità di misurazione delle similitudini è un parametro anche assimilabile alla pratica di Ricardo Carioba. Nel suo lavoro il visitatore diventa un co-costruttore che conferisce un'identità innata al connubio tra suono e luce. Questo approccio offre tanti livelli di lettura quante saranno le persone che interagiscono con esso. Perché Carioba cerca una lingua che potrebbe vivere in uno spazio determinato e artificiale in grado di collegare tra loro persone che non si conoscono, in ambienti inquietantemente familiari.

In Non Linear Spatial Normalizations, le rifrazioni della luce come in Sem título (2014), potranno essere manipolate in termini di velocità, grazie alla posizione geometrica del foro al centro di ciascuna proiezione; di conseguenza, le singole unità acustiche intrinsecamente autonome, formeranno un registro visuale infinitamente variabile. La struttura artistica delineerà una fornitura di materia selettiva; quel che poi accadrà con questo materiale, quali suoni veranno prodotti utilizzandolo, non è prevedibile, ma ogni volta si conformerà come il prodotto unico del caso. Carioba ha sviluppato, infatti, un sistema di notazione radicale e minimalista per questo lavoro: una grammatica visiva in cui il linguaggio è presentato come una disposizione di spettrografie non lineari.

L'artista ha concepito un campionamento e un paesaggio visivo, studiati site-specific per l'edificio di FuturDome: lo spazio principale mostrerà progetti audiovisivi, orchestrati come un insieme sinfonico, testando i limiti della percezione e visualizzando i flussi di dati invisibili che permeano il nostro mondo. Per la sua prima mostra monografica in Europa, Carioba compone in modo elaborato suoni, elementi visivi, materie invisibili, fenomeni fisici e nozioni matematiche secondo installazioni avvolgenti e foto inedite. Accanto a puri ambienti musicali, Carioba ha lavorato a progetti di installazione a lungo termine: Perspectiva Sobre Fundo Negro (2010) composto da immagini in movimento, sculture, suoni e nuovi media che esplorano il modo in cui le visioni astratte della realtà vengono utilizzate per codificare, comprendere e controllare l'universo del vuoto.

Mentre la serie Nervo (2017) è costituita da interventi su larga scala che impiegano un'intensa luce bianca come materiale scultoreo, in grado di trasformare diversi luoghi privati in dimensioni pubbliche, come accaduto in Brasile. Negli spazi FuturDome, la dialettica tra suono e luce nella pratica di Ricardo Carioba assume un'ulteriore concretezza, in particolare nelle sculture diffuse di Horizonte Negro (2013) che mettono in contatto le speculazioni matematiche e geometriche neoplatoniche del profilo del mondo con il dibattito contemporaneo sulle dimensioni acustiche dell'architettura. Il letterale e il metaforico, la mente e il mondo, la scienza e l'arte rinascono. Allo stesso tempo scientifico ed estetico, questo percorso di Carioba attraversa il divario tra suono e visione guidato da epifanie che sono direttamente fisiche, accessibili al pubblico e che rimangono manifestamente sensoriali. Éter (2011) si presenta come il coronamento del procedere sinestetico di Carioba, moltiplicando intuizioni poetiche e storiche all'ennesima potenza. (Comunicato stampa Lara Facco P&C)

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Albrecht Dürer
Il privilegio dell'inquietudine

termina il 19 gennaio 2020
Museo Civico delle Cappuccine - Bagnacavallo (Ravenna)

Albrecht Dürer (1471-1528) è il "padre nobile" del pensiero grafico, colui che ha saputo innalzare il disegno e l'incisione a espressione artistica non più ancella della pittura, ma pienamente libera e autonoma. Lo riconosceva lo stesso Max Klinger: «Un'opera grafica di Dürer non si riferisce né a un quadro replicato, né traduce sensazioni di colore in forme estranee alla tecnica adottata. È compiuta in se stessa e definitiva, priva solo di quanto l'idea, eternamente inarrivabile, rifiuta alle possibilità di ogni artista». Il progetto espositivo, a cura di Patrizia Foglia e Diego Galizzi, si pone come un invito ad incontrare le diverse anime di Dürer, sia come uomo che come artista. La sua personalità, il suo spirito e naturalmente la sua arte non sono semplici da cogliere nella loro unità. La critica lo ha definito ora un umanista, ora un gotico, ora un artigiano, ora un teorico: la verità è che non è possibile separare le sue singole anime, era tutto questo insieme, aveva in sé l'eterna contraddizione che contraddistingue i più grandi artisti.

È in una Germania ancora permeata da uno spirito gotico e medievale che prende il via l'avventura artistica di Albrecht Dürer, un genio inquieto, un talento dell'arte nordica fatalmente attratto dall'arte rinascimentale italiana e insolitamente disposto alla ricerca teorica e scientifica. Non fosse stato per l'influenza dell'intellettuale e amico Willibald Pirckheimer, probabilmente quest'umile figlio di un artigiano orafo avrebbe orientato i suoi interessi artistici verso Nord, verso la lezione fiamminga, come molti altri artisti suoi conterranei. Invece Pirckheimer lo orientò alla dimensione culturale del nostro Rinascimento, spalancando la mente dell'artista a ricerche a lui aliene, in primo luogo quella tesa a carpire i segreti della rappresentazione dello spazio e della bellezza. Ciò è stato possibile essenzialmente per un motivo: Dürer, come Leonardo, era un ricercatore universale, continuamente ansioso di produrre cose nuove, aveva, come diceva Carl Gustav Carus, «un anelito incessante verso una perfezione irraggiungibile e un'acuta coscienza di problemi insolubili».

Per Dürer l'arte incisoria fu il mezzo ideale per trasmettere una nuova iconografia, sacra o profana, un modo modernissimo per dialogare con il proprio tempo, con la contemporaneità di quel Rinascimento che era caratterizzato dall'avventura del sapere. Il taglio che i curatori hanno voluto dare all'allestimento offre al pubblico molto più che una rassegna di opere d'arte, ma un vero e proprio racconto, che procede attraverso dieci sezioni tematiche, immergendo il visitatore nel visionario sogno di perfezione di un ragazzo, figlio di un umile orafo di Norimberga, che ha voluto inseguire il suo desiderio di appropriarsi dei segreti della rappresentazione della bellezza. «In stretto collegamento con la mostra - anticipa Galizzi - dal 14 dicembre il museo ospiterà un eccezionale e attesissimo ritorno, quello della Madonna del Patrocinio di Albrecht Dürer, un vero capolavoro pittorico che dopo 50 anni torna dalla Fondazione Magnani Rocca alla sede dove si trovava custodita fino al 1969, ovvero l'ex monastero delle suore Clarisse Cappuccine di Bagnacavallo, oggi museo civico cittadino.» (Comunicato stampa Lara Facco P&C)

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Sophia Pompéry: "Ground Control"
termina il 17 novembre 2019
Kanalidarte - Brescia
www.kanalidarte.com

Prima mostra personale in Italia dell'artista berlinese Sophia Pompéry (1984). Presenta una serie di opere con l'utilizzo di diversi media - installazioni, video e fotografia - che riflettono sugli elementi acqua e fuoco. Sophia Pompéry inizia la sua carriera come una delle prime studentesse dell'Institut für Raumexperimente (Istituto per gli esperimenti spaziali), sotto la direzione di Olafur Eliasson. I suoi lavori sono stati esposti allo Stedelijk Museum, alla Neue Nationalgalerie Berlin, all'Akademie der Künste Berlin e al Nassauischer Kunstverein Wiesbaden, tra gli altri. Le sue sono opere sottili e ambigue che hanno origine da osservazioni scientifiche. Pompéry esplora in modo esaustivo i fenomeni della fisica dal punto di vista percettivo: con l'inclinazione per l'assurdo illustra l'inaffidabilità, l'ambivalenza e l'enigma della percezione. L'inversione e la trasformazione dei media sono aspetti importanti nelle opere minimaliste e raffinate di Pompéry, in grado di collegare abilmente i campi dell'arte, della filosofia e della fisica. Quasi incidentalmente e con una formalità unica, Pompéry utilizza fenomeni quotidiani per illuminare grandi questioni filosofiche. (Comunicato stampa)

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With the exhibition "Ground Control", Kanalidarte is pleased to present Berlin artist Sophia Pompéry's first solo show in Italy. The exhibition presents a series of works in differing media - installations, video and photography - that reflect upon the elements water and fire. Sophia Pompéry (1984) began her career as one of the first students of the Institut für Raumexperimente (Institute for Spatial Experiments), under the direction of Olafur Eliasson. Her work has shown at the Stedelijk Museum, the Neue Nationalgalerie Berlin, Akademie der Künste Berlin and at the Nassauischer Kunstverein Wiesbaden, amongst others - and thesesubtle and ambiguous works have their origin in scientific observations. Pompéry explores this comprehensively from a perceptual perspective: with a penchant for the absurd she illustrates the unreliability, ambivalence and conundrum of perception. Media reversal and transformation are important aspects in Pompéry's minimalist and refined works, which astutely bridge the fields of art, philosophy and physics. Almost incidentally and with a unique formality, Pompéry utilises everyday phenomena to illuminate great philosophical questions. (Press release)

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Paolo Novelli
La Fotografia come differenza

termina lo 03 novembre 2019
Triennale Milano
www.triennale.org

Una selezione di 40 scatti appartenenti a cinque progetti del fotografo Paolo Novelli. L'esposizione, a cura di Giovanni Battista Martini, si concentra sul periodo 2002-2013 con l'intento di evidenziare la nascita e il consolidamento dello stile personale di Novelli. Il percorso del fotografo si distingue per scelte del tutto inusuali, sia nei contenuti che nella tecnica. I cicli di immagini scelti rivelano una fotografia essenziale, senza tempo e senza luogo, sintetizzata, non a caso, da Giovanni Gastel come "fotografia della solitudine"; un linguaggio visivo quindi in netta controtendenza con la comunicazione preponderante nell'attuale era digitale. L'altro aspetto, quello tecnico, rafforza la direzione atemporale di Novelli, la cui disciplina è in effetti una sola, la fotografia analogica: tutte le opere sono su pellicola in bianco e nero, senza uso di flash o filtri e stampate a mano.

I progetti scelti affrontano il tema principale della ricerca di Novelli, l'incomunicabilità: porte chiuse, tunnel, nebbie, finestre e morte s'inseguono in un arco temporale di poco più di una decade attraverso i progetti: Grigio notte, dove la nebbia fa da specchio alla solitudine dell'uomo; Interiors, progetto spericolato di lunghe pose nei tunnel aperti al traffico; Vita brevis, Ars longa, ricognizione visiva nei camposanti da Venezia a Roma; Niente più del necessario, sequenza di porte riprese in interni borghesi, e La notte non basta, epigono sull'importanza dell'ambiguità e del mistero in fotografia. La mostra è in collaborazione con AFIP International - Associazione Fotografi Professionisti. (Comunicato stampa)

___ Presentazione di altre mostre di fotografia in questa pagina della newsletter Kritik

Stardust: Fotografia e mitologia western
termina il 20 ottobre 2019
Museo di Fotografia Contemporanea - Cinisello Balsamo (Milano)
Presentazione

Francesco Radino. Fotografie 1968-2018
termina il 18 ottobre 2019
Fondazione Mudima - Milano
Presentazione

Christian Martinelli - Confini "the cube"
termina il 26 ottobre 2019
foto-forum Südtiroler Gesellschaft für Fotografie - Bozen/Bolzano
Presentazione

Eve Arnold
termina lo 08 dicembre 2019
Casa Museo Villa Bassi - Abano Terme (Padova)
Presentazione

Intramontabili eleganze | Dior a Venezia nell'archivio Cameraphoto
termina lo 03 novembre 2019
Villa Nazionale Pisani - Stra (Riviera del Brenta)
Presentazione

Nicoletta Giordano | Forme riassunte di sogni
09 maggio (inaugurazione) - 10 giugno 2019
Galleria SpazioFarini6 - Milano
Presentazione

Ugo Galassi | Allegro, non troppo
09 maggio (inaugurazione) - 10 giugno 2019
Galleria SpazioFarini6 - Milano
Presentazione

Photology Air 2019/2020 | Il nuovo parco per l'arte contemporanea in Sicilia
22 giugno - 03 novembre 2019
09 aprile - 27 settembre 2020
Tenuta Busulmone - Busulmone, Noto (Siracusa)
Presentazione

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Nell'officina di Gunter Böhmer. L'illustrazione del libro come avventura interiore
termina il 15 novembre 2019
Biblioteca Palatina di Parma
fondazioneboehmer.ch

Retrospettiva, a cura di Sandro Parmiggiani e Alessandro Soldini, dedicata a Gunter Böhmer (Dresda, 1911 - Montagnola, 1986), artista della Mitteleuropa, noto per aver illustrato, tra gli altri, libri di Hermann Hesse, Thomas Mann, Franz Kafka, Luigi Pirandello, Stendhal, Gustave Flaubert e Guy de Maupassant, perseguendo una totale unità tra testo e immagini. In esposizione, alcuni degli esiti più significativi della ricchissima attività di illustratore di testi, soprattutto letterari, svolta da Böhmer (alcuni libri d'artista a tiratura limitata con litografie e incisioni originali; circa centocinquanta volumi che recano la riproduzione di suoi disegni e di tecniche miste su carta; oltre mille copertine disegnate).

Numerosi sono gli autori cui Böhmer ha rivolto la propria attenzione, illustrandone alcune delle opere, a partire dal 1933, quando Hesse gli commissiona l'illustrazione del suo "Hermann Lauscher". Ricordiamo, tra i tanti: Hermann Hesse, Thomas Mann, Franz Kafka, Robert Walser, Edward Mörike, Georg Büchner, Jeremias Gotthelf, Nino Erné, Hans Walter, Ossip Kalenter, Edgar Allan Poe, William Faulkner, John Keats, Liam O'Flaherty, Gabriele D'Annunzio, Luigi Pirandello, Stendhal, Gustave Flaubert, Guy de Maupassant, Honoré de Balzac, Hans Christian Andersen, i fratelli Grimm, Pedro Antonio de Alarcón.

Lo stile di Böhmer si evolve nel tempo: se all'inizio, nel segno sottile legato alla tradizione pittorica e illustrativa francese - pensiamo, tra i tanti nomi che si potrebbero citare, a André Dunoyer de Segonzac e poi a Bonnard, al cui "Parallèlement" possiamo rimandare per "L'Oleandro" di Böhmer, e successivamente a Raoul Dufy e a Henri Matisse -, si può cogliere quasi l'eco di uno sguardo che va alla scoperta delle bellezze del mondo e delle dolcezze della vita, presto i suoi disegni si caricano degli umori e delle passioni dell'espressionismo tedesco, con le sue durezze, le sue cupezze, le sue angosce, e del tramando di esperienze quali quelle di Picasso, di Alberto Giacometti e di Marino Marini, fino a qualche incursione nei grovigli e nei meandri del segno informale.

Böhmer è comunque un illustratore nel quale sempre si può cogliere la tensione a un'immersione nella verità del testo, nel costante tentativo, come lui stesso affermò, di conseguire l'"unità tra testo e immagini" e di dare vita a un "organismo in cui tutti gli elementi letterari figurativi e tipografici compongono un'unità". Confessa ancora Böhmer nel 1961 che a lui poco interessano strade che vengono battute (la decorazione, l'"arricchimento di fregi", oppure una grafica libera, "musica d'accompagnamento" del testo), ma sperimentare un'"avventura psicologica", "ciò che è proprio di una scelta interiore".

In occasione della mostra viene pubblicato un ricco catalogo, edito da Step di Parma, che reca, oltre ai saluti istituzionali di Ignazio Cassis (Consigliere della Confederazione Svizzera), di Sabrina Romelli (Presidente della Fondazione Ursula & Gunter Böhmer e Sindaco del Comune di Collina d'Oro) e di Simone Verde (Direttore del Complesso Monumentale della Pilotta), i saggi introduttivi di Sandro Parmiggiani e di Alessandro Soldini, curatori della mostra; due testi di Böhmer sull'illustrazione del libro; un'ampia documentazione fotografica su alcuni dei più importanti volumi illustrati dall'artista; gli apparati bio-bibliografici finali.

Gunter Böhmer (Dresda, 1911 - Montagnola, 1986) è allievo di Emil Orlik e di Hans Meid all'Accademia di Belle Arti di Berlino, frequenta il pittore Max Slevogt, e nel 1933 su invito di Hermann Hesse si reca a Montagnola, nel Canton Ticino, trasferendovisi definitivamente l'anno seguente e fissando la propria residenza in "Casa Camuzzi" - solo nel 1951 otterrà cittadinanza svizzera. Con Hesse (Premio Nobel per la Letteratura nel 1946) la frequentazione è continua, così come intensi sono i rapporti con una piccola colonia di intellettuali e artisti, di varie nazionalità, che vivono o soggiornano nella zona (in primis, l'amico pittore Hans Purmann, Giovanni Mardersteig, fondatore a Montagnola dell'Officina Bodoni, Hugo Ball, tra i fondatori del Dadaismo, e la moglie Emmy Ball-Hennings, Max Horkheimer, filosofo, Alexander Ostrowski, matematico, Max Picard, medico e filosofo, Bruno Walter, direttore d'orchestra, oltre a tanti altri che si potrebbero menzionare).

Dopo il primo incarico, ricevuto direttamente da Hesse nel 1933, Böhmer collabora con Giovanni Mardersteig dell'Officina Bodoni e con le Edizioni Albatros di Parigi, e intensifica la sua attività di illustratore, alternata alla pittura vera e propria, condotta fino alla fine dei suoi giorni. L'artista soggiorna in varie città italiane; è a Parigi, dove frequenta Raoul Dufy. Dal 1960 al 1976 è docente di Grafica creativa all'Accademia statale delle Arti Figurative a Stoccarda e ottiene numerosi riconoscimenti dalle autorità della Repubblica Federale Tedesca, compreso l'invito, nel 1980, all'Accademia tedesca di Villa Massimo a Roma. La vedova, Ursula Bächler, sposata da Böhmer nel 1945, promuove la costituzione della Fondazione Ursula & Gunter Böhmer, attiva nel Comune di Collina d'Oro. (Comunicato stampa CSArt Comunicazione per l'Arte)

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Stardust: Fotografia e mitologia western
termina il 20 ottobre 2019
Museo di Fotografia Contemporanea - Cinisello Balsamo (Milano)
www.mufoco.org

Il cinema western non si può ridurre solo a cowboy e indiani, risse nei saloon e cavalieri solitari al tramonto. Lo dimostra un progetto espositivo che presenta i lavori degli studenti del Master in Photography and Visual Design di NABA, Nuova Accademia di Belle Arti, a cura di Luca Andreoni e Francesco Zanot, rispettivamente docente e Course Leader del Master. Una serie di progetti editoriali restituiscono nuove interpretazioni e declinazioni del genere western nel cinema, attraverso la fotografia.

Il genere cinematografico western ha una storia lunga, complessa e fortunata, e si può forse definire come il più tipicamente americano tra i generi, non solo per le classiche ambientazioni, che nel tempo si sono evolute e ampliate, ma proprio per i temi portanti che lo riguardano, apparentemente semplici e tuttavia potenti, sfaccettati, al punto da avere esercitato una notevole influenza sull'evoluzione dei linguaggi cinematografici. Gli schemi narrativi, spesso basati su poche figure eroiche o maledette inserite in paesaggi aspri e immensi, ne costituiscono l'ossatura, che è stata nel tempo declinata in molti modi diversi. Da John Ford a Sergio Leone, fino a Quentin Tarantino, questo modo di fare cinema nei decenni ha saputo evolvere come pochi altri e vivere stagioni straordinarie.

Gli studenti hanno saputo cogliere tale varietà interna al cinema western, producendo oltre 30 lavori a tutto campo. In alcuni casi hanno scelto di attenersi alle più note tipicità del genere, investigando i temi del paesaggio, della violenza, dell'avventura; in altri casi, invece, hanno utilizzato questo spunto come base per una riflessione sul nostro tempo. Ne scaturiscono numerose e intriganti sorprese, sia per i conoscitori del western, sia per coloro che hanno sempre frequentato altri territori cinematografici. Senza dubbio gli studenti hanno sfruttato con grande libertà le strategie più allargate oggi a disposizione della fotografia contemporanea, attivando e spesso combinando tra loro le pratiche tradizionali della fotografia (dalla fotografia documentaria al reportage) con quelle più recenti, come il riuso di immagini, la costruzione di immagini impossibili, l'elaborazione digitale finalizzata alla trasformazione della realtà.

L'allestimento consentirà al pubblico di sfogliare i libri realizzati in copia unica dagli studenti grazie alla creazione di una libreria temporanea nella sala conferenze del Museo e sarà completato da una serie di poster progettati ad hoc, come richiamo immediato all'immaginario cinematografico. Progetti di Virginia Arnò, Fabio Bologna, Melisa Calderon, Diana Castellani, Wu Chenyun, Osanna Davi, Giulia Filosa, Isabella Fusè, Bhagyashree Gaikwad, Kateryna Gorina, Roy Kaushik, June Vijitprapai Kornrarin, Romain Kulczycki, Tanvi Jalan, Yu Chieh Lee, Jiao Jiao Luo, Sofia Mangini, Lan Mengying, Valerio Motta, Chloe Mvulu, Putison Phumchoosri, Giacomino Pintore, Greta Poli, Francesca Rossi, Karl Sciberras, Bo Sun, Harit Shrikao, Samer Timani, Angela Vadalà, Luca Viganò, Daniel Von Johnston, Mengli Zhang. (Comunicato stampa)

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Dmitry Markov: "#Draft #Russia"
termina il 30 novembre 2019
VisionQuesT 4rosso - Genova

Markov nasce nel 1982 a Pušhkin, una piccola città nella giurisdizione di San Pietroburgo. E' fotografo, assistente sociale, giornalista, e ha lavorato come volontario e tutore nella regione di Pskov in un collegio per mentalmente disabili. La fotografia arriva tardi nella sua vita ma da allora è diventata un partner, una compagna quotidiana, un punto di riferimento in tutta la sua vita fatta di alti e bassi. Le oltre trenta immagini in mostra sono la continua documentazione di Markov della vita quotidiana nella provincia russa attraverso la quale egli intreccia una narrazione di vulnerabilità umana, dipendenza, candore e pathos. Dmitry lancia il suo flusso costante di immagini usando, come specchio, le popolazioni sottorappresentate in Russia. "Non è solo 'fotografia sociale'... sono i miei incontri e le mie scene personali. Ogni immagine aggiunta è come un altro capitolo della mia storia. E quando mi viene chiesto perché inseguo 'il lato spiacevole della vita', rispondo: Perché ne faccio parte." (Dmitry Markov, 2017)

Markov usa consapevolmente la fotografia sicuramente non solo come testimonianza, ma anche per se stesso. Osserva il mondo, cercando di trovare il proprio posto e con la forza delle sue immagini riesce a farci conoscere la sua vita. Le persone che fotografa diventano immediatamente parte della sua storia, della sua famiglia. Documenta la sua vita come figlio del suo tempo e condivide su Instagram tutte le immagini scattate con lo smartphone. Solo un uomo solo può, con le sue affascinanti immagini quotidiane creare un autoritratto così a lungo termine, cercando se stesso attraverso la presenza degli altri. Sono fotografie calme in un mondo tormentato, dalle tinte dolci, in una gamma cromatica quasi pastello, senza alcun effetto stridente, nell'equilibrio di una forma che guarda le cose e la gente in faccia. Dove Markov valuta se è il caso di avvicinarsi di piu` a quelle persone che non sono mai veramente soggetti o modelli.

Una poetica duttile, senza effetti nè manierismi, che non coltiva uno stile, che respira una sorta di evidenza, di corrispondenza tra la scena che si sta svolgendo e il fotografo che la guarda e la inquadra. E soprattutto un'empatia per i personaggi, che finiscono per costituire una strana forma di famiglia, difficilmente comprensibile, ma al tempo stesso fragile e presente. Una famiglia dai volti che sembrano conosciuti, dai corpi che si esprimono e compongono lo spazio che fa da scenografia. Immagine dopo immagine, s'impone l'idea di uno sguardo libero, rispettoso nei confronti di chi è fotografato, attraverso la scelta di inquadrature che non sono mai aggressive e che, in maniera equilibrata, inseriscono tutto questo mondo nell'universo di Markov. Tutto ciò è possibile solo grazie al suo percorso e alle sue scelte di vita. Nel 2015, riceve una sovvenzione dalla Getty Images e Instagram, per fotografi che lavorano nel campo della fotografia documentaristica. Nel 2016 diventa il primo partecipante russo nella campagna Apple's Taken per iPhone. Il suo primo libro #Draft #Russia è stato pubblicato dalla casa editrice Treemedia nel 2018. (Christian Caujolle)

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Dentro e fuori le mura. La pittura non ha confini
termina il 31 ottobre 2019
Galleria Elle Arte - Palermo
www.ellearte.it

Le opere in mostra propongono un viaggio nella pittura e nel disegno di una rosa di ventidue pittori italiani e stranieri che raccontano il loro punto di vista sul paesaggio, sugli scorci urbani e sul rapporto tra l'ambiente interno e quello esterno. Le mura sono quelle cittadine, ma anche quelle domestiche. Dentro e fuori dalle città e dalle case si compie l'esistenza, di cui la pittura resta una delle testimonianze umane e culturali più suggestive e pregnanti. Il percorso della collettiva si snoda attraverso l'immaginario creativo degli artisti che hanno scelto di rappresentare un interno, un esterno o alcuni aspetti dell'interazione tra gli spazi, sviscerandone interpretazioni diverse, ciascuno restando fedele alla propria cifra stilistica ed espressiva. In esposizione opere di: Barbara Arrigo, Peter Bartlett, Massimo Campi, Pedro Cano, Ilaria Caputo, Salvatore Caputo; Pascal Catherine, Simona Cavaglieri, Sergio Ceccotti, Massimo De Lorenzi, Angelo Denaro, Cristiano Guitarrini, Sarah Miatt, Antonio Micciche', Vincenzo Nucci, John Picking, Luca Raimondi, Ilaria Rosselli Del Turco; Milvia Seidita, Tino Signorini, Enzo Tardia, Bice Triolo.

«Eppure ancor oggi - un oggi in cui ben ampio si mostra l'indefettibile senso d'inquieta dislocazione prodotta dagli augeriani 'non luoghi' - l'immagine dechirichiana di Mobili nella valle (opera del 1927 facente parte d'una intensa teoria di olî che, a partire dagli anni Venti, appaiono legati a questo tema) possiede un'indubbia centralità nel ductus metafisico-malinconico del grande artista di Volo. Non a caso le parole pronunciate da Jean Cocteau nel suo Mistero laico apparso nel 1928, - studio condotto in parallasse su de Chirico - dicono come «tramezzi, pavimento, poltrona, armadio a specchio» si pongano, con decisione, in opposizione alla scena paesaggistica dei ruderi quale lingua della classicità greca, quasi a rimarcare «l'abbozzo di un futuro appartamento». Se tale 'mistero' va espunto dalla sua estetica qualità di segretezza al fine di restituirlo alla formale precisione ecco che, nel rilievo fatto da Alberto Boatto, si rende essenziale interrompere la visione estetica per potersi disporre al centro d'una stazione eminentemente etica; così insiste il vivace autore di Di tutti i colori.

Da Matisse a Boetti, le scelte cromatiche dell'arte moderna e critico nel conio dello "psiconauta": l'uomo che viaggia in un ebbro baccello di estraniamento. Difatti, uno dei pregi di de Chirico è, per Boatto, l'avere, «in pieno periodo plastico, contato più sulla morale e meno sui problemi visivi, che mettono fatalmente capo al preziosismo». Questo simbolico e sostanziale trasbordo interno/esterno (il porsi "Dentro e fuori le mura") e il disagio da esso prodotto su de Chirico è possibile valutarlo già nelle sue Memorie della mia vita in cui, con chiarezza, è detto: «Gli abitanti del quartiere, compresi noi, portavano i materassi fuori, in piazza, per dormire all'aperto. Anche in quell'occasione il cuoco Nicola si prodigò in mille modi; portava fuori materassi, valigie e perfino alcuni mobili». Una reversibilità attiva tra paesaggio urbano e interni che influenza quella veduta interiore sancita dalla dizione metafisica. Quando Gherardo Casini, editore romano, pubblica L'armadio 44 di Fausto Bima la copertina è dedicata, non a caso, ai 'mobili nella valle' di de Chirico.

E d'altronde Paolo Bertoletti ricorda in Metamateria ('Da materia d'industria a materia d'arte', 2016) come Fausto fosse «personaggio singolare: pittore, scrittore, collezionista d'arte raffinato, intellettuale e politico non minore in un'epoca fin troppo piena di fervori idealistici e ricostruttivi. Fu amico personale di Giuseppe Saragat e del ministro Roberto Tremelloni; soprattutto amico, collezionista e discepolo di Giorgio de Chirico (forse il suo unico allievo) e di quel grande uomo europeo "ante litteram" che era Alberto Savinio, come noto di Giorgio de Chirico fratello e, in qualche misura, rivale». Qui, l'armadio, simbolo centrale del colloquio tra arti e morale, tra estetica e industria appare numinosamente; nel suo «fondo... dissimulati, dagli abiti che vi sono mollemente adagiati come le classiche statue dei fiumi, si scorgono quattro cassetti. Nel primo, vi sono i guanti e le sciarpe dei ricordi. Uno stantìo profumo di esperienza (...). Nel secondo stipo sono conservate, su un tenero fondo di ovatta, alcune sfere variegate e iridescenti: son delicate speranze - insiste Bima - che ognuno cela gelosamente e custodisce in segreto.»

Tali segreti in forma di "sfere variegate e iridescenti" serpeggiano nei ventidue artisti coinvolti nella pittura di Dentro e fuori le mura: ora nella pienezza d'una realtà esterna profondata nella natura (Picking, Nucci, Raimondi, E. Tardia, De Lorenzi, S. Caputo, Denaro, Catherine) ora nella mescolanza di lacerti visivi agitati da icone naturali e urbane oppure in suggestioni architettoniche rese clasticamente intime tanto da rappresentare veri e propri interni (Ceccotti, Campi, Guitarrini, Cano, Miatt, Signorini, Bartlett) o, per sfociare in uno spazio intimo (Triolo, Seidita, Miccichè, Rosselli Del Turco, Cavaglieri, Arrigo, I. Caputo) pronto a restituirci la percezione delle cose, l'appartenenza alla loro vibratile esistenza quale proiezione spirituale. Essa abita e imprime il proprio segno in oggetti, in costruzioni, in arredi, in decori o nella luminosità di una finestra aperta alla luce, o nei camminamenti crepuscolari di un giardino. Panorami, aerorami, cielorami dicono dello sguardo che supera il confine delle nostre mura e dove, all'interno di queste, s'accendono luci d'altri vasti sentieri visivi. Ma vi sono ancora quegli spazi che Marco Vallora, in un testo per Silvio Lacasella (1997), definisce 'impronte di paesaggio', cioè: «Paesaggio non visto, non ritratto» dove «luce e colore subito se ne appropriano fino a cancellarlo». Dalla retina, sì, ma non dall'anima.» (Armadi con cassetti. Città e alberi, di Aldo Gerbino, Palermo autunno del 2019)

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Conrad Marca-Relli: Works from 1962-1972
05 October - 21 December 2019
Ronchini Gallery - London
www.ronchinigallery.com

Ronchini Gallery, together with Archivo Marca-Relli, Parma, is proud to present the second solo exhibition in the UK of works by the renowned Abstract Expressionist Conrad-Marca Relli. This follows the ground-breaking and acclaimed exhibition The Architecture of Action which was held at the gallery in 2012. A central figure in the New York School of Abstract Expressionism that emerged after the Second World War, Marca-Relli's career spans many decades and two continents. A contemporary of artists such as Jackson Pollock and Willem de Kooning, Marca-Relli's works are made on the same monumental scale for which the Abstract Expressionist movement is known, yet Marca-Relli's practice is unique amongst his compatriots for he rejected paint in favour of collage, a medium which Marca-Relli is now synonymous with. Born in Boston, Massachusetts in 1913, Conrad Marca-Relli moved to New York at the age of 13, in 1926. One of the founders of the Artist's Club, alongside Franz Kline and John Ferren, Marca-Relli was part of the New York School of Abstract Expressionism. Focusing on art from the 1930s until his death at the age of 87, he established his own studio in Greenwich Village in 1931.

Featuring key works from the 1960s and 70s, a crucial period in the artist's prolific career, the exhibition will include both collage works as well as a painted aluminium sculpture made in a unique assemblage fashion. Works by Marca-Relli have been exhibited multiple prestigious institutions internationally, yet this will be the first time these works have ever been displayed in the UK, which presents a rare opportunity to see a large group of Marca-Relli works from a key period brought together in a cohesive exhibition. Gallery owner Lorenzo Ronchini notes: "It has been 7 years since we held the UK's first solo exhibition of works by Conrad-Marca Relli and over 50 years since the artist had his first ever retrospective (which was held at the Whitney Museum), so I am extremely proud to work with the artist's Archive again to bring together this incredible group of works for the London audience." (Press release)

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Claud Hesse: The Sound of Life
termina l'11 novembre 2019
Idill'io arte contemporanea - Recanati

La differenza tra la normale ritrattistica e quella proposta dall'artista è che, rappresentando il codice genetico, vengono meno le caratteristiche fisiche per riconoscere la persona. Tuttavia il Dna Portrait è l'autentico, l'originale, il vero e unico ritratto, definitivo, atemporale e perciò immutabile. Nessun'altra immagine di noi stessi può essere più attendibile. In mostra la sequenza dei Dna Portrait, un work in progress iniziato con il Dna Portrait di Pio Monti realizzato come prototipo ante-litteram, procede immortalando i vari personaggi del sistema dell'arte. Nello spazio della galleria risuona tutta la potenza del pianoforte Steinway, mentre alle pareti la sequenza dei Dna Portrait ci permette di entrare in contatto con lo spirito di alcuni dei DyNAsty. Come scrive nel testo critico Nikla Cingolani: "Vedere e cercare di sentire il loro suono interiore, è come leggere un grande spartito e ascoltare il sorprendente concerto di una sinfonia universale, in condivisione con il mondo." Claud Hesse (Jesi - Ancona) si forma tra l'Italia e Berlino. Si laurea in Pittura all'Accademia di Belle Arti con il massimo dei voti e si specializza in Arti Visive. Lavora come artista visivo sia in Italia che all'estero e le sue opere fanno parte di prestigiose collezioni sia private che museali. (Comunicato stampa)

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Guerriere dal Sol Levante
18 ottobre 2019 - 1 marzo 2020
MAO Museo d'Arte Orientale - Torino
www.maotorino.it

La mostra, a cura dell'Associazione Yoshin Ryu in collaborazione con il MAO Museo d'Arte Orientale di Torino, vuole rendere omaggio alla figura della donna guerriera in Giappone. La storia del Giappone comprende un periodo lungo otto secoli caratterizzato da molti scontri e battaglie, in cui le donne, in particolare quelle di classe guerriera, erano educate a compiere ogni incarico, dalla gestione finanziaria ed economica della propria famiglia fino a quelli che potevano comportare il ricorso alle armi. La donna guerriera, onna-bugeisha, era preparata alla difesa delle dimore, addestrata all'uso di svariate armi, alle battaglie campali e anche all'eventualità di darsi la morte. Rimangono di quel passato nomi famosi, le cui gesta leggendarie sono ricordate attraverso drammi teatrali, dipinti e trame cinematografiche.

Ma le donne hanno lottato nel tempo e nelle civiltà non solo con spade, alabarde, pugnali, archi e frecce: dal passato al presente, grazie al coraggio e alla creatività, hanno utilizzato altri tipi di attacco e difesa riuscendo a superare pregiudizi e impedimenti, nella letteratura, nell'arte, nel teatro, nella scienza, nella tecnologia, nell'esplorazione. Donne che con il tempo, talvolta silenziosamente e senza essere valorizzate dalla storia, sono riuscite a produrre significativi cambiamenti. La mostra tenta di sviluppare questa trama, partendo dal Giappone per trascendere epoche e frontiere, poiché molte eroine dell'odierna cultura popolare traggono origine proprio da quel passato.

La mostra sviluppa molteplici aspetti della donna guerriera, esponendo oggetti storici e artistici provenienti dalle collezioni del MAO, del Museo Stibbert di Firenze e da collezioni private. Tra le opere si potranno apprezzare armi originali, una corazza decorata di un'armatura di scuola Myochin, dipinti su rotolo verticale, stampe di celebri artisti di ukiyo-e, kimono, utensili e un elegante strumento musicale biwa settecentesco. A questi si aggiungono video, riproduzioni di oggetti in 3D e una vasta collezione di oggetti rari e preziosi legati al mondo dei manga, degli anime e del cinema, media contemporanei che hanno raccolto l'eredità delle donne guerriere creando icone indelebili come Wonder Woman, Lady Oscar, Sailor Moon e la Principessa Leia di Star Wars. Il percorso espositivo si conclude con 40 ritratti eseguiti da giovani artiste e artisti in omaggio ad altrettante donne che hanno combattuto le loro battaglie in varie epoche e territori. A corollario della mostra è organizzato un ciclo di conferenze al MAO che offre approfondimenti sul tema e una rassegna cinematografica al Cinema Centrale di Torino dedicata alla figura della donna guerriera nel mondo. La mostra è accompagnata da video installazioni, pannelli illustrativi, e da un catalogo bilingue italiano/inglese. (Comunicato stampa)

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Antonio Calderara
termina il 15 novembre 2019
MAAB Gallery - Milano
www.artemaab.com

La mostra presenta una serie di opere su tela e su carta di Antonio Calderara (Abbiategrasso, 1903 - Vacciago, 1978), che permettono di ripercorrerne l'avventura artistica dalle prime opere figurative (Il campo, 1928) fino agli esiti astratto-geometrici che contraddistinguono la sua produzione dalla fine degli anni Cinquanta fino al 1978 (Progressioni parallele in viola, 1960). Difficilmente incasellabile in una sola tendenza, Calderara è prima di tutto indice di se stesso, della sua costante e appassionata ricerca, del suo amore per l'arte e per gli artisti e di una particolare tensione espressiva, come evidenziato nel testo in catalogo a cura di Gianluca Ranzi. Queste doti da sempre lo hanno accompagnato e oggi permettono di leggerne con esemplarità il purismo espressivo delle opere degli anni Trenta e Quaranta, vicine al clima del Novecento di Ubaldo Oppi, Donghi e di Arturo Martini, ma anche al rigore purista di Felice Casorati (Mamma e sorella, 1939, olio su tela), fino alla smaterializzazione della forma in favore dell'accordo luce-colore delle opere dell'ultimo periodo.

Il suo realismo iniziale, se negli anni Trenta da una parte mostra una vaga affinità col Realismo Magico di Massimo Bontempelli, dall'altra se ne distacca per l'attenzione agli aspetti matematico-formali dell'armonia della composizione, che tradiscono l'osservazione puntuale delle opere di Piero della Francesca e di George Seurat (Estate. Pittura n.40, 1954), fino alla conoscenza del lavoro di Josef Albers, di Almir Mavignier e di Max Bill, su quella strada che lo porterà, già alla fine degli anni Cinquanta (Il lago e l'isola, 1958), ad abbandonare la figurazione per abbracciare un percorso di riduzione compositiva e di esaltazione minimale del rapporto tra colore e luce (Senza titolo, 1959-60), per molti versi anticipatore delle correnti di pittura analitica degli anni Settanta in Italia e in Francia o dell'astrazione post-pittorica negli Stati Uniti.

Si comprende quindi che, proprio come accade nella ricerca scientifica in cui, inoltrandosi nell'infinitamente piccolo si accede a un vago senso di inafferrabilità, anche l'arco espressivo dell'opera di Antonio Calderara, dalle premesse fino agli esiti estremi, presenta con limpidità un fondo storico molto articolato e uno scientismo rigoroso, che ha saputo tuttavia aprirsi alla leggerezza poetica e ad un grado di emozione lirica unici nel suo genere. Il suo è stato un modo di procedere dal complesso al semplice mantenendo un metodo coerente e personale verso un'assoluta purezza di rapporti, l'esclusione di ogni orpello ornamentativo e il reperimento di una verità che si rivela grazie alla magia del variare ritmico tra luce e colore. A Vacciago la sede del museo e archivio Fondazione Antonio e Carmela Calderara. (Comunicato stampa)

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Blau. Elia Festa
termina lo 03 novembre 2019
Acquario Civico di Milano
www.acquariocivicomilano.eu

Conosciuto e apprezzato come fotografo già alla fine degli anni Settanta, oggi Elia Festa è un artista visivo che cattura con il suo obiettivo dettagli di oggetti comuni, di architetture, di fenomeni, di luci che spesso sfuggono allo sguardo comune. Li rimaneggia, ne coglie l'essenzialità, ne scruta l'animo svelandone la parte più profonda e nascosta. E così le sue opere, che inizialmente possono sembrare macchie astratte e informi, ad un occhio attento rimandano a paesaggi suggestivi lontani che accendono emozioni e curiosità. Le opere di Festa si muovono dalla realtà scrutando i particolari, scoprendo riverberi che definiti dall'occhio assumono una nuova vita indipendente. Con il progetto espositivo Blau Elia Festa mette in dialogo con l'acqua e con l'elemento fluido le forme sfumate e quasi caleidoscopiche delle sue immagini nelle quali la stabilità della dimensione corporea e figurativa si intreccia e si deforma sfruttando le inesauribili potenzialità della tecnologia.

La mostra, a cura di Giancarlo Lacchin, Fortunato D'Amico, Vittorio Erlindo, con la collaborazione dell'architetto Giovanni Ronzoni, si compone di fotografie, sculture e installazioni che, in dialogo con lo spazio circostante, invitano a una riflessione sul tema del difficile rapporto fra uomo e ambiente con particolare riferimento allo sfruttamento delle risorse idriche e al fenomeno delle cosiddette "isole di plastica" che infestano ormai da tempo i nostri mari. Festa si confronta con un ambito del tutto nuovo per la sua "poetica" fornendo un'interpretazione artistica sul tema delle plastiche e della catastrofe ambientale che rischia di provocare ferite insanabili al Pianeta. In tale prospettiva, con le 40 opere esposte (opere visive, installazioni, realtà virtuale) l'artista agisce sull'immagine creando corrispondenze inaspettate con la realtà ed esaltando simmetrie che solo l'immaginazione riesce nel compito di scoprire e portare a espressione.

Il percorso espositivo inizia con la sezione "lo specchio d'acqua" composta da un grande ledwall a pavimento che ricrea un ambiente marino di fantasia in cui piante e animali interagiscono come fossero in un oceano in miniatura. È il primo contatto con le tematiche della mostra: i visitatori calpestano il monitor contaminando un ambiente che, prima del loro passaggio, vive indisturbato. Lo spazio successivo denominato "Il vortice" è caratterizzato da una installazione artistica che rappresenta un labirinto realizzato con pareti di plastiche riciclate nel quale il visitatore vivrà una sensazione di fastidio e smarrimento venendo in continuo contatto con materiali plastici. Segue la zona delle "vasche dei pesci" con opere luminose che richiamano lo scioglimento dei ghiacciai fino ad arrivare al "giardino d'inverno", cuore dell'esposizione, con 14 grandi opere dell'artista rappresentative della tematica dell'acqua nelle sue diverse forme.

Il percorso espositivo, fortemente esperienziale per il visitatore, si chiude con "la sala dell'Immersione" nella quale un gioco di proiezioni di opere di Festa su temi legati all'acqua e alle plastiche, accompagnato da effetti musicali con musiche di Piero Salvatori, accresce la suggestione di camminare su fondali oceanici al di sotto delle grandi isole di plastica, completamenti immersi nell'acqua. I visitatori diventano quindi ospiti in un ambiente di cui al contempo scoprono di essere la causa del disagio che hanno nell'esplorarlo. È importante segnalare che lungo il percorso sono inoltre collocate le opere di altri artisti, chiamati da Elia Festa a dialogare con lui sui temi del cambiamento climatico e della salvaguardia ambientale.

L'installazione di Alfredo Rapetti Mogol, in cui il trasferimento della parola alla "visione artistica" assume sempre di più connotati tangibili e corporei, segnala l'ingresso alla mostra e al tragitto che il visitatore dovrà compiere all'interno di un breve labirinto per accedere, poi, agli altri spazi espositivi. Eve Carcan, il duo artistico formato da Claudia Cantoni e Patricia Carpani, è presente con un'opera dedicata ai 17 Obiettivi di Sviluppo Sostenibile promulgati dall'Agenda 2030 delle Nazioni Unite. In accordo con Michelangelo Pistoletto è allestito un Terzo Paradiso. Per la sua rappresentazione sono utilizzati alcuni dei quadri realizzati da Elia Festa sul tema dell'inquinamento dei mari a causa delle plastiche. Intorno al segno di Pistoletto sono inoltre posizionati dei leggii nei quali sarà possibile leggere i testi di Alfredo Rapetti Mogol Cheope e di Giulio Rapetti Mogol, che hanno per argomento l'acqua e il mare. La mostra è accompagnata da un catalogo edito da Skira Edizioni contenente testi introduttivi a firma dei curatori Giancarlo Lacchin, Fortunato D'Amico e Erlindo Vittorio. (Comunicato stampa)

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Carlo Ferreri: "Terraqueo"
29 ottobre (inaugurazione ore 18.30) - 16 novembre 2019
Galleria Cortina - Milano
www.cortinaarte.it

Grazie ad una collaborazione che dura da quasi vent'anni le mura della galleria Cortina sono state testimoni della crescita dell'uomo e dell'artista che è Carlo Ferreri ed ora, nel 2019, sono pronte ad annoverare tra le pagine della propria storia quest'ultimo comune capitolo. Le opere di Ferreri raccontano la storia di infiniti paesaggi, i quali però si scardinano dalla generale resa naturalista di vedute agresti ed urbane. I panorami impressi negli occhi dell'artista perdono di nitidezza lasciando che tutti quei dettagli che complicano la forma sfumino in essa. Rimangono quindi le sole luci ed ombre a doversi amalgamare al fine di rendere, attraverso la congiunzione dei colori che le dominano, non la resa effettiva, ma bensì emotiva, della veduta descritta.

Le immagini materiche infatti scivolano direttamente dalla mente attraverso le mani piombando sulla tela, si stiracchiano in un ordinato garbuglio di cromie assonanti che si armonizzano in un imprevedibile cacofonica euritmia. L'empatia ed il coinvolgimento che questi paesaggi viscerali riescono a creare è ancor più rafforzata dalle grandi dimensioni sulle quali sono rappresentati. Grossi squarci rettangolari di un mondo ruvido e privato, finestre che attirano il proprio fruitore in un ricordo che tocca ogni senso. Mostra a cura di Mafalda e Stefano Cortina. (Comunicato stampa)

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Walter Valentini: "Nove per Novanta"
termina il 26 ottobre 2019
Galleria Cortina - Milano
Presentazione

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Vittorio Valente: "Mondo Invisibile"
termina il 25 ottobre 2019
Showcases Gallery - Varese
showcasesgallery.blogspot.it

Vittorio Valente che ha iniziato la sua carriera artistica negli anni '80 e vanta numerosissime apparizioni in gallerie e musei, ha sviluppato un percorso artistico e creativo estremamente personale ed originale che negli anni si è sviluppato all'interno del confine di indagine del rapporto tra arte e scienza. Con coerenza di percorso e di analisi ha concretizzato la sua visione artistica rappresentando il rapporto tra scienza, percezione ed arte e partendo dalle continue scissioni delle strutture cellulari che generano l'evoluzione dell'universo, ha creato opere artistiche minimali, sculture sensoriali, "dermascheletri" e "griglie" di materia e di colore. La sua ricerca e la sua poetica non vertono sulla figurazione, ma nella messa a fuoco dell'infinitesimale, nella struttura organica della vita e nella narrazione della potenza creativa intrinseca nella mutazione.

Valente con sguardo attento ed indagatore coinvolge lo spettatore in questo viaggio artistico emozionale all'interno della materia, del colore e dell'esperienza tattile. Le sue opere, che siano quadri o sculture sono la sintesi della tridimensionalità della materia stessa, sono morbide al tatto e grazie all'utilizzo del silicone assumono forme e pigmentazioni completamente nuove. L'artista nella sua lunga carriera ha condotto una ricerca tecnica importante nell'utilizzo del silicone che è diventato lo strumento realizzativo ed espressivo delle sue opere, sia che si presentino sottoforma di monocromi, sia, grazie alla miscelazione con pigmenti, che creino nuove tonalità cromatiche. La materia e il colore non sono però il suo fine, ma il suo mezzo espressivo che gli consente di parlarci di contrasti: di indagare la "morbidezza" della materia e la "durezza" della "duttilità".

Le sue "punte molli" presenti in diverse opere, ci riportano di fatto in una dimensione ancestrale organica originale e le sue "griglie", che si ispirano alle catene del Dna, colorate, riflettenti, morbide, delineano la logica di un'idea di progettazione artistica unitaria. Importanti artisticamente e come riflessione di pensiero, sono suoi "guerrieri silenziosi" e la serie di opere denominate "virus installati" in cui l'artista riveste oggetti di uso quotidiano con un "dermascheletro", che di fatto li lascia intravvedere allo spettatore, ma allo stesso tempo li sottrae al suo utilizzo e alla dimensione del reale. Vittorio Valente che è uno degli artisti firmatari e fondatori del movimento/azione Cracking Art, partendo da una rappresentazione nelle sue opere della vita organica, è riuscito nel suo percorso artistico a giungere a una riflessione sintetica sul deterioramento culturale e sociale, sulla potenzialità della trasformazione come elemento induttivo di sviluppo e sull'equilibrio di elementi/strutture potenzialmente instabili.

Vittorio Valente ha iniziato l'attività artistica nel 1986 occupandosi del rapporto arte-scienza, spaziando tra cinematografia e letteratura. Supportato in questa ricerca dall'uso del silicone, ha sperimentato nell'arco di trent' anni la duttilità di questo materiale, apparentemente statico, da cui ha ottenuto forme e pigmentazioni assolutamente nuove In chiave di ricerca sulla connessione e sulla trasmissione d'informazione vanno le "evocazioni" che realizza nel '90 e nel '91 con il gruppo "Arte come evocazione" curato da Miriam Cristaldi e guidato da Claudio Costa. Nel 1993 è tra i fondatori con Omar Ronda, Renzo Nucara, Marco Veronese, Alex Angi e Carlo Rizzetti del movimento Cracking Art. Catalogo a cura di Tommaso Trini con testi di Luca Beatrice e Luigi Spina. Modella forme plastiche tridimensionali anche quando sceglie la tela come supporto trasformandola in altorilievi solo apparentemente duri e aguzzi. Le sue opere esigono un approccio multisensoriale; le superfici dermatiche non rifiutano di essere toccate. Unendo al materiale artificiale pigmenti ad olio ottiene nuove tonalità cromatiche che lo portano, soprattutto nelle opere più recenti, a soluzioni monocromatiche: rosso, giallo e gli assoluti bianco e nero. Negli ultimi lavori si orienta verso una maggiore sintesi, astrazione e ritmo. (Comunicato stampa)

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Colloquium. Günter Umberg e l'arte italiana
termina il 13 novembre 2019
Galleria A arte Invernizzi - Milano

L'artista tedesco si fa anche curatore, ideando un percorso espositivo nel quale le sue opere sono poste in relazione, attraverso un dialogo ideale, con quelle di alcuni dei principali protagonisti dell'arte italiana degli ultimi decenni. L'esposizione è concepita come uno spazio da percorrere, all'interno del quale le opere entrano in rapporto con l'ambiente che le circonda, in virtù del valore fisico della pittura stessa che le costituisce. In occasione della mostra verrà pubblicato un volume contenente un saggio di Paolo Bolpagni, frutto di un lungo dialogo con l'artista, nel quale sono indagati i legami tra i potenti monocromi di Günter Umberg presentati negli spazi espositivi e le opere di Rodolfo Aricò, Carlo Ciussi, Gianni Colombo, Dadamaino, Riccardo De Marchi, Piero Dorazio, Lucio Fontana, Mario Nigro, Angelo Savelli, Salvatore Scarpitta, Nelio Sonego ed Emilio Vedova con l'obiettivo di instaurare rimandi visivi e concettuali.

Come scrive Paolo Bolpagni, "la pittura di Günter Umberg crea esperienze percettive, e al contempo porta con sé implicazioni filosofiche. I suoi particolarissimi monocromi non occupano gli spazi, ma li attivano, conferendo loro senso e concentrazione. Si tratta di opere che, accostate in relazione a un luogo ben preciso, e in questo caso anche a lavori di altri autori individuati sulla base di rispondenze, affinità e "parentele" espressive, generano organismi ricchi di risonanze, che costruiscono l'ambiente e lo definiscono".

La mostra testimonia anche la profonda conoscenza che Günter Umberg sviluppò della scena artistica italiana a partire dagli anni Settanta, scoprendo, anche grazie al tramite di Klaus Honnef, i testi e le idee di critici come Filiberto Menna e Giulio Carlo Argan e le opere di esponenti della pittura italiana. Ciò che in particolare lo colpì, già delle ricerche aniconiche dell'immediato dopoguerra, fu il carattere lirico e poetico dell'atteggiamento degli artisti italiani, unito alla loro attenzione al materiale quale elemento espressivo. Per Umberg sarà poi importante la "scoperta" degli statunitensi (fondamentale un soggiorno a New York negli anni Ottanta): in artisti come Donald Judd e Carl Andre trovò libertà, concretezza e un'attitudine completamente lontana da ogni pretenziosità, che costituì una lezione di solidità e ordine.

Tutte queste suggestioni si sono condensate in una visione personalissima, fortemente speculativa ma al contempo ancorata alla materialità della tecnica pittorica, che raggiunge in lui vertici di virtuosismo che lo possono avvicinare ai maestri tardo-medievali che tanto ama, tuttora studiati e meditati con passione. Per Günter Umberg, alla base di ogni ideazione artistica vi è un dialogo: con lo spazio, con l'osservatore, con le altre opere (non soltanto proprie, come questa mostra documenta), con il passato e il presente, con il mondo e la realtà, cosicché l'esperienza estetica e percettiva non risulta mai chiusa e conclusa, ma muta, evolve e si anima in una processualità esperienziale incessante. L'altro fattore essenziale è quello della "costruzione": «bauen das Werk, bauen den Raum», «costruire l'opera, costruire lo spazio», in una progressiva strutturazione che trae linfa da innumerevoli spunti. Questa è l'utopia di Umberg: un sogno per il futuro della pittura. (Comunicato stampa)

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Omar Galliani
"Dipinta. La metis dell'acqua"

termina lo 03 dicembre 2019
Galleria di Piazza San Marco - Venezia
www.bevilacqualamasa.it

Prima mostra in assoluto di soli olii su tela di Omar Galliani, eseguiti tra il 1981 e il 2019. Galliani, conosciuto soprattutto come inarrivabile disegnatore per l'uso della grafite su supporto ligneo e per le invenzioni iconografiche conseguenti all'uso di tali materiali, sin dagli esordi pratica, in realtà, anche la pittura ad olio, sicuramente definibile tecnica imprescindibile della sua ricerca. Come avviene nell'ambito del linguaggio musicale infatti, Galliani fa della pittura "accompagnamento" al tema centrale del disegno, sviluppando nel suo grembo motivi autonomi di sostegno all'armonia poetica complessiva. La mostra, curata da Eleonora Frattarolo, è realizzata con il sostegno di Studio Vigato Arte Contemporanea e Caffè Florian. Catalogo Vigato Editore con testo di Eleonora Frattarolo.

Scrive in catalogo Eleonora Frattarolo: «Con la presentazione di circa venti grandi quadri dedicati all'acqua, ai suoi addensamenti, ai suoi infiniti moti visibili e invisibili, "Dipinta" è una riconsiderazione dello statuto della pittura e una ricapitolazione sul senso dei suoi gesti, moti fondamentali per produrre la forma. Il fluire dei pennelli rimanda d'altronde, per Galliani, inequivocabilmente alla metis dell'acqua e ai cangianti riflessi del mutamento e delle sue leggi». (Comunicato CSArt - Comunicazione per l'Arte)

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Lucio Pozzi: "Scatter Painting"
termina il 16 novembre 2019
Studio la Città - Verona
www.studiolacitta.it

Studio la Città, in collaborazione con Rizzuto Gallery di Palermo, apre la nuova stagione espositiva 2019-20 con una personale dedicata all'artista Lucio Pozzi (Milano, 1935), a cura di Marco Meneguzzo. Dopo aver vissuto alcuni anni a Roma, Pozzi si trasferì negli Stati Uniti nel 1962 prendendo la cittadinanza Americana: forte è infatti l'impatto che ebbe su di lui la Pop Art e l'influenza di Mark Rothko, tutt'oggi molto presente nei suoi lavori. Ora l'artista divide il suo tempo fra Hudson, cittadina a nord di New York, e Valeggio sul Mincio, piccolo borgo tra Verona e Mantova da cui provengono la maggior parte delle opere proposte per questa mostra. Tra i lavori presenti a Studio la Città, un ciclo in particolare occupa la maggior parte dell'allestimento: gli Scatter Group Paintings, da cui trae ispirazione il titolo dell'intera mostra.

Acrilici su tela di grandi dimensioni, realizzati tra il 2013 e oggi, in cui Pozzi si concentra molto sulla texture e trasforma il suo pensiero in azione sulla tela dove, la stratificazione dei vari livelli di colore, può essere letta come una sorta di scansione archeologica da parte dello spettatore. Il fatto che l'acrilico asciuga presto mi permette di aggiungere strati di colore senza limitazioni di sorta e in poco tempo, appena più rapidamente della velocità del pensiero. In questi quadri le tracce degli strati sottostanti sono distinguibili sotto la superficie finale. Ci tengo a non sapere mai se e quando e come un quadro è finito. Come borbottò Picasso a un amico dopo aver visitato la retrospettiva di Cézanne subito dopo la morte di questi: "da adesso un quadro è finito dalla prima pennellata in poi".

Gli Scatter Paintings riguardano la distribuzione di forme e colori contenuti in aree geometriche formate da nastro adesivo per mascheratura e applicate prima su campi di colore diluito e dopo una sull'altra. In essi io procedo nel divertimento e nell'eccitazione che sento essere il carattere esimio della mia pittura. Ogni giorno devo avere anche il coraggio di distruggere quello che ho fatto se mi sembra troppo prevedibile. In acrilico non posso togliere, quindi non posso che aggiungere strati su strati fino a quando smetto. Gioco su infinti echi, imitazioni, contraddizioni. Oltre a questo gruppo di acrilici su tela, sono presenti alcune opere su carta dove l'elemento geometrico è sempre presente, come anche il rimando all'arte concettuale, a quella suprematista e all'approccio del movimento Fluxus, che si riflettono a volte in modo molto leggero e delicato, altre volte in maggiore contrasto.

Anche per questa serie, Pozzi procede sempre per stratificazioni, stendendo un prima superficie di colore diluito ad acquerello, sul quale interviene successivamente con l'applicazione a spatola di geometrie in vinilico e, sporadicamente, disegnando tratti con la grafite. Questo ciclo di lavori è realizzato in maniera molto istintiva, quasi come se per l'artista si trattasse di una pratica di esercitazione quotidiana. Recentemente, lo stesso Lucio Pozzi ha dichiarato: spesso, mi addentro nel gioco "a painting a day keeps the doctor away", cioè tento di fare un lavoro su carta al giorno, prima, durante o dopo tutte le altre attività in studio. In questa serie ho seguito uno dei temi da me preferiti anche quando lavoro su tela: iniziare con colore diluito e poi rispondere a questo primo evento, con improvvisazioni non pianificate e senza tentare di conseguire risultati programmati. Per fare "a painting a day" devo lavorare in modestia, accettando che il flusso delle idee e della mano quasi si guidino da sè; è una routine che porta a tagliare i ponti e immergersi nel fare senza rinvii. (Comunicato stampa)

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Rosanna Rossi
Vibrazioni Sottili | Subtle Vibrations

termina lo 05 novembre 2019
Prometeogallery di Ida Pisani - Milano
www.prometeogallery.com

Rosanna Rossi (Cagliari, 1937) ha esordito con una figurazione di ascendenza espressionista, nella cui aspra deformazione si ritrovano alcune delle memorie che l'hanno segnata profondamente, vale a dire il periodo della guerra e la docenza nell'ospedale psichiatrico di Cagliari, dove insegnava pittura ai ricoverati. Quando dal punto di vista artistico il rapporto con lo spazio inizia a farsi sempre più urgente, approda al non figurativo, trovando una personale forma di libertà attraverso una ricca simbologia creata ad hoc che le ha permesso di trasformare la dimensione biografica in riflessione universale. Questa svolta artistica, che si ascrive alla specifica volontà di rendere il visibile percepibile, si concretizza a partire dagli anni Settanta con le serie di tele che nascono dalla sovrapposizione di bande di colore (Bande Colorate) e di linee (Beautiful lines) che donano armonia e ritmo alla composizione, stagliandosi su zone bianche, come per creare una pausa nella melodia cromatica.

Queste opere, prive di qualsiasi compiacimento descrittivo, articolano una trama di concentrazione emotiva, come se ognuna si facesse carico della presenza di chi le osserva. Parallelamente, si pone in Rosanna Rossi un'altra urgenza, ovvero l'utilizzo di materiali differenti. La materia era infatti il mezzo espressivo che meglio poteva caratterizzare una ricerca artistica che affonda le radici nella personalità dell'artista. Così, quasi alla fine degli anni Settanta garze e spaghi furono destinati a uso creativo. Le garze, con cui Rosanna Rossi fasciò il marito, sono state intrise, ricoperte di colore e poi tirate su una serie di tele (Garze) con il rigore di un tracciato lineare dalla straordinaria valenza simbolica. Gli spaghi sono stati tesi sulle tele (Spaghi) a segnare linee orizzontali e poi ritmati in maniera sempre differente, vibrando a seconda dello spessore della materia, per dare forma a nuove partiture che sono geometriche e musicali al contempo.

Nei decenni a seguire la sua pittura si conferma come espressione di luce (Carati), dove la luce è colore e il tempo è ritmo. Questo personale linguaggio pittorico che Rosanna Rossi ha saputo trascrivere porta i segni della leggiadria di una mano e di una mente femminile. La sua pittura, come la musica, origina dalla conoscenza. E' prima un fatto puramente intellettuale e poi fisico, vale a dire visuale e corporeo. Ed è femminile. In lei, nel suo animo materno, generoso, di amica e ospite, così come nel suo fare pittura, predomina la cifra maestra di questo genere, la rotondità. Lea Vergine, in un suo scritto, disse della Rossi che "vive in un luogo di esilio e di pienezza e guarda con gli occhi voltati verso il di dentro". Ecco, la pienezza è rotondità e la si può rintracciare nel linguaggio di Rosanna Rossi che, squisitamente formale, va incontro al mondo, chiudendo, ipnoticamente, il cerchio.

Con il suo atteggiamento emotivo investe la dimensione spaziale, che appare nella serie delle Porte D'Oriente, una vera e propria esperienza percettiva sensoriale. Esse proiettano al loro interno chi le guarda, insinuando immediatamente, e inevitabilmente, una domanda: "dentro o fuori"? Non ci si limita a osservarle queste porte, anzi si intraprende un viaggio, del tutto personale, lungo una traiettoria in cui Rosanna Rossi si lascia spiare più da vicino. Ma anche la dimensione temporale, apparsa fin dalle prime stratificazioni di segni e colori, viene investita. Accade con le opere della serie Forma Sonata, che recuperano la tradizione tre/ quattrocentesca della predella, il racconto sintetico che serviva a integrare la rappresentazione dei grandi quadri con scene secondarie. Sulla falsariga Rosanna Rossi crea queste tele costituendo un vero e proprio luogo d'incontro. Ci sono infine gli anni delle opere realizzate con mezzi apparentemente poveri e di scarto, uniti a un raffinato assemblaggio contemporaneo. Sono prevalentemente oggetti d'uso: cocci di bottiglie, spazzole, guanti di gomma (Guanti), pagliette abrasive (Mezze maniche; Pagliette di ferro).

Tutto iniziò negli anni Novanta con le lane d'acciaio. Si tratta di un processo affascinante, un'intrigante metamorfosi delle cose, una virtuosa riconversione dell'usato, che rinasce alchemicamente con la mano dell'artista. Realizzando un desiderio che ha richiesto tre anni di lavoro, e attingendo alla metafora della progressione musicale, la selezione di opere che si presenta in mostra testimonia una realtà come quella di Rosanna Rossi che, avendo sempre proceduto in direzione astratta, con un forte contenuto intellettuale oltre che un preciso impegno civile e socio-politico, è perfettamente in sintonia con lo spirito di Prometeogallery e più che mai attuale nel dibattito sull'arte e sull'identità femminile oggi. Lei che "non si assomiglia mai", che lungo tutto il suo percorso ha attraversato un coerente, e sempre manifesto, divenire processuale, ha saputo trasformare l'opera in un nuovo alfabeto di forme e colori, spazi e superfici che continuamente risvegliano la capacità immaginativa, restituendo, puntualmente, una bellezza armonica e mai provocatoria. (Comunicato stampa)

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Jannis Kounellis
I Cappotti | The Coats

termina il 10 novembre 2019
Casa Testori - Novate Milanese (Milano)
www.casatestori.it | Locandina

Sono una delle ultime opere del maestro dell'arte povera: 12 incisioni al carborundum realizzate con la collaborazione della Stamperia d'arte Albicocco di Udine. Il soggetto è unico: i cappotti dell'artista, uno degli elementi più iconici della sua arte. Ogni matrice misura due metri per uno. Dopo essere state esposte a Roma nel 2017 a Palazzo Poli, sede dell'Istituto centrale per la Grafica, e a Parigi alla Galleria Lelong, la serie completa delle incisioni arriva a Casa Testori in un dialogo postumo con i versi di Giovanni Testori che faranno da accompagnamento alle opere. Un incontro che è mai avvenuto e che ora viene proposto, nella convinzione che queste immagini "sindoniche" di Kounellis avrebbero certamente affascinato Testori. Il 12 ottobre, ore 16, in occasione Quindicesima edizione della giornata del contemporaneo (Amaci) la presentazione della mostra con lo stampatore Corrado Albicocco e Giuseppe Frangi. (Comunicato stampa)

Jannis Kounellis. Arte contemporanea tra Grecia e Italia

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Michel Frère
termina il 30 novembre 2019
Galleria Gentili - Firenze
www.galleriagentili.it

La ricerca di Michel Frère (Bruxelles, 1961 - Morlanwelz, 1999) sembra essersi interrotta troppo presto, e in un momento in cui riceveva ancora poco spazio e poca attenzione per il tipo di pittura praticata. Per tutti coloro che hanno avuto la fortuna di conoscerla, è quindi impossibile non restare ossessionati dalla certezza che questa meritasse uno spazio molto più importante di quello che ha poi effettivamente occupato. Michel Frère ha dipinto per quindici anni circa, a partire dalla metà degli anni 80. Prende parte ad un momento storico in cui, ai due lati della costa atlantica, si assiste a un ritorno della pittura. Se in un primo momento, Michel Frère si è confrontato con opere figurative emblematiche di quel decennio - tra la transavanguardia e il neo-espressionismo, è nella materia pittorica stessa che trova una strada che non abbandonerà più. Grande estimatore di Poussin e di Constable, Frère elabora delle opere in cui l'astrazione si trasforma in paesaggio.

Tratta la pittura ad olio attraverso un'applicazione sequenziale di spessi strati di materia, animati da un movimento pulito che genera una sovrapposizione delle direzioni del gesto. Michel Frère ha poi l'abitudine di inquadrare sotto vetro le sue grandi composizioni come per porre una distanza all'intensità del gesto pittorico. Ogni sua opera necessita di un impegno ''furioso'', duraturo e fisico. Il colore si imprime di tonalità dominanti che si risvegliano nella moltitudine di dettagli. Ogni opera è un mondo, allo stesso tempo fisico e temporale : l'incarnazione di un coinvolgimento totale. Paragoniamo spesso le sue opere a quelle di Eugène Leroy, che Frère ha molto ammirato e con il quale ha condiviso questo singolare interesse per la pittura di "spessore".

Leroy però non ha mai abbandonato il soggetto e le sue opere non hanno la qualità lirica di quelle di Michel Frère. Rivedere le opere di Michel Frère in Toscana acquista tutto il suo senso quando si viene a conoscenza del lungo periodo che passò a Montecatini, luogo in cui amava dipingere. Le tonalità che caratterizzano questo periodo testimoniano il modo in cui l'astrazione di Michel Frère è collegata al paesaggio fisico e mentale in cui era immerso. È in questa serie eccezionale che la sua capacità di catturare la materialità del mondo e le sue vibrazioni è maggiormente visibile e lo spirito d'utopia - che non l'ha mai abbandonato - risuona qui con maggior potenza. (Testo di Anne Pontégnie)

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Michel Frère's research seems to have been cut short all too soon, and at a time when his work was still given little space and received little attention owing to the kind of painting he practiced. So for all those who had the fortune to know him, it is impossible not to be racked by the certainty that it deserved to have much more space than it was actually given. Michel Frère painted for around fifteen years, commencing in the mid-1980s.This was at a moment in history which, on both sides of the Atlantic, saw a return to painting. While at the outset Michel Frère produced figurative works emblematic of that decade - somewhere between the Transavanguardia and Neo-Expressionism, it was in the paint itself that he found a road he was never to abandon.

A great admirer of Poussin and Constable, Frère painted pictures in which abstraction was transformed into landscape. His method of painting in oil entailed a sequential application of thick layers of pigment, animated by a clean movement that resulted in a superimposition of the directions of the brushwork. Michel Frère also had the habit of framing his large compositions under glass as if he wished to place the viewer at a distance from the intensity of those strokes of the brush. Each of his works required a 'violent', lasting and physical effort. The colour is imbued with dominant tones that are roused in the multitude of details. Each work is a world, at once a physical and temporal one: the embodiment of a total involvement. We often compare his works with those of Eugène Leroy, whom Frère greatly admired and with whom he shared this singular interest in painting of 'thickness'.

But Leroy never abandoned the subject and his works do not have the lyrical quality of Michel Frère's.To see the works of Michel Frère in Tuscany again takes on its full significance when one takes account of the long period he spent in Montecatini, a place where he loved to paint. The tonalities that characterized this period bear witness to the way in which Michel Frère's abstraction is connected to the physical and mental landscape in which he was immersed. It is in this exceptional series that his ability to capture the material quality of the world and its vibrations is most visible and it is here too that the spirit of utopia - which never left him - resounds with most power. (Text by Anne Pontégnie)

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Francesco Radino. Fotografie 1968-2018
termina il 18 ottobre 2019
Fondazione Mudima - Milano
www.mudima.net | Locandina

Francesco Radino è uno dei maestri della fotografia italiana contemporanea. Attivo da cinquant'anni in molti ambiti, dall'indagine sociale alla rappresentazione del paesaggio antropizzato, impegnato nell'elaborazione di un immaginario che parte dalla realtà ma costruisce forme raffinate e variegate stratificazioni visive, è una figura dalla creatività libera che si colloca fuori dagli schemi. Nel suo lavoro da sempre intreccia spontaneamente produzioni su committenza, industriale, pubblica, editoriale e ricerca artistica, intuendo con anticipo che nella nostra complessa contemporaneità il mondo della professione e quello dell'arte sarebbero venuti sempre più a coincidere.

Partecipe degli sviluppi della fotografia di ricerca sul paesaggio contemporaneo, negli anni ha sviluppato un modo intimo di esplorare la realtà attuale nelle sue profonde trasformazioni economiche, storiche, sociali, culturali: il suo è dunque un lavoro che va oltre il genere del paesaggio, aprendosi a ogni aspetto del mondo, dalla natura, sua grande passione, ai territori urbanizzati, dalla figura umana agli oggetti, dagli animali alle architetture, ampiamente spaziando dal contesto italiano a quello internazionale, con frequenti viaggi, in particolare, negli Usa e in Giappone. Le fotografie di Francesco Radino sono intessute di pensieri e di memoria, di momenti di realtà e di frammenti di vissuto, sono animate da analogie e rimandi formali che affermano continuamente che il mondo è uno solo e la sua complessità non può essere guardata per settori separati.

Così, pesci, oggetti industriali, ombre, alberi, fiori, spiagge, resti archeologici, acque, montagne, strade di città, architetture storiche e contemporanee, cieli, pietre, prati, corpi, divengono oggetti di uno sguardo indagatore e poetico, organizzatore e immaginifico. "Il mondo delle forme si libera - scrive - e va al di là del senso immediato", a legare immagini tra loro diverse c'è "un filo sottile ma forte che parla il linguaggio della vicinanza" ed esse sono "indicatori della realtà ma ci permettono anche di intravvedere la possibilità di una via d'uscita da essa". Forte di una cultura visiva profonda (il nonno fotografo, il padre e la madre entrambi pittori), frequentatore delle culture orientali, Radino immagina attraverso la fotografia un mondo di figure varie, tutte meritevoli di essere guardate e pensate, in una continua oscillazione dalla natura alla cultura.

La mostra, a cura di Roberta Valtorta, presenta le ricerche più significative della produzione dell'artista nell'arco di cinquant'anni ed è organizzata in sezioni tematico-cronologiche. È accompagnata da un volume di 320 pagine con 130 fotografie in bianco e nero e a colori, in italiano e inglese, edito da Silvana Editoriale, con testi di Roberta Valtorta, che ne è la curatrice, Giovanni Arpino, Giovanna Calvenzi, Paolo Cognetti, Eleonora Fiorani, Antonella Pellizzari, Urs Stahel, Fabrizio Trisoglio, Mauro Zanchi e di Francesco Radino stesso.

Francesco Radino (Bagno a Ripoli - Firenze, 1947), da genitori entrambi pittori, nel 1968 inizia a fotografare e nel 1970 decide di diventare fotografo. Con gli anni Ottanta prende parte a numerosi progetti di committenza pubblica. Dagli anni Duemila si è dedicato anche alla realizzazione di alcuni video. Ha esposto il suo lavoro in gallerie e musei italiani, europei, giapponesi e statunitensi e le sue opere fanno parte di collezioni pubbliche e private internazionali. Negli anni ha pubblicato molti libri. (Comunicato stampa)

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Peter Wächtler
termina lo 09 maggio 2020
Fondazione Antonio Dalle Nogare - Bolzano
Locandina

Invitato a pensare a un progetto site-specific per gli spazi e per il contesto sia della città sia della regione, Wächtler è tornato in visita più volte durante l'anno e ha analizzato luoghi fisici e di produzione che lo hanno ispirato nella realizzazione di un progetto composto di opere scultoree, fotografiche, pittoriche e video. Il risultato è una mostra - a cura di Vincenzo de Bellis - nella quale l'artista mette in evidenza alcuni aspetti caratteristici della sua pratica: l'interesse per tecniche artistiche tradizionali e artigianali; la necessità di costruzione narrativa simile a quella di un racconto (Wächtler è anche uno scrittore) e la capacità di muoversi liberamente tra diversi mezzi espressivi. Tutti questi mezzi diventano tappe di un racconto nel quale il personale si mescola all'impersonale, il soggettivo all'oggettivo, il reale al surreale o all'irreale.

Peter Wächtler lavora con una varietà di media: bronzo e ceramica, testi, disegni e video. Ma è in realtà il racconto stesso a costituire il suo materiale prediletto. Le sue opere evocano spesso una narrazione che vede figure umane o animali in stati particolari di animazione. Questi usano e adattano elementi di finzione, folklore e cultura popolare, relazionandosi sia a tradizioni specifiche che a favole comuni, e concretizzano le diverse modalità in cui una storia può essere raccontata, tanto quanto la storia in sé. Le opere di Peter Wächtler (Hannover - Germania, 1979) sono state esposte in mostre personali presso la Kunsthall di Bergen, lo Schinkel Pavillon di Berlino, al MUKHA di Anversa, alla Chisenhale Gallery di Londra e alla Reinassaince Society di Chicago. Il 30 agosto ha inaugurato una sua personale presso la Kunsthalle di Zurigo. (Comunicato stampa Lara Facco)

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La Bella Figura
Unlocking Sustainable Fashion in the Eternal City

termina il 26 ottobre, 2019
Sala 1 - Centro Internazionale d'Arte Contemporanea - Roma
www.salauno.com

La galleria apre le sue porte ad'iniziativa incentrata sulla moda sostenibile, con la collaborazione della stilista Desiree Townley e The Sewing Cooperative. Il progetto nasce seguendo lo spirito delle ultime iniziative nel biennio 2018-19 di Sala 1, Ripensare la materia incentrato sull'argomento del ciclo dei rifiuti, e Pop-Up Lab con Refugee Tailors, un laboratorio di sartoria sociale coordinato da Lydia Witt di The Sewing Cooperative. Con l'intenzione di osservare più da vicino il rapporto tra moda e ambiente e la società che ci circonda, questa collezione di oggetti ethically sourced, fatti a mano o recuperati, sfrutta le risorse disponibili per mantenere La Bella Figura, limitando al contempo l'impatto ambientale e sostenendo l'artigianato. Ogni capo, o scenario, prende ispirazione dalle narrazioni nascoste di Roma e mette in evidenza dettagli inaspettati attraverso abbigliamento, accessori e oggetti correlati. Durante la visita, il pubblico avrà l'opportunità di scoprire le storie degli artigiani che lavorano a Roma, di toccare ed esplorare fibre e trame e, infine, di portare via strumenti che possono usare per riutilizzare, rimodellare e trovare una moda più ecosostenibile a Roma.

Desiree Townley è una stilista eco-conscious e personal shopper, specializzata in oggetti d'antiquariato e vintage. Lavora per ottimizzare i guardaroba dei suoi clienti, adattando i vestiti allo stile di vita di ognuno di loro e servendosi dell'artigianato locale. The Sewing Cooperative è un'impresa sociale fondata nel 2016 da Lydia Witt, una giovane sarta/designer di New York. Attraverso prodotti artigianali e su misura per l'abbigliamento, The Sewing Cooperative cerca di promuovere l'integrazione sociale e lavorativa dei rifugiati e degli immigrati riconoscendo le capacità sartoriali che portano con sé e aiutandoli ad adattarle al loro nuovo contesto e casa. Durante questo periodo, Sala 1 ospiterà numerosi workshop interattivi e proiezioni di film per accompagnare il tema generale dell'iniziativa: abbracciare alternative socialmente responsabili, sostenibili, artigianali e alternative alla moda veloce. Pezzi unici, abiti e accessori fatti a mano saranno disponibili al pubblico durante tutto il periodo dell'iniziativa. (Comunicato stampa)

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The gallery will open its doors to the public for a sustainable fashion collection featuring designs by stylist Desiree Townley, tailored by The Sewing Cooperative. This initiative builds on Sala 1's previous exhibitions Ripensare la materia exploring the cycles of waste, and Pop-Up Lab with Refugee Tailors, while looking more closely at the relationship of Fashion to the environment and the society around us. This collection of ethically sourced, handmade, and found object items, highlights the resources for maintaining La Bella Figura while limiting your environmental impact and supporting artisanal craftsmanship. Each piece, or scene, is inspired by Rome's hidden narratives, and highlights unexpected details through clothing, accessories, and related objects. During their visit, the public will have the opportunity to discover the stories of artisans working in Rome, to touch and explore fibers and textures, and finally, to take away tools which they can use to repurpose, reshape, and source greener fashion in Rome.

Desiree Townley is an Eco-conscious Stylist and Personal Shopper specializing in vintage and antiques. She works with clients to streamline their wardrobe, dress for their lifestyle and source from local artisans. The Sewing Cooperative is a social business founded in 2016 by Lydia Witt, a young dressmaker/designer from New York. Through artisanal products and made to measure clothing, The Sewing Cooperative seeks to promote the social and labor integration of refugees and immigrants by recognizing the tailoring skills they bring with them, and helping adapt them to their new context and home. During this project, Sala 1 will host several interactive workshops and film screenings to accompany the overall theme of the initiative: embracing socially responsible, sustainable, and artisanal alternatives to fast fashion. One of a kind pieces, handmade clothing and accessories will be available to the public throughout the exhibition. (Press release)

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Leonardo. La macchina dell'immaginazione
termina il 26 gennaio 2020
Galleria d'Arte Moderna - Palermo
www.gampalermo.it

Esposizione multimediale a cura di Treccani, progettata e messa in scena da Studio Azzurro che, integrando linguaggi e competenze diverse - dal video all'animazione grafica ai sistemi interattivi - ha intrapreso un percorso progettuale complesso, affiancato dalla competenza scientifica dello storico dell'arte Edoardo Villata. La mostra è promossa dal Comune di Palermo-Assessorato alla Cultura, dall'Istituto della Enciclopedia Italiana Treccani e dalla Fondazione per l'Arte e la Cultura Lauro Chiazzese; a cura di Treccani e Studio Azzurro, è organizzata da Civita Sicilia con il contributo di Intesa Sanpaolo.

Il percorso è scandito da sette videoinstallazioni, di cui cinque interattive, che coinvolgono lo spettatore in un racconto di immagini e suoni che, a partire dal multiforme lascito di Leonardo, ci "parlano" tanto del suo, quanto del nostro tempo. Le grandi macchine scenografiche, la cui struttura è liberamente ispirata a disegni leonardeschi, corrispondono ad altrettante sezioni: Le Osservazioni sulla natura; La città; Il paesaggio; Le Macchine di pace; Le Macchine di guerra; Il Tavolo anatomico; La pittura. Studio Azzurro ha pensato a uno spazio che immerga i visitatori nel mondo dell'immaginazione di Leonardo. Un mondo di macchine talvolta trasparenti come i suoi orizzonti, talvolta opache come la carta dei fogli di appunti. L'esperienza del visitatore passa dall'osservazione alla partecipazione, muovendosi tra forme che richiamano il rigore geometrico dei solidi platonici di Luca Pacioli e si rimodulano in strumenti utili.

Questo mondo di macchine trasformate in dispositivi narrativi, di giganteschi fogli di appunti in attesa di essere risvegliati, accoglie il visitatore in una penombra da cui spiccano i colori del legno, della tela e della carta. L'interazione avviene con sistemi diversi: la modulazione della luce e della voce sono gli strumenti privilegiati. In quattro sezioni, infatti, il visitatore può scegliere alcune parole-chiave tratte dal lessico vinciano, che, una volta pronunciate, danno vita alle narrazioni video, in cui i disegni di Leonardo sono affiancati, percorsi o rivisitati da filmati talora iperrealistici, talora quasi astratti.

«In alcuni casi le elaborazioni o le giustapposizioni sottolineano e accentuano il carattere disturbante, eversivo dei disegni leonardeschi, mentre in altri forniscono una sorta di controcanto affettuoso e ironico: un atteggiamento che a Leonardo sarebbe sicuramente piaciuto» scrive il prof. Villata. «Il visitatore si troverà quindi a contatto con alcuni esempi delle idee e degli studi di Leonardo: la veduta a volo di uccello, le macchine, sia a uso civile, sia a uso militare, le mappe, gli studi sull'anatomia dei cavalli e dei volatili; ma anche a terrificanti immagini di diluvio, a volti trasfigurati dall'ira, a malinconici pensatori, a tenere e divertite immagini di cani, di gatti o di granchi. Il tutto sempre commentato da suoni, che talvolta accennano a diventare un abbozzo di frase musicale, e da citazioni tratte dai manoscritti leonardeschi».

___ Prima sezione: Le osservazioni sulla Natura

Il lavorio inesausto di appunti visivi e verbali di Leonardo rappresenta perfettamente l'"epoca dell'occhio", l'epoca della prospettiva che si fa "forma simbolica" oltre la stretta cerchia degli intellettuali. Il lavoro dell'occhio umano sul mondo è alla base di questo atteggiamento che prenderà una forma più definita nei decenni successivi. Attraverso lo studio del reale, Leonardo riesce a forzare quello strumento prospettico appreso nelle botteghe fiorentine allo stesso modo in cui forza il sapere tradizionale consolidato dai tempi di Aristotele, fino a far implodere l'idea di ordine universale su cui si posava ogni forma di pensiero. Un uomo che guarda, un piano di lavoro per disegnare, un rettangolo quadrettato davanti al suo sguardo. L'installazione ripropone la situazione ideale di un osservatore che analizza i minimi eventi naturali e cerca le corrispondenze con un ideale geometrico di armonia e di restituzione prospettica. Il visitatore si affaccia al prospettografo e assiste al passaggio dalla visione naturale alla restituzione nel disegno, fino alla rappresentazione ideale in riferimento alla geometria nascosta nelle cose.

___ Seconda sezione: La Città

I progetti di Leonardo per le città e il suo interesse per la stesura delle loro mappe rivelano un'attitudine urbanistica. Il suo sguardo "largo" tiene in considerazione le dinamiche della società e le esigenze quotidiane di una comunità complessa. Come per ogni altro oggetto di indagine, la sua visione si muove tra la considerazione dell'insieme e l'attenzione per il dettaglio. Immagina per la prima volta di vedere e rappresentare le città dall'alto. Immagina città con un impianto urbano funzionale alle attività delle varie classi sociali e alle necessità igieniche. Studia le vie di terra e il vitale rapporto con le vie d'acqua, da sfruttare abilmente con grandi progetti di deviazione dei corsi dei fiumi.

Osservando la città, ne studia anche gli abitanti, annota le loro abitudini di vita, le mode, i riti. Nell'istallazione, sono infatti le silhouette degli uomini e dei loro strumenti a raccontare le azioni generate dai disegni e dalle parole di Leonardo. Le immagini si depositano su due grandi schermi laterali della struttura che richiama una sorta di gru da cantiere, capace di spostare grandi pesi in modo rapido ed economico, con minore sforzo dell'uomo. Due leggii mostrano una collezione di parole che Leonardo utilizzò nei suoi progetti di architettura e urbanistica. Pronunciando una di queste parole si risveglia la narrazione video corrispondente. Le parole sui due leggi sono le stesse, ma i video a esse associati raccontano storie differenti.

___ Terza sezione: Il Paesaggio

I mutamenti della luce naturale, i suoi effetti sui corpi e sulla percezione atmosferica sono stati per Leonardo oggetto di lunghe osservazioni e di altrettante pagine di annotazioni, soprattutto in funzione della loro miglior resa pittorica. Nel Libro di Pittura si rivolge al suo lettore chiamandolo «fintore» - così si chiamavano i pittori e gli scultori - dandogli precise istruzioni su come rappresentare ogni elemento naturale, prospettico e umano. Leonardo in realtà educa lo sguardo del pittore a soffermarsi sui più minuti dettagli e a cercare le cause di ogni percezione per meglio "fingere" la realtà con gli strumenti del disegno e della pittura. D'altra parte arriva a immaginare un modo di rappresentare il mondo e quasi a inventare il "paesaggio" benché ancora non lo chiamasse in questo modo, con le vedute "a volo d'uccello". Tre proiezioni, due laterali e una in alto, avvolgono i visitatori. Pronunciando le parole scritte sui leggii, che corrispondono ad alcuni degli aspetti più indagati dalla curiosità e dall'inventiva di Leonardo, si presentano lateralmente due disegni originali e in alto un cielo. L'osservazione dei disegni li rende vivi, generativi. Dai tratti a matita nascono «flussi e reflussi», «venti revertiginosi», nebbie, scenari vicini e panorami lontani.

___ Quarta sezione: Le macchina di pace

Pulegge, catene, ruote dentate, ruota a tazze, viti di Archimede, viti senza fine, viti aeree, inclinometri, igroscopi, anemometri, seghe idrauliche, ventilatori. Studi per «modo di sollevare l'acqua in due tempi», per imbarcazioni a pale, per portelli di chiusa, progetti per il canale Firenze-mare, per lo scavo di Serravalle, disegni di macchine escavatrici, di draghe, vortici e canali. Studi per l'equilibrio, per il bilanciamento, per ali di aliante, per ala snodabile, per ala articolata, per ala a sportelli; studi per ornitottero, verticale, prono, a navicella. Studi per il «modo di camminare sull'acqua», per modi di respirare sott'acqua, guanti palmati, salvagente, scafandro. Non son tutte invenzioni di Leonardo, talvolta sono perfezionamenti di macchine esistenti, studi per migliorie, in altri casi, come per il volo e il «camminare sull'acqua» sembrano sogni che, confidando nella scienza e nello studio della natura, è convinto di poter realizzare. Pronunciando una delle parole esposte nel leggio i disegni nei due schermi rivelano particolari di macchine a cui si accostano reali meccanismi del nostro tempo.

___ Quinta sezione: Le macchine di guerra

Nella lettera a Lodovico il Moro in cui Leonardo si presenta per essere accolto a Milano, una eloquente lista esibisce in larga maggioranza competenze nell'arte di «offendere e difendere», in particolare nella capacità di progettare «instrumenti bellici» come ponti «facili e commodi da levare et ponere», «ghatti» (arieti), «bombarde, mortari et passavolanti di bellissime et utile forme» «briccole, manghani, trabuchi», «carri coperti, securi e inoffensibili». Ciononostante, le considerazioni scritte da Leonardo sulla guerra rivelano ben altro pensiero. «Pazzia bestialissima» la definisce, studiando armi e strumenti dei contemporanei ma anche degli antichi. Le istruzioni per dipingere scene di battaglia nel Libro di pittura sono efficaci quanto una testimonianza, e il modo in cui racconta i volti, le espressioni, i gesti degli uomini impegnati a uccidersi tra loro manifestano il suo giudizio sull'assoluto abbruttimento a cui essa conduce. La macchina dell'installazione è una sorta di bilanciere in stasi, con due grandi schermi. Pronunciando la parola scelta dal leggio, sullo schermo frontale appare un disegno, uno studio di un carro, di una bombarda, di un gruppo di uomini in battaglia, a terra appare un pavimento materico: sabbia, acqua, foglie... dopo qualche istante dai tratti del disegno si staccano figure umane, frecce, bandiere e dal pavimento emergono frammenti di una battaglia.

___ Sesta sezione: Il tavolo anatomico

Ai tempi di Leonardo si chiama «notomia». L'analisi geometrica, figlia diretta dell'uomo vitruviano, non gli basta, così sprofonda il suo sguardo nelle viscere del corpo umano, come fosse il dispositivo più affascinante che si potesse studiare: «sì bellostrumento» con «tanta varietà di macchinamenti». Cerca le cause di ogni evento fisiologico, elenca instancabili liste di argomenti da indagare. Descrive minutamente la meccanica dei movimenti, osserva e rappresenta il cranio come fosse un elemento architettonico, il tiburio di una cattedrale, immagina le funzioni di ipotetiche aree del cervello, osserva il chiasma ottico, disegna il sistema nervoso come un albero di sottili filamenti. Sempre sulla soglia del sogno di una conoscenza esatta, alla fine di una lunga lista, annota: «Scriverai di filosomia». Su un tavolo di otto metri sono posati dei gessi che riproducono elementi del corpo umano, maschile e femminile. Sospese sul tavolo alcune piccole torce. Direzionando la loro luce su un gesso, si avvia il racconto video relativo a quella porzione di corpo. Dal corpo dell'uomo, scorticato, si genera l'indagine sotto la pelle, tra muscolatura, scheletro e funzioni vitali. Il corpo della donna è invece un corpo classico, da cui nascono i gesti, le espressioni e il racconto della facoltà di portare in sé una nuova vita.

___ Settimana sezione: La pittura

La pittura per Leonardo è una scienza, nell'accezione di scienza a lui contemporanea. Nel suo Libro di pittura, più di 900 paragrafi di varie lunghezze sono dedicati alla sua teoria e alla sua pratica e nel tradizionale "paragone delle arti" vince su tutte. La sua attenzione a restituire in pittura i valori percettivi delle cose ha dato avvio a un modo diverso di "fingere" le figure e gli scenari: ogni contorno sfuma in un'altra parte del dipinto, c'è profondità di piani nello spazio, ma senza quasi distinzione dei limiti dei soggetti... come se il mondo fosse immerso in un liquido amniotico. Nell'installazione un grande monitor presenta una decina di dipinti di Leonardo. Il lavoro sulla illuminazione dei soggetti e sulla graduale apparizione dello sfondo fa vibrare il quadro di una vita inattesa. Gli scenari si susseguono all'orizzonte, passando uno nell'altro fino a ricomporre lo sfondo dell'opera originale. Anziché forzare i suoi scenari per farli corrispondere a un luogo, ci si affaccia alla memoria e alla immaginazione di Leonardo che dipinge ricordando le centinaia di scenari che ha a lungo scandagliato nelle sue osservazioni. «Il buon pittore ha da dipingere due cose principali: l'uomo e il concetto della mente sua. Il primo è facile, il secondo difficile, perché si ha a figurare con gesti e movimenti delle membra: e questo è da essere imparato dai muti, che meglio li fanno che alcun'altra sorte di uomini». (Comunicato ufficio stampa Civita)

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Carlo Invernizzi and his Poetic World
termina il 17 novembre 2019
Neuer Kunstverein Aschaffenburg e.V. - Aschaffenburg (Baviera - Germania)
www.kunstlanding.de

La mostra, a cura di Elisabeth Claus e Francesca Pola, presenta i molteplici aspetti del mondo poetico di Carlo Invernizzi attraverso un percorso articolato in più sezioni tematiche. L'esposizione si apre con una sala che presenta una selezione di opere su tela, realizzate da Carlo Invernizzi insieme a Bruno Querci, Nelio Sonego e Rudi Wach, affiancata dal corpus di poesie scritte a partire dal 1950. Attraverso i documenti storici e i volumi selezionati, si ricostruisce il percorso di Carlo Invernizzi sin dai "primi passi come poeta", quando entra a far parte del gruppo di letterati costituitosi attorno a Maria Vailati - che nel 1961 fonda "Poíesis" come Centro di attività e documentazione di poesia contemporanea. L'interesse per l'espressività poetica e le problematiche teoriche delle arti figurative, ha fatto sì che Carlo Invernizzi instaurasse, già a partire dagli inizi degli anni '60, rapporti di amicizia e di reciproco scambio culturale con i maggiori esponenti internazionali dell'arte visiva.

Per approfondire questo significativo aspetto del mondo del poeta, il percorso prosegue con una sala in cui le sue poesie - nella versione originale italiana e anche in una traduzione tedesca - vengono esposte insieme a opere di Rodolfo Aricò, Carlo Ciussi e Pino Pinelli così da attivare un dialogo, fatto di scambi e contaminazioni reciproche, che fu presentato anche nel 1990 in occasione della mostra storica Divina mania. Una poetica bicipite. Aricò, Ciussi, Pinelli. La terza sala del primo piano presenta un focus che mette in interconnessione la poesia di Carlo Invernizzi con le opere di Gianni Asdrubali, Bruno Querci e Nelio Sonego, artisti con i quali Invernizzi ha firmato il manifesto Tromboloide e disquarciata a Morterone nel 1996: trascrizione di una riflessione filosofica relativa alla visione unitaria di mente/corpo, natura/cultura, filosofia/arte, poesia/pittura per cui "L'uomo per la sua costituzione fisica è parte intrinseca della Natura Naturans" e "l'arte (la poesia) è l'uomo Natura Naturans".

A concludere il percorso del primo piano viene presentata una sezione in cui sono esposte fotografie che ritraggono Carlo Invernizzi insieme a diversi artisti, critici, storici dell'arte e filosofi dalla seconda metà degli anni Sessanta sino agli anni Duemila. L'approfondimento dell'interconnessione tra poesia e arte continua nelle prime sale al secondo piano dove sono presenti libri d'artista - editi a partire dagli anni Settanta da Scheiwiller - e realizzati in collaborazione con gli artisti Rodolfo Aricò, Emiliano Bonfanti, Carlo Ciussi, Dadamaino, Riccardo Guarneri, Igino Legnaghi, Alina Kalczyñska, Pino Pinelli, Rudi Wach, insieme ai volumi fatti a mano creati insieme a Nicola Carrino, Alan Charlton, Lesley Foxcroft, Sergio Milani, François Morellet, Bruno Querci, Nelio Sonego, Niele Toroni, Grazia Varisco e Michel Verjux. L'ultima parte della mostra riguarda il legame tra il poeta e Morterone - conca incontaminata sul versante orientale del Monte Resegone - dove sia Invernizzi che la sua poesia trovano le loro radici. In quest'ultima sezione le poesie verranno esposte affiancate dalle immagini dei paesaggi e le entità naturali che le hanno ispirate.

Verrà inoltre presentato un focus sul Museo d'Arte Cotemporanea all'Aperto di Morterone - luogo in cui arte e natura vivono insieme e coesistono. Proprio sulla spinta delle concezioni filosofiche di Carlo Invernizzi, a metà degli anni Ottanta venne costituita l'Associazione Culturale Amici di Morterone con l'intento di far rivivere, anche creativamente, il territorio - perseguendo l'idea che l'intervento artistico dovrebbe essere un'azione di conoscenza e mai di prevaricazione, proprio come emerge dalla concezione della poetica Natura Naturans. Nel corso dei decenni questo progetto è maturato attraverso mostre, conferenze e pubblicazioni e ha coinvolto sempre più esponenti della cultura contemporanea e artisti - come Rodolfo Aricò, Gianni Asdrubali, Francesco Candeloro, Nicola Carrino, Lucilla Catania, Alan Charlton, Carlo Ciussi, Gianni Colombo, Dadamaino, Riccardo De Marchi, Riccardo Guarneri, Lesley Foxcroft, Igino Legnaghi, François Morellet, Mario Nigro, Pino Pinelli, Bruno Querci, Ulrich Rückriem, Nelio Sonego, Mauro Staccioli, Niele Toroni, David Tremlett, Günter Umberg, Grazia Varisco, Elisabeth Vary, Michel Verjux, Rudi Wach.

Oggi questa visione utopica della convivenza tra arte, poesia e natura, è diventata una realtà possibile e ha portato all'installazione permanente di circa 30 opere, le cui immagini sono esposte in questa occasione insieme alle poesie di Carlo Invernizzi - grazie al quale Morterone è potuto divenire "un'autentica soglia poetica". In questa sala verrà anche dedicato un approfondimento al tema della memoria storica di Morterone in cui, affiancate agli scritti di Carlo Invernizzi, verrano presentate immagini fotografiche di Luigi Erba che ritraggono il complesso di costruzioni del 1600 presenti nella Località di Frasnida, già presentate nella mostra Frasnida tra documento e trasfigurazione tenutasi a Morterone nel 1988. Al secondo piano saranno inoltre esposte una sezione di opere della mostra Partiture d'ombra: Carlo Invernizzi Raffaella Toffolo realizzata nel Palazzo municipale di Morterone nel 2016 e le opere di Carlo Invernizzi della serie Indesistibili - in cui poesie e disegni dialogano direttamente sulle tele. Per questa occasione il regista Francesco Castellani ha realizzato il documentario Carlo Invernizzi. Die Stimme des Dichters e verrà pubblicato un volume che documenta il percorso creativo di Carlo Invernizzi. (Comunicato stampa)

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Italia moderna 1945-1975. Dalla Ricostruzione alla Contestazione
termina lo 06 gennaio 2020
Fondazione Pistoia Musei (Palazzo Buontalenti) - Pistoia
www.fondazionepistoiamusei.it

È tra il 1945 e i successivi trent'anni che l'Italia cambia i comportamenti sociali, si modernizza visibilmente sul territorio e nelle singole case, e muta l'orizzonte quotidiano, ed è negli stessi anni che la cultura italiana si pone i problemi della Modernità. I leggii in metallo di Dimostrazione (1975) di Giulio Paolini e la scultura Asciuga Ali (1995) di Giosetta Fioroni, le grandi superfici colorate con la penna a sfera blu di Alighiero Boetti Ai Ieooei LghRrbtt (1975) e il giallo accecante del Michelangelo (1967) di Tano Festa, e ancora le riflessioni sui numeri di Fibonacci di Mario Merz e lo Scoglio realizzato da Pino Pascali nel 1966. Sono solo alcuni esempi delle oltre 80 opere che compongono il percorso di Il benessere e la crisi, seconda tappa della mostra Italia moderna 1945-1975, a cura di Marco Meneguzzo.

Progetto dedicato all'arte italiana del Novecento, con oltre 150 opere provenienti dalle prestigiose collezioni di Intesa Sanpaolo. "Ricostruzione" e "Contestazione" non sono solo due poli cronologici entro cui si dipana l'idea della Modernità italiana, ma due indicazioni culturali, che mostrano l'arco di sviluppo di idee e di costumi che ha portato l'Italia alla ribalta internazionale, sia come economia che come soggetto culturale. L'intera mostra è un viaggio scandito in due tappe: la prima, Le macerie e la speranza, conclusasi lo scorso agosto, ha raccontato gli anni dal 1945 al 1960, durante i quali gli artisti hanno dovuto confrontarsi prima con le devastazioni della Seconda Guerra Mondiale, poi con la ricostruzione e la rinascita del paese.

Questa seconda tappa della mostra, Il benessere e la crisi, rende omaggio all'Italia degli anni Sessanta e Settanta, mettendo in relazione il contesto storico, politico e sociale con quello artistico, rendendo evidente la forte e netta rottura con la cultura figurativa del passato. La visione di una società nuova, proiettata nel futuro, era già stata immaginata dagli artisti, ma è attorno al 1960 che queste idee si sviluppano in modi e forme che contraddicono radicalmente le tendenze informali del decennio precedente. Caratteristiche di questa svolta sono il radicale mutamento del ruolo dell'artista e la conseguente rielaborazione del ruolo dell'Arte.

La scelta espositiva di dividere la mostra in due tappe è una novità pensata per rendere il percorso il più esaustivo possibile e per "fidelizzare" il visitatore: gli spazi di Palazzo Buontalenti, sede di Fondazione Pistoia Musei dedicata alle mostre temporanee, restaurati per l'occasione, non avrebbero potuto accogliere le oltre 150 opere scelte dal curatore; una scelta numericamente inferiore del resto non sarebbe stata sufficiente a mostrare, al di là dei "soliti noti", il contesto straordinariamente ricco e variegato dell'arte italiana dell'epoca. Suddivisa in sezioni che non seguono solo un percorso cronologico, ma sono capaci di evocare contesti sociali e culturali in cui si svilupparono le diverse ricerche e tendenze, Italia moderna 1945-1975, nella sua totalità, evidenzia il clima, l'atmosfera, il tessuto connettivo dell'arte italiana, più ancora della presenza di nomi e opere già molto conosciute. (Comunicato stampa Lara Facco P&C)

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Christian Martinelli - Confini "the cube"
termina il 26 ottobre 2019
foto-forum Südtiroler Gesellschaft für Fotografie - Bozen/Bolzano
www.foto-forum.it

"Confini" appartiene al ciclo di opere 00A, una serie di progetti decennali in cui l'artista utilizza la fotografia come mezzo, fine, o testimone di tematiche a lui care. "La lunga striscia di sabbia" che Pier Paolo Pasolini realizzò nel 1959 ritraendo l'Italia da Ventimiglia a Trieste è una fonte di ispirazione del viaggio solitario lungo sei mesi che Martinelli ha intrapreso. Nell'arco di cinque anni ha percorso circa 20.000 chilometri, restituendo l'intero periplo dell'Italia attraverso 70 immagini monotipo. Le immagini sono realizzate con il "cubo", un oggetto che è sia macchina fotografica progettata dell'artista, sia opera installativa, che cattura e al contempo riflette il paesaggio. "Confini" nasce dalla necessità che l'artista ha di confrontarsi con il tema dell'appartenenza a un territorio; come l'animale segna il "suo" spazio, delimitando il proprio confine così l'essere umano disegna linee su mappe geografiche.

L'atto simbolico di posizionare il "cubo" nel paesaggio al confine diventa per l'artista la modalità per tracciare il suo passaggio. Martinelli non concepisce il confine come "fine", semmai come "inizio" e lo rappresenta con immagini, in cui le sue linee si amalgamano. Attraverso i lunghi tempi di esposizione la linea dell'orizzonte si perde creando un continuum tra i tratti della morfologia del paesaggio reale. Rispetto a Pasolini, Martinelli sposta l'attenzione dal contesto antropologico a quello naturale dei "confini". Non è dunque una rappresentazione documentaristica dei luoghi, bensì una riflessione, una ricerca intima della poetica del paesaggio. L'artista restituisce immagini dalle innumerevoli sfumature cromatiche, ascrivibili più a un dipinto che a una immagine fotografica. Come le marine astratte di William Turner anche le immagini realizzate dall'artista sono opere uniche e irripetibili. (Carla Cardinaletti e Christian Martinelli)

___ DE

"Grenzen" ist Teil des Werkzyklus "00A", eine Projektserie in der Christian Martinelli seit Jahrzehnten die Fotografie als Medium, Zweck, und Zeugnis seiner Lieblingsthemen benutzt. La lunga striscia di sabbia (Der lange Sandstreifen) von Pier Paolo Pasolini, in dem der italienische Filmemacher, Poet und Künstler 1959 Italien von Ventimiglia im Westen bis Triest im Osten porträtiert hatte, war Inspirationsquelle für Martinellis solitäre sechsmonatige Reise. Im Zeitrahmen von fünf Jahren hat er über 20.000 km zurückgelegt, und präsentiert nun diese Reise in seinem Gesamtumfang im Rahmen von 70 Monotypen. Die Bilder wurden mit dem sogenannten "cubo" geschaffen, ein "Kubus", der vom Künstler selbst als Fotoapparat und gleichzeitige Kunstinstallation konzipiert wurde, der die Landschaft einerseits abbildet und reflektiert. "Confini" (Grenzen) entspringt der inneren Notwendigkeit des Künstlers, sich mit dem Thema der territorialen Zugehörigkeit zu beschäftigen: wie ein Tier "seinen" für sich beanspruchten Lebensraum kennzeichnet und damit eingrenzt, zeichnet der Mensch Linien auf geografischen Karten ein.

Der symbolische Akt, seinen "Kubus" auf Grenzlinien in die Landschaft zu stellen, wird für Christian Martinelli die Modalität, Spuren seiner vorübergehenden Präsenz zu setzen. Martinelli versteht die Grenzlinie nicht als "Ende" denn als "Beginn", und repräsentiert sie in seinen Bildern, in denen sich deren Linien verschmelzen. Aufgrund der langen Belichtungszeiten verliert sich die Horizontlinie, wodurch ein Kontinuum in der Morphologie der reellen Landschaft entsteht. Pasolinis Aufmerksamkeit war dem anthropologischen Kontext zugewandt, Martinelli hingegen versetzt seine auf den natürlichen Kontext der "Grenzen". Es handelt sich also nicht um eine dokumentaristische Darstellung der Landschaft, sondern um eine Reflexion, eine intime Suche nach deren Poesie. Der Künstler erstellt Bilder mit unzähligen chromatischen Nuancen, eher der Malerei als der Fotografie zugeschrieben. Ähnlich den abstrakten Seebildern von William Turner, sind Martinellis Bilder einzigartig und unwiederholbar. (Carla Cardinaletti und Christian Martinelli)

___ EN

"Borders" belongs to the 00A cycle of works, a series of a ten-year long project in which the artist uses photography as a means, purpose, or witness to express themes important to him. "The long strip of sand" that Pier Paolo Pasolini created in 1959, portraying Italy from Ventimiglia to Trieste, is a source of inspiration for the solitary six-month journey that Martinelli has undertaken. Over a five-year period, he traveled about 20,000 kilometers, returning the entire circumnavigation of Italy through 70 monotype images. The images are obtained by using "the Cube", an object which is both a camera, designed by the artist, as well as an installation work that captures and reflects the landscape at the same time. "Borders" is born from the need that the artist has to deal with the theme of belonging to a territory; as the animal marks "its" space, delimiting its own boundaries, so does the human being, by drawing lines on geographical maps.

The symbolic act of positioning "the Cube" within the landscape on the border becomes a way for the artist to trace his passage. Martinelli does not conceive the border as an "end", rather as a "beginning" and he represents it with images in which its lines blend together. By using long exposure times, the horizon line dissolves creating a continuum between the features of the morphology of the real landscape. Unlike Pasolini, Martinelli shifts the attention from an anthropological context to the natural one of the "borders". It is therefore not a documentary representation of places, but a reflection, an intimate research on the poetics of the landscape. The artist returns images with infinite shades of color, more similar to a painting than to a photographic image. Like the abstract oceans of William Turner also the images realized by the artist are unique and unrepeatable works. (Carla Cardinaletti and Christian Martinelli)

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Oscar Sorgato. Tenera è la luce
Un protagonista del Chiarismo

termina il 10 novembre 2019
Museo Civico d'Arte - Modena
www.museicivici.modena.it

L'esposizione, curata da Stefano Sbarbaro e Cristina Stefani, ricostruisce e pone all'attenzione del pubblico la vicenda umana e artistica del pittore di origini modenesi, Oscar Sorgato (Modena, 1902 - Milano, 1941) che svolse la sua breve carriera pressoché interamente nel fervido clima artistico della Milano degli anni Trenta. L'artista è testimone di quel delicato passaggio che porta al superamento dei grevi canoni plastici di Novecento Italiano in favore di un rinnovato approccio pittorico, caratterizzato da una pennellata tenue e sciolta di matrice neoimpressionista che si organizzò nel movimento del Chiarismo attorno alla figura del critico Edoardo Persico.

La produzione di Sorgato si concentra su due temi fondamentali, la pittura di paesaggio e il ritratto, restituendoci per il secondo uno spaccato sociale della complessa stagione del Ventennio e inquadrando le aspirazioni, le fragilità e i turbamenti della borghesia milanese del tempo, con una particolare attenzione nei confronti della condizione femminile che ne favorisce il collegamento con il tema "persona" affrontato dal Festivafilosofia. Un'atmosfera che sarà evocata in mostra anche dai racconti sonori composti per l'occasione dagli scrittori Andrea Vitali e Roberto Barbolini che, ispirandosi ad alcuni ritratti, proietteranno nella dimensione della finzione letteraria alcune delle figure dipinte da Sorgato, risvegliandole così dalla loro immobilità, per diventare personaggi e interpreti delle loro storie.

Il percorso espositivo, introdotto da un video sulla figura dell'artista, si snoda lungo le principali tappe che segnano l'evoluzione stilistica del suo linguaggio, dall'appartenenza ad una famiglia di importanti imprenditori fotografi, agli esordi modenesi nell'ambito dell'Istituto d'Arte "A. Venturi", alle esperienze condotte a Roma e a Pavia, fino al passaggio dell'artista a Milano segnato da crescenti consensi di pubblico e critica registrati in occasione di importanti rassegne espositive a Padova (1931), alla Sindacale Lombarda di Milano (1932, 1933, 1935), alla Permanente di Milano (1942, mostra postuma) alla Quadriennale di Roma (1931, 1935, 1939) e alla Biennale di Venezia (1936, 1940). La mostra è promossa dai Musei Civici di Modena e dalla Collezione Koelliker di Milano in occasione del Festivalfilosofia 2019 dedicato al tema "persona". Il catalogo della mostra, edito da Silvana Editoriale, conterrà una presentazione di Elena Pontiggia, i saggi critici dei curatori e i racconti ispirati ad alcune opere di Oscar Sorgato a firma degli scrittori Andrea Vitali e Roberto Barbolini. (Comunicato stampa)

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Bruno Olivi: Vivere nella pittura
termina il 27 ottobre 2019
Complesso monumentale de L'Ospitale - Rubiera (Reggio Emilia)
Versione ampia della locandina

Retrospettiva dedicata all'artista reggiano Bruno Olivi, curata da Carlo Mastronardi con un testo critico di Sandro Parmiggiani. L'esposizione, la prima realizzata dopo la scomparsa del pittore, avvenuta nel 2017, ripercorre l'itinerario artistico di Bruno Olivi rivelando, attraverso una concisa selezione di opere, la ricchezza e la profondità della sua ricerca. Bruno Olivi - come si legge nel testo di Rita Boni - «ha fatto della provincia un luogo di sperimentazione artistica autentica, attingendo alla tradizione bolognese, da cui prende avvio la sua attività, per guardare alla grande pittura mondiale». Il percorso espositivo comprende una trentina di dipinti selezionati da Carlo Mastronardi, anche lui pittore e amico di lunga data di Bruno Olivi. Lo stesso Mastronardi, assiduo frequentatore del suo studio, ci ricorda che Olivi «lavorava in piedi con i fogli stesi a terra; all'inizio tracciava delle sciabolate di colore per dare al lavoro un'impalcatura, poi sgocciolava vari colori e con diversi tipi di pennelli equilibrava il tutto, fino ad ottenere le opere che conosciamo».

«Seguendo la varietà degli esiti del percorso dell'artista - scrive Sandro Parmiggiani - e la costanza di un'ispirazione sempre fedele alle ragioni profonde del dipingere, ci si rende conto che Olivi aveva fin dall'adolescenza deciso che quella, la pittura, era la casa in cui voleva abitare, il suo stesso destino di uomo che intendeva fare proprio, la fortezza che avrebbe presidiato fino all'ultimo dei suoi giorni (...). Bruno Olivi se ne sta con piena dignità e forza nell'universo della pittura del suo tempo; inesausta, talvolta ancora da esplorare, è la ricchezza della storia della pittura, che lui, con il suo contributo creativo e umano ha onorato, e alla quale si è consegnato e immerso per tutta la sua vita».

Bruno Olivi (Reggio Emilia, 1926-2017) frequenta la Scuola d'Arte "Gaetano Chierici", dove ha come insegnante di Figura Carlo Destri, con il quale avrà poi diverse occasioni di collaborazione, e successivamente l'Istituto d'Arte "Adolfo Venturi" di Modena, dove ha modo di conoscere l'opera di Renzo Ghiozzi ("Zoren"), artista innovatore e sperimentatore. Nel 1946 si iscrive all'Accademia di Belle Arti di Bologna, assieme ad altri artisti reggiani, come Marco Gerra, con il quale resterà amico per tutta la vita. Gli anni bolognesi sono fondamentali nella formazione di Olivi, grazie all'incontro con il magistero di Virgilio Guidi, di Giorgio Morandi, di Ilario Rossi, di Pompilio Mandelli, e con le variegate esperienze dell'informale, cresciuto rigoglioso grazie in particolare al contributo di idee e di sollecitazioni di Francesco Arcangeli, cui si deve la fortunata definizione di "Ultimo Naturalismo". Olivi passa dalle nature morte ai paesaggi graffiti e alle sperimentazioni su ampie stesure di colore, lavorato con striature e macchie, prodotte dal gesto. Continua la sua ricerca nella corrente dell'informale a cui rimane per sempre fedele realizzando composizioni di assoluta libertà gestuale, ma sempre connesse a sogni e visioni interiori. (Comunicato stampa CSArt - Comunicazione per l'Arte)

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Evvi un'altra prospettiva...
dalla prospettiva aerea alla realtà immersiva

termina il 18 ottobre 2019
DoubleRoom arti visive - Trieste
doubleroomtrieste.wordpress.com

Esposizione curata da Massimo Premuda che prende ispirazione da una celebre citazione di Leonardo da Vinci sulla rivoluzionaria intuizione della prospettiva aerea che, pur non negando la prospettiva lineare nel disegno, ne approfondisce il senso del vero. In mostra 6 artisti internazionali - Carlo Andreasi, Francesca Debelli, Paolo Ferluga, Antonio Giacomin, Ulrike Königshofer e Aleksander Veliscek - a interrogarsi sulla percezione della realtà nella cornice delle celebrazioni dei 500 anni dalla morte del geniale Leonardo e nell'ambito della quinta edizione del festival relazionale "L'Energia dei Luoghi" organizzato dall'associazione Casa Cave di Visogliano (Vižovlje) e sostenuto dalla Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia.

Così scrisse Leonardo da Vinci ne Il trattato sulla pittura, in merito alla prospettiva aerea: "Evvi un'altra prospettiva, la quale chiamo aerea imperocché per la varietà dell'aria si possono conoscere le diverse distanze di vari edifici terminati ne' loro nascimenti da una sola linea, come sarebbe il veder molti edifici di là da un muro che tutti appariscono sopra l'estremità di detto muro d'una medesima grandezza, e che tu volessi in pittura far parer piú lontano l'uno che l'altro; è da figurarsi un'aria un poco grossa. Tu sai che in simil aria le ultime cose vedute in quella, come son le montagne, per la gran quantità dell'aria che si trova infra l'occhio tuo e dette montagne, queste paiono azzurre, quasi del color dell'aria, quando il sole è per levante. Adunque farai sopra il detto muro il primo edificio del suo colore; il piú lontano fàllo meno profilato e piú azzurro, e quello che tu vuoi che sia piú in là altrettanto, fàllo altrettanto piú azzurro; e quello che tu vuoi che sia cinque volte piú lontano, fàllo cinque volte piú azzurro; e questa regola farà che gli edifici che sono sopra una linea parranno d'una medesima grandezza, e chiaramente si conoscerà quale è piú distante e quale è maggiore dell'altro."

Una grande intuizione che rivoluzionerà l'arte di veder rappresentati i paesaggi urbani e naturali, dalle architetture sfumate nelle nebbie agli azzurrini monti in lontananza... Come Leonardo si era trovato ad affrontare queste sfida, trattata con lucido spirito empirico di studio della realtà, oggi anche noi ci troviamo di fronte a una nuova rivoluzione della visione costituita dall'arte immersiva, che farà espandere la nostra percezione con la realtà virtuale, in particolare con video e performance ripresi a 360°, e con altri contenuti esperienziali da fruire con visori VR. La tecnologia di ultima generazione ci regala dunque in questo caso la possibilità di un nuovo modo di vivere trame e soggetti, temi e significati che non avranno più un punto principe di visione imposto dall'artista, ma sarà lo spettatore stesso a poter "percorrere" virtualmente gli stessi contenuti in forma sempre nuova e diversa, aggiungendo i propri significati e intenzioni al lavoro dell'artista con la propria "presenza" virtuale.

Si parte così dalla rigorosa ricerca sulla percezione visiva di Ulrike Königshofer, artista austriaca in residenza quest'anno a Trieste nell'ambito del programma A.i.R. Trieste, a cura di Francesca Lazzarini, che ci fa riflettere sullo scarto fra ciò che vediamo e ciò che percepiamo, per arrivare al controverso "BoraMeter" del triestino Paolo Ferluga, macchina inutile o futuribile ecomostro mascherato da ambizioni ecoturistiche, che ci interroga sugli invasivi interventi schermati da green economy. Si prosegue con un'altra macchina, il contemporaneo "Panopticon" dello sloveno Aleksander Velišcek che denuncia l'odierna società del controllo in cui, esponendoci, ci consegniamo volontariamente allo sguardo del "panottico aprospettico digitale".

La mostra si chiude infine con le immagini inaspettate, sulla percezione della realtà, del fotografo triestino Carlo Andreasi e con la preview dell'esperienza virtuale realizzata dagli artisti multimediali Antonio Giacomin e Francesca Debelli che, attraverso un intervento VR con maschera immersiva, ci faranno rivivere l'idea utopistica di concentrazione del sapere enciclopedico del "Teatro della Memoria" di Giulio Delminio Camillo. Collaterale alla mostra la sezione Visioni - Gli Onironauti a cura di Mila Lazic. Inoltre, le diverse mostre ed eventi legati al progetto di Massimo Premuda "Evvi un'altra prospettiva..." si articoleranno in diversi luoghi e momenti nella prima parte della Rassegna, mentre nei primi mesi del 2020, dopo la mostra a Cervignano del Friuli con le opere scelte a cura di Eva Comuzzi, si riuniranno in un'occasione espositiva unica prima a Gorizia e infine a Sistiana. (Comunicato stampa)

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Da Artemisia a Hackert
Storia di un antiquario collezionista alla Reggia

termina il 16 gennaio 2020
Reggia di Caserta

Esposte opere appartenenti al gallerista Cesare Lampronti. La mostra nasce dall'idea di avvicinare il mondo del collezionismo privato e delle Gallerie d'arte a quello dei Musei, intesi come luoghi per la fruizione e alla valorizzazione culturale per "pubblici" sempre più eterogenei. Essa si propone di mostrare il legame esistente tra le opere già presenti nella collezione reale, esposta nelle sale della Reggia e i dipinti presenti nella Lampronti Gallery, nonché di esaltare il fascino della pittura del '600 e '700 nella sua globalità. In occasione della mostra sarà esposto per la prima volta a Caserta il Porto di Salerno di Jakob Philipp Hackert, che è il "pezzo" mancante della serie dei Porti realizzata da Hackert per il re Ferdinando IV di Borbone. La mostra, quindi, diventa così occasione per mostrare ai visitatori l'intera serie dei Porti del Regno, recentemente restaurata.

Il progetto prevede l'esposizione di ulteriori quadri di vedute di Napoli e della Campania, realizzati da pittori presenti nella collezione della Reggia. Le opere scelte sono riconducibili a cinque aree tematiche differenti: pitture caravaggesche; pittura del '600; vedute; paesaggi e nature morte. Il percorso espositivo sarà realizzato nel rispetto e nella promozione di tale suddivisione. Inoltre, un'ulteriore sala sarà dedicata al progetto Immagini in cerca di autore, una vera e propria sezione di quadri di autori ignoti, la cui attribuzione sarà oggetto di studio e dibattito da parte di studiosi e ricercatori.

La mostra sarà altresì occasione per dare risalto al ruolo che già da diverso tempo la Reggia di Caserta ricopre, grazie alla collaborazione con le università e gli istituti di cultura campani e con la rete di musei italiani, di centro di diffusione culturale e di luogo dedicato allo studio e alla ricerca. La finalità culturale, nonché quella didattico-scientifica sarà quindi promossa attraverso la realizzazione di giornate-studio, che vedranno coinvolti esperti del mondo accademico, con approfondimenti su tematiche quali: il mercato dell'arte; il legame tra il collezionismo privato e gli enti pubblici; la pittura napoletana del XVII e il XVIII secolo.

Cesare Lampronti rappresenta la terza generazione di una consolidata famiglia di antiquari, vantando nel suo curriculum oltre cinquant'anni di esperienza nel mercato internazionale dell'arte. La Galleria Lampronti fu fondata a Roma nel 1914 da suo nonno Cesare, specialista in pitture italiane del XVII e XVIII secolo, con un particolare riguardo per le vedute, i paesaggi e le nature morte, che spaziano, attualmente, dal Caravaggio al Canaletto e ai loro seguaci. Cesare Lampronti è diventato il Direttore della galleria nel 1961, succedendo a suo padre Giulio, e da quel momento ha partecipato alle più prestigiose fiere di antiquariato in Europa. In Italia, la attuale Lampronti Gallery ha preso parte alla Biennale Internazionale di Roma e alla Biennale Internazionale di Firenze; mentre all'estero, ha partecipato al TEFAF (The European Fine Art Fair), al Paris Tableau, alla Biennale des Antiquaires, al Frieze Masters e al Point Art Monaco.

Inoltre, la Lampronti Gallery collabora con i musei internazionali e le istituzioni pubbliche nella conduzione di ricerche e prestando opere per le mostre. In tale ambito, Cesare Lampronti ha svolto il ruolo di vero e proprio pioniere, stimolando l'interesse di studiosi quali Ferdinando Bologna e Giuliano Briganti, che hanno fornito rilevanti contributi con i loro studi sulle opere da lui collezionate. Cesare Lampronti è membro dell'Associazione Italiana Antiquari, della quale è stato vice-presidente per 15 anni fino al 2005, e del French Syndicat National des Antiquaires. Nel gennaio del 2013 è stata aperta una nuova galleria in Duke Street, St James's, che offre una finestra sull'arte e sulla cultura italiana nel cuore di Londra. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Sulle sponde del Tigri
Suggestioni dalle collezioni archeologiche del MAO: Seleucia e Coche

termina il 12 gennaio 2020
MAO Museo d'Arte Orientale - Torino
www.maotorino.it

Nei lunghi secoli intercorsi tra l'impresa di Alessandro Magno e l'avvento dell'Islam, gli orizzonti del mondo conosciuto si dilatarono come mai prima d'allora. In quel mondo nacquero le città così come le concepiamo oggi, luoghi d'interrelazioni in una rete connettiva capillare che univa il Mediterraneo alla Cina. In uno dei punti più nevralgici di questa rete globale - la Mesopotamia centrale - furono fondate capitali d'importanza e dimensioni ineguagliate, in un processo che culminò con la fondazione di Baghdad. La prima capitale fondata in quel luogo fu, alla fine del IV secolo a.C., Seleucia al Tigri, metropoli estesa quanto Torino nel Settecento, alla quale seguì, sull'altra sponda del fiume, la mitica Ctesifonte, poi integrata nel III secolo d.C. con la città rotonda di Coche (o Veh Ardashir).

Questi due poli d'attrazione sulle sponde opposte del Tigri rivaleggiarono e prosperarono per secoli, alternandosi nel reggere le sorti di imperi che furono la controparte di Roma. A partire dal 1964, gli scavi svolti dal Centro Ricerche Archeologiche e Scavi di Torino per il Medio Oriente e l'Asia nei siti di Seleucia e Coche, portarono alla luce strutture abitative e manufatti di varia natura, quali sigillature in argilla di documenti, monete, vetri e manufatti fittili. La mostra, a cura di Vito Messina, Alessandra Cellerino, Enrico Foietta con la collaborazione di Claudia Ramasso, presenta una selezione di ceramiche, terrecotte, vetri e oggetti d'uso comune rinvenuti nelle due città, mettendo in dialogo la produzione di età ellenistico-partica, proveniente dal sito di Seleucia, con quella sasanide di Coche. (Estratto da comunicato stampa)

___ Mostre complementari

Sulla via di Alessandro in Asia
27 febbraio - 27 maggio 2007
Palazzo Madama - Torino
Presentazione

Ori dei Cavalieri delle Steppe
Sciti | Cimmeri | Sarmati | Unni | Avari | Goti
Mostra di oggetti dei popoli tra Danubio e Asia dal 1000 a.C al XIII d.C.
01 giugno - 04 novembre 2007
Castello del Buonconsiglio - Trento
Presentazione

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Ha Chong-Hyun
termina il 20 dicembre 2019
Cardi Gallery - Milano
www.cardigallery.com

Mostra personale di Ha Chong-Hyun, uno degli artisti più apprezzati della Corea del Sud. Saranno presentate opere della serie Conjunction, eseguite tra il 1992 e il 2019. Ha Chong-Hyun è una delle personalità più importanti della storia dell'arte del dopoguerra, figura di spicco del movimento artistico coreano Dansaekhwa. Tra le privazioni materiali estreme e il sistema politico autoritario che hanno caratterizzato la Corea degli anni '60 e '70, l'artista ha esplorato il potenziale espressivo di materiali non convenzionali come carta da giornale, rottami di legno e filo spinato applicati sulla tela. Lavorando con le tonalità tenui della terra su superfici di tela e canapa, combinando tradizioni pittoriche orientali e occidentali e sfidando la delimitazione rigorosa tra scultura, pittura e performance, Ha Chong-Hyun ha contribuito a ridefinire il linguaggio della pittura.

Nel 1974 l'artista inizia a concentrarsi sulla materialità della pittura e a utilizzare la tela non solo come semplice supporto: nasce così la serie Conjunction, titolo che l'artista da quel momento dà a tutti i suoi dipinti e che descrive la filosofia da lui adottata, secondo cui la purezza del mezzo pittorico e la fisicità dell'artista si fondono, o sono congiunti, nell'atto del dipingere. In questi lavori Ha Chong-Hyun utilizza strumenti per spingere il colore a olio, monocromo, dal retro della tela grezza fino a farlo filtrare ed emergere attraverso la superficie. Successivamente, l'artista stende la vernice sul fronte della tela con il pennello o con la spatola, dando corpo a un'ampia varietà di composizioni astratte.

La mostra presenta una selezione di opere della serie Conjunction, sia storiche che più recenti, fino a un nucleo realizzato appositamente per l'occasione. Nei lavori esposti in galleria, la classica palette di colori neutri e blu profondi utilizzata da Ha Chong-Hyun si arricchisce di altre intense tonalità di blu, rosso e nero, il cui uso deriva dall'impegno dell'artista nell'esplorazione dei colori caratteristici degli interni coreani. Il rosso vermiglio, in particolare, rappresenta un elemento di novità, essendo entrato a far parte della pratica di Ha Chong-Hyun solo dal 2018: questo rosso-arancio vivido comparso nella sua produzione con Conjunction 18-12 (2018) viene dai motivi decorativi noti come dancheong, spesso usati per arricchire strutture in legno e strumenti musicali coreani tradizionali.

Ha Chong-Hyun e gli artisti della sua generazione quali Lee Ufan, Park Seobo, Kwon Young-woo, Yun Hyong-keun e Chung Sang-hwa sono conosciuti come membri del movimento Dansaekhwa, termine che letteralmente significa "pittura monocromatica", ma che definisce tanto le tecniche impiegate quanto l'estetica riduzionista a cui il gruppo fa riferimento. La stesura della vernice, le tele imbevute, le matite trascinate, la carta strappata e i materiali manipolati che caratterizzano l'approccio di questi artisti hanno cancellato e ridefinito i confini che fino a quel momento separavano il disegno a inchiostro dalla pittura a olio, la stessa pittura dalla scultura, e l'oggetto dallo spettatore. Questa mostra offre l'opportunità di approfondire la conoscenza di un artista, ancora in attività, il cui lavoro ha sfidato la definizione tradizionale di pittura e ha contribuito ad aprire un nuovo e vitale capitolo dell'arte visiva coreana. La mostra sarà accompagnata da un catalogo con un testo del critico d'arte Francesco Bonami.

Ha Chong-Hyun si è laureato all'Università di Hongik nel 1959. Dal 1990 al 1994 è stato Decano del Fine Arts College dell'Università di Hongik ed è stato Direttore del Seoul Museum of Art dal 2001 al 2006. Tra le sue mostre più recenti ricordiamo la grande retrospettiva al Museo Nazionale di Arte Moderna e Contemporanea di Gwacheon, Corea, (2012), la mostra Dansaekhwa, evento collaterale della 56. Esposizione Internazionale d'Arte della Biennale di Venezia (2015), la mostra personale alla Kukje Gallery di Seoul (2015) e alla Tina Kim Gallery (2018). Le opere di Ha Chong-Hyun sono conservate in collezioni pubbliche di importanti istituzioni come il Museum of Modern Art di New York, il Solomon R. Guggenheim Museum di New York, l'Art Institute of Chicago, il Museo M+ di Hong Kong, il Museo Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea, Corea, e il Leeum, Samsung Museum of Art di Seoul. (Comunicato stampa Lara Facco P&C)

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||| Sicilia ||| Apre al pubblico la Fonte Aretusa a Siracusa
www.fontearetusasiracusa.it

Concluso l'intervento di adeguamento strutturale e funzionale del sito, la Fonte Aretusa   ha aperto al pubblico il 6 agosto con un percorso di visita che consente di ammirarne dall'interno la bellezza, accompagnati dalle voci italiane di Isabella Ragonese, Sergio Grasso e Stefano Starna. Il percorso di visita restituisce l'emozione di un "viaggio" accanto allo specchio di acqua dolce popolato dai papiri nilotici e da animali acquatici, donati dai siracusani come devozione a una mitologia lontana dalle moderne religioni, superando le difficoltà di accedervi e permettendo di compiere una specie di percorso devozionale in piena sicurezza. L'audioguida è disponibile anche in lingua inglese, francese, spagnola e cinese.

È il primo risultato del progetto di valorizzazione elaborato da Civita Sicilia come concessionario del Comune di Siracusa con la collaborazione della Fondazione per l'Arte e la Cultura Lauro Chiazzese. Il progetto, elaborato e diretto per la parte architettonica da Francesco Santalucia, Viviana Russello e Domenico Forcellini, ha visto la collaborazione della Struttura Didattica Speciale di Architettura di Siracusa e si è avvalso della consulenza scientifica di Corrado Basile, Presidente dell'Istituto Internazionale del papiro - Museo del Papiro.

Da oltre duemila anni, la Fonte Aretusa è uno dei simboli della città di Siracusa. Le acque che scorrono nel sottosuolo di Ortigia, ragione prima della sua fondazione, ritornano in superficie al suo interno, dove il mito vuole che si uniscano a quelle del fiume Alfeo in un abbraccio senza tempo. È un mito straordinario, cantato nei secoli da poeti, musicisti e drammaturghi. La storia di Aretusa e Alfeo è una storia d'amore, inizialmente non corrisposto, tra una ninfa e un fiume che inizia in Grecia e trova qui il suo epilogo, simbolo del legame che esiste tra Siracusa e la madrepatria dei suoi fondatori. Ma la Fonte Aretusa è anche il luogo nelle cui acque, nel corso dei secoli, filosofi, re, condottieri e imperatori si sono specchiati e genti venute da lontano, molto diverse tra loro, sono rimaste affascinate, anche attraverso le numerose trasformazioni del suo aspetto esteriore.

La Fonte ospita da millenni branchi di pesci un tempo sacri alla dea Artemide e, da tempi più recenti, una fiorente colonia di piante di papiro e alcune simpatiche anatre che le valgono il nomignolo affettuoso con cui i Siracusani di oggi talvolta la chiamano, funtàna de' pàpere. Dalla Fonte si gode un tramonto che Cicerone descrisse "tra i più belli al mondo" e la vista del Porto Grande dove duemila anni fa si svolsero epiche battaglie navali che videro protagonista la flotta siracusana e dove le acque di Alfeo e Aretusa si disperdono nel mare in un abbraccio eterno. (Comunicato Ufficio stampa Civita)

La Trinacria | Storia e Mitologia Sicilia e Grecia

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Augustin Rebetez: Shake the Auroras
termina il 19 ottobre 2019
Assab One per le arti contemporanee - Milano

A inaugurare la prossima stagione di Assab One sarà la prima mostra personale in Italia del giovane artista Augustin Rebetez, vincitore del premio Swiss Art Awards durante Art Basel e che in questi ultimi anni ha esposto in varie parti del mondo. La mostra - itinerante - a cura di Adelina von Fürstenberg, è stata già presentata con il titolo Estremacer Auroras al SESC Consolação a São Paolo del Brasile (12 aprile - 27 luglio 2019). La mostra pensata per gli spazi di Assab One è composta da numerose opere: pittura, graffiti, scultura, video animazione, musica, poesia ed espressioni underground. Le diverse installazioni, scenografie magiche e inquietanti, testimoniano la collaborazione di Rebetez con vari artisti, acrobati, musicisti, attori, amici e curatori. "Le sue mostre sono una costruzione narrativa e visiva, un'installazione eterogenea, un'esperienza." dice Adelina von Fürstenberg. "I visitatori sono incantati dal suo lavoro e, quando lasciano la mostra, il più delle volte portano con sé questo incantamento". Con il sostegno di Pro Helvetia, SESC São Paolo e in collaborazione con ART for The World. (Comunicato stampa)

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Giovanni Campus. Tempo in processo. Rapporti, misure, connessioni

termina il 12 ottobre 2019
Building - Milano

termina il 10 novembre 2019
MA*GA - Gallarate

Building e MA*GA presentano un progetto espositivo in due capitoli dedicato alla sperimentazione di Giovanni Campus, a cura di Francesco Tedeschi: due mostre complementari che inaugurano rispettivamente il 12 settembre da Building a Milano e il 21 settembre al MA*GA di Gallarate. Giovanni Campus. Tempo in processo. Rapporti, misure, connessioni si compone di diversi momenti, scanditi dai quattro piani della galleria milanese e nell'ambiente "open space" del museo di Gallarate. Al centro di ciascuno di essi vi è il principio che guida da tempo l'opera dell'artista e che si definisce con la qualificazione di "Tempo in processo". Fin dagli anni Settanta, infatti, Campus opera sull'unitarietà di allestimenti in cui i singoli elementi si collegano fra di loro, in una continuità da intendersi in senso temporale, prima che spaziale. Il "tempo" è al centro della sua attenzione, come parte di un processo dialettico in cui le forme, le geometrie, le relazioni tra materia e colore rispondono a una logica fondata sul valore del complesso strutturale.

Dice a proposito Campus, in un intervento del 2014: "La spazialità dell'epoca moderna, nella sua evoluzione scientifico-tecnologica, ormai è un "tempo in processo", in continuo, ineluttabile divenire. La rappresentazione figurale (l'installazione - l'ambiente) sul piano operativo viene a compiersi in rimando reciproco, in una dinamica aggregativa di progressiva messa a punto, tra strumenti e categorie, tra segnicità espressive plastiche e rimandi simbolici (assi in legno, strutture euclidee, spazi interni ed esterni, momenti e fasi temporali). Questa rappresentazione, nella sua lettura, sensibile-intelligibile, assorbe le differenze, non occupa né interviene sullo spazio come luogo aperto, ma lo coinvolge e lo incorpora".

Con Rapporti, misure, connessioni. 45°28'12.985" N 9°11'30.465" E Giovanni Campus elabora negli ambienti di Building un intervento per il piano terra che vede in relazione di continuità alcuni lavori degli ultimi anni Settanta, in cui le tele monocrome sono attraversate da corde che tracciano un percorso aperto e continuo, con lavori degli anni recenti, dove le piastrine di ferro accompagnano e modificano le tele in un processo che ha una forte impronta di unitarietà di sviluppo a parete, completato da alcuni elementi tridimensionali. Al primo piano l'accento viene portato sul rapporto tra forma aperta e chiusa, così come viene accentuato il senso di un dialogo tra bidimensionalità e tridimensionalità, nel rincorrersi di motivi complementari, sempre a partire da alcuni lavori di recente realizzazione.

Il terzo livello, in un percorso che guarda alle varie fasi della storia dell'artista, presenta lavori in cemento degli anni Ottanta in cui l'artista si misura con i caratteri della forma e con il suo rapporto con il suolo, radice di ogni azione nello spazio. Infine, all'ultimo piano, il recupero a ritroso delle radici di un fare fondato nella storia di una lunga consuetudine con i temi della costruzione e della percezione ha il suo fulcro nella ripresentazione di alcuni lavori in metacrilato, eseguiti negli anni Settanta e rarissimamente esposti in seguito, che si raccolgono attorno alla Struttura modulare continua dimensionale, esposta in occasione di una personale effettuata nel 1973 e presentata da Umbro Apollonio.

Al MA*GA, con Rapporti, misure, connessioni. 45°39'15.416" N 8°47'52.386" E, Campus ha pensato a un unico progetto che, attraverso un dialogo che si estende dalla continuità della parete allo spazio intero, mette in gioco forme geometriche distribuite in un rapporto tra immagine e sviluppo, teso a sottolineare, anche in questo caso, la continuità di una logica creativa unitaria, che comprende lavori degli anni Ottanta e altri di più recente elaborazione. Le diverse serie, tra affermazioni, pause e riflessioni, combinano lavori grafico-pittorici con materiali plastici, dialogando con le caratteristiche dello spazio, ma imponendosi a esso con la forza dialogante delle forme. (Comunicato stampa Lara Facco P&C)

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Materie Prime
Artisti italiani contemporanei tra terra e luce

termina il 27 ottobre 2019
Rocca Roveresca - Senigallia (Ancona)
www.roccasenigallia.it

In mostra - a cura di Giorgio Bonomi, Francesco Tedeschi, Matteo Galbiati - una settantina di opere realizzate da Carlo Bernardini, Renata Boero, Giovanni Campus, Riccardo De Marchi, Emanuela Fiorelli, Franco Mazzucchelli, Nunzio, Paola Pezzi, Pino Pinelli, Paolo Radi, Arcangelo Sassolino, Paolo Scirpa, Giuseppe Spagnulo, Giuseppe Uncini e Grazia Varisco: artisti appartenenti a diverse generazioni, ma tutti con curricula di altissimo livello, accomunati dal lavoro condotto con e sulla materia. «L'arte visiva - scrive Giorgio Bonomi -, dalle Avanguardie storiche ad oggi, accanto ai materiali tradizionali quali la tela, la tavola, l'olio, il marmo, il bronzo, il gesso eccetera, si è servita di materie tra le più diverse ed anomale, dagli scarti agli oggetti comuni, dal carbone agli strumenti elettrici, dagli stracci ai vetri e così via, tanto che possiamo affermare, da Duchamp in poi, che ogni "materia" può essere funzionale alla creazione dell'opera d'arte».

La ricerca di ogni artista invitato si caratterizza per l'uso di un materiale di particolare affezione, anche se non unico, nel suo tragitto operativo. Il percorso espositivo comprende, quindi, sculture e installazioni in terracotta, cemento, ferro, legno, piombo, gomma e luce. Si è scelto di intitolare la mostra "Materie prime. Artisti italiani contemporanei tra terra e luce" perché il termine "materia", che è certamente anche sinonimo di "materiali", ha una sua connotazione più filosofica, quasi metafisica, infatti la "materia" è ciò che compone ogni cosa, concreta o astratta, fisica o ideale, mentre il "materiale" è la materia che viene applicata, usata: ad esempio, il marmo, il ferro sono "materie" che quando vengono usate, sia dagli artisti che da altri, chiamiamo "materiali". Già Aristotele parlava di "potenza" ed "atto", di "materia" e "forma", dove la prima che è indefinita deve assumere la seconda: anche in arte avviene questa operazione.

L'allestimento offre una visione particolare delle opere selezionate, la cui materia acquista quasi un'ulteriore potenza emozionale: muri antichi accolgono "materie", "materiali", tanto quelli che sono anch'essi antichi quanto quelli più moderni e tecnologici, creando in tal modo una continuità spazio-temporale. L'esposizione sarà accompagnata da un catalogo Silvana Editoriale con testi di Giorgio Bonomi, Francesco Tedeschi, Matteo Galbiati e un ricco apparato iconografico. La documentazione fotografica sarà realizzata da un gruppo di fotografi residenti a Senigallia, "città della fotografia" e sede del Musinf, Museo Comunale d'Arte Moderna, dell'Informazione e della Fotografia. Tali fotografie saranno riprodotte all'interno del catalogo ed esposte nelle sale dell'ex Ostello di Palazzo del Duca, situato di fronte alla Rocca. La mostra e il catalogo sono realizzati da un progetto di FerrarinArte. (Estratto da comunicato stampa CSArt - Comunicazione per l'Arte)

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VIDE Viaggio Dell'Emozione
termina il 29 febbraio 2020
Palazzo Arnone - Cosenza

Il progetto "VIDE VIaggioDell'Emozione", ideato dal Polo museale della Calabria ora Direzione territoriale delle reti museali della Calabria e realizzato con il sostegno della Regione Calabria, è un invito al viaggio attraverso una mostra diffusa, tracciata per iniziare il viaggiatore 3.0 alle innumerevoli storie che si snodano lungo gli itinerari regionali. L'esposizione - che coinvolge 16 reperti evocativi del tema del viaggio dislocati su tutto il territorio regionale nei contesti museali di appartenenza - traccia una road map che da cammino fisico diventa esperienza emotiva, coinvolgendo l'intera rete di connessioni esistenti tra le sedi della Direzione territoriale delle reti museali della Calabria e i paesaggi culturali in cui esse insistono. La mostra ha il suo centro propulsore a Cosenza, presso Palazzo Arnone, dove una sala multimediale sviluppata con moderne tecnologie di animazione grafica computerizzata, permetterà ai visitatori di intraprendere un viaggio virtuale presso tutte le altre sedi coinvolte.

Negli altri musei e luoghi della cultura, grazie a un'applicazione dedicata, essi potranno, poi, visualizzare non solo il reperto inserito nel percorso, ma avranno la possibilità di intraprendere virtualmente ulteriori e nuovi percorsi da tracciare secondo i propri interessi e sensibilità. Il 'viaggiatore VIDE' si sposterà dal museo di Amendolara, dove piccoli scarabei testimoniano la fitta trama di scambi attivi nel mondo antico, al Museo della Sibaritide, per conoscere le insidie del viaggio degli Achei. Presso la Galleria di Cosenza vivrà l'ansia di una fuga esasperata per la salvezza e giungerà a Lamezia Terme per scoprire il mondo femminile della Magna Grecia.

Si sposterà a Vibo Valentia e Scolacium dove, silenzioso, visiterà il mondo dei morti; a Mileto entrerà in contatto con le antiche abilità dei maestri argentieri mentre a Gioia Tauro scoprirà la manifattura ceramica dei Calcidesi. Si sposterà a Bova percorrendo l'antico asse viario Reggio - Taranto, arrivando poi nella Locride dove presso Locri Epizephiri e Kaulon vivrà il forte legame tra le antiche popolazioni e le risorse naturali della regione. Poco distante raggiungerà La Cattolica e la chiesa di San Francesco, mete di un viaggio spirituale, e si sposterà alla fortezza di Le Castella che evoca ancora accese battaglie per il controllo della costa. Concluderà, al galoppo, il suo viaggio a Crotone. (Comunicato stampa)

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Aleksandar Duravcevic: "Youth"
September 5th (opening 6 to 8 pm) - October 20th, 2019
TOTAH - New York
www.davidtotah.com

An exhibition of new works by Aleksandar Duravcevic. This is the artist's second solo exhibition with the gallery. The stainless steel plates gathered together in Youth are austere meditations on the limits of control, and the instability of perception. Referencing printmaking, each plate has been indelibly altered by a chemical process involving diamond dust, until a mirrored surface, at once translucent and iridescent, has been produced. As the viewer approaches each piece, the sensory experience of "letting go" becomes more prominent. The works have an almost prismatic quality; from up close they reflect the face of the viewer, from afar they filter light into an oily shimmer. Echoing the experiments of the surrealists, the organizing principle of the eight works on exhibit derives from the unconscious. As might happen with a discarded mirror found on the street, the possibility of a sculptural object is interrupted by a sudden iridescence-something that emanates from the reflective surface of the stainless steel, but which nevertheless corrodes our purely visual awareness.

Duravcevic's storytelling branches into draughtsmanship, painting, sculpture, and photography, as well as filmmaking. Youth, however, is perhaps his most conceptual body of work. Coinciding with his sound installation, Youth (2002/2019), on display through September at the Temple of Selinunte in Sicily, both exhibitions showcase the negation of the artist's hand in the face of the natural coloration of the rainbow. Dwelling on machinic repetition, Youth downplays the presence of artistic intervention. Foregrounding ineluctable chemical processes, each work radiates a compositional wholeness. In this way, Youth could be considered a subtle provocation, a dialectic between art and artifice, the manufactured and the real, resolving finally with the viewer as the focal point of a mirroring portal. A book with Aleksandar Duravcevic's photographs of found rainbows taken between 2009 and 2013 will accompany the exhibition.

Aleksandar Duravcevic (born in Podgorica, 1970) studied in Montenegro and Florence, Italy, and holds an MFA from the Pratt Institute, New York. His body of work includes sculptures, drawings, photography, and paintings. Through them he explores identity and duality - across cultures, within history, and between life and death. Duravcevic received a New York Foundation for the Arts grant in 2005, and his work has been included in exhibitions at The Museum of Fine Arts, Boston, the Pennsylvania Academy of Fine Arts, Philadelphia, and MoMA PS1, New York. A native of Montenegro and its representative at the 56th Venice Biennale in 2015, he was included again as part of the 58th Venice Biennale in 2019 with the exhibition Artists Need to Create on the Same Scale that Society Has the Capacity to Destroy: Mare Nostru.

Aleksandar Duravcevic's site-specific installation Youth (2002/2019) was included in the exhibition Are You My Mother?, at the ancient archeological site of Selinunte near Palermo, Italy, in 2019. It is part of the evolving Youth series, which encompasses sculpture, painting, and film. The presence and appearance of rainbows are thematic throughout, prismatic reminders of ephemeral processes grounded in nature. (Press release)

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Chuck Close. Mosaics
termina il 12 gennaio 2020
Museo d'Arte della Città di Ravenna
www.mar.ra.it

Mostra dell'artista statunitense nell'ambito della VI edizione 2019 della Biennale di Mosaico Contemporaneo. Salito alla ribalta della scena artistica tra la fine degli anni '60 e i primi anni '70, con autoritratti e ritratti, dipinti in scala monumentale dalla riproposizione di scatti fotografici, Chuck Close ha esplorato nel tempo un'ampia gamma di tecniche pittoriche, grafiche e fotografiche, tessili e, negli ultimi anni, musive, innovando il panorama artistico internazionale con soluzioni linguistiche e formali originali e di grande impatto. Le opere di Chuck Close testimoniano una instancabile ricerca delle possibilità di costruzione, ricostruzione e visualizzazione del volto umano, inestricabilmente legata alla condizione neuropsicologica dell'artista.

Affetto da prosopagnosia - un disturbo cognitivo che non permette di riconoscere le persone per mezzo dei soli caratteri fisionomici - Close ha saputo trasformare una condizione di svantaggio nell'innesco di un percorso artistico che induce ad una riflessione sulle relazioni tra le persone. Partendo dalla bidimensionalità della fotografia, rivelatasi un significativo aiuto per il riconoscimento delle persone, Chuck Close ha sviluppato una pratica artistica con cui indagare gli infiniti modi di rappresentare lo stesso soggetto, dal realismo fotografico ai limiti dell'astrazione. È un'emblematica ricerca, quella di Close, che si rivela di stringente attualità oggi, in una società abituata alla comunicazione dei volti per mezzo dei selfie e al loro riconoscimento automatico, grazie alle più recenti tecnologie e consentito dalle applicazioni dell'intelligenza artificiale e della computer vision. (...)

La mostra è suddivisa in due sezioni. La prima è dedicata all'ultima serie di opere a mosaico, realizzate, nel corso di quest'ultimo anno, in collaborazione con Mosaika Art and Design di Montréal (Canada) e Magnolia Editions di Oakland (California). Il percorso espositivo presenta sette opere in mosaico di grandi dimensioni, tra cui due autoritratti e i ritratti del noto musicista, cantautore e poeta Lou Reed e di colleghi artisti e amici come Lucas Samaras e Lorna Simpson. La particolarità delle opere in mostra, è quella di riproporre nei materiali tipici del mosaico, quali smalti, vetri e ceramiche colorate, quella ampia gamma di sperimentazioni tecniche e linguistiche che è cifra stilistica dell'artista.

Ad accompagnare i mosaici, e in una relazione coerente con i processi di lavorazione degli stessi, la prima parte della mostra espone una selezione di opere che ben rappresentano l'interesse di Chuck Close nei confronti di altre tecniche extra-pittoriche. Ne sono esempi le fotografie polaroid, a colori e in bianco e nero, gli arazzi lavorati su telaio jacquard, un tappeto in seta intessuto a mano, una preziosa stampa pochoir in 165 colori e un suggestivo autoritratto ottenuto con pittura a olio distribuita a mano per mezzo di stampi in feltro. La seconda sezione di mostra documenta, con materiali video e fotografici, il lavoro svolto dai laboratori Mosaika Art and Design e Magnolia Editions. Un lavoro che ha visto i due laboratori impegnati in un processo di invenzione e di elaborazione di soluzioni inedite dal punto di visto tecnico e dei materiali, nella messa a punto delle tipologie di mosaico più adatte a tradurre le estetiche delle opere di Chuck Close.

Chuck Close (Monroe, Washington, 1940), dopo aver studiato presso l'Università dello stato di Washington a Seattle, l'Università di Yale e l'Accademia di Belle Arti di Vienna inizia ad insegnare presso l'Università del Massachusetts e dà avvio alla sua ricerca artistica figurativa attraverso la fotografia in bianco e nero. I suoi ritratti, spesso associati al fotorealismo, ma più in rapporto con il minimalismo e l'arte processuale, diventano presto iconici nel panorama delle sperimentazioni pittoriche della fine degli anni '60. Dall'inizio degli anni '70, al bianco e nero si affianca la ricerca sul colore che, dalla simulazione dei procedimenti fotografici, si apre progressivamente ad una più libera reinvenzione cromatica dei volti ritratti - scomposti in griglie di blocchi quadrati - la cui coerenza figurativa può essere colta solo ad una visione a distanza. Le sue opere sono state ospitate e sono conservate presso alcune tra le più importanti istituzioni museali del mondo: MoMa, Whitney Museum of American Art, Met, New York; Walker Art Center, Minneapolis; SFMoMA, San Francisco; High Museum of Art, Atlanta; Hermitage, San Pietroburgo. Nella sua carriera Chuck Close ha partecipato a centinaia di mostre collettive e personali di rilievo internazionale. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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In & Outsider Arte, Il potere dei sogni
termina il 30 novembre 2019
Palazzo Trigona Museum - Noto (Siracusa)
www.fondazionematalon.org

Artisti in mostra: Gesine Arps (Germania), Francky Criquet (Francia), Francesco Cusumano (Italia), Luciana Matalon (Italia), Hekizan Onimaru (Giappone), Kentaro Kawabata (Giappone).

In collaborazione con la Galleria Mizen Fine Art di Parigi, la Fondazione Matalon partecipa, con alcune opere di Luciana Matalon, alla mostra internazionale, progetto espositivo organizzato e promosso da World Art Bridge presso il Museo Gagliardi (Palazzo Trigona) di Noto, e curato da Niki Ottimofiore. Il potere dei sogni è il primo episodio di un progetto di comunicazione artistica, insieme espositivo, laboratoriale e di elaborazione di idee che vuole eliminare gli schemi limitativi e soffocanti delle definizioni dei linguaggi, per seguire i liberi pensieri degli artisti e la loro lettura e rappresentazione del presente. In questa prima edizione pensata per Noto ed i suoi "capricci" barocchi, è il sogno che accomuna artisti apparentemente così lontani e finanche solitari nel loro stesso ambito esistenziale.

Il sogno inteso come territorio della libertà e della fantasia, rifugio e torre di osservazione illimitata, laboratorio dove i confini tra ciò che è stato, ciò che è, ciò che sarà, ciò che potrebbe essere, sono aboliti e una condizione speciale della mente e dell'anima offre la sua tremenda e potente opportunità. Le otto opere pittoriche (di cui sei praticamente inedite, benché degli anni Novanta) e le due sculture di Luciana Matalon presentate in questo percorso espositivo, ben si inseriscono nella tematica del sogno e della fantasia. La dimensione onirica ricopre infatti un ruolo fondamentale nelle invenzioni libere e fantastiche dell'artista, create in oltre quarant'anni di intenso e febbrile lavoro pittorico e scultoreo, ma anche grafico e incisorio.

Meditazione, introspezione, esperienze personali e apertura mentale nei confronti dell'immensità del cosmo sono stati i punti di partenza che hanno portato l'artista ad imprimere nella materia i luoghi apparsi in sogno, laddove - per citare le parole di Armando Ginesi - "Il tempo non scorre o ha altri ritmi: dove i rumori non giungono ed è possibile, però, percepire i meravigliosi suoni profondi di cui ricco è il silenzio". In molte delle sue opere la dimensione del sogno viene raccontata attraverso forme simboliche di orologi e scale traballanti, per mezzo delle quali l'uomo - che anela all'Infinito - tenta di fermare il tempo e di salire verso pianeti onirici. La scala, così come altri elementi che tendono al verticalismo come alberi e totem, è una delle iconografie ricorrenti dell'universo poetico mataloniano. Essa è simbolo di ascesi, di perfezionamento di sé stessi, di obiettivi che ciascuno può liberamente scegliere e tentare di perseguire. (Comunicato stampa)

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Carosello
Pubblicità e Televisione 1957-1977

termina lo 08 dicembre 2019
Fondazione Magnani-Rocca - Mamiano di Traversetolo (Parma)
www.magnanirocca.it

Un nuovo capitolo della storia della Pubblicità in Italia. La mostra segue infatti dopo due anni la prima esposizione dedicata alla storia della pubblicità dal 1890 al 1957, che fu l'occasione per ripercorrere la nascita e l'evoluzione della comunicazione pubblicitaria e in particolare del manifesto, permettendo al visitatore di comprenderne la genesi, dai primi schizzi ai bozzetti, fino al manifesto stampato. Se in quella prima tappa della storia della pubblicità fu possibile ammirare le creazioni di cartellonisti come  Leonetto Cappiello, Sepo, Marcello Dudovich o Plinio Codognato - per citarne alcuni tra i principali - questa nuova occasione espositiva permette di continuare a seguire l'evoluzione della storia della grafica pubblicitaria e del manifesto con grandi designer come Armando Testa, Erberto Carboni, Raymond Savignac, Giancarlo Iliprandi, Pino Tovaglia, affiancandola a un nuovo media - la televisione - che con Carosello mosse i primi passi nel mondo della pubblicità.

Il visitatore quindi troverà tantissimi, celebri manifesti di quel periodo, affiancati ai bozzetti e agli schizzi, e insieme avrà la possibilità, grazie a una serie di schermi distribuiti nelle sale espositive, di ripercorre l'unicità e l'innovazione degli inserti pubblicitari di Carosello, vincolati al tempo a rigide regole di novità e lunghezza. Si scoprirà così l'universo dei personaggi animati che sono nati con la televisione, come La Linea di Osvaldo Cavandoli, Re Artù di Marco Biassoni, Calimero di Pagot o Angelino di Paul Campani, fino alla moltitudine di personaggi nati dalla matita di Gino Gavioli. Bozzetti, schizzi, rodovetri, storyboard sono gli elementi a complemento della serie di cartoni animati presentati in mostra a cui si aggiungono gli inserti pubblicitari in cui sono protagonisti i più importanti cantanti dell'epoca da Mina (Barilla) a Frank Sinatra, da Patty Pravo a Ornella Vanoni e Gianni Morandi o grandi attori come Totò, Alberto Sordi, Virna Lisi, Vittorio Gassman e grandi registi come Luciano Emmer, Mauro Bolognini, Ettore Scola, i fratelli Taviani, oltre a personaggi tv popolarissimi come Mike Bongiorno, Pippo Baudo, Raffella Carrà, Sandra Mondaini e Raimondo Vianello.

Una selezione dei più importanti oggetti promozionali dell'epoca come l'ippopotamo Pippo, o i gonfiabili di Camillo il Coccodrillo, della Mucca Carolina, di Susanna tutta Panna completano la presentazione della pubblicità dei primi trenta anni della seconda metà del Novecento. Carosello, infatti, ebbe successo anche perché creò e impose i suoi caratteristici personaggi. Umberto Eco all'epoca sosteneva, nel saggio Ciò che non sappiamo della pubblicità televisiva, che si trattava di personaggi ambigui ed esili, di personaggi cioè che, a differenza degli eroi e dei personaggi mitologici tradizionali, non erano «portatori di un'idea» e avevano perso «la nozione di ciò che dovevano simboleggiare». Eppure, forse proprio grazie a questa loro apparente debolezza comunicativa, tali personaggi hanno saputo integrarsi efficacemente con la cultura di massa della società italiana. Hanno saputo cioè diventare vere e proprie "icone", esseri senza profondità, spesso, come ha sottolineato lo stesso Eco, anche indipendentemente dai prodotti da cui erano nati.

La pubblicità di quel periodo - dal 1957 al 1977, non solo televisiva - introdusse una vera e propria rivoluzione nel patrimonio culturale e visivo di tutti. Carosello era trasmesso in bianco e nero, ma per gli italiani era ricco di colori. Aveva infatti i colori del consumo, i colori di un nuovo mondo di beni luccicanti che si presentavano per la prima volta sulla scena sociale: lavatrici, frigoriferi, automobili, alimenti in scatola, etc. Carosello non era semplicemente pubblicità, ma un paesaggio fiabesco dove regnavano la felicità e il benessere, un paesaggio estremamente affascinante per una popolazione come quella italiana che proveniva da un lungo periodo di disagi e povertà. Un paesaggio onirico che esercitava un effetto particolare nei piccoli paesi, nelle campagne e nelle regioni più arretrate, dove rendeva legittimo l'abbandono di quell'etica della rinuncia che apparteneva alla vecchia cultura contadina, in favore dell'opulenza della città e dei suoi beni di consumo.

Carosello, dunque, ha insegnato a vivere la modernità del mondo dell'industria, ha insegnato cioè che esistevano dei nuovi beni senza i quali non ci si poteva sentire parte a pieno diritto del nuovo modello sociale urbano, industriale e moderno. E ha insegnato anche come tali beni andavano impiegati e collocati nel modo di vita di ciascuno. Seppure vincolato dalle rigide norme imposte dalla Rai puritana dell'epoca, ha comunque potuto mostrare le gratificazioni e le diverse fonti di piacere che erano contenute nei nuovi beni di consumo. Forse non è un caso che a Carosello lavorassero insieme i migliori creativi e le migliori intelligenze del teatro e del cinema italiano dell'epoca.L'esposizione, fra gli altri contributi, si avvale della collaborazione col prestito di un importante numero di bozzetti originali e manifesti di Carboni, Iliprandi, Testa, Tovaglia del Centro Studi e Archivio della Comunicazione (CSAC) dell'Università di Parma, e di manifesti d'epoca del Museo nazionale Collezione Salce di Treviso e della Collezione Alessandro Bellenda - Galleria L'Image, Alassio (Savona), di archivi aziendali e di importanti collezioni private.

Per tutta la parte filmica si avvale del contributo dell'Archivio Generale Audiovisivo della Pubblicità Italiana e del personale apporto del suo Fondatore e Direttore, lo storico della pubblicità Emmanuel Grossi. La mostra - a cura di Dario Cimorelli, cultore di storia della pubblicità, e Stefano Roffi, direttore scientifico della Fondazione, come il precedente capitolo dedicato alla pubblicità del periodo 1890-1957 - è accompagnata da un catalogo edito da Silvana Editoriale, dove, oltre ai saggi dei curatori e alla riproduzione di tutte le opere esposte, vengono ripubblicati testi fondamentali di Omar Calabrese, a cui vengono affiancati nuovi testi di Stefano Bulgarelli, Emmanuel Grossi, Roberto Lacarbonara, a completare la disamina sulle diverse tematiche relative a Carosello. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Anthropocene
termina lo 05 gennaio 2020
MAST - Bologna
www.anthropocene.mast.org

Il progetto Anthropocene è un'esplorazione multimediale che documenta l'indelebile impronta umana sulla terra: dalle barriere frangiflutti edificate sul 60% delle coste cinesi alle ciclopiche macchine costruite in Germania, dalle psichedeliche miniere di potassio nei monti Urali in Russia alla devastazione della Grande barriera corallina australiana, dalle surreali vasche di evaporazione del litio nel Deserto di Atacama alle cave di marmo di Carrara e ad una delle più grandi discariche del mondo a Dandora, in Kenya. Anthropocene è frutto della collaborazione quadriennale tra il fotografo di fama mondiale Edward Burtynsky e i pluripremiati registi Jennifer Baichwal e Nicholas de Pencier che, combinando arte, cinema, realtà aumentata e ricerca scientifica, documentano i cambiamenti che l'uomo ha impresso sulla terra e testimoniano gli effetti delle attività umane sui processi naturali.

Il progetto si basa sulla ricerca del gruppo internazionale di scienziati Anthropocene Working Group impegnato nel raccogliere prove del passaggio dall'attuale epoca geologica - l'Olocene, iniziata circa 11.700 anni fa - all'Antropocene (dal greco anthropos, uomo). La ricerca è volta a dimostrare che gli esseri umani sono diventati la singola forza più determinante sul pianeta. La terraformazione del pianeta mediante l'estrazione mineraria, l'urbanizzazione, l'industrializzazione e l'agricoltura; la proliferazione delle dighe e la frequente deviazione dei corsi d'acqua; l'eccesso di CO2 e l'acidificazione degli oceani dovuti al cambiamento climatico; la presenza pervasiva e globale della plastica, del cemento e di altri tecno-fossili; un'impennata senza precedenti nei tassi di deforestazione ed estinzione: queste incursioni umane su scala planetaria - argomentano gli scienziati - sono così pesanti che i loro effetti sono destinati a perdurare e a influenzare il corso delle ere geologiche.

Il progetto ha debuttato in Canada a settembre 2018 con il film Anthropocene: The Human Epoch proiettato in anteprima mondiale al Toronto International Film Festival e con la mostra allestita in contemporanea all'Art Gallery of Ontario di Toronto (AGO) e alla National Gallery of Canada di Ottawa (NGC) organizzata in partnership con la Fondazione MAST. Hanno co-curato la mostra: Urs Stahel, che cura sia la PhotoGallery sia la collezione di Fondazione MAST, Sophie Hackett e Andrea Kunard rispettivamente curatrici della Fotografia dell'Art Gallery of Ontario di Toronto e della National Gallery of Canada di Ottawa. La mostra, esplorando gli effetti delle attività umane sul Pianeta, si inscrive nel progetto artistico della Fondazione MAST che dal 2013 conduce una riflessione approfondita sul rapporto tra l'uomo e il mondo del lavoro attraverso esposizioni di fotografia (tratte dalla collezione di Fondazione MAST o provenienti da musei, archivi e raccolte private), che raccontano il settore produttivo, le comunità dei mestieri e l'occupazione in genere.

La mostra utilizza diversi mezzi espressivi. Trentacinque fotografie di grande formato di Edward Burtynsky. Quattro murales ad alta risoluzione, in cui si abbinano tecniche fotografiche e filmiche, che evidenziano il lavoro sinergico dei tre artisti: grazie a brevi estensioni video di Jennifer Baichwal e Nicholas de Pencier integrati in queste enormi fotografie, i visitatori possono esaminare nei più minuti dettagli e in modo immersivo la complessità delle incursioni umane sulla Terra attraverso la App AVARA (scaricabile gratuitamente su Apple App Store e Google Play, sul proprio smartphone/tablet o sui tablet messi a disposizione da MAST). Tredici videoinstallazioni HD curate dai due registi offrono vivide riflessioni sull'Antropocene, sui singoli scenari che lo rappresentano, e favoriscono la comprensione della portata e dell'impatto del fenomeno.

Nel percorso espositivo si trovano inoltre tre installazioni di Realtà Aumentata (RA) che ricreano su smartphone e tablet un modello fotorealistico tridimensionale a grandezza naturale di impressionante verosimiglianza, consentendo ai visitatori di tutte le età di "toccare con mano" alcuni degli effetti devastanti causati dal dominio dell'uomo sulla terra come l'estinzione di una specie animale. Le esperienze di RA sono create con la tecnica della fotogrammetria in cui migliaia di fotografie ad alta definizione, scattate da tutte le angolazioni, vengono assemblate in ambiente digitale e sono visibili con la App AVARA (scaricabile gratuitamente su Apple App Store e Google Play, sul proprio smartphone/tablet o sui tablet messi a disposizione da MAST). La mostra Anthropocene è suddivisa in quattro sezioni che coinvolgono diverse aree del MAST.

- Anthropocene.1
PhotoGallery

Diciannove fotografie di Edward Burtynsky puntano l'obiettivo su barriere frangiflutti, processi di estrazione delle risorse naturali e bunkeraggio di petrolio nel delta del Niger, deforestazioni, grandi infrastrutture di trasporto, cambiamento climatico, miniere di litio, rame e carbone e sulle tante e diverse forme di inquinamento. Sette videoinstallazioni HD a cura di Jennifer Baichwal e Nicholas De Pencier mostrano: la galleria del San Gottardo, in Svizzera, che con i suoi 57km è il tunnel più lungo del mondo; il mega trasporto di carbone via treno nel Wyoming, negli Usa; due video sull'abbattimento degli alberi pericolosi nella foresta Cathedral Grove di Vancouver Island, in Canada; i bacini sotterranei del grande serbatoio idrico di Saint Clair a Toronto; la enorme miniera di lignite di Hambach, in Germania; la desolazione della città mineraria di Norlisk, in Russia. La proiezione su parete mostra la ricerca di materiali da rivendere nella grande discarica africana di Dandora, in Kenya. Due murales ad alta risoluzione illustrano nei dettagli la lussureggiante foresta Cathedral Grove di Vancouver Island e il suo processo di disboscamento e il brulichio del Mushin Market di Lagos, in Nigeria, la più grande e sovrappopolata città dell'Africa.

- Anthropocene.2
Foyer

Sedici fotografie di Edward Burtynsky immortalano bacini di decantazione di fosforo, miniere di potassio, pozzi di acqua salmastra, impianti solari e eolici, raffinerie di petrolio, impianti petrolchimici, discariche, grandi serre e scenari di desertificazione. Tre videoinstallazioni HD di Jennifer Baichwal e Nicholas De Pencier mostrano con dovizia di particolari una miniera di fosforo in Florida; una raffineria di petrolio texana; il muro di corallo incontaminato Pengan, quale esempio sempre più raro, nel Komodo National Park, in Indonesia. Due murales ad alta risoluzione illustrano il processo di estrazione nelle cave di marmo di Carrara e la barriera corallina del parco marino dell'Isola di Komodo, in Indonesia.

- Anthropocene.3
Gallery livello 0

Due installazioni di realtà aumentata permettono di vedere in 3D, a grandezza naturale, la catasta delle zanne di elefante confiscate ai bracconieri, in Kenya e Sudan, l'ultimo esemplare maschio di rinoceronte bianco morto nel 2018 segnando l'estinzione della sua sottospecie. Due proiezioni su parete in grande e spettacolare formato rappresentano: lo storico rogo ordinato dal presidente Kenyatta, in Kenya, delle cataste di zanne d'avorio confiscate ai bracconieri nel 2016 (nel black box) e il lavoro della ciclopica macchina Bagger 291 utilizzata per rimuovere il suolo di copertura delle miniere di lignite in Germania. Un percorso didattico interattivo permette di sviluppare uno sguardo critico, dai tre anni in su, sui nostri comportamenti rispetto all'ambiente, di riflettere sugli impatti ambientali nei mari e nelle terre del nostro pianeta e di scoprire i piccoli gesti quotidiani da adottare per contribuire alla sua salvaguardia. Il Giardino di MAST ospita un'installazione in realtà aumentata, il leggendario Big Lonely Doug, maestoso abete Douglas canadese quasi millenario, salvato nel 2011 da una imponente deforestazione grazie a un boscaiolo che l'aveva contrassegnato con la scritta "Non toccate questo albero".

- Anthropocene.4
Auditorium

È parte integrante della mostra al MAST. il premiato film Anthropocene: The Human Epoch (Anthropocene: l'Epoca Umana), codiretto dai tre artisti. Terzo capitolo di una trilogia che include Manufactured Landscapes (2009) e Watermark (2013), il film testimonia con un approccio esperienziale e non didattico un momento critico nella storia geologica del pianeta, proponendo una provocatoria e indimenticabile esperienza dell'impatto e della portata della nostra specie. La voce narrante è del premio oscar Alicia Vikander. Il film sarà distribuito in Italia da Fondazione Stensen e Valmyn. La mostra si completa con MAST. Dialogues on Anthropocene, un programma di eventi culturali, letture, tavole rotonde. (Comunicato stampa)

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Walter Valentini: "Nove per Novanta"
termina il 26 ottobre 2019
Galleria Cortina - Milano
www.cortinaarte.it

Walter Valentini inaugura un nuovo ed articolato percorso negli spazi della galleria Cortina, a cura di Stefano Cortina: installazioni polimateriche che in più di quarant'anni di ricerca continuano, tra tasselli recenti e remoti, a dialogare tra loro in un unico coerente discorso. Il lavoro di Valentini non può esser frammentato ed esaminato per periodi ma deve essere considerato nella sua interezza. Un percorso armonico, che è nel suo complesso il maturo frutto dello sposalizio tra un sapiente uso di materiali differenti ed il loro oculato impiego in una variegata gamma di processi tecnici. Lo spaziare tra diverse discipline, così come il rigore con cui tutte vengono applicate, permette di percepire un grande amore ed una grande conoscenza da parte dell'autore della storia dell'arte, soprattutto quando questa entra in un tale stato di sintonia con scienza e geometria.

L'ordine scrupoloso di schemi e misure sembra ricalcare il proposito rinascimentale di ricercare la forma perfetta. La figura, in tal senso, spuria da ogni grezzo intervento naturale, si riveste della foggia del rigore matematico che rende il caos elegante ingabbiandolo in un inesplicabile algoritmo di bellezza. Ma tutta questa logica aritmetica dalla quale l'artista sembra prendere spunto viene a sua volta ribaltata e messa in discussione in un ossimoro visuale che ne caratterizza lo stile. I molteplici livelli che animano ogni singolo pezzo del lavoro di Valentini danno spessore sia al significato che al significante, nel momento in cui essi coniugano puliti esoscheletri di architetture celesti e pattern imprecisi. Scavi e rilievi materici dalle texture imprevedibili diventano quindi il fertile terreno per le nitide traiettorie ellittiche di un cosmo nuovo che si disegna su di un cielo immacolato.

Per festeggiare i 90 anni dell'autore la Colophonarte ha realizzato un libro d'artista che sarà presentato nell'occasione. Un'edizione estremamente raffinata che presenta cinque incisioni originali stampate all'acquaforte-acquatinta di Walter Valentini (formato chiuso cm. 25,5x19,5-107 esemplari, testi di Guido Ballo, Mario Botta, Martina Corgnati, Enzo Di Martino, Gillo Dorfles, Sebastiano Grasso, Sandro Parmiggiani, Elena Pontiggia, Marzia Ratti, Daniela Simoni). Catalogo a cura di Stefano Cortina, Edizioni Cortina Arte. Testo critico di Luca Pietro Nicoletti, introduzione di Mafalda Cortina. In collaborazione con Colophonarte Belluno, Libreria Bocca Milano, Cortina Arte Milano. (Comunicato stampa)

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Presentazione catologhi mostre alla Galleria Cortina
Dario Zaffaroni - Geometrie Cromo-cinetiche | Dadamaino - Gli anni '80 e '90, l'infinito silenzio del segno |50 e oltre - Storia di una Galleria d'Arte: la Galleria Cortina 1962-2013

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Di grandi epopee e gloriosi guerrieri giapponesi
Rotazione di paraventi giapponesi

Museo d'Arte Orientale - Torino
www.maotorino.it

Dal 30 luglio si rinnova l'esposizione dei grandi paraventi giapponesi a sei ante. La necessità di mettere a riposo periodicamente le opere più delicate - come quelle in carta o seta - offre l'occasione per rendere visibile al pubblico, a rotazione, tutta la collezione di opere del Museo. La prima sala dedicata al Giappone inviterà il visitatore ad apprezzare due coppie di grandi paraventi, byobu, sui quali sembrano animarsi, con pieno vigore, i gloriosi combattenti protagonisti delle grandi epopee giapponesi del passato. La parete di sinistra sarà occupata da una coppia di importanti paraventi a sei ante, dipinti nel primo quarto del XVII secolo da pittori della scuola Tosa, dedicata ad illustrare le insurrezioni delle ere Hogen e Heiji. Queste due ribellioni, avvenute rispettivamente nel 1156-59 e 1159-60, aprirono lo scontro fra i Minamoto e i Taira e vennero poi descritte in due poemi epici del periodo Kamakura (1185-1333).

Due dei momenti decisivi nello scontro furono le battaglie di Ichinotani (1184) e di Yashima (1185), descritte minuziosamente nella coppia di grandi paraventi della prima metà del XVII secolo, che occuperà la parete di fondo della sala. Entrambi gli scontri ebbero come protagonista Minamoto no Yoshitsune, celeberrimo eroe della storia giapponese, che si batteva per il fratello Yoritomo, comandante supremo delle truppe dei Minamoto. Quest'ultimo risultò vincitore nel 1185, diventando, così, il primo shogun del Giappone. Questa coppia di byobu è arricchita dal finissimo utilizzo della foglia d'oro, che mette in risalto gli episodi salienti e i loro gloriosi protagonisti. Al tempo della realizzazione di questi paraventi, l'evocazione delle scene di battaglia godeva di grande popolarità e dipinti di questo tipo venivano generalmente commissionati da famiglie di samurai, a testimonianza del proprio attaccamento agli ideali marziali. (Comunicato stampa)

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Gely Korzhev: "Back to Venice"
termina il 31 ottobre 2019
Ca' Foscari Esposizione - Venezia

Gely Korzhev (1925-2012) è una delle figure più eminenti del panorama pittorico, prima sovietico e poi russo, della seconda metà del Novecento. Il ritorno tra le lagune cade esattamente 57 anni dopo la sua partecipazione alla XXXI Biennale, quando, assieme tra gli altri a Viktor Popkov, risultò, nel padiglione dell'Urss, la voce più convincente del cosiddetto "stile severo" che cercava, nell'alveo ancora quasi inscalfito del realismo socialista, una via espressiva d'uscita dai canoni ferrei dell'epoca staliniana. La mostra, realizzata grazie a un'azione congiunta tra Galleria Tret'jakov, the Institute of Russian Realist Art e il Centro Studi sulle Arti della Russia (Csar) di Ca' Foscari, restituisce prima di tutto, con documenti, foto, proiezioni, e inoltre con il ricorso alle Information and Communication Technologies, la concretezza del trittico del pittore russo, la sala Korzhev e altri segni importanti presenti nel Padiglione del 1962.

Ma è anche l'occasione - tre anni dopo la grande monografica dedicata a Korzhev dalla Galleria Tret'jakovskaja di Mosca - di presentare al pubblico italiano e internazionale, con oltre 50 dipinti, una consistente ed esauriente sequenza di opere del maestro, che non potranno che fare giustizia degli affrettati giudizi espressi in occasione della XXXI Biennale. La rassegna di Ca' Foscari non si presenta come una mostra antologica in senso stretto. Procede piuttosto per nuclei tematici ben definiti, focalizzandosi criticamente sugli aspetti che sono stati ritenuti più rilevanti nella vasta produzione dell'artista. Il centro essenziale del percorso si impernia sulle immagini dolenti della memoria degli anni della Grande Guerra Patriottica, che è il nome russo della Seconda Guerra Mondiale, che sono anche i capolavori che hanno garantito a Korzhev il maggior riconoscimento internazionale: non casualmente Tracce di guerra (1963-1964) fu prescelto, tra oltre 500 opere esposte, come manifesto per la grande esposizione "Berlino-Mosca Mosca-Berlino" del 2003 al Martin Gropius Bau.

La rassegna si conclude con le meditazioni visive del pittore sul collasso del sistema sovietico: sono dipinti a volte di accorato coinvolgimento, altre ancora grottesche. L'esposizione costituisce anche l'occasione per rileggere, dopo più di mezzo secolo, quell'esordio veneziano di Korzhev. Diversificazione di linguaggi, alternanza di generazioni, ancora saldo collegamento con «la vita del popolo sovietico»: per questo accanto alle figure emergenti di Korzhev e Popkov erano stati convocati anche giovani speranze e più collaudati accademici. Korzhev vi espose una sorta di autoritratto in movimento (L'artista inginocchiato del 1961) e soprattutto il trittico Comunisti (1957-1960), ora al Museo Russo di Stato di San Pietroburgo.

Sono tre vaste tele, due verticali, una orizzontale, di misure irregolari: la prima (in ordine di esecuzione), è intitolata Internazionale; la seconda - l'unica orizzontale: Alzando la bandiera; la terza (Omero: lo studio) ha come protagonista uno scultore intento a modellare un busto del poeta greco. Per opere di questo tenore - e nel padiglione comparivano anche dipinti di Deineka e soprattutto I costruttori di Bratsk di Popkov (il capolavoro 5 anni fa al centro dell'esposizione dedicatagli da Ca' Foscari) - Renato Guttuso parlò allora di "resistenzialismo"; i critici italiani scrissero invece o di un «faticoso travaglio per il rinnovamento» (Mario De Micheli) o di un perdurante arretramento. (...) Dopo quasi sessant'anni il giudizio può essere diversamente storicizzato. (Comunicato stampa ufficio stampa Studio Esseci)

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Il Caucaso - Popoli e conflitti di una frontiera europea
di Aldo Ferrari, ed. Edizioni Lavoro
Recensione

Dall'inizio degli anni '90 - dalla implosione dell'Unione Sovietica - lo scacchiere geopolitico internazionale è stato interessato dalla crescita di rilevanza strategica del Caucaso. Lo era già stato fino agli inizi del XX sec. ma per circa 70 anni, quasi tutto il Novecento, questa regione al centro tra Europa, Russia e Vicino Oriente, era rimasta silente. Tutto è cambiato nel '91, attirando l'attenzione di altri attori - Usa, Turchia, Iran e Unione europea in misura minore - interessati a guadagnare posizioni di potere (politico, economico, energetico) nell'area.

Breve Storia del Caucaso
di Aldo Ferrari, ed. Carocci
Recensione

Mosaico di etnie, lingue culture, distribuite in modo difforme nel territorio, il Caucaso deve la sua complessità paradigmatica alla collocazione geografica, frontiera e cerniera tra il Vicino Oriente, le steppe euroasiatiche, e l'area del Mediterraneo orientale.

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Dalla Terra alla Luna
L'arte in viaggio verso l'astro d'argento

termina l'11 novembre 2019
Palazzo Madama - Torino

A cinquant'anni esatti dallo sbarco del primo uomo sulla Luna, in mostra - a cura di Luca Beatrice e Marco Bazzini - oltre 60 opere: dipinti, sculture, fotografie, disegni e oggetti di design, che raccontano l'influenza dell'astro d'argento sull'arte e sugli artisti dall'Ottocento al 1969. È passato, infatti, mezzo secolo da quando l'uomo è arrivato sulla Luna: un obiettivo fondamentale, per certi versi incredibile, inseguito fin dall'antichità. Traguardo, sogno, missione impossibile, eppure anche fiducia nel progresso e nel futuro. Oriana Fallaci scriveva: "Alle 4.57 del 21 luglio 1969 l'uomo ha messo piede sulla Luna. È cominciata così una nuova era nella storia umana: la conquista degli altri mondi, la scalata ai corpi celesti, l'assalto allo spazio".

Non più prigioniero del proprio pianeta, l'uomo si è proiettato verso approdi ignoti. Finita la preistoria spaziale, si entrava nell'era cosmica. Come lei, lo hanno pensato milioni di persone. La Luna è infatti il corpo celeste che più di ogni altro ha da sempre ispirato grandi avventure, esplorazioni fantastiche e letterarie, che vanno da Luciano di Samosata a Dante, da Ariosto a Leopardi, da Verne a Calvino. Nel 1865 esce il libro di Jules Verne, Dalla terra alla Luna: uno dei più famosi resoconti di viaggio immaginario verso la Luna. Da allora si sono diffusi libri, romanzi, fumetti, giocattoli e gadget che hanno come soggetto l'astro d'argento. A questo proposito in mostra troviamo un corposo nucleo di una delle più importanti collezioni internazionali di questi materiali, appartenente a Piero Gondolo della Riva, piemontese, in un ambiente da lui curato come fosse una "stanza delle meraviglie Lunari".

È a partire dall'Ottocento che nell'arte prende piede il tema del viaggio Lunare, intrecciandosi con tematiche di esotismo, di progresso delle nazioni, di colonialismo anche se, per il momento, la Luna resta un luogo raggiungibile soltanto con la fantasia. I pittori romantici, in particolare, interpretando lo sguardo melanconico e sognante dell'uomo di fronte al mistero, declinano il tema del chiaro di Luna, e tra questi i piemontesi De Gubernatis, Bagetti e Carutti di Cantogno con il dipinto del 1911 Sorge la Luna. Dopo questo esordio, la mostra prosegue proponendo opere delle avanguardie storiche: le atmosfere fiabesche di Marc Chagall, la metafisica rigorosa di Felice Casorati, la calligrafia minuziosa di Paul Klee, il surrealismo di Max Ernst e Alexander Calder. Nella seconda parte del Novecento è invece lo spazio a rappresentare una vera e propria ossessione nell'arte: guardare oltre, toccare altre superfici, immaginare qualcosa di più lontano da noi. Non a caso si intitolano Concetto spaziale i lavori più famosi di Lucio Fontana.

Giulio Turcato, invece, definisce Superfici Lunari i suoi monocromi prodotti con materiali anomali, mentre Robert Rauschenberg realizza la serie di multipli Stoned Moon nel 1968 in prossimità dell'allunaggio e Mario Schifano ne riporta la visione, in chiave pop, attraverso la televisione, con Paesaggi TV. In mostra, oltre ad altri autori più importanti come Yves Klein, il pittore simbolista Karl Wilhelm Diefenbach, Emilio Isgrò, Arturo Nathan e il concettuale olandese Van Hoeydonck la cui opera fu letteralmente portata sulla Luna e lì lasciata dalla missione Apollo 12. Presenti anche alcune immagini della Nasa e oggetti di design degli anni '60 di autori come Vico Magistretti, Achille Castiglioni, Piero Fornasetti. In occasione della mostra sarà dedicato alla Luna un ciclo di conferenze al Circolo dei Lettori e una serie di proiezioni cinematografiche organizzate in collaborazione con il Museo del Cinema di Torino. (Comunicato ufficio stampa Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea)

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Fili d'oro e dipinti di seta
Velluti e ricami tra Gotico e Rinascimento

termina lo 03 novembre 2019
Castello del Buonconsiglio - Trento

Piviali in luminoso velluto, pianete scintillanti di oro e d' argento, rare dalmatiche con ricami in fili di seta variopinta, preziose stoffe fiorentine e veneziane dai molteplici ornati, oltre ad alcuni importanti dipinti sacri di Altobello Melone, Michele Giambono, Francesco Torbido, Rocco Marconi, e i due magnifici dipinti del misterioso Maestro di Hoogstraeten, raccontano l'affascinante storia dei preziosi manufatti tessili eseguiti tra la seconda metà del XV secolo e primi decenni del XVI secolo in Italia e nell'Europa del Nord. Si tratta di capolavori in velluto con ricchi ricami in seta e oro prodotti presso centri che all'epoca assicuravano un assoluto grado di perfezione tecnica e formale, come Firenze, Venezia e Milano.

Tra questi vi è il preziosissimo parato di papa Niccolò V del Museo del Bargello di Firenze, commissionato nel 1450 dalla città di Siena e donato al pontefice in occasione della canonizzazione di San Bernardino, ma anche il cappuccio di piviale del Castello Sforzesco di Milano, appositamente restaurato per l'occasione e decorato con un ricamo per il cui disegno preparatorio è stato fatto il nome del grande Botticelli. Dopo oltre cinque secoli, affiorano capolavori inediti che testimoniano influssi derivanti da diverse tradizioni tessili, approfondite grazie agli specialisti che collaborano all'iniziativa, comprendendo anche esempi di manufatti importati da grandi centri di produzione transalpini tramite gli intensi scambi commerciali tra la penisola italiana e i fiorenti mercati delle Fiandre e della zona del Reno e il desiderio di sfarzo dei più facoltosi committenti.

La mostra è la prima iniziativa che approfondisce questa particolare categoria di lussuosi tessuti ricamati ancora presenti nelle aree dell'intero arco alpino, a suo tempo creati sia per la committenza religiosa che laica ma sopravvissuta fino ad oggi grazie alla lungimirante attività di conservazione della Chiesa e alla passione di molti collezionisti. Grazie a queste testimonianze artistiche viene valorizzata una produzione di opere che, pressoché sconosciuta ai più, si rivela preziosa per comprendere l'altissimo livello raggiunto dalle botteghe di tessitori e ricamatori italiani al "tramonto del Medioevo" anche grazie all'introduzione di innovative soluzioni imprenditoriali. Nelle più belle sale del Castello del Buonconsiglio viene pertanto esposta una quarantina di paramenti sacri, oltre a una selezione di dipinti su tavola che ne illustrano funzioni e fogge, in parte presenti nelle collezioni del museo e in parte ottenute in prestito da parrocchie, da Musei diocesani e da istituzioni prestigiose. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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L'Eterna Musa
L'universo femminile tra '800 e '900

termina lo 03 novembre 2019
Centro Matteucci per l'Arte Moderna - Viareggio
www.cemamo.it

Quaranta donne normali. Mai dive, se non - forse - tra le mura di casa. A formare una smagliante e cangiante galleria di personalità, ognuna a suo modo protagonista in una frazione di tempo e in un angolo di spazio. Una selezione, a cura di Giuliano Matteucci, che muove dal primo Ottocento e approda al Novecento, con affondi intenzionali e suggestivi nei due dopoguerra, entrambi forieri di grandi mutamenti. Opere sceltissime, talvolta mai prima esposte, di Fattori e Lega, Induno, Favretto, Casorati e Sironi, tra gli altri. In questa parata di donne ritratte o idealizzate, nessuno dei modelli prevalenti manca all'appello: l'eterna Eva si presenta di quadro in quadro in condizioni mutevoli di status e umore, angelo della famiglia o sirena ammaliatrice, popolana o borghese, lavoratrice o padrona di casa della buona società, lieta o malinconica, operosa o riflessiva.

In esse si riconosce in filigrana non solo la Musa ispiratrice, ma anche gli infiniti altri prototipi stratificati nell'immaginario culturale dell'Occidente. La purissima Maria Vergine e la peccatrice Maddalena, Lia e Marta simboleggianti la vita attiva con Rachele e Maria allegorie della vita contemplativa, la Venere e la materna Giunone, Salomè la seduttrice e Circe la maga. "Una galleria d'istantanee tratte da un ideale album di famiglia che è andato formandosi nelle stagioni più diverse della vita", anticipa Giuliano Matteucci. "Figure che non ambiscono ad un posto nel Parnaso e che, al di là di ogni metafora, offrono della donna il volto più autentico, sofisticato e attraente. Immagini che, seppur condivise, si direbbero segretamente carpite, per la facilità con cui l'artista ha conferito al modello una personale dignità, facendone emergere il celato fascino".

Le donne protagoniste di questa esposizione sono fiere del loro essere, perfettamente consapevoli del loro valore, ricche di una sensualità che, proprio perché non platealmente esibita, cattura sguardo e sentimento. Donne che oggi si potrebbero definire come "realizzate", nonostante il loro non volersi porre al centro del palcoscenico. "Una galleria di antidive, nella quale si troverebbe certamente a disagio la determinata femminilità di una Marie Curie o di una Coco Chanel, poiché a prevalere è un altro tipo di donna che non ha difficoltà a confermarsi moglie e madre, in quei ruoli, insomma, che nella routine del quotidiano ne nobilitano i sentimenti e lo spirito", evidenzia ancora il curatore. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Eve Arnold
termina lo 08 dicembre 2019
Casa Museo Villa Bassi - Abano Terme (Padova)

L'intensità e la potenza espressiva degli scatti di Eve Arnold raggiungono sempre livelli di straordinarietà. La fotografa americana ha sempre messo la sua sensibilità femminile al servizio di un mestiere troppo a lungo precluso alle donne e al quale ha saputo dare un valore aggiunto del tutto personale. A questa intensa interprete dell'arte della fotografia, la Casa-Museo Villa Bassi dedica un'ampia retrospettiva, a cura di Marco Minuz, interamente centrata sui suoi celebri ed originali ritratti femminili. Eve Arnold, nata Cohen, figlia di un rabbino emigrato dalla Russia in America, contende ad Inge Morath il primato di prima fotografa donna ad essere entrata a far parte della Magnum. Furono infatti loro due le prime fotografe ad essere ammesse a pieno titolo nell'agenzia parigina fondata da Robert Capa nel 1947.

Un'agenzia prima di loro, riservata a solo grandi fotografi uomini come Henri Cartier Bresson o Werner Bischof. Ed è un caso fortunato che le due prime donne di Magnum siano protagoniste di altrettante retrospettive parallele in Italia. A chiamare Eve Arnold in Magnum fu, nel 1951, Henri Cartier-Bresson, colpito dagli scatti newyorkesi della fotografa. Erano le immagini di sfilate nel quartiere afroamericano di Harlem, a New York. Quelle stesse immagini rifiutate in America per essere troppo "scandalose", vennero pubblicate dalla rivista inglese Picture Post. Chiamata a sostituire il fotografo Ernst Haas per un reportage su Marlene Dietrich, inizia la frequentazione con le "celebreties" di Hollywood e con lo star system americano. Nel 1950 l'incontro con Marylin Monroe, inizio di un profondo sodalizio che fu interrotto solo dalla morte dell'attrice. Per il suo obiettivo Joan Crawford svela i segreti della sua magica bellezza.

Nel 1960 documenta le riprese del celebre film The Misfits, Gli spostati, con Marylin Monroe e Clark Gable, alla regia John Houston e alla sceneggiatura il marito dell'epoca di Marylin Arthur Miller. Trasferitasi a Londra nel 1962, Eve Arnold continua a lavorare con e per le stelle del cinema, ma si dedica anche ai reportage di viaggio in molti Paesi del Medio ed Estremo Oriente. «Paradossalmente penso che il fotografo debba essere un dilettante nel cuore, qualcuno che ama il mestiere. Deve avere una costituzione sana, uno stomaco forte, una volontà distinta, riflessi pronti e un senso di avventura.» Così Eve Arnold definisce la figura del fotografo. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Creature reali e fantastiche evocatrici di simbologie e leggende
Rotazione di dipinti giapponesi su rotolo verticale

dal 18 giugno 2019
Museo d'Arte Orientale - Torino
www.maotorino.it

Esposizione dei kakemono, classici dipinti giapponesi su rotolo verticale. La necessità di mettere a riposo periodicamente le opere più delicate - come quelle in carta o seta - offre l'occasione per rendere visibile al pubblico, a rotazione, tutta la collezione di opere del Museo. Già dal XII secolo gli artisti giapponesi hanno dato prova di una straordinaria abilità nel rendere l'aspetto, le espressioni e i comportamenti degli animali, reali e fantastici, che fin dai tempi antichi popolano l'arcipelago e i suoi racconti tradizionali. La nuova rotazione di kakemono, i dipinti su rotolo verticale, trae spunto da questa ricca produzione presentando una selezione di creature della terra, dell'acqua e dell'aria in grado di evocare precisi significati, simboli e leggende.

Nel dittico di scuola Kano esposto, il drago, protettore dell'Est e della primavera, dialoga con la tigre, emblema dell'Ovest e dell'autunno: l'abile gioco di pennellate a inchiostro concretizza l'abbinamento propizio di tali forze complementari, dominatrici di cielo e terra. A volgere lo sguardo al cielo è la coppia di conigli protagonista del dipinto di Maruyama Oshin (1791-1839): sono i conigli lunari, associati alla festa di metà autunno, quando, secondo la leggenda, è possibile scorgere sulla faccia della Luna la forma di un coniglio intento a preparare il dolce tradizionale mochi. L'associazione del coniglio con la Luna rinvia anche alla figura della principessa lunare, da cui la trasposizione moderna Sailor Moon, protagonista di un cartone animato popolare in Italia.

La coppia di carpe del celebre Maruyama Okyo (1733-1795) pare prendere vita, tanto è dettagliata la resa delle squame. Non è solo una questione di stile: la carpa, in giapponese koi, rinvia alla parola omofona che significa "amore", e l'associazione simbolica è rafforzata dalla scelta di presentare l'animale in coppia. Altrettanto fine è il dettaglio delle zampe della coppia di gru di Kawamura Bunpo (1779-1821), artista della scuola naturalista Shijo, nelle cui opere la tradizione tematica giapponese si coniuga con la ricerca di effetti realistici ispirati all'Occidente. L'augurio di longevità convogliato tradizionalmente da questa creatura si unisce all'auspicio di pace e speranza, di cui la gru è divenuta simbolo dopo la seconda guerra mondiale. Nel corridoio che ospita le stampe policrome sarà presentata una selezione di ukiyo-e, il cui nucleo centrale è costituito da ritratti di famosi attori di teatro kabuki ad opera di Utagawa Kunisada (Toyokuni III, 1786-1864). (Comunicato stampa)

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Carlo Fornara
Alle radici del Divisionismo (1890-1910)

termina il 20 ottobre 2019
Casa De Rodis - Domodossola

La retrospettiva, curata da Annie-Paule Quinsac, si focalizza in modo diretto sui due decenni che intercorrono tra il 1890 ed il 1910, gli anni di maggiore creatività e capacità innovativa del maestro di cui ricorre il cinquantenario della scomparsa. In mostra, una importantissima selezione di tele (alcune delle quali oggetto di interventi di restauro realizzati proprio in funzione della loro esposizione in questa mostra), affiancate da una sezione riservata ai disegni del maestro. Gli anni Novanta dell'Ottocento furono per lui stagione formativa sotto la guida del maestro Carlo Cavalli, erede spirituale del marsigliese Adolphe Monticelli. "Anni anche di personale affermazione, quando, fatti propri gli impasti monticelliani, Fornara elabora un linguaggio luminista di pittura materica a spatola e pennellate a effetto smalto", annota la curatrice Annie-Paule Quinsac.

"Questa 'prima maniera' sarà destinata a mutare per lo sconvolgente incontro/confronto con il Simbolismo di Giovanni Segantini, cui va a fare da assistente nell'agosto 1898 a Maloja in Engadina e la cui imprevedibile scomparsa all'apice della gloria, l'anno dopo, nel settembre 1899 sullo Schafberg, lo scuote nel profondo, segnando l'animo e il procedere di giovane adepto". Nel primo decennio del nuovo secolo, il Novecento, Fornara mostra una pittura dagli esiti europei e internazionali. Con opere, molte delle quali proposte in mostra (Chiara pace, L'aquilone, Fontanalba, Ombre e luci, per citare solo le più note), caratterizzate dalla sperimentazione divisionista, che, superando via via l'influenza dei temi e della visione segantiniana, giunge ad un modo assolutamente originale per trasporre nelle tele l'amena bellezza della Valle Vigezzo "restituita nella duplice natura di poesia e forza insieme", sottolinea la curatrice.

Carlo Fornara (Prestinone, 1871), da una umile famiglia contadina, grazie al precoce talento, ebbe accesso ai corsi di pittura, disegno e ornato presso la locale scuola d'arte Rossetti Valentini di Santa Maria Maggiore. Qui strinse rapporti di amicizia con altri futuri pittori come Giovanni Battista Ciolina, Gian Maria Rastellini e Lorenzo Peretti Junior, tutti allievi di Enrico Cavalli, grande conoscitore dell'arte francese di quell'epoca. Nella primavera del 1891 espose alla Prima Triennale di Brera, occasione per entrare in contatto con le nuove istanze divisioniste. Tra il 1894 ed il 1895, a Lione Fornara si avvicina alla corrente pittorica del Neoimpressionismo, che si manifesta nell'opera En plein air, rifiutata nel 1897 dalla terza Biennale di Brera, ma apprezzata da Giuseppe Pellizza da Volpedo e Giovanni Segantini, due dei maggiori esponenti della corrente divisionista.

E' del 1899 la sua partecipazione alla terza Esposizione internazionale d'arte di Venezia. Entrato in contatto con Alberto Grubicy de Dragon, titolare della Galleria Grubicy e fratello del promotore del Divisionismo a livello europeo, il mercante d'arte e pittore lui stesso Vittore Grubicy de Dragon, fu molto apprezzato da entrambi e messo in contatto con Segantini, che volle il giovane artista come suo assistente, per l'Esposizione di Parigi del 1900. Grazie al patrocinio dei Grubicy, Fornara fu presente alle maggiori esposizioni pittoriche nazionali ed internazionali di quegli anni. Gradualmente, l'adesione alla scuola divisionista iniziò ad indebolirsi intorno agli anni Venti, quando l'artista iniziò una sua ricerca pittorica con uno stile del tutto personale. A partire dal 1922, scelse la sua amata Val Vigezzo, dove continuò a dipingere sino alla morte avvenuta nel 1968. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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"Infinito Leopardi"
termina lo 03 novembre 2019
Villa Colloredo Mels - Recanati
www.infinitorecanati.it

Proseguono le celebrazioni per il bicentenario dalla stesura de L'Infinito di Giacomo Leopardi. A Recanati, il 29 giugno, nel giorno del compleanno del poeta recanatese, inaugura il secondo ciclo di mostre del progetto "Infinito Leopardi" che animeranno la programmazione culturale della stagione estiva. A Villa Colloredo Mels fino al 3 novembre due mostre che ruotano intorno all'espressione dell'infinito nell'arte in un percorso sensazionale dall'epoca romantica ad oggi: "La fuggevole bellezza. Da Giuseppe De Nittis a Pellizza da Volpedo" a cura di Emanuela Angiuli e "Interminati spazi e sovrumani silenzi. Giovanni Anselmo e Michelangelo Pistoletto" a cura di Marcello Smarrelli. Dopo la fotografia di Mario Giacomelli e la poesia, con l'esposizione straordinaria del manoscritto del 1819 de L'Infinito, l'arte torna ad essere protagonista a Villa Colloredo Mels, aprendo una porta dopo l'altra verso un mondo visibile e infinito. In mostra grandi artisti, come Giuseppe De Nittis, Emile René Ménard, Plinio Nomellini, Gaetano Previati, Amedeo Bocchi, Ettore Tito, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Giovanni Anselmo e Michelangelo Pistoletto.

L'indagine sull'infinito comincia in età romantica con la pittura del paesaggio che riflette lo stato emotivo dell'artista osservatore e torna di relativa attualità nell'arte contemporanea, seguendo la necessità di staccarsi dalla quotidianità alla ricerca della propria spiritualità. A duecento anni dalla stesura de L'infinito di Leopardi la mostra vuole essere una riflessione sull'infinitezza nell'arte, un viaggio attraverso opere straordinarie con lo sguardo "al di là della siepe"."Infinito Leopardi" è un progetto promosso dal Comitato Nazionale per le celebrazioni del bicentenario de L'Infinito di Giacomo Leopardi, istituito dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali, con la partecipazione di Regione Marche, Comune di Recanati, Centro Nazionale Studi Leopardiani, Casa Leopardi, Centro Mondiale della Poesia e della Cultura, Università degli Studi di Macerata e Sistema Museo. (Comunicato stampa Ufficio stampa Recanati Sistema Museo)

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Il Kouros ritrovato
08 giugno - 03 novembre 2019
Museo Civico di Castello Ursino - Catania

Il Kouros, statua greca con funzione funeraria o votiva, raffigurante un giovane, era molto diffusa nel periodo arcaico e classico, tra il VII e il V secolo a.C. Una nuova opera si aggiunge così alla statuaria della Sicilia greca: il Kouros di Leontinoi. Il torso del Kouros di Lentini e la Testa Biscari, assemblati, saranno in mostra a Catania, seconda tappa dell'esposizione dopo l'inaugurazione palermitana. La "Testa apollinea" rinvenuta nel Settecento da Ignazio Paternò Castello principe di Biscari e conservata oggi nel Museo di Castello Ursino, si ricongiunge con il torso di efebo acefalo acquisito nel 1904 da Paolo Orsi e conservato nel Museo Archeologico Regionale di Siracusa che porta il suo nome.

L'idea lanciata dal critico d'arte Vittorio Sgarbi e dal Sindaco di Catania, si è concretizzata grazie all'impegno dell'ex Assessore ai Beni Culturali della Regione Sebastiano Tusa che, con la Fondazione Sicilia, ne ha promosso l'intervento di restauro eseguito dalla ditta Siqilliya, presentandolo per la prima volta a Palermo nella Sala della Cavallerizza di Palazzo Branciforte. La seconda tappa espositiva del progetto, appositamente ideata da Civita Sicilia per la sede di Castello Ursino, prevede un arricchimento e una rilettura del Kouros attraverso un allestimento dalle forti suggestioni e soluzioni illuminotecniche originali.

Il progetto di valorizzazione del Kouros, è stato curato da Sebastiano Tusa prima della prematura scomparsa, per restituirne l'integrità, risolvendo la querelle che da anni impegna la comunità scientifica in supposizioni e ipotesi sull'effettiva pertinenza dei due reperti a unica statua di età arcaica. Imprescindibile presupposto per l'iniziativa di ricongiungimento sono state le indagini petrografiche e geochimiche promosse dall'associazione LapiS (Lapidei Siciliani) già nel 2011, grazie alle quali si può affermare che entrambi gli elementi sono stati ricavati da uno stesso blocco di marmo, prelevato nell'isola greca di Paros. La Sicilia non dispone di materiali lapidei paragonabili a un così pregevole marmo bianco a grana media, i blocchi di marmo pario venivano pertanto imbarcati nell'isola delle Cicladi per raggiungere i porti delle città siceliote dove li attendevano le botteghe di scultori dalle comuni radici culturali. Per il ricongiungimento dei due reperti con sistemi reversibili si è utilizzato il foro già esistente alla base della testa, troncata nettamente nel Settecento, colmando "la brevissima lacuna" con una protesi in materiale plastico ad alta resistenza appositamente progettata e prototipata.

Un intervento di pulitura ha inoltre permesso la rimozione dei depositi e delle incrostazioni che occultavano la tonalità della superficie marmorea della parte posteriore e dei fianchi del torso, per un riequilibrio delle variazioni tonali che ne permette di apprezzarne pienamente i valori materici. Dopo l'esposizione di Palermo e Catania, l'opera, seguendo il filo della ricerca di Sebastiano Tusa che considerava il ricongiungimento un vero e proprio nuovo ritrovamento archeologico, continuerà a essere concepita come una realtà unitaria, non più come due distinti reperti conservati in musei diversi. Il Kouros ritrovato sarà successivamente trasferito al Museo archeologico Paolo Orsi di Siracusa, dove un convegno internazionale concluderà l'evento. L'iniziativa è promossa dalla Regione Siciliana, dal Comune di Catania - Assessorato alle Attività e beni culturali, dalla Fondazione Sicilia, in collaborazione con, Associazione Lapis, Siqilliya srl. L'organizzazione e la promozione sono state affidate a Civita Sicilia. (Comunicato stampa Opera Laboratori Fiorentini/Civita)

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Isola Bella Gioielli
Il Mediterraneo Made in Sicily
www.isolabellagioielli.com | www.industria01.it

L'agenda primavera-estate di Isola Bella Gioielli si apre con il lancio della nuova collezione "Giardino Segreto" ed è un susseguirsi di appuntamenti e di novità, frutto di uno sguardo al territorio, al sociale e alla creazione di una rete di collaborazioni con altre realtà siciliane, con cui condividere e portare avanti un Made in Sicily dinamico, autentico e originale. Isola Bella Gioielli è un brand Made in Sicily nato nel 2013 dalla sinergia tra Alessio Strano - Ceo e direttore commerciale - e Giuseppe Argurio - designer e project manager - che hanno deciso di raccontare i simboli e i colori del Mediterraneo, attraverso la realizzazione di collezioni di gioielli unici e preziosi, divenuti dei veri must have. In ogni pezzo, infatti, sono sempre presenti: un sapiente uso di antiche tecniche di lavorazione dei metalli, un tocco d'innovazione dato dai modelli, dai colori e dalle scelte stilistiche e un riferimento culturale e/o storico alla Sicilia.

«L'idea di creare una collezione di gioielli ispirata alla tradizione siciliana - racconta Alessio Strano - è nata come una scommessa: realizzare pezzi esclusivi e pregiati che fossero una dichiarazione d'amore al Mediterraneo e alla Sicilia. Una dichiarazione d'amore intesa, non solo come esaltazione e valorizzazione dell'Isola, ma come un progetto più ampio rivolto al territorio e alle generazioni future - a livello locale - e alla diffusione di un'immagine contemporanea della Sicilia e del Made in Sicily - a livello nazionale e internazionale - cui ci rivolgiamo grazie al nostro e-shop e ad alcuni punti vendita presenti in Italia»

Isola Bella è cultura, design e il lavoro di un artigiano. Nel corso di questi anni, il brand ha lanciato nuove idee e nuovi soggetti per bracciali, charms, gemelli, orecchini e pendenti dedicati al mare, al food, agli animali, al glamour divenuti veri oggetti di culto per fashion addicted di tutto il mondo. «I gioielli Isola Bella - spiega Giuseppe Argurio - nascono mettendo insieme un'approfondita conoscenza dell'arte di lavorazione artigianale alle nuove tecnologie. Ciascun monile - realizzato in argento 925 e smaltato rigorosamente a mano - è unico, quindi, simile ma non identico agli altri perché prende forma a partire dal disegno su carta e, attraverso il modello realizzato con la tecnica della microfusione a cera persa»

Isola Bella Gioielli propone anche una collezione di esclusivi accessori disegnati dal designer palermitano Sergio Daricello che interpreta in chiave contemporanea le tradizione e le sfumature del Mediterraneo. Foulard e pochette, esclusive t-shirt e teli mare dedicati a chi ama la bellezza e l'estro della nostra Isola. La T-Shirt tamburello (realizzata con strass e borchie) dedicata alle tradizioni e ai suoni antichi come quelli del tipico tamburello siciliano; i Foulard Ruota, decorato con i motivi che ornavano i carretti siciliani e le sue ruote, e Acqua Marina con un fondo azzurro acqua e tutte le creature più affascinanti del mondo marino (ippocampi e ricci, polpi e pesci, tartarughe e stelle marine), ripresi dal design dei gioielli Isola Bella: sono un tributo ai colori e alle storie della Sicilia e del Mediterraneo. E ancora i due Teli mare: Stelle Marine, su un fondo blu si posano decine di stelle marine, insieme ad altre splendide creature che popolano le acque del Mediterraneo e Sole, un telo allegro e colorato che riprende i motivi dei carretti siciliani e omaggia la Trinacria, dedicato a chi ama la Sicilia e la sua energia.

Da marzo a luglio 2019, l'azienda è impegnata in vari progetti e attività legati al glam, alla formazione e al sociale. Dal lancio della nuova collezione - Giardino Segreto - dedicata ai fiori tipici del Mediterraneo - alla Capsule Collection, limited edition, realizzata per il Garden Festival. E ancora, dal supporto a progetti come WonderLad, al contest creativo in collaborazione con Ruiz Rappresentanze, Industria01 e Harim Accademia Euromediterranea. Al centro di questi appuntamenti troviamo i fiori, la Sicilia e le nuove generazioni. Nello specifico, il tema floreale è dominante nella nuova collezione che vuole essere un'esaltazione e una valorizzazione delle specialità botaniche dell'Isola. Giardino Segreto è un viaggio nella natura romantica e prorompente, tra profumi inebrianti e giochi di luci e colori che s'insinuano tra le foglie. Un segreto sussurrato nella brezza di un giardino, un desiderio che sboccia tra passione e innocenza, un cammino interiore alla ricerca di se stessi. Una collezione di gioielli in cui fiori smaltati a mano si posano su anelli, collane, ciondoli e bracciali da indossare con personalità, dedicati a chi ama ritrovarsi mescolando stili e suggestioni. Per rinascere ogni giorno celebrando la bellezza dell'essere sempre diversi, con stupore e fantasia.

Il Mediterraneo e la vegetazione tipica dei giardini siciliani, ritornano anche nella capsule collection limited edition realizzata per la seconda edizione del Radice Garden Festival. Traendo spunto dal tema - giardini produttivi - della seconda edizione della kermesse internazionale dedicata al garden design, all'architettura del paesaggio, all'arte, alla cultura e alla tutela ambientale, Isola Bella ha ideato una coppia di orecchini (una piccola foglia di monstera e una palma rigogliosa) e un paio di gemelli (due foglie di monstera)in argento 925 placcato oro 24 kt che riprendono le linee delle palme e delle foglie tipiche dei giardini mediterranei, simbolo della biennale che sarà visitabile fino al prossimo 27 ottobre. I gioielli, che hanno già suscitato l'interesse della stampa e dei visitatori nei primi giorni della kermesse, saranno presto in vendita online, in alcuni punti vendita selezionati e nel temporary shop del Festival. Un progetto che è un piccolo germoglio, pronto a fiorire nei prossimi mesi.

La Sicilia è valorizzata, oltre che nelle collezioni di Isola Bella che raccontano sempre scorci di storia, cultura, tradizione di questa Isola, anche nelle collaborazioni con altre aziende, fondazioni, associazioni. Si pensi, alla campagna "l'Albero dei Desideri" lanciata da qualche anno per sostenere la costruzione di Wonderland, una casa speciale pensata per ospitare, a Catania, bambini affetti da gravi patologie e le loro famiglie. L'Albero dei desideri è il charm in argento Sterling 925, placcato rodio e smalti realizzato a sostegno di Lad onlus, associazione nata per garantire il Cure&Care ai bambini affetti da gravi malattie e alle loro famiglie. Parte dei proventi della vendita è devoluta a favore dei progetti della onlus come la costruzione di WonderLad, una casa speciale che sta nascendo a Catania. Utilizzando come strumenti arte e creatività, l'obiettivo è accompagnare e sostenere i piccoli dando loro l'opportunità di vivere in un ambiente stimolante e familiare, affinché la malattia non ostacoli il processo naturale di crescita.

Isola Bella crede molto anche nell'importanza della formazione professionale delle nuove generazioni e del contatto tra scuola e impresa. Proprio per questo ha indetto, - in collaborazione con Ruiz Rappresentanze, Industria01 e Harim Accademia Euromediterranea - la prima edizione del contest creativo "La Sicilia e i 4 elementi", concorso interno dedicato agli studenti di Harim che inaugurerà una nuova linea di abbigliamento firmata Isola Bella, con una collezione originale di t-shirt e borse che rispecchino con le loro linee e colori l'identità del brand. Ciascun concorrente, ispirandosi all'isola vulcanica attraverso i suoi elementi - aria, acqua, terra e fuoco - potrà presentare fino a sei proposte creative per t-shirt e borse che saranno valutate dalla giuria, composta da rappresentanti delle realtà organizzatrici. Al termine del contest saranno scelti tre vincitori che potranno realizzare il sogno di firmare un capo o un accessorio della collezione e aggiudicarsi un gioiello Isola Bella e uno stage in azienda. Isola Bella Gioielli è ambasciatrice d'eccellenza del Made in Sicily e di un modo di fare impresa, dinamico, creativo e innovativo. (Comunicato ufficio stampa Industria01)

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Mario Radice: il pittore e gli architetti
La collaborazione con Cesare Cattaneo, Giuseppe Terragni, Ico Parisi

termina il 24 novembre 2019
Pinacoteca Civica di Como

Percorso espositivo, a cura di Roberta Lietti e Paolo Brambilla, suddiviso in tre sezioni, sull'ampio lavoro pittorico e plastico di Mario Radice (Como, 1898-1987), tra le figure più complesse nel panorama del primo astrattismo italiano e progettista, teorico, critico d'arte, curatore di mostre e saggista, mirando soprattutto a ricostruire ciò che della sua arte è andato perso. La sua prolifica attività non si limita infatti alla produzione pittorica, ma si arricchisce di nuove esperienze progettuali, soprattutto attraverso la collaborazione con gli amici architetti, tra cui Giuseppe Terragni, Cesare Cattaneo e Ico Parisi.

La mostra, ideata da Roberta Lietti, mette quindi in luce per la prima volta il lavoro sinergico tra Radice e i tre architetti comaschi, espressione delle tre arti scultura, architettura e pittura, anche grazie all'allestimento progettato da Paolo Brambilla, nel quale le opere trovano un chiaro riferimento in immagini fotografiche d'epoca, plastici, scritti, disegni preparatori e studi su carta - tra cui molti inediti - conservati presso gli archivi della Pinacoteca di Como - in gran parte provenienti dal Fondo Mario Radice donato al Comune dagli eredi - che approfondiscono il rapporto ideativo, progettuale e di collaborazione dei protagonisti.

La prima sezione dell'esposizione evidenzia il rapporto tra Mario Radice e Cesare Cattaneo, concentrandosi principalmente su uno dei lavori più significativi di tale sinergia artistica e progettuale: la Fontana di Camerlata. Concepita tra il 1934 e il 1935 per il piazzale di Camerlata di Como, da cui prende il nome, viene realizzata l'anno successivo in occasione della VI Triennale di Milano, trovando collocazione al centro di Parco Sempione, sull'asse fra il Castello Sforzesco e l'Arco della Pace; demolita al termine dell'esposizione nel 1937, verrà ricostruita a Como soltanto nel 1960. Intorno a quest'opera, nella prima sala della Pinacoteca dedicata alla mostra è possibile ammirare il modello originale della Fontana, proveniente dall'Archivio Cesare Cattaneo di Cernobbio, unitamente a disegni, studi di progetto, foto-cartoline e alla relazione originale firmata dai suoi progettisti, oltre ad altri documenti e riviste dell'epoca inerenti la monumentale scultura.

Quindi nella seconda sezione viene affrontato il rapporto tra Radice e Giuseppe Terragni, in particolare attraverso due grandi lavori corali. Il primo è la Casa sul lago per artista presentata alla V Triennale di Milano del 1933, di cui viene proposta una gigantografia dell'interno dello studio atta a fondale per la ricostruzione dell'ambiente, in merito al quale viene esposto lo sgabello originale Columbus in legno e tubolare di ferro cromato. Il secondo lavoro è la Casa del Fascio di Como, per la quale Radice aveva realizzato tra il 1932 e il 1936 due grandi bassorilievi per la Sala del Direttorio al primo piano e otto affreschi nel Salone delle Adunate al piano terra, di cui è visibile in mostra un accurato modello appositamente realizzato dal curatore Brambilla, con gli interventi pittorici di Radice restituiti in scala, così centrali per la nascita del primo astrattismo italiano ed ammirati anche da Lucio Fontana.

Sono inoltre presenti due studi su carta, un olio su tela e altre opere su carta riconducibili ai motivi dei pannelli della Casa; a questi lavori si aggiunge il grande disegno progettuale del lampadario realizzato da Radice. Completano la sezione espositiva numerose immagini fotografiche d'epoca. La terza sezione è quindi dedicata al rapporto tra Radice e Ico Parisi, con i bozzetti a colori degli affreschi di Casa Carcano a Maslianico e di Casa Notari a Fino Mornasco, lavori realizzati tra il 1946 e il 1950 entrambi andati distrutti, oltre a una gigantografia di Radice al lavoro e fotografie originali. Fulcro particolarmente suggestivo dell'ultima sezione della mostra la proiezione in scala 1:1, a cura dei giovani videomaker di OLO Creative Farm, di uno dei mosaici realizzati da Radice per la facciata di Casa Bini a Monteolimpino, villa progettata da Parisi ed edificata tra il 1952 e il '53. Accompagna l'esposizione un approfondito catalogo bilingue, in italiano e inglese, edito da Silvana Editoriale, con contributi critici di Roberta Lietti, Roberto Dulio e Stefano Andrea Poli.

Mario Radice, soprattutto pittore, è anche scultore e progettista, nonché saggista e critico d'arte. Caposcuola dello storico Gruppo astrattista di Como, negli anni Trenta è tra i fondatori della rivista Quadrante. Partecipa alla V, VI e IX Triennale di Milano, di cui entra nella giunta tecnica esecutiva per la X edizione e nel 1955 è invitato a far parte del Centro Studi e nominato nel Consiglio d'Amministrazione della XI edizione. Prende parte inoltre alla III, IV, VII, VIII, X e XI Quadriennale di Roma e continuativamente dalla XXII alla XXIX Biennale d'Arte di Venezia, dove torna nel 1966 per la XXXIII edizione e nel 1968 è invitato a far parte della sottocommissione per le arti figurative della XXXIV edizione.

Nel 1964 riceve la medaglia d'oro per meriti artistici dal Consiglio Provinciale di Como. Espone con mostre personali e collettive presso importanti gallerie e spazi pubblici e privati in Italia e all'estero, tra cui Como, Milano, Monza, Roma, Ginevra, Münster e Amburgo. Centrali nella sua carriera le collaborazioni con architetti e progettisti per ville, case, esposizioni e monumenti pubblici e privati. Nel 1973 Guido Ballo pubblica la prima monografia a lui intitolata e riceve dal Comune di Milano l'onorificenza "Ambrogino d'oro" per gli importanti meriti artistici. (Comunicato ufficio stampa IBC Irma Bianchi Communication)

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Roman Opalka: Dire il tempo

Roman Opalka, una retrospettiva
04 maggio 2019 - 20 luglio 2019
Building - Milano

Roman Opalka | Mariateresa Sartori
07 maggio 2019 - 24 novembre 2019
Fondazione Querini Stampalia - Venezia

Omaggio all'artista Roman Opalka, con Dire il tempo, progetto a cura di Chiara Bertola, in concomitanza con l'apertura della 58esima Esposizione Internazionale d'Arte della Biennale di Venezia. La mostra, realizzata in due capitoli, da Building e da Fondazione Querini Stampalia, approfondisce la ricerca di Opalka attraverso una selezione di opere fondamentali del suo percorso. Entrambe le mostre sono incentrate sul programma Opalka 1965 / 1-∞, in cui l'artista ha impegnato gran parte della propria esistenza, nel tentativo di rappresentare lo scorrere del tempo e di circoscrivere l'infinito entro forme visibili e misurabili.

A Milano, una selezione di tele della serie di Détail sarà affiancata da 7 Cartes de Voyages e 35 autoritratti fotografici, esposti insieme al suono registrato della sua voce, per restituire l'insieme significativo del programma Opalka 1965 / 1-∞. L'allestimento è arricchito da un nucleo di opere realizzate nel periodo precedente il 1965: da un primo disegno accademico, Les Nuages del 1951 agli Ètudes sur le Mouvement (1959-60), passando per Chronome (1963) e Alphabet grec (1965) - con i quali sperimenta la parcellizzazione dello spazio e del tempo attraverso il ritmo e il movimento dei segni e dei punti sulla tela - per arrivare alla serie dei Fonemats del 1964, esposta per la prima volta. Chiude il percorso una sezione dedicata al lavoro grafico, con le acqueforti della Descriptions du Monde, realizzate dall'artista tra il 1968 e il 1970.

A Venezia, il progetto espositivo assume una particolare importanza per la conoscenza critica dell'artista, riunendo e presentando per la prima volta le due opere fondamentali dell'intero programma Opalka 1965 / 1-∞. Saranno infatti esposti l'Alfa e l'Omega, il primo e l'ultimo Détail, ora eccezionalmente insieme. Insieme a questi due dipinti significativi, sarà esposta anche una serie di autoritratti fotografici e il suono registrato della voce dell'artista. Accanto alle opere di Opalka sarà presentato anche un nucleo di opere di Mariateresa Sartori (Venezia, 1961), che con l'artista polacco aveva intessuto una profonda amicizia. Interessata alle neuroscienze, alla musica e al linguaggio, i suoi lavori instaureranno un dialogo con le opere di Opalka, attraverso la ricerca comune sui temi della memoria, della durata, della contingenza, e la condivisa ricerca di un visibile in grado di esprimere l'invisibile. (Comunicato stampa Lara Facco P&C)

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L'Olocausto Armeno - Breve storia di un massacro dimenticato
di Alberto Rosselli, ed. Solfanelli

Da alcuni anni la questione del riconoscimento del genocidio subito dal popolo armeno (1894-96, 1915-23) incontra un interesse crescente sia in ambito di politica internazionale sia in un contesto più ampio di storia, diritto, cultura, etica. Nonostante la notevole pubblicistica, alla domanda "Che cosa è stato il genocidio armeno?" in tanti tuttora potrebbero non saper ancora dare una risposta precisa.
Recensione libro

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Intramontabili eleganze
Dior a Venezia nell'archivio Cameraphoto

termina lo 03 novembre 2019
Villa Nazionale Pisani - Stra (Riviera del Brenta)

1951, un anno magico per Venezia. Gli scorci più intriganti della città sono coprotagonisti dalla campagna che in tutto il mondo diffondeva le proposte di quello che è il sarto più popolare del momento: Christian Dior. E, nello stesso anno, il 3 settembre si celebra a Palazzo Labia il "Ballo del Secolo", quel Bal Oriental voluto da Don Carlos de Beistegui y de Yturbe, che richiamò dai 5 continenti un migliaio di protagonisti del jet set. Un ballo in maschera che impegnò Dior, con Dalì, il giovanissimo Cardin, Nina Ricci e altri, in veste di creatore dei costumi per gli illustrissimi ospiti. Un evento che riverberò nel mondo i fasti del Settecento Veneziano. Silenziosi testimoni di entrambi gli eventi furono i fotografi di Cameraphoto, l'agenzia fotografica veneziana fondata nel '46 da Dino Jarach, che in quegli anni "copriva" e documentava tutto ciò che di speciale accadeva a Venezia e non solo.

Per volontà di Vittorio Pavan, attuale conservatore dell'imponente Archivio di Cameraphoto (la sola parte storica vanta oltre 300 mila negativi) e di Daniele Ferrara, Direttore del Polo Museale Veneto, le immagini di quei due storici avvenimenti vengono esposte al pubblico. Per farle riemergere si è scelta una location straordinaria, Villa Nazionale Pisani a Stra, la "Regina" delle Ville Venete, che, e non è un caso, è impreziosita da meravigliosi affreschi di Giambattista Tiepolo. Artista che dominò, dai soffitti di Palazzo Labia, la memorabile festa del 1951. Pavan, per questa mostra, ha selezionato 40 immagini della collezione messa in scena a Venezia da Christian Dior. In quegli anni, ogni sfilata presentava poco meno di 200 modelli, calibrati tra capi facilmente vestibili e altri più impegnativi. Dior era il nume tutelare della moda di quel dopoguerra.

Le sue collezioni erano attese e contese nel mondo. Si valuta che solo per vedere (e acquistare) le sue proposte sorvolassero l'Oceano, ogni anno, 25 mila persone. Ogni suo cambiamento di linea (e ogni stagione ne imponeva uno) veniva accolto con entusiasmo e con critiche feroci. In ogni caso, nessuna donna che volesse essere alla moda poteva ignorare i dettami del couturier parigino di Avenue Montaigne, una Maison che, nata da appena 5 anni, impegnava già oltre un migliaio di collaboratori. Il suo New look si evolveva stagione dopo stagione. Nel 1950 aveva imposto la Linea Verticale, nel '51 - come documentano le immagini esposte in Villa Pisani - la donna non poteva che vestire in Ovale: spalle arrotondate e maniche a raglan, tessuti modellati sino a diventare una seconda pelle. Complemento indispensabile, il cappellino, per cui Dior si ispirò, quell'anno, ai copricapi dei coolies, alla cinese quindi.

Per l'autunno, creò invece la linea "Princesse". Nelle immagini di Cameraphoto le modelle vestite da Dior duettano con Venezia. Canali, chiese, palazzi non sono mai un puro sfondo ma protagonisti alla pari delle creazioni del grande sarto. Il secondo nucleo di questa affascinate mostra è dedicato al Gran Ballo di Palazzo Labia, l'evento mondano del secolo. Per quel 3 settembre a Venezia giunse tutto il bel mondo. L'invito di don Carlos, popolarmente indicato come Il Conte di Montecristo, raggiunse mille persone. Dior, con una schiera di giovani sarti e con Dalì, venne impegnato a creare i più affascinanti abiti, tutti a richiamare il Settecento di Goldoni e Casanova. Costumi per persone ma anche per i levrieri e altri cani che spesso accompagnavano i loro padroni. Le torce quella mitica notte illuminarono  molte teste coronate, principi e principesse, schiere di milionari, artisti, stilisti, protagonisti del jet set. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Photology Air 2019/2020
Il nuovo parco per l'arte contemporanea in Sicilia

22 giugno - 03 novembre 2019
09 aprile - 27 settembre 2020
Tenuta Busulmone - Busulmone, Noto (Siracusa)
www.photology.com

Cinque progetti naturalistico-fotografici che coinvolgeranno il curatore uruguaiano Martin Craucin e 15 artisti di fama internazionale: Gianfranco Gorgoni, Georg Reinking, Gian Paolo Barbieri, Angelo Candiano, Mario Giacomelli, Jack Pierson, Giada Barbieri, Massimo Bartolini, Mario Cresci, Juan Pedro Fabro, Emilio Fantin, Fiamma Montezemolo, Irina Raffo, Luca Vitone, Francesca Romana Gaglione. Photology, che già dal 2012 ha intrapreso un'intensa attività di diffusione delle arti fotografiche nel territorio siciliano di sud-est, è orgogliosa di presentare l'edizione 2019/2020 di Photology Air (Art In Ruins), il nuovo parco per l'arte contemporanea aperto nel 2018 nei trenta ettari della splendida Tenuta Busulmone, a Noto.

In particolare, traendo ispirazione dal tema delle "rovine" come sinonimo di modernizzazione (già trattato alla Biennale di Venezia 2014), le mostre vengono allestite negli spazi restaurati en plein air di un convento ottocentesco e lungo i tanti percorsi naturali che si trovano nella tenuta. La scelta curatoriale per il biennio 2019/2020 è ricaduta su un tema sempre più attuale, la "coscienza ambientale", e il titolo Preservaction ne è diventato l'esplicito manifesto. In particolare, le attività di Photology Air che verranno presentate nel 2019 con il titolo Prelude To Preservaction, per poi svilupparsi nel 2020 sotto il nome di Preservaction Now!, offrono ai visitatori la possibilità di confrontarsi con opere eterogenee che vogliono invitare a riflettere sulla rappresentazione artistica della natura come via di preservazione e tutela, perché la Natura, da sempre fonte di ispirazione per gli artisti di qualsiasi disciplina, è lei stessa un'opera d'arte.

Noto, fiore all'occhiello dell'arte e della cultura siciliana, è uno splendido esempio di architettura barocca di fine Settecento che domina la valle del fiume Asinaro con vista sul Mar Ionio a est e Mediterraneo a sud. Il suo centro storico è stato dichiarato nel 2002 Patrimonio dell'Umanità da parte dell'Unesco insieme con le altre città tardo barocche della Val di Noto. Dopo la ricostruzione in seguito al terremoto del 1693, Noto è divenuta una delle città d'arte più visitate del nostro paese, meta di un turismo sempre crescente, tanto da registrare un incremento medio annuo di visitatori intorno al 5% dal 2010, soprattutto internazionali. Tutta la Val di Noto è oggi meta esclusiva, non solo per il patrimonio artistico-culturale, ma anche per le eccellenze enogastronomiche, e le località turistiche della zona sono particolarmente apprezzate: le spiagge della riserva naturale di Vendicari, i laghetti di Cavagrande, la zona archeologica di Pantalica, la Villa Romana del Tellaro, Marzamemi e Noto antica.

- Prelude to preservaction
22 giugno - 03 novembre 2019

.. Land Art in America
by Gianfranco Gorgoni

Pensato per la sezione Exhibitions 2018, il progetto - introdotto da un'esclusiva scultura di Georg Reinking - propone una serie di celebri lavori del fotografo italiano Gianfranco Gorgoni esposti tra le rovine del convento ottocentesco: opere fotografiche di grande formato realizzate a partire dalla fine degli anni Sessanta, in collaborazione con i grandi maestri della Land Art americana come Christo, Walter De Maria, Michael Heizer, Nancy Holt, Richard Serra, Robert Smithson, fino ai più recenti lavori con Ugo Rondinone. L'allestimento prevede un dialogo tra gli spazi interni ed esterni del rudere, per cui Gorgoni presenta opere innovative, pensate e prodotte per essere stampate su alluminio e sottoposte a speciali trattamenti da esterno.

.. Belvedere Collectors
Project Room With a View

Da giugno 2019 Photology apre al pubblico Belvedere Collectors-Project Room with a View, l'unica zona espositiva coperta di Photology Air pensata per i collezionisti e gli amanti della fotoarte. Il nuovo spazio presenta non solo una selezione di opere originali con soggetti naturalistici di artisti di fama internazionale e un esclusivo art bookshop con libri rari, ma anche la possibilità di trovare una serie limitate di prodotti a chilometro zero provenienti dal territorio di Noto. Gli artisti scelti per questa prima edizione sono: Gian Paolo Barbieri, Angelo Candiano, Mario Giacomelli, Jack Pierson. La zona Belvedere, dal secondo piano della struttura espositiva, ha un'incredibile vista a sud verso la Riserva Naturale di Vendicari.

.. Naturalistic Trail. Planta Manent
22 giugno 2019 - 29 settembre 2020

Un'esperienza unica di walking to art con 15 istallazioni fotografiche site specific stampate su alluminio e dislocate lungo un suggestivo percorso di 2 km nella campagna mediterranea circostante la Tenuta Busulmone, che ritraggono la flora locale accompagnate da spiegazioni botaniche. Planta Manent, la catalogazione fotografica permanente realizzata da Francesca Romana Gaglione, nasce con l'obiettivo di preservare, attraverso un lavoro di ricerca gli endemismi puntiformi caratteristici dell'area circostante Tenuta Busulmone, una porzione di terra che si rivela particolarmente interessante da un punto di vista botanico per via della singolare posizione geografica e delle peculiari condizioni climatiche. Quanto più un endemismo è puntiforme, cioè relativo a un'area geografica circoscritta, tanto più sarà composto da specie ad alto rischio di estinzione. Pertanto, la prima parte del progetto, una vera e propria fase di ricerca svolta insieme al botanico Paolo Uccello, si concentrerà sull'individuazione degli arbusti, degli alberi e delle infiorescenze più vulnerabili con l'obiettivo di ricostruirne la storia. La seconda parte del progetto, invece, indagherà nella vita segreta degli elementi individuati, con l'obiettivo di trasformarli in oggetti fotografici che diventeranno parte integrante di una memoria consapevole del luogo.

.. Educational Project: Kids in action
settembre 2019 - settembre 2020

Il progetto, che verrà realizzato in collaborazione con il Comune di Noto e Legambiente ha il fine di sensibilizzare ed educare le giovani generazioni alla tutela e alla pulizia dell'ambiente circostante attraverso laboratori didattici ad hoc. Gruppi di ragazzi verranno accompagnati nel territorio del Comune di Noto con l'obbiettivo di ripulire l'ambiente naturale dai rifiuti abbandonati. Il cleaning project servirà infine per utilizzare i materiali raccolti come elementi per laboratori artistici, seguendo le orme di artisti affermati come Damien Hirst, Kcho, Micheal Fliri. Le creazioni saranno esposte nel corso della stagione in un percorso esclusivo e premiate da una giuria selezionata.

- Preservaction Now!
09 aprile - 27 settembre 2020

.. The Secret Life of Plants

La mostra The secret life of plants prende ispirazione dall'omonimo libro di Peter Tompkins e Christopher Bird, pubblicato nel 1974 e basato sulle loro ricerche nel mondo dei vegetali riguardo alla possibilità che le piante non siano soltanto organismi passivi simili ad automi, sottomessi alle forze ambientali, bensì che abbiano la capacità di comunicare, di percepire gli eventi, di memorizzarli e persino di provare emozioni. L'esposizione, curata da Martin Craciun e allestita da Photology negli spazi Air (senza copertura) del convento, sarà costituita da installazioni botaniche, opere fotografiche, sculture e video. La selezione delle opere e degli artisti è incentrata proprio sulla ricerca emotiva evidenziata nel celebre libro di Tompkins e Bird. Piante e fiori mediate dal lavoro degli artisti comunicano con il visitatore attraverso i 5 sensi in un percorso scenografico che richiama il diorama. Questi gli artisti italiani ed internazionali che esporranno: Fiamma Montezemolo, Giada Barbieri, Emilio Fantin, Luca Vitone, Massimo Bartolini, Mario Cresci, Irina Raffo, Juan Pedro Fabro.

.. Art Trail
Profondo Blu
by Gian Paolo Barbieri

Profondo Blu rende omaggio all'itinerario fotografico di Gian Paolo Barbieri, che a partire dagli anni Ottanta lo vede in luoghi esotici e lontani a collezionare ritratti inediti di un'umanità e di una natura intatta, frammenti di memoria destinati a perdersi per sempre, attimi sottratti a un processo di metamorfosi e devastazione inarrestabile. In ogni foto si può percepire la profonda meditazione dell'artista, che per la prima volta si trova da solo dietro la macchina fotografica e davanti ad un soggetto che non concepisce alcuna possibilità di alterazione di setting. Art Trail 2019 si contraddistingue per un inedito ed emozionante incontro tra natura & natura. Le eleganti opere fotografiche di Gian Paolo Barbieri, realizzate in 40 anni di viaggi in luoghi incontaminati, si fondono con lo spettacolo del paesaggio rurale della campagna netina. Photology presenta un progetto di installazioni naturalistiche con strutture realizzate da artigiani locali utilizzando materiali a chilometri zero. Il percorso prevede una serie di aree espositive su un sentiero in terra battuta di circa 2 km in mezzo a millenari carrubi, ulivi e campi di grani antichi. La mostra, composta da circa 30 opere di grande formato e stampate in tricromia su materiali da esterno sarà percorribile a piedi con un normale abbigliamento sportivo o con speciali visite guidate con biciclette assistite elettricamente.

.. In the air tonight

La stagione di mostre di Photology Air per il 2020 si arricchisce di eventi esclusivi di approfondimento dal titolo In the Air Tonight. Da maggio ad agosto con cadenza settimanale si alterneranno nella zona cinema e relax una serie di presentazioni e incontri a tema seguendo la linea curatoriale Preservaction. Prima e dopo le proiezioni degli Earth Films, il programma In the Air tonight prevede una serie di art talks con il pubblico degli artisti partecipanti alle mostre, simposi di enti e fondazioni coinvolti nel progetto, lectures con presentazioni fotografiche, visite guidate notturne al cosmo, performance musicali e piccole rassegne teatrali. Sono stati invitati a partecipare: Emilio Fantin, Stefano Tirelli e Massimiliano Nebuloni, Pier Raffaele Platania, Greta Scacchi e Nicky Rohl, Luca Vitone. Gli appuntamenti verranno confermati con date e orari sull'apposito sito web e attraverso la guida Photology Air.

.. Art Film Festival
Earth Film

Photology Air si prefigge per il 2020 l'obiettivo di diventare un luogo di incontro e cultura imprescindibile per le serate netine, anche attraverso la settima arte, il cinema. La rassegna Earth Films propone una ricca selezione di lungometraggi e documentari di fama internazionale, collegati dalla comune tematica green. La sala cinema, posizionata in una location d'eccezione come il convento ottocentesco restaurato, vedrà alternarsi a pellicole note e acclamate da pubblico e critica, altre tutte da scoprire. Le proiezioni, che si susseguiranno per tutta la stagione, saranno accessibili gratuitamente fino ad esaurimento posti. Il programma definitivo della rassegna cinematografica verrà reso noto nella sezione del sito web dedicata e tramite la guida Photology Air. (Comunicato De Angelis Press)

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Dipingere gli affetti
La pittura sacra a Ferrara tra il Cinque e il Settecento

termina il 26 dicembre 2019
Castello Estense - Ferrara
www.castelloestense.it

Torna al Castello Estense di Ferrara "L'arte per l'arte", il progetto del Comune di Ferrara, promosso in collaborazione con la Fondazione Ferrara Arte, dedicato alla valorizzazione del patrimonio storico e artistico della città reso inaccessibile dopo il sisma del 2012. Dopo le opere di De Pisis, Boldini, Previati e Mentessi delle Gallerie d'Arte Moderna, protagoniste delle prime due esposizioni del progetto l'Arte per l'Arte, l'attenzione si sposta ora verso il periodo dal Cinque al Settecento. Le sale riccamente affrescate dell'ala sud e dei Camerini del Castello ospiteranno infatti la quadreria di proprietà dell'Asp, Centro Servizi alla Persona di Ferrara, Masi Torello e Voghiera, depositata presso i Musei di Arte Antica. Si tratta di un vero e proprio capitale artistico, pressoché sconosciuto eppure di grande rilevanza storica, che l'esposizione al Castello mira a restituire al grande pubblico. L'esperienza di visita assumerà i contorni di un viaggio nel tempo affascinante e sorprendente che spazierà dal tramonto del dominio Estense fino al secolo dei Lumi.

Le tappe di questo itinerario ci condurranno al cospetto dei due importanti protagonisti della rivoluzione naturalistica di inizio Seicento: Ippolito Scarsella detto Scarsellino e Carlo Bononi. La soave magnificenza del primo e la dolente bellezza del secondo, caratterizzano la Ferrara di quegli anni facendone uno dei più intriganti centri artistici dell'epoca. Contestualmente, faremo la conoscenza di personalità cronologicamente precedenti e parallele come, ad esempio, Giuseppe Mazzuoli detto il Bastarolo, il cui il manierismo castigato è fondamentale nella seconda metà del Cinquecento, Gaspare Venturini, pittore molto attivo per i duchi e per committenti religiosi, e l'enigmatico Giuseppe Caletti, curiosa figura di artista maledetto operante nella prima metà del Seicento. La seconda metà del XVII secolo è caratterizzata dal mitigato universo figurativo di Giuseppe Avanzi, pittore di mediazione che schiuderà il sipario al Settecento dove si imporranno le singolari personalità di Giacomo Parolini e Giuseppe Zola.

Ma perché Dipingere gli affetti? Per una doppia evocazione simbolica. La prima riguarda il linguaggio: le opere che verranno esposte in Castello si muovono nel solco degli orientamenti successivi al Concilio di Trento che delegavano all'arte il basilare compito di mediare tra il fedele e la religione, tra il visibile e l'invisibile, attraverso forme naturalistiche, emotive e familiari, nelle quali l'uomo del Sei e Settecento si potesse riconoscere. La seconda attiene alla vocazione umanitaria che animava i luoghi da cui esse erano originariamente collocate. Non delle chiese qualsiasi, ma gli altari, le cappelle e gli ambienti di istituti religiosi che ponevano al centro del loro operare l'aiuto verso gli altri, fossero essi orfani, indigenti, bisognosi o donne in difficoltà. Un insieme di esperienze animato da figure di primo piano della corte Estense - da Alfonso II a Barbara d'Austria, fino a Margherita Gonzaga - ma anche di una fetta consistente della nobiltà e della borghesia cittadina, impegnata nell'attività di carità e solidarietà.

Ed è così che protagonista di questa mostra sarà anche la città di Ferrara, nel tentativo di ricomporre il tessuto connettivo di un'«araldica della beneficenza» (per usare una felice definizione di Andrea Emiliani) che costituì la manifestazione più tangibile di quella pietas sei e settecentesca animata da empatica affettività e impegno sociale. Un attivismo che portò ad ornare alcuni dei luoghi sacri più rappresentativi, oggi quasi tutti scomparsi o mutati per fattezze o destinazioni d'uso, come i conservatori femminili di Santa Barbara e di Santa Margherita, o l'Opera Pia della Povertà Generale. Un vero e proprio viaggio nel tempo, insomma, alla ricerca delle radici moderne di Ferrara. (...) (Comunicato Ufficio stampa Studio Esseci)

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Archimede a Siracusa
26 maggio 2018 - 31 dicembre 2019
Galleria Civica Montevergini di Siracusa
www.mostraarchimede.it

L'esposizione offre ai visitatori l'occasione, unica, di conoscere da vicino una delle più geniali figure dell'intera storia dell'umanità e, grazie alle più avanzate applicazioni multimediali, di immergersi nella città di Siracusa nel terzo secolo avanti Cristo, vera e propria capitale della Magna Grecia e del Mediterraneo centrale, dove il grande scienziato è vissuto, ha concepito le sue straordinarie invenzioni ed è stato infine ucciso da un soldato romano appena entrato in città da conquistatore. Una serie di animazioni progettate da Lorenzo Lopane e realizzate con gli allievi dell'INDA rendono viva la presenza degli antichi siracusani e tra loro del grande scienziato.

Basata sulle fonti storiche e archeologiche, una suggestiva narrazione disponibile in 4 lingue e affidata in italiano alla voce di Massimo Popolizio, consente di seguire gli eventi che portarono, sul finire della seconda guerra punica, allo scontro con Roma. Un articolato percorso di approfondimento interattivo presenta oltre venti modelli funzionanti di macchine e dispositivi che la tradizione attribuisce a Archimede. Mostra ideata dal Museo Galileo e curata da Giovanni Di Pasquale con la consulenza scientifica di Giuseppe Voza e Cettina Pipitone Voza, promossa dal Comune di Siracusa e prodotta da Civita Mostre con Opera Laboratori Fiorentini e la collaborazione di UnitàC1 e dell'Istituto Nazionale Dramma Antico di Siracusa. (Comunicato Ufficio stampa Civita)

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Donazioni alla Galleria Nazionale di Cosenza

La Galleria Nazionale di Cosenza acquisisce a pieno titolo nelle sue collezioni sei interessanti sculture provenienti dalle collezioni della famiglia Bilotti. Incrementano da oggi il patrimonio del museo, illustrando importanti segmenti dell'arte italiana del Novecento, le seguenti sculture Cavallo e cavaliere con berretto frigio di Giorgio de Chirico, Portatrice di fiaccola di Emilio Greco, Grande maternità di Antonietta Raphael Mafai, Onice e Solida di Pietro Consagra, Gigantea di Mimmo Rotella. Le sculture sono già presenti nel museo ed esposte in via definitiva, ad esclusione della Grande maternità di Antonietta Raphael Mafai che sarà presentata a conclusione degli interventi di manutenzione e restauro di cui necessita. La donazione fa seguito alle altre che recentemente hanno concluso il loro iter. Sono infatti entrate a far parte delle collezioni museali anche le opere Forme uniche della continuità nello spazio di Umberto Boccioni, donata da Roberto Bilotti Ruggi d'Aragona, e Natura donata dall'artista cosentino Giulio Telarico, già in esposizione rispettivamente nella sezione grafica dedicata all'artista futurista e nella sezione di Arte Contemporanea.

Il Polo Museale e la Galleria Nazionale di Cosenza hanno frattanto avviato le procedure finalizzate all'acquisizione in comodato d'uso gratuito di cinque disegni di Umberto Boccioni; i disegni a conclusione dell'iter andranno ulteriormente ad arricchire la sezione grafica dedicata al maestro del Futurismo. Le acquisizioni portate a felice conclusione e quelle in programma sono frutto di intese e accordi che rientrano fra gli obiettivi che il Polo Museale della Calabria e la Galleria Nazionale si sono posti per promuovere relazioni proficue con il territorio, accrescere, valorizzare il patrimonio d'arte e cultura e favorirne la conoscenza. (Estratto da comunicato stampa)

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"Ritratto" attribuito a Giorgione
Opera rientrata in Italia e poco conosciuta
www.letramedigiorgione.it

Danila Dal Pos, curatrice della mostra "Le trame di Giorgione", annuncia l'inserimento in mostra di un'opera che sicuramente farà discutere. "E' patrimonio di una importante collezione veneziana - annuncia la curatrice - ed è rientrata in Italia dopo essere stata in collezioni francesi e americane. Pur presente e citata in vari vecchi cataloghi e monografie su Giorgione, pochi hanno avuto modo di ammirarla in una mostra". "Sono convinta che questa mostra possa offrire -sottolinea la curatrice- l'occasione ideale per un confronto tra esperti di Giorgione e dell'arte veneta del primo Cinquecento, per giungere ad un serio approfondimento su questo dipinto che la tradizione attribuisce al Maestro di Castelfranco".

Si tratta di un prezioso, piccolo olio (cm.26,5x21,4) su cui, da tempo, gli studiosi si interrogano. Il quesito riguarda naturalmente la reale paternità del Ritratto di giovane, soggetto della tavoletta. Giorgione? Un artista della sua cerchia, Tiziano? Nessuno di questi? Per la mostra castellana, Augusto Gentili, che di Giorgione è uno dei maggiori studiosi, ha esaminato quest'opera, riservandole un particolare e curioso saggio in catalogo: potrebbe trattarsi di un lavoro giovanile di Giorgione, diremmo oggi di un Giorgione ancora alla ricerca della sua strada. Andando a ritroso nella storia di questo prezioso dipinto, Gentili risale agli anni '30 del secolo scorso, quando il Ritratto era presente in una importante collezione privata parigina. Già allora gli esperti si interrogavano su chi ne fosse l'autore e il nome di Giorgione venne più volte avanzato.

Retrocesso a prodotto "di cerchia" nelle monografie giorgionesche di Richter (1937) e Morassi (1942), il ritratto è infine esposto a Venezia alla mostra Giorgione e i giorgioneschi nel 1955. In catalogo, il curatore Zampetti ricorda i precedenti, pubblica una riproduzione - peraltro assai poco leggibile - dopo "il recente restauro" (affermando che questo "ha molto avvantaggiato la possibilità di riconoscere le buone qualità del dipinto") e informa che la tavoletta è ormai in collezione privata a New York. Il tutto senza sbilanciarsi nel giudizio e nell'attribuzione. "Quel che viene dopo - sottolinea Gentili - è ripetizione del già detto o già scritto, o memoria della mostra veneziana: anche perché a questo punto il Ritratto si eclissa per quasi mezzo secolo prima di ricomparire a sorpresa in laguna.

Gentili si spinge ad affermare che "l'incerto e spaurito ritratto potrebbe essere di Giorgione sui primissimi anni del Cinquecento: del Giorgione sperimentale, inventivo e innovativo di testa, ma ancora incerto e spaurito di mano, che qualsiasi catalogo dei possibili esordi accredita di una decina di opere drammaticamente diverse l'una dall'altra, e nessuna sicura più dell'altra". Si tratterebbe dunque dell'opera di un giovane Giorgione, teso a sperimentare e risperimentare per trovare la sua cifra stilistica: siamo probabilmente di fronte al punto di partenza di un percorso che avrà come traguardo il Ritratto Giustinian di Berlino. "Certezze assolute non ce ne sono ancora - spiega Danila Dal Pos - ma quest'opera si colloca a livelli molto alti e poterla finalmente ammirare da vicino, come si potrà fare in Casa di Giorgione, è un'occasione da non perdere". (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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A Jesi un nuovo Museo: il Museo Federico II Stupor Mundi
Museo multimediale per rivivere la storia che ha cambiato la Storia
www.federicosecondostupormundi.it

Nello storico Palazzo Ghislieri a Jesi, la città che ha dato i natali a Federico II di Svevia, inaugurato l'1 luglio il primo grande museo a lui dedicato, che riprende l'appellativo con cui veniva chiamato l'imperatore dai suoi contemporanei per affermare la sua inesauribile curiosità intellettuale. Il progetto è nato dalla volontà dell'imprenditore e presidente della Fondazione Federico II Stupor Mundi, Gennaro Pieralisi, di dedicare al grande Imperatore un luogo che potesse ripercorrerne la vita straordinaria, raccontare le sue imprese sia in politica che in cultura, e diffondere la conoscenza degli edifici, palazzi, castelli e vestigia, ancora conservati in Italia e in Europa.

Il Museo è stato realizzato con fondi privati e il contributo di Fondazione Marche in collaborazione con il Comune di Jesi, la Fondazione Cassa di Risparmio di Jesi, la Fondazione Federico II Hohenstaufen, la Fondazione Pergolesi Spontini e la Regione Marche. La curatela scientifica è stata affidata a Anna Laura Trombetti Budriesi, docente di Storia medievale all'Università degli Studi di Bologna, coadiuvata da Laura Pasquini e Tommaso Duranti, ricercatori presso il Dipartimento di Storia Culture Civiltà dello stesso ateneo. L'allestimento museografico è stato realizzato dalla società Volume S.r.L di Milano, capofila per questo progetto di un team di aziende quali Euphon, Studio'80, Castagna-Ravelli e Sydonia Production.

Il Museo Federico II Stupor Mundi sorge in una posizione unica al mondo: la stessa piazza dove il 26 dicembre 1194 Costanza d'Altavilla, sotto una tenda in mezzo al popolo, diede alla luce Federico II Hohenstaufen, futuro Re di Germania e di Sicilia e Imperatore del Sacro Romano Impero. Il ricordo della città natale rimase vivo nella memoria dell'Imperatore Svevo, come mostra la lettera inviata agli abitanti di Jesi nell'agosto 1239, nella quale la descrive come "nobile città della Marca, insigne principio della nostra vita, terra ove la nostra culla assurse a particolare splendore" e la definisce "la nostra Betlemme". La nascita di Federico II nella città marchigiana, ed i privilegi ad essa concessi dai suoi eredi, è alla base dell'antica definizione di "Jesi Città Regia".

Federico II di Hohenstaufen non fu solo un grande politico e condottiero, ma anche un personaggio di rara intelligenza, un fine intellettuale e studioso capace di anticipare i tempi. Si circondò di poeti eccelsi, con cui fondò la Scuola Poetica Siciliana, alla base della nascita della letteratura italiana; i suoi interessi per il sapere e la ricerca comprendevano anche i campi della medicina, dell'astronomia e della matematica, fu uomo di potere e uomo di cultura. Sedici sale tematiche, disposte su tre piani, che attraverso accurate ricostruzioni scenografiche e tridimensionali, installazioni multimediali e l'utilizzo di tecnologie di ultima generazione, come il video mapping e supporti touch-screen, costituiranno un vero e proprio viaggio immersivo e multisensoriale alla scoperta di Federico II di Svevia: la nascita e la storia dei suoi antenati; l'incoronazione come Imperatore nella medievale Basilica di San Pietro; il suo rapporto con i papi e la Chiesa; la Crociata in Terrasanta; le mogli e la discendenza; la sua passione per la falconeria (fu autore di un prezioso trattato ancora oggi attuale e modernissimo); il suo sconfinato interesse per le arti, le scienze e il sapere, che hanno contribuito a creare l'immagine di un mito che, per la prima volta, viene racchiusa in un unico luogo. (Comunicato ufficio stampa Flaminia Casucci)

Prima del nuovo numero di Kritik... / Iniziative culturali

Welcome Palermo
15 novembre 2019, ore 21.00
Cinema La Compagnia - Firenze
www.schermodellarte.org

Nel programma de "Lo Schermo dell'Arte Film Festival", 12esima edizione, diretto da Silvia Lucchesi (Firenze, Cinema La Compagnia e altri luoghi, 12-17 novembre 2019), presentato in anteprima mondiale il lungometraggio Welcome Palermo, dei Masbedo. Il film è l'evoluzione formale e narrativa del progetto Videomobile, l'articolata video installazione concepita per "Manifesta 12" a Palermo. Fulcro del lungometraggio è il viaggio del Videomobile, un vecchio furgone merci OM degli anni Settanta, che gli artisti hanno trasformato in un carro video, mezzo di sperimentazione utilizzato per scandagliare il territorio e la storia del cinema siciliano. Nel corso del lungometraggio si alternano interviste - che coinvolgono personaggi come la principessa Vittoria Alliata di Villafranca e Valguarnera, figlia di Francesco Alliata, fondatore della casa di produzione cinematografica Panaria Film, il musicologo Gioacchino Lanza Tomasi, nipote dello scrittore Giuseppe Tomasi di Lampedusa, Suor Cornelia della San Paolo Film, incaricata di selezionare i film per la distribuzione nel circuito dei cinema parrocchiali - con indagini su materiali d'archivio e performance di artisti (writers, dj) e cittadini palermitani, che leggono sul palco del Videomobile le domande tratte dai Comizi d'amore di Pier Paolo Pasolini.

Masbedo è un duo artistico composto da Nicolò Massazza (1973) e Iacopo Bedogni (1970). Loro opere sono state esposte in musei, biennali e istituzioni di tutto il mondo, tra cui: 2019 - ICA Milano, MNAC Museu Nacional d'Art de Catalunya Barcelona;2018 - MAMM Multimedia Art Museum Moscow, Manifesta12 Palermo, Kunstlaboratorium Vestfossen Oslo, Centre Pompidou/Forum des Immages Paris, Haus der Kulturen der Welt Berlin; 2016 - Reggia di Venaria Reale Torino, Museum of Contemporary Art Zagreb, Nomas Foundation Roma, Blickle Foundation Stuttgart; 2015 - MART Rovereto, Changjiang Museum of Contemporary Art, Art Basel Film Hong Kong Arts Centre.

In Welcome Palermo i Masbedo contribuiscono a far riemerge la memoria di una città da sempre legata al cinema italiano, sia andando a ricercare figure che vi hanno lavorato in forma anonima o marginale, sia ricordando registi di spicco che operarono nella città siciliana quali Vittorio De Seta, Ugo Gregoretti, Luchino Visconti. Il film si conclude attualizzando, con una danza caratteristica della comunità Tamil residente in città, il luogo iconico per eccellenza della Palermo cinematografica: la sala da ballo del Palazzo Gangi, set della scena finale del Gattopardo. (Estratto da comunicato stampa Lara Facco P&C)

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Welcome Palermo
di Masbedo, Italia, 2019, 75'

vo: italiano st: inglese
Soggetto, sceneggiatura, fotografia: Masbedo
Montaggio: Cristina Sardo
Writers: Bad Ciccio Lino Ganci, Pizzetta, Tutto e Niente, M., Daniele Messineo
Musiche originali: Giancarlo Parisi, Davide Tomat e G.U.P. Alcaro, Yuki O'
"U pisci spada" di Domenico Modugno è cantata da Serena Ganci
La sigla finale "Valzer e Mazurka Brillante" di Nino Rota rivisitata da Serena Ganci, interpretata dal coro del Teatro Biondo di Palermo
Suono: Davide Tomat e G.U.P. Alcaro
Produzione esecutiva: Associazione Culturale Area Video
Produttore: Beatrice Bulgari
Produzione: In Between Art Film

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I Martedì dell'Arte
A cura di Andrea Dall'Asta SJ

Percorsi di salvezza nello spazio sacro
La chiesa di San Fedele

22 ottobre 2019, ore 18.15
Auditorium San Fedele - Milano

Quando entriamo in uno spazio sacro, raramente siamo consapevoli del fatto che sono presenti veri e propri percorsi di "salvezza". A partire dalla chiesa di san Fedele dell'architetto manierista Pellegrino Tibaldi saranno individuati sette itinerari, come quello dei confessionali o della cripta, che aiutano a comprendere come una chiesa - in questo caso un edificio della Riforma Cattolica - ha cercato di prefigurare il destino dell'uomo. Percorrere una chiesa significa compiere un viaggio verso il proprio futuro, in cui ci attende il Dio della vita. Andrea Dall'Asta è direttore della Galleria San Fedele di Milano dal 2002 e fonda a Milano, nel 2014, il Museo San Fedele - Itinerari di arte e fede. (Comunicato stampa)

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Poste Italiane
Annullo speciale per il 150° anniversario della consacrazione della Chiesa di San Spiridione Taumaturgo

Annullo filatelico temporaneo. Il timbro figurato sarà disponibile venerdì 18 ottobre, dalle 18.30 alle 20, nella Sala Cristoforo Scuglievich della Comunità religiosa Serbo Ortodossa, Trieste. Con l'annullo speciale saranno timbrate le corrispondenze presentate direttamente allo sportello e quelle spedite, in tempo utile, nello Spazio Filatelia di Trieste. (Comunicato stampa)

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Restauri:"Il mestiere delle armi", "Il manoscritto del principe", "Gruppo di famiglia in un interno"
I costumi di Piero Tosi
18-23 ottobre 2019
www.fondazionecsc.it

La Festa del Cinema di Roma, giunta alla 14esima edizione, si svolge dal 17 al 27 ottobre prossimi. E l'edizione di quest'anno vede una forte presenza del Centro Sperimentale di Cinematografia presieduto da Felice Laudadio: sia con tre nuovi restauri realizzati dalla Cineteca Nazionale, sia con la riproposta di un "estratto" dalla mostra "Esercizi di bellezza. Piero Tosi e gli anni del CSC" che si è tenuta dall'ottobre 2018 al gennaio 2019 presso il Palazzo delle Esposizioni di Roma: una mostra dedicata, appunto, a Piero Tosi, uno dei più illustri docenti della Scuola Nazionale di Cinema che la Festa ricorderà dopo la sua scomparsa, avvenuta lo scorso 10 agosto.

I tre restauri sono: "Il mestiere delle armi" di Ermanno Olmi (2001), "Il manoscritto del principe" di Roberto Andò (2000), "Gruppo di famiglia in un interno" di Luchino Visconti (1974): un classico di un grande autore e due film relativamente recenti, realizzati nel XXI secolo ma già bisognosi di interventi di restauro e conservazione. Ai quali va aggiunto un restauro non recente operato dalla Cineteca Nazionale, "Fellini Satyricon", col quale si aprono le celebrazioni in tutto il mondo del Grande Riminese in occasione del centenario della sua nascita nel 2020.

- Il manoscritto del Principe (Roberto Andò, 2000)

Prodotto tra gli altri da Giuseppe Tornatore, il film è ambientato a Palermo negli anni '50 e racconta l'ultima fase della vita di Giuseppe Tomasi di Lampedusa, lo scrittore del "Gattopardo". Il restauro è stato realizzato nel 2019 dal Centro Sperimentale di Cinematografia-Cineteca Nazionale a partire dal negativo originale 35mm e dal negativo sonoro ottico messi a disposizione da Francesco e Giuseppe Tornatore. Tutte le lavorazioni, realizzate presso il laboratorio Studio Emme di Roma, sono state approvate dal regista Roberto Andò. La supervisione al restauro del colore è stata realizzata a cura del direttore della fotografia Enrico Lucidi. Proiezione alla Festa: domenica 20 ottobre, MAXXI, ore 19.00

- Il mestiere delle armi (Ermanno Olmi, 2001)

Presentato in concorso a Cannes nel 2001, racconta gli ultimi giorni di vita del famoso capitano di ventura Giovanni dalle Bande Nere, morto a soli 28 anni nel 1526. Scritto da Ermanno Olmi e magnificamente fotografato da suo figlio Fabio, il film si è aggiudicato 9 David di Donatello e 3 Nastri d'argento. Il restauro è stato realizzato nel 2019 dal Centro Sperimentale di Cinematografia-Cineteca Nazionale e dall'Istituto Luce-Cinecittà, ed eseguito presso i laboratori di Istituto Luce-Cinecittà a partire dal negativo originale 35mm e dal disco magnetico-ottico originale Dolby Digital 5.1. Le lavorazioni sono state supervisionate dal direttore della fotografia Fabio Olmi. La supervisione al restauro del suono è stata realizzata a cura di Federico Savina. Proiezione alla Festa: venerdì 18 ottobre, Frecciarossa Cinema Hall/Villaggio del cinema, ore 17.30

- Gruppo di famiglia in un interno (Luchino Visconti, 1974)

Un anziano professore vive isolato, fra libri e quadri, in un palazzo di Roma. Una nobildonna lo convince ad affittare una parte del palazzo al suo giovane amante. Penultimo film nella carriera di Luchino Visconti, si avvale della magnifica interpretazione di Burt Lancaster che torna a lavorare con il regista dieci anni dopo "Il Gattopardo". Tra gli interpreti, Silvana Mangano e Helmut Berger. I costumi sono di Piero Tosi. Il restauro è stato realizzato nel 2019 dal Centro Sperimentale di Cinematografia-Cineteca Nazionale a partire dal negativo originale 35mm e dal negativo sonoro ottico messi a disposizione da Minerva Pictures Group Srl. Tutte le lavorazioni sono state realizzate presso il laboratorio Studio Emme di Roma. La supervisione al restauro del suono è stata realizzata a cura di Federico Savina. Proiezione alla Festa: sabato 19 ottobre, Frecciarossa Cinema Hall/Villaggio del cinema, ore 15.00

- Fellini Satyricon (Federico Fellini, 1969)

Il film, restaurato anni fa dalla Cineteca Nazionale, viene presentato alla Festa come un doppio omaggio: a Piero Tosi, che ha collaborato con Fellini nella realizzazione delle acconciature e dei volti, e a Lucia Bosè, che nel film interpreta la matrona suicida. Durante la Festa verrà anche presentato il volume "Lucia Bosè. Una biografia" di Roberto Liberatori, edito da Edizioni Sabinae. Lucia Bosè incontrerà il pubblico il giorno 23 ottobre, mercoledì, alle ore 17,30 al Teatro Studio dell'Auditorium. Proiezione alla Festa: mercoledì 23 ottobre, Casa del Cinema, ore 20.30

- Gli abiti di Piero Tosi

Per tutta la durata della Festa, nello spazio fra la Sala Petrassi e la Sala Sinopoli adiacente al guardaroba dell'Auditorium, saranno esposti quattro abiti realizzati da Piero Tosi nel corso dei seminari di Costume, Trucco e Acconciatura da lui tenuti al Centro Sperimentale, in qualità di docente di riferimento del corso di Costume. Tosi ha insegnato al CSC dal 1988 al 2016. Gli abiti provengono dalla mostra "Esercizi di bellezza" che si è tenuta al Palazzo delle Esposizioni di Roma da ottobre 2018 a gennaio 2019. Una mostra curata da Stefano Iachetti, che è stata un grande omaggio al più grande costumista italiano. Tosi ha potuto vederla, con grande soddisfazione: è poi mancato lo scorso 10 agosto, all'età di 92 anni.

I quattro vestiti esposti, due maschili e due femminili, attengono ai laboratori di Tosi dedicati al Seicento: due sono databili al 1640, due al 1690. È importante sottolineare che non si tratta di costumi visti al cinema: con i suoi assistenti e i suoi allievi, Tosi realizzava in quei seminari degli abiti ispirati a determinate epoche storiche, a fine esclusivamente didattico. Vederli "dal vero" è un'occasione irripetibile. I quattro abiti si riferiscono ai laboratori del 2009 e del 2010; sono stati realizzati da Luca Costigliolo con la collaborazione di Federica Vassallo (2009) e Sabrina Salvitti (2010), e degli allievi di quegli anni. Per entrambe le annualità il tutor del corso di Costume era Giovanna Arena. (Comunicato ufficio stampa Csc)

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That Click
regia di Luca Severi, 90'

18 ottobre, ore 19.30, c/o MAXXI - Roma
19 ottobre, ore 20.30, c/o Teatro Palladium - Roma

Proiettato nella sezione "Riflessi" della 14a edizione della Festa del Cinema di Roma, "That Click", diretto da Luca Severi ("Alberto Burri e Piero della Francesca: Le Due Rivoluzioni", Calypso", "Yorick's Speech"), documentario sulla vita e le straordinarie fotografie di Douglas Kirkland, prodotto da LSPGInc., Giovanni Laba e Matteo Leurini. Il regista e il grande fotografo saranno a Roma per presentare il film in entrambe le proiezioni.

Kirkland, con la sua macchina fotografica, ha ritratto sessant'anni di cultura pop, spaziando dal fotogiornalismo ai ritratti di personaggi famosi, dalle foto di scena alla documentazione di grandi eventi globali, dopo aver scattato alcune delle foto diventate poi tra le più famose di Marilyn Monroe. Con il suo stile e approccio unico, ha raccontato la moda, le celebrità e lo show business con immagini immortali che influenzano noi tutti ancora oggi, molti anni dopo quel primo scatto ("that click") che sarebbe diventato la colonna sonora della sua straordinaria vita. Il film si avvale di uno straordinario parterre di intervistati, dai coniugi Douglas e Francoise Kirkland a Sharon Stone, Nicole Kidman, Michelle Williams, Baz Luhrmann, Luca Guadagnino, Andy Garcia, Tracee Ellis Ross, Roberto Bolle, Gerd Ludwig, Herbie Hancock. La direzione della fotografia è di Gianfilippo De Rossi, le musiche di Pasquale Catalano e Marco Scorsolini e il montaggio di Lorenzo Mu.

Douglas Kirkland è un fotografo vincitore di molti premi noto per i suoi ritratti alle celebrità. Ha lavorato per Look Magazine all'inizio della sua carriera, in seguito per Life Magazine durante l'era d'oro del fotogiornalismo tra gli anni Sessanta e Settanta. Dal 1960, Douglas Kirkland ha realizzato più di 2000 progetti e ha immortalato più di 600 personalità di spicco dello spettacolo - da Marilyn Monroe a Angelina Jolie ed Elle Fanning. Ha lavorato sul set di più di 150 film, tra cui "Tutti Insieme Appassionatamente" (1963), "2001: Odissea nello Spazio" (1968), "La Mia Africa" (1985), "Titani" (1997), "Moulin Rouge" (2000), "Il Grande Gatsby" (2011) e "I 33" (2014). Le fotografie di Douglas Kirkland sono esposte in tutto il mondo e sono state incluse nelle collezioni permanenti di numerose istituzioni internazionali quali: la National Portrait Gallery London, la National Portrait Gallery Canberra Australia, il Smithsonian Museum, l'Eastman House e l'Academy of Motion Picture Arts and Sciences. La sua mostra: "Douglas Kirkland - A Life in Pictures" al Museo di Arte Moderna Goma di Brisbane è stata la terza mostra più visitata in tutto il mondo nel 2010. L'archivio di Douglas Kirkland rappresenta la memoria di personaggi famosi e cultura pop della metà del secolo scorso senza eguali. (Comunicato stampa)

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Il Muro trent'anni dopo
Rassegna cinematografica

08 ottobre - 17 dicembre 2019 (ingresso gratuito)
Goethe-Institut Palermo
www.goethe.de/palermo

È dedicata al Trentennale della caduta del Muro di Berlino la nuova rassegna cinematografica del Goethe-Institut Palermo, nell'ambito del cineclub "la deutsche vita". Con 11 film, guarderà indietro a un'epoca in cui un regime pensava di dover proteggere i propri cittadini dalla libertà con un muro. "Rivoluzione in Germania? Non succederà mai. Se questi tedeschi vogliono prendere d'assalto una stazione, compreranno un altro biglietto per il binario!" ironizzava Lenin. Eppure, il 9 novembre 1989, appena cinque mesi dopo la sanguinosa repressione del movimento democratico cinese in piazza Tienanmen a Pechino, cade il Muro di Berlino, che ha diviso la città e il Paese per oltre 28 anni. Meno di un anno dopo, la Germania si riunifica e i cinque nuovi Länder federali - e quindi la vecchia Repubblica Democratica Tedesca - entrano a far parte della Comunità europea.

Non è un caso che soprattutto la globalizzazione economica e l'integrazione europea acquistino nuovo slancio. Il Patto di Varsavia e l'Unione Sovietica si disintegrano. Le frontiere e i mari - in particolare il Mediterraneo - diventano permeabili. Il mondo si avvicina, le distanze si accorciano e una grande promessa di nuove libertà sembra possibile non solo per i Tedeschi, gli Europei e i popoli del vecchio Occidente, ma per il mondo intero. Il lungo periodo della Guerra Fredda dopo la Seconda Guerra Mondiale finisce. Un punto di svolta, il cambiamento, una nuova era e la globalizzazione danno speranza per un mondo senza frontiere o almeno con meno confini e conflitti. Una rassegna cinematografica con storie emozionanti sulla ricerca della libertà oltre il Muro e, a volte, semplicemente all'ombra del Muro.

Come sempre, tutti i film saranno proiettati in lingua originale, con sottotitoli in italiano. I film in rassegna verranno proposti ogni martedì, alle ore 17:30, nella Sala Wenders del Goethe-Institut Palermo, ad eccezione di Der geteilte Himmel (Il cielo diviso) - tratto dal capolavoro omonimo di Christa Wolf - che sarà proiettato al Cinema De Seta (Cantieri Culturali alla Zisa), in collaborazione e nell'ambito di Efebo d'Oro, 41° Premio Internazionale di Cinema e Narrativa (13-19.10.2019). A chiudere la rassegna ci sarà uno speciale omaggio a Bruno Ganz, grande e versatile attore e interprete, scomparso quest'anno, nel film di culto Der Himmel über Berlin (Il cielo sopra Berlino) di Wim Wenders, qui riproposto nella versione restaurata. Per le scuole interessate sono previste proiezioni speciali di mattina, in giorni e orari da concordare.

In collaborazione con: Città di Palermo - Assessorato alle CulturE e Partecipazione Democratica; Palermo Culture; BAM - Biennale Arcipelago Mediterraneo; Transeuropa Festival; European Alternatives; Efebo d'Oro; Seeyousound Palermo; Goethe-Zentrum Palermo; SudTitles. (Comunicato stampa)

___ Calendario delle proiezioni

.. 08.10, Barbara (La scelta di Barbara)

Regia di Christian Petzold
Con Nina Hoss, Ronald Zehrfeld, Rainer Bock, Jasna Fritzi Bauer
Germania 2012, 108 min.
Versione originale con sottotitoli italiani

Estate 1980. Barbara fa richiesta di un visto d'uscita dalla Germania dell'Est. Come punizione viene trasferita da Berlino in un piccolo ospedale di provincia. Mentre il suo fidanzato prepara la sua fuga verso Ovest attraverso il Mar Baltico, Barbara lavora come chirurgo pediatrico, sotto stretta sorveglianza. Il giorno della fuga, prende una decisione sorprendente. In concorso alla Berlinale nel 2012, Petzold vinse l'Orso d'argento per la miglior regia.

.. 15.10, Der Geteilte Himmel (Il cielo diviso)

Regia di Konrad Wolf
Con Renate Blume, Eberhard Esche, Hans Hardt-Hardtloff, Hilmar Thate
Repubblica Democratica Tedesca 1964, 109 min.
Versione originale con sottotitoli italiani

L'anno è il 1961, il luogo la Repubblica Democratica Tedesca poco prima della costruzione del Muro. Rita Seidel è tornata a vivere nel suo villaggio d'origine per trovare un po' di pace dopo aver avuto un crollo nervoso. Il "cielo diviso" del titolo allude alla separazione psicologica tra i protagonisti e a quella fisica del confine tra Germania Est e Ovest. Dal romanzo capolavoro di Christa Wolf.

.. 22.10, Der Verdacht (Il sospetto)
.. 29.10, Die Stille Nach Dem Schuss (Il silenzio dopo lo sparo)
.. 05.11, Winter Adé (Addio all'inverno)
.. 12.11, Bornholmer (Strasse)
.. 19.11, B-Movie: Lust & Sound In West Berlin
.. 26.11, Als Wir Träumten As We Were Dreaming
.. 03.12, Karla
.. 10.12, Westen (L'ovest)
.. 17.12, Der Himmel Über Berlin (Il cielo sopra Berlino)

Articoli di Ninni Radicini sulla Germania Dalla parte del perdente - Eine Geschichte im Fluß der Erinnerungen Romanzo di Nidia Robba Recensione Dialogo di Nidia Robba con Arminio il Condottiero di Teutoburgo

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Omaggio a una Visione
13-20 ottobre 2019
Friuli - Venezia Giulia, Slovenia
www.kinoatelje.it

Proiezioni, masterclass, tavole rotonde, incontri, camminate sui luoghi dei set cinematografici, mostre, installazioni in occasione della 20esima edizione del Festival cinematografico transfrontaliero, organizzato dal Kinoatelje, che collega sette città tra Italia e Slovenia: Gorizia, Nova Gorica, Udine, San Pietro al Natisone, Trieste, Lubiana e Isola d'Istria. Si supereranno ancora una volta i confini fisici ma anche quelli mentali, linguistici e artistici, con la volontà di andare oltre il conosciuto e, nel contempo, favorire lo sviluppo di nuove prospettive. Il festival torna, in particolare, con tanti eventi fuori dalle sale, come tavole rotonde e passeggiate nei luoghi dove sono stati girati dei film, ma sempre con l'obiettivo di sviluppare la cultura cinematografica nel pubblico.

L'inaugurazione del festival avrà luogo domenica 13 ottobre alle 15 in Piazza Transalpina/Evrope Trg, tra Gorizia e Nova Gorica, con l'apertura dell'installazione Camera Obscura, caratterizzata dall'idea simbolica di creare uno spazio transfrontaliero comune, facendo sperimentare nel contempo le leggi della fotografia. In questo modo, gli organizzatori hanno voluto avvicinarsi alla visione del fondatore del Kinoatelje, il sociologo, politico e critico cinematografico Darko Bratina (1942-1997) che credeva che il film fosse il mezzo migliore per comprendere la società, la storia e la cultura. Il premio a lui intitolato verrà consegnato quest'anno alla regista britannica Kim Longinotto.

La cerimonia di premiazione si terrà il 16 ottobre al Palazzo del cinema di Gorizia. Il Festival, più in generale, sarà un percorso monografico tra i documentari della regista britannica che da sempre cerca di avvicinare gli spettatori al mondo spesso irraggiungibile delle donne che fuggono dall'aggressività di certe tradizioni, pur senza arrendersi nella lotta per i propri diritti. I film di Longinotto sono, infatti, un sinonimo di resistenza alle ingiustizie. Un altro premio verrà assegnato anche agli autori dei migliori film della nuova sezione del Festival, Primi voli, inaugurata lo scorso anno. E' un'iniziativa che vuole supportare i giovani nella ricerca di un proprio stile personale, sperimentando nuovi linguaggi cinematografici. Un modo anche per ampliare la manifestazione a diversi periodi dell'anno, senza circoscriverla nella sola settimana del festival. (Estratto da comunicato ufficio stampa Emanuela Masseria)

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"Contemporanea"
Rassegna di musica di ricerca

XXIII edizione, Udine, 09-20 ottobre 2019
www.taukay.it

Sperimentazione musicale, grandi interpreti internazionali e i risultati di un call for works che ha coinvolto 36 nazioni: sono il filo conduttore di Contemporanea, la rassegna di musica di ricerca considerata un unicum a livello nazionale. Tutti gli appuntamenti udinesi del festival - che è organizzato dall'Associazione Culturale Delta Produzioni - sono a ingresso libero. La ventitreesima edizione di "Contemporanea" aprirà i battenti il 9 ottobre con un appuntamento dedicato ad approfondimenti nell'ambito della musica elettronica.

Nella suggestiva cornice di Casa Cavazzini con inizio alle ore 18.00, sarà possibile ascoltare composizioni musicali spazializzate in ottofonia, impreziosite dal racconto del loro stesso autore, il compositore statunitense James Dashow, uno degli esponenti di spicco del panorama musicale contemporaneo. Dashow è stato uno dei fondatori in Italia del Centro di Sonologia Computazionale di Padova ed ha insegnato negli Stati Uniti al MIT - Massachusetts Institute of Technology ed alla Princeton University. I suoi lavori, realizzati con un linguaggio di sintesi da lui stesso elaborato, sono eseguiti in tutto il mondo. Una delle sue composizioni in programma sarà interpretata per l'occasione da Luca Sanzò, celebre violista con all'attivo importanti collaborazioni e notevole attività discografica.

La sera dell'11 ottobre al Teatro San Giorgio con inizio alle ore 21.00, in continuità con l'idea di automazione leonardesca, Giuseppe Acito, sound designer, compositore e profondo conoscitore della computer music e degli strumenti musicali elettronici, nonché esperto di sintesi sonora e di processamento del suono, proporrà l'ascolto di una performance di grande atmosfera, coinvolgente, intensa e ironica che combinerà storia e linguaggio tecnologico: ispirandosi all'esperienza precorritrice e visionaria di Leonardo da Vinci, l'artista ha creato il Tamburo Meccanico XXI e lo ha unito alla sua band Toa Mata realizzando una composizione originale e unica per Contemporanea 2019. L'appuntamento è frutto di una collaborazione con "Share festival" di Torino.

Il 13 ottobre, in collaborazione con il festival "Spaziomusica" di Cagliari, sempre al Teatro San Giorgio di Udine alle ore 21.00, andrà in scena Poesia/Voce/Suono, un progetto che, accomunando la struttura organizzativa udinese e quella cagliaritana, utilizzerà le due lingue minoritarie (il friulano e il sardo) per una ricerca approfondita e sistematica che porta oltre la funzione stessa del linguaggio. Il materiale sonoro sarà mescolato ed elaborato al fine di utilizzare il suono specifico delle due lingue oltre il suo significato strettamente verbale. Sul palcoscenico saranno presenti l'attore Massimo Somaglino e il poeta Sebastiano Pilosu che, attraverso delle letture forniranno il materiale sonoro da elaborare tramite complessi sistemi di analisi e gestione del suono. Il materiale musicale sarà proposto al pubblico attraverso un sofisticato sistema di spazializzazione del suono. Sarà possibile ascoltare composizioni di Stefano Cocco, Andrea Deidda, Sandro Mungianu, Andrea Toffolini e Vittorio Vella. Oltre alla data di Udine è previsto un secondo appuntamento al Teatro Massimo di Cagliari (27 ottobre). Il materiale prodotto sarà utilizzato a fini discografici.

Il 16 ottobre alle ore 18.00 presso la Sala del Consiglio di palazzo Toppo Wassermann il compositore e professore associato dell'Università di Padova Michele Biasutti proporrà, alternandosi al chitarrista Marco Pavin, una conferenza concerto dedicata alla musica "ecologica". Saranno presentati i fondamenti dell'approccio ecologico alla composizione musicale quali l'importanza del suono a livello biologico, l'approccio ecologico alla percezione uditiva, la psicologia ambientale, lo studio del paesaggio sonoro, l'ecologia acustica, l'educazione ambientale al suono e la soundscape composition.

Tornati negli spazi del Teatro San Giorgio, il 18 ottobre a partire dalle 20.00, grazie alla collaborazione con Kinoatelje, aprirà la serata il documentario "Travelling with Peter Mettler". A seguire sarà presentato il cortometraggio risultato vincitore di "First Crossing", la nuova sezione del progetto "Omaggio a una visione" e il film "Shinjuku boys" di Kim Longinotto, considerata fra le autrici più importanti nell'ambito del cinema documentario degli ultimi trent'anni. Durante la serata è previsto un incontro di approfondimento con la sociologa Marta Fanasca sulle tematiche proposte dal film della regista britannica.

Il 19 ottobre, sempre al Teatro San Giorgio con inizio alle 21.30, in collaborazione con Forma Free Music Impulse, sarà presentata la performance "Of Leonardo da Vinci". Il lavoro della protagonista Elaine Mitchener, cantante, danzatrice e compositrice, si svilupperà sotto la guida del regista e coreografo Dam Van Huynh nell'ambito della sperimentazione contemporanea e dell'improvvisazione. L'artista sarà accompagnata sul palcoscenico dai suoni del compositore David Toop e dalle immagini del film maker Barry Lewis.

La proposta del 20 ottobre, ultimo appuntamento del festival al Teatro San Giorgio con inizio alle 21.00, sarà incentrata sull'ascolto del materiale sonoro inerente il suono della parola proveniente da un call for works internazionale che ha coinvolto centinaia di compositori da tutto il mondo. Era richiesta la realizzazione di opere che contenessero i fonemi specifici della lingua dei compositori, non necessariamente intonati o armonizzati, al fine di creare un affresco sonoro basato sull'utilizzo della parola e sulla sua elaborazione. Il materiale sonoro selezionato da un gruppo di ascolto, verrà proposto all'interno del festival attraverso un sofisticato sistema per la riproduzione del suono in forma spazializzata. Ad inframezzare l'ascolto delle composizioni ci sarà un breve excursus descrittivo, accompagnato da immagini, dedicato ai personaggi che storicamente hanno utilizzato per primi questa modalità espressiva. Le migliori composizioni pervenute saranno pubblicate permettendo la documentazione dell'attività svolta e la sua maggiore diffusione. Sempre in quest'ottica il concerto / conferenza sarà riproposto anche in altre località della Regione. (Comunicato stampa)

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The twenty-third edition of "Contemporanea" will open its doors on October 9, with an event dedicated to in-depth analysis in the field of electronic music. Starting at 6 p.m. in the evocative setting of Casa Cavazzini, the audience will listen to musical compositions spatially arranged in octophony, enriched by the narrative of their author, the American composer James Dashow, one of the leading figures of the contemporary music scene. Dashow was one of the founders in Italy of Padua's "Centro di Sonologia Computazionale" and he taught at the MIT - Massachusetts Institute of Technology and Princeton University in the United States. His works, made through a synthesis of language which he elaborated himself, are performed all over the world. One of his compositions in our program will be performed on this occasion by Luca Sanzò, a renowned violist with numerous important collaborations and a remarkable recording history to his credit.

The evening of October 11, starting at 9 p.m. at "Teatro San Giorgio", presents a very atmospheric piece inspired by Leonardo's idea of automation created by Giuseppe Acito, sound designer, composer, expert in computer music and electronic musical instruments, sound synthesis and sound processing. This is a deeply engaging, intense and ironic piece that combines history and technological language. Inspired by Leonardo da Vinci's innovative and visionary experience, the artist has created the "Tamburo Meccanico XXI" (Mechanical Drum XXI), which he brings together with his band Toa Mata, to create an original and unique composition for Contemporanea 2019. This concert is the result of a collaboration with Turin's "Share festival".

On October 13, in collaboration with Cagliari's "Spaziomusica" festival, at 9 p.m. at "Teatro San Giorgio" in Udine, "Poesia/Voce/Suono" (Poetry/Voice/Sound) will be performed. By combining the organizational resources of Udine and Cagliari, this project makes use of the two minority languages (Friulan and Sardinian) in a profound and systematic research that goes beyond the function of language itself. The acoustic material will be mixed and elaborated in order to use the specific sound of the two languages, going beyond its strictly verbal meaning. The actor Massimo Somaglino and the poet Sebastiano Pilosu will be on stage. Through their readings, they will provide the acoustic material that will be elaborated via complex analysis and sound manipulation systems. The music will be presented to the audience through a sophisticated system of sound spatialization. You will have the opportunity to listen to compositions by Stefano Cocco, Andrea Deidda, Sandro Mungianu, Andrea Toffolini, and Vittorio Vella. As well as the performance in Udine, there will be a second performance at "Teatro Massimo" in Cagliari (October 27). The material produced will be used for recording purposes.

On October 16, at 6 p.m. at "Sala del Consiglio" of Palazzo Toppo Wassermann, Michele Biasutti, composer and associate professor at the University of Padua, alongside the guitarist Marco Pavin, will present a concert conference dedicated to "ecological" music. This will discuss the basis of the ecological approach to musical composition, such as the importance of the sound at a biological level, the ecological approach to auditory perception, environmental psychology, the study of the sonic landscape, acoustic ecology, environmental education to sound, and soundscape composition.

Going back to "Teatro San Giorgio", on October 18 starting at 8 p.m., thanks to the collaboration with Kinoatelje, the evening will be opened by the documentary "Travelling with Peter Mettler". This will be followed by the presentations of the short film winner of "First Crossing", the new section of the project "Omaggio a una visione" (Tribute to a vision) and the movie "Shinjuku boys" by Kim Longinotto, who is considered among the most important authors in the field of documentary cinema of the last thirty years. During the evening there will be an insightful discussion with the sociologist Marta Fanasca about the themes proposed by the British director's film.

On October 19, also at "Teatro San Giorgio" starting at 9.30 p.m., in collaboration with Forma Free Music Impulse, the performance "Of Leonardo da Vinci" will be presented. The work by the protagonist Elaine Mitchener, singer, dancer, and composer will be developed under the guidance of the director and choreographer Dam Van Huynh, in the field of contemporary experimentation and improvisation. The artist will be accompanied on stage by the sounds of the composer David Toop and the images of the filmmaker Barry Lewis.

On October 20, the last event of the festival at "Teatro San Giorgio" starting at 9 p.m., the event will be focused on listening to acoustic material exploring the sound of the word, drawn from an international call for works that has involved hundreds of composers from all over the world. The request was the creation of works containing specific phonemes of the composers' languages, not necessarily tuned and harmonized, in order to create a sonic fresco based on the use of the word and their elaboration. The acoustic material, selected by a listening panel, will be presented during the festival through a sophisticated system for spatialized sound reproduction. Between the presentation of the compositions, there will also be a brief description, along with pictures, dedicated to those who were the first people to use this expressive method. The best compositions received will be published, allowing the documentation of the activity carried out and promoting its diffusion. With this in mind, the concert/conference will be presented again in other places in the Region. (Press release)

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Aqua Film Festival
5a edizione, 26, 27, 28 marzo 2020
Casa del Cinema - Roma
www.aquafilmfestival.org

Quinta edizione dell'Aqua Film Festival, rassegna internazionale che vuole rappresentare, con lo strumento cinematografico e di documentazione, lo straordinario mondo dell'acqua nei suoi diversi valori e funzioni di utilizzo, per scoprire nuovi talenti cinematografici e nel campo dell'audiovisivo. Direttore Artistico e fondatrice del Festival è Eleonora Vallone - pittrice, stilista, autrice, attrice di cinema, televisione e teatro, giornalista ed esperta di metodologie salutistiche in acqua. Dal 1 ottobre 2019 al 20 febbraio 2020 sarà possibile partecipare al bando. (Estratto da comunicato ufficio stampa Reggi&Spizzichino Communication).

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Magna Graecia Film Festival
Catanzaro, 27 luglio - 04 agosto 2019

Pupi Avati e il film sulla vita di Dante Alighieri | Premi
www.magnagraeciafilmfestival.it | Locandina

Un film sulla vita di Dante. Questo il progetto cui Pupi Avati sta lavorando dal 2001: "Pochi lo sanno, ma in Italia sono uno dei massimi conoscitori di Dante Alighieri, della sua vita e delle sue opere. L'italiano più conosciuto nel mondo merita di essere raccontato da chi lo conosce bene, a partire da un fondamentale Trattatello in laude firmato da Giovanni Boccaccio, che scrisse dopo la morte del poeta, in seguito a vari incontri con persone che lo avevano conosciuto". Pupi Avati chiude la sedicesima edizione del Magna Graecia Film Festival con una vivace e partecipata masterclass moderata dal giornalista e regista Fabrizio Corallo. Il regista bolognese ha anche ricordato la profonda amicizia che lo ha legato a Lucio Dalla: "Ha scritto le musiche di due tra i miei ultimi film, lui aveva un senso della musica unico e fu la ragione per cui smisi di fare musica jazz... era troppo più bravo di me!".

Sul suo nuovo film in uscita, Il Signor Diavolo, nelle sale dal 22 agosto e tratto dal suo libro edito da Guanda, "è un film che parla del Male, di quello che è insito in ognuno di noi, del Male per il Male, è un ritorno al genere del 'romanzo gotico', espressione che preferisco al semplice horror. Il mio è sempre più un cinema legato al ricordo, io stesso vivo nella nostalgia dell'infanzia e, infatti, anche questo film è ambientato negli anni Cinquanta. Da ragazzo adoravo i film del genere cosiddetto 'fantastico' perché portavano la mia mente altrove, lontano dalla realtà. In Italia si è perso il gusto di fare cinema 'di paura' e questo è un peccato, perché il nostro cinema è stato sempre all'avanguardia per quanto riguarda i cosiddetti film di genere". Infine, un pensiero sulla Calabria, "una terra bellissima, ottima location per set cinematografici. Dovrebbe seguire l'esempio della Puglia, che da anni è un punto di riferimento delle produzioni".

Nel corso della serata di ieri, il regista bolognese ha ricevuto la Colonna d'Oro alla Carriera. Le serate del festival, presentate da Carolina Di Domenico hanno visto sfilare sul red carpet numerosi ospiti, tra cui la madrina Euridice Evita Axen, Pupi Avati, Vinicio Marchioni, Valerio Mastandrea, Christopher Lambert, Nicolas Vaporidis, Marco Leonardi, Cristina Donadio, Milena Vukotic, Herbert Ballerina, Isabella Ferrari, Francesco Pannofino, Giulia Penna, Francesco Pannofino, Emanuela Rossi, Simone Catania, Roberta Mattei, Paola Tiziana Cruciani, Marco Bonini, Chiara Francini, Alessandro Haber, Simone Spada, con le performance musicali dei Selton, di Teresa De Sio, Giulia Penna, Alma Manera e del Trio Appassionante. La giuria, presieduta da Alessandro Genovesi e composta da Claudia Potenza, Chiara Francini, Dino Abbrescia, Dario Bandiera e Nicolas Vaporidis ha assegnato i seguenti premi del festival.

- Premio Miglior Opera Prima: In viaggio con Adele, di Alessandro Capitani

E' stato forse il film che tutti noi, e con tutti intendo proprio tutti, quindi anche voi pubblico, abbiamo amato di più per la sua semplicità e la capacità di aver saputo raccontare una storia tragica in modo leggero, divertente, ma sempre coinvolgente. Diretto e recitato da chi ama il cinema e ha voglia di raccontare storie che sappiano emozionare, è con grande piacere che la giuria assegna il premio per il miglior opera prima a: In viaggio con Adele di Alessandro Capitani.

- Premio Miglior Regia: Simone Catania per Drive me home

Qualcuno disse che per capire se la pasta è scotta, non serve mangiare tutto il piatto. Allo stesso modo crediamo che per capire se qualcuno è un bravo regista sono sufficienti poche immagini. E in questo film le immagini belle sono praticamente tutte. Un susseguirsi di quadri sempre credibili, raccontati con verità e fotografati con sorprendente maestria. E' con gioia e con l'augurio meritato di dirigere presto un secondo film, che ci auguriamo possa godere di un maggiore budget, che la giuria assegna il premio di miglior regia a Simone Catania per Drive me home.

- Premio Miglior Attore: Alessandro Haber per In Viaggio con Adele

Per la capacità di muoversi in un personaggio pieno di contraddizioni e molto difficile da interpretare. Recitato con la verità di chi si immerge completamente in un ruolo ricco di sfaccettature e pieno di umanità. Succede raramente che un attore molto conosciuto, riesca a mettere da parte la propria notorietà al servizio di un personaggio, riuscendo addirittura a farci dimenticare che sta recitando. E' con ammirato piacere che la giuria assegna il premio miglior attore ad Alessandro Haber per In viaggio con Adele.

- Premio Miglior Attrice: Chiara Martegliani per Ride

Per esperienza personale, si può dire che ci sono ruoli che ti lavorano dentro e che per interpretarli è necessaria una disponibilità che va al di là della recitazione. Se poi questo sentimento, che è poi un'emozione, riesce ad arrivare anche al pubblico, succede quella magia che raramente capita e che solo le brave attrici, se ben dirette riescono a trasmettere. E' con grande piacere che la giuria assegna il premio miglior attrice a: Chiara Martegiani per Ride.

- Premio Miglior Sceneggiatura: Enrico Audenino e Valerio Mastandrea per Ride

Una storia difficile, che tratta un argomento del quale poco si parla perché ci è più facile dimenticare o peggio fare finta che non esista. Ognuno di noi ha il diritto di vivere il dolore come gli pare, anche ridendo. E noi siamo lì a guardare un film che non dà giudizi o soluzioni, e che soprattutto non ci molla mai. Il racconto del dramma di una donna che non riesce ad essere triste, e quindi ride, ride, ride. Migliore sceneggiatura a Ride, di Enrico Audenino e Valerio Mastrandrea.

Premio del Pubblico: Simone Spada per Domani è un altro giorno (Estratto da comunicato ufficio Stampa Reggi&Spizzichino Communication)

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Premi del Taormina Film Fest 2019
www.taorminafilmfest.it

Si è conclusa la 65a edizione del Taormina Film Fest, che, con 78 film in programma in rappresentanza di 24 differenti Paesi, ha riscosso un grande successo di pubblico e critica. Un Festival vincente anche sui social, con 400mila visualizzazioni che riguardano solo la settimana della kermesse fino alla serata di venerdì. La sessantacinquesima edizione del Taormina Film Fest, che ha visto la presenza di star internazionali quali Nicole Kidman, Octavia Spencer, Julia Ormond, Oliver Stone, Peter Greenaway, Phillip Noyce e Richard Dreyfuss, è prodotta e organizzata da Videobank, con la direzione artistica di Silvia Bizio e Gianvito Casadonte.

Al festival la Apple ha annunciato il proprio ingresso ufficiale in un festival internazionale, presentando la sua nuova serie drammatica Truth Be Told, creata da Nichelle Tramble e ispirata dal romanzo di Kathleen Barber e ha presentato il documentario The Elephant Queen, diretto da Mark Deeble e Victoria Stone e il film Hala, diretto da Minhal Baig per la produzione esecutiva di Jada Pinkett Smith. La giuria lungometraggi, composta da Oliver Stone, André Aciman, Carlo Siliotto, Paolo Genovese, Elisa Bonora, Carolina Crescentini e Julia Ormond ha decretato come vincitori:

- Premio Cariddi d'Oro per il Miglior Film: Show Me What You Got, di Svetlana Cvetko
- Premio Cariddi d'Argento per la Miglior Regia: Minhal Baig per Hala
- Premio Cariddi d'Argento per la Miglior Sceneggiatura: Picciridda, scritto da Paolo Licata con la collaborazione di Ugo Chiti e basato sul romanzo di Catena Fiorello
- Premio Maschera di Polifemo per il Miglior Attore: Jarrid Geduld per il film Ellen: die storie van Ellen Pakkies
- Premio Maschera di Polifemo per la Miglior Attrice: Jill Levenberg per il film Ellen: die storie van Ellen Pakkies
- Menzioni Speciali: "Nello spirito delle giovani donne viste in Hala, Show me what you got, Picciridda, This Teacher, Vai, In the life of Music e Azali vorremmo onorare le interpretazioni di Marta Castiglia e Lucia Sardo nel film Picciridda".

La giuria documentari composta da: Donatella Finocchiaro, Bedonna Smith, Andrea Pallaoro e Patrizia Chen assegna il Premio Cariddi.

- Premio Miglior Documentario a One Child Nation diretto da Nanfu Wang e Jialing Zhang. Sottolinea la giuria "un film che ci ha commosso profondamente per la sua onestà e per il suo impegno a dare luce su un momento buio nella storia che continua ad avere impatto sulla vita di miliardi di persone intorno al mondo oggi".

- Menzioni Speciali a Patma Tungpuchayakul per Ghost Fleet e a Andrea Crosta per Sea of Shadows. La motivazione della giuria recita: "due personaggi che abbiamo incontrato nei film che abbiamo visto e che hanno toccato i nostri cuori come eroi, avendo messo la loro vita in pericolo e rischiando tutto per difendere l'umanità e il futuro del pianeta".

Gli altri premi:

- Premio Videobank a Guja Jelo e a Maria Incudine
- Premio Angelo D'Arrigo a Oliver Stone
- Premio del Festival a Luca Josi, Executive Vice President, Brand Strategy, Media & Multimedia Entertainment di Tim Vision "per il significativo contributo che ha dato al cinema in Italia con le sue pubblicità collegate all'immaginario filmico".
- Premio Wella a Maria Grazia Cucinotta
- Menzione Speciale Taormina Film Fest al corto Il giorno più bello, scritto e diretto da Valter d'Errico e prodotto da Jo Champa.
- Premio Center Stage Competition per il Miglior Film della giuria di studenti delle università di Catania e Messina, coadiuvato da studenti internazionali a Spiral Farm, di Alec Tibaldi, con Piper De Palma
- Premio Center Stage Competition Miglior Regia a Julia Butler per Slipaway
- Premio Special Air Italy per un giovane emergente siciliano a Marta Castiglia per la sua interpretazione in Picciridda

Nel corso di questi giorni hanno ricevuto il Taormina Arte Award: Bruce Beresford, Nicole Kidman, Phillip Noyce, Fulvio Lucisano, Peter Greenaway e Octavia Spencer, oltre a Martha Coolidge, Julia Ormond e Alessandro Haber e Dominique Sanda che lo hanno ricevuto nel corso della cerimonia finale. Il Festival, che quest'anno ha visto come madrina l'attrice e modella spagnola Rocío Muñoz Morales è stato presentato, nelle serate al Teatro Antico, dalla conduttrice e attrice Carolina Di Domenico, prodotto e organizzato per il secondo anno consecutivo da Videobank, in collaborazione con la Fondazione Taormina Arte (sostenuta dall'Assessorato regionale al Turismo e dal Comune di Taormina), con la direzione artistica di Silvia Bizio e Gianvito Casadonte. (Comunicato ufficio stampa Reggi&Spizzichino Communication)

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La fortezza "Le Castella" di Isola Capo Rizzuto
15 luglio 2019

Al via le operazioni preliminari per la riapertura al pubblico della fortezza "Le Castella", uno dei luoghi più suggestivi e più visitati della Calabria, complesso monumentale di Isola Capo Rizzuto in provincia di Crotone e sito culturale del Polo museale della Calabria del Ministero per i beni e le attività culturali. L'isolotto su cui sorge la fortezza di "Le Castella" si trova nell'estremità orientale del golfo di Squillace, in un contesto ambientale di rilevante pregio naturalistico dell'Area Marina Protetta di Capo Rizzuto. Collegato alla costa da un sottile lembo di terra, realizza una suggestiva simbiosi scenografica tra architettura costruita e architettura naturale.

Il nucleo originario risale all'età angioina, a cui sarebbe riconducibile la massiccia torre cilindrica, che oggi si presenta nella sua definizione cinquecentesca dominando il complesso fortilizio con la sua imponenza. L'impianto del XIII secolo, costruito a difesa del golfo di Capo Rizzuto, rientra nel sistema di fortificazioni voluto dagli Angioini. Verso la fine del XV secolo la fortezza passa in mano Aragonese. All'interno della fortezza caratteristici sono i resti di un agglomerato urbano, una sorta di piccolo villaggio con botteghe e i ruderi di una chiesetta, denominata Cappella del Borgo, costruita in età aragonese. (Estratto da comunicato stampa)

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Premio Tenco 2018 al cantautore Adamo
20 ottobre 2018
Teatro Ariston di Sanremo 

L'edizione 2018 del Premio Tenco è stat dedicata al tema "Migrans - Uomini, idee, musica" e il cantautore Adamo incarna lo spirito di chi, partendo dall'Italia, ha portato canzoni e cultura oltre confine. Nell'ambito dell'edizione Premio Tenco 2018, il cantautore Adamo sarà insignito del prestigioso Premio e si esibirà sul palco del Teatro Ariston, a dieci anni dal suo ultimo live italiano. Nella prolifica produzione di Adamo emerge un messaggio universale per "Questo mondo che ha male", dove povertà, sete di potere, stupidità umana e mancanza di comunicazione, tradiscono una carenza d'amore. Per lui, "Il futuro non esiste", perché la fede nell'avvenire resta nelle nostre mani.

Adamo attualmente è impegnato nella preparazione di un nuovo album (uscita prevista nel 2019) con brani di grandi autori italiani, prodotto da Dino Vitola, a cui seguirà una tournée nazionale ed internazionale, che riporterà Adamo nel suo paese di origine, l'Italia. La passione per la musica e una qualità vocale tinta di emozioni hanno fatto di Salvatore Adamo (1943) uno dei cantautori poeticamente e commercialmente più riusciti in Europa e nel mondo. Salvatore Adamo, primo di sette fratelli, è migrato in Belgio a Ghlin-Jemappes (Mons) dalla città di Comiso (Sicilia) nel 1947 con i suoi genitori all'età di tre anni. Ragazzo timido e gentile, inizia il cammino verso il successo in un concorso indetto da radio Lussemburgo, presenta la canzone "Si J'osais" con la quale il 14 febbraio 1960 fa il suo esordio radiofonico e successivamente vince la finale a Parigi.

L'album di debutto - Adamo '63/'64 - con "Tombe La Neige" e "Vous Permettez, Monsieur?" lo trasforma in una celebrità mondiale. La passione per la musica e le qualità artistiche lo hanno reso una delle stelle più grandi nel mondo musicale in lingua francese. Impone la sua musica senza tempo, passando dall'Europa, dall'America del Sud e del Nord, dal Medio Oriente, dall'Africa, dall'Asia per arrivare al Giappone. E' stato ai primi posti nelle Hit-Parade in più di cinquanta nazioni. Della canzone "Tombe la neige" (oltre ad essere stata per 72 settimane al primo posto in Giappone) esistono più di ottocento versioni in giro per il mondo, delle quali cinquecento nel solo Giappone. Nel corso della sua carriera ha composto più di cinquecento canzoni (parole e musica), pubblicato Venticinque Album studio (in Francia) e venduto più di 100 milioni di dischi, vinto ventidue Dischi d'Oro (quelli da 1 milione di dischi cadauno) entrando così di diritto nell'albo dei migliori cantanti di tutti i tempi. (Comunicato Ufficio stampa Alessandra Placidi)

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Fermo-immagine del cantautore Adamo dal film Les Arnaud

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Il diario di Angela. Noi due cineasti
un film di Yervant Gianikian
alla 75esima Mostra Internazionale di Arte Cinematografica di Venezia

Ogni giorno, da sempre, Angela tiene un diario, scritto e disegnato: fatti pubblici, privati, incontri, letture, tutto vi viene registrato. Anche il rapporto di due viaggi in Russia, 1989-1990. Cadeva l'URSS. Diario su librini cinesi, sin da prima di Dal Polo all'Equatore (1986), del nostro ininterrotto lavoro sulla violenza del 900. Dai nostri tour negli Stati Uniti con i "Film Profumati" di fine anni '70, all'Anthology Film Archive di New York, al Berkeley Pacific Film Archive... Rileggo ora questi diari e rivedo il film-diario di tutti questi anni, sono rimasto da solo, dopo molti anni di vita e di lavoro d'arte insieme. L'ho portata sulle Alpi Orientali che amava e dove insieme camminavamo.

Angela rivive per me nelle sue parole scritte a mano, con calligrafia leggera, che accompagnano i suoi disegni, gli acquarelli, i rotoli lunghi decine di metri. Guardo i nostri film privati, dimenticati. Registrazioni che stanno dietro al nostro lavoro di rilettura e risignificazione dell'archivio cinematografico documentario. La vita di ogni giorno, fatta di cose semplici, le persone vicine che ci accompagnano, la ricerca nel mondo dei materiali d'archivio, un viaggio in Armenia sovietica con l'attore Walter Chiari. Testimonianze che nel corso del tempo abbiamo raccolto. E' il mio ricordo di Angela, della nostra vita. Rileggo questi quaderni e ne scopro altri a me sconosciuti. (...) Rivedere l'insieme dei quaderni del Diario infinito di Angela e lo sguardo all'indietro dei nostri film privati, che accompagnano la nostra ricerca. Il mio disperato tentativo di riportarla al mio fianco, di farla rivivere, la continuazione del nostro lavoro come missione attraverso i suoi quaderni e disegni, una sorta di mappa per l'agire ora, che ne contiene le linee direttrici e ne prevede la continuazione. Angela ed io abbiamo predisposto nuovi importanti progetti da compiere. La promessa, il giuramento, di continuare l'opera. (Yervant Gianikian)

Angela Ricci Lucchi è nata a Ravenna nel 1942. Ha studiato pittura a Salisburgo con Oskar Kokoschka. E' scomparsa lo scorso 28 febbraio a Milano. Yervant Gianikian ha studiato architettura a Venezia, già dalla metà degli anni '70 si dedica al cinema, l'incontro con Angela Ricci Lucchi segnerà il suo percorso artistico e privato. I film di Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi sono stati presentati nei più importanti festival internazionali, da Cannes a Venezia, da Toronto alla Berlinale, da Rotterdam a Torino alle Giornate del Cinema Muto. Retrospettive della loro opera sono state ospitate nelle maggiori cineteche del mondo (dalla Cinémathèque Française alla Filmoteca Española, dalla Cinemateca Portuguesa al Pacific Film Archive di Berkeley) e in musei come il MoMA di New York, la Tate Modern di Londra e il Centre Pompidou di Parigi.

Tra i luoghi che hanno ospitato le loro installazioni, citiamo almeno la Biennale di Venezia, la Fondation Cartier Pour l'Art Contemporain di Parigi, la Fundacio "La Caixa" di Barcellona, il Centro Andaluz de Arte Contemporaneo di Siviglia, il Mart di Rovereto, il Witte de With Museum di Rotterdam, il Fabric Workshop and Museum di Philadelphia, il Palais des Beaux-Arts di Bruxelles, il Museo d'Arte Contemporanea di Chicago, l'Hangar Bicocca di Milano, Documenta 14 a Kassel. (Comunicato stampa Lara Facco)

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Il diario di Angela. Noi due cineasti
by Yervant Gianikian
at 75th Venice International Film Festival

Angela always kept a diary, writing and drawing in it every day: public events, private matters, people she had met and things she had read, everything was noted down. Even accounts of two trips to Russia, 1989-1990. Just when the USSR was crumbling. A diary about little Chinese books, even from before Dal Polo all'Equatore (1986) and our continuous work on 20th-century violence. From our tours around the United States with "Perfumed Films" in the late 1970s to the Anthology Film Archive of New York and Berkeley Pacific Film Archive. As I reread these diaries and visualise a film-diary covering all those years, I am now on my own after living and working together on art projects for so many years. I took her with me to the eastern Alps she once loved so much and where we used to go walking together. Angela comes back to life for me in her handwritten words and soft handwriting accompanying her drawings, watercolours, rolls and rolls of film measuring dozens of metres in length.

I watch our private, forgotten films. Recordings that lie behind our work on reinterpreting and re-evaluating the documentary film archive. Everyday life made up of just ordinary things, the people who were close to us, our research in the world of archive materials, a trip to Soviet Armenia with the actor Walter Chiari. Memorabilia we collected down the years. These are my recollections of Angela and our life together. As I reread these notebooks I discover others I knew nothing about. (...) Looking back over all the notebooks composing Angela's endless Diary and taking another look back at those private films of ours accompanying our research work. My desperate attempt to have her back at my side again, to bring her back to life, so that we can carry on our work together as our purpose and mission in life, through her notebooks and drawings, a sort of map of what I now need to do, containing all the guidelines and how I should continue. Angela and I have made plans for important new projects together. A promise, a pledge, to continue our work. (Yervant Gianikian)

Angela Ricci Lucchi was born in Ravenna in 1942. She studied painting in Salzburg with Oskar Kokoschka. She passed away on 28th February in Milan. Yervant Gianikian studied architecture in Venice before deciding to focus on film in the mid-1970s. Meeting Angela Ricci Lucchi was a turning point in both her artistic career and private life. Yervant Gianikian and Angela Ricci Lucchi's films have been shown at the most important international film festivals, including Cannes, Venice, Toronto, the Berlinale, Rotterdam, Turin and the 'Giornate del Cinema Muto' (silent film festival). Retrospectives of their work have been hosted at some of the world's most important film archives (i.e. Cinémathèque Française, Filmoteca Española, Cinemateca Portuguesa and Pacific Film Archive in Berkeley) and in museums like MoMA in New York, the Tate Modern in London and Pompidou Centre in Paris.

Among those places that have hosted their installations, it is at least worth mentioning the Venice Biennial, Fondation Cartier Pour l'Art Contemporain in Paris, Fundacio "La Caixa" in Barcelona, Centro Andaluz de Arte Contemporaneo in Seville, the Mart in Rovereto, Witte de With Museum in Rotterdam, Fabric Workshop and Museum in Philadelphia, Palais des Beaux-Arts in Brussels, the Contemporary Art Museum in Chicago, Hangar Bicocca in Milan, and Documenta 14 in Kassel. (Press release)

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Oltreconfine
www.goethe.de/italia/oltreconfine

Cosa sappiamo della vita che ci si lascia alle spalle in fuga da una guerra? Cosa conosciamo di chi decide di mollare tutto, casa, amici e affetti per arrivare in un luogo in cui ogni cosa è estranea, ostile? Da oggi è online una Webserie in sei episodi girata tra i Balcani, la Germania e l'Italia, in cui sei giovani registi raccontano sei storie di partenze, viaggi e arrivi oltreconfine. La serie è stata prodotta dal Goethe-Institut in Italia che ha selezionato le idee di tre studenti della dffb (Deutsche Film- und Fernsehakademie) di Berlino e tre del Centro Sperimentale di Cinematografia di Palermo. I film sono stati scritti e girati grazie alla collaborazione di due tutor autorevoli, Andres Veiel a Berlino e Stefano Savona a Palermo, entrambi registi e documentaristi premiati nell'ambito di prestigiosi festival.

Le sei storie sono l'occasione per entrare nelle vite di altrettanti protagonisti che, per motivi e in momenti storici diversi tra loro, hanno attraversato i confini del proprio paese e della propria vita. Le sei storie sono Houzayfa's Items di Carlotta Berti, Virginia Nardelli e Alessandro Drudi, Mangoes grow in Winter di Benedetta Valabrega e Claudia Mastroroberto, Filthy Maddening Race di Luca Capponi e Alessandro Drudi, 175 km di Borbála Nagy, Historia Magistra Vitae di Tamara Erbe e Sans Sommeil di Sarah Yona Zweig. (Comunicato Ufficio Stampa e Relazioni Esterne Goethe-Institut Rom)

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Il Paese dei Festival
I Festival come motori culturali sul territorio italiano

Al Goethe-Institut Palermo un incontro dei festival culturali italiani
www.goethe.de/palermo

I rappresentanti di otto festival culturali italiani si sono dati appuntamento a Palermo. Motivo dell'incontro un invito del Goethe-Institut, che ha promosso un progetto d'eccellenza creato ad hoc proprio per loro. Si tratta di "Il Paese dei Festival", un percorso finalizzato a mettere a confronto chi si occupa di festival culturali nel Sud della penisola, ovvero creare un momento di scambio e approfondimento attraverso tre incontri, di cui il primo si è appena concluso e i prossimi due si terranno nel 2018. "Obiettivo del progetto - spiega Heidi Sciacchitano, direttrice del Goethe-Institut Palermo - è quello di proporre ai partecipanti di affrontare un percorso comune di training professionale che stimolerà i direttori e i rappresentanti di otto festival a sperimentare un metodo di gestione coerente, sostenibile, internazionale e di alta qualità. In ciò ci avvarremo della consulenza e preparazione nella formazione di esperti e professionisti del settore, tra cui la Fondazione Fitzcarraldo di Torino."

Nell'incontro appena tenuto, i rappresentanti dei festival hanno affrontato in tre giorni di workshop il tema della progettazione culturale tra territori e sostenibilità. Al Goethe-Institut di Palermo sono arrivati gli organizzatori di:

.. Cufù Festival (Castrofilippo - Agrigento)
.. Eruzioni Festival (Ercolano - Napoli)
.. Festival della Letteratura Mediterranea (Lucera - Foggia)
.. La Digestion (Napoli)
.. L'Isola delle Storie, Festival letterario di Gavoi (Gavoi - Nuoro)
.. MainOFF, Congresso delle musiche e delle arti elettroniche indipendenti (Palermo)
.. Sicilia Queer Filmfest (Palermo)
.. Valdemone Festival (Pollina - Palermo)

"Sono stati giorni intensi e meravigliosi per il nostro Festival - scrive su Facebook Maria Del Vecchio, direttrice organizzativa del Festival della Letteratura Mediterranea di Lucera (Foggia). Abbiamo condiviso progetti, visioni, sorrisi, problemi, fatiche e ancora sorrisi. Il confronto è motivo certo di crescita e motore di scelta. Esiste un esercito di persone che crede che la cultura possa mutare le sorti dei nostri territori, del nostro Sud. Lontano dalla retorica e dalle lamentele: fare e costruire, edificare, progettare con passione. Condividere questa scelta, che a volte ci sembra una dannazione, ci fa sentire più forti, più convinti e felici."

A guidare gli incontri è stata la Fondazione Fitzcarraldo, un centro indipendente che svolge attività di progettazione, ricerca, formazione e documentazione sul management, l'economia e le politiche della cultura, delle arti e dei media. Gli esiti degli incontri e dei workshop saranno resi pubblici dal Goethe-Institut attraverso una pubblicazione bilingue italiana e tedesca, che sarà realizzata e messa a disposizione di altri festival e soggetti interessati. I prossimi incontri si terranno a marzo 2018 con analisi dei pubblici e strategie di audience development, e settembre 2018 con strategie di fundraising. Il Paese dei Festival - I Festival come motori culturali sul territorio italiano gode del patrocinio della Città di Palermo - Assessorato alla Cultura, e della Regione Sicilia - Assessorato al Turismo, Sport e Spettacolo - Ufficio Speciale Sicilia Film Commission / Ufficio Speciale per il Cinema e l'Audiovisivo. (Comunicato stampa - novembre 2017)

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"La memoria dell'altro"
Proiezione della versione restaurata

Nella cornice della mostra veneziana dedicata a Lyda Borelli, primadonna del Novecento (01 settembre - 15 novembre 2017), allestita a Palazzo Cini a cura di Maria Ida Biggi, direttrice dell'Istituto per il Teatro e il Melodramma, la proiezione, il 10 novembre presso l'Aula Magna dell'Ateneo Veneto, di La memoria dell'altro (1913), opera rara ed emblematicamente rappresentativa del temperamento e dell'arte della grande diva. Il film è stato restaurato per l'occasione dal CSC - Cineteca Nazionale in collaborazione con l'Istituto per il Teatro e il Melodramma - Fondazione Giorgio Cini e con il sostegno degli eredi di Lyda Borelli.

La proiezione è accompagnata da musica dal vivo a cura della pianista Cinzia Gangarella e preceduta da una conferenza introduttiva, con interventi di Maria Ida Biggi, direttrice dell'Istituto per il Teatro e il Melodramma, Daniela Currò, conservatrice della Cineteca Nazionale della Fondazione Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma, e Angela Dalle Vacche, docente di Storia del Cinema presso il Georgia Institute of Technology di Atlanta. Il film ripropone il sodalizio di Lyda Borelli con Mario Bonnard e Vittorio Rossi Pianelli, rispettivamente nei ruoli dell'amante tragico e dell'innamorato respinto, già sperimentata con grande successo in Ma l'amor mio non muore! realizzato sempre nel 1913 dalla Film Artistica "Gloria", per la regia di Mario Caserini, film canonico del genere "diva film" italiano.

La memoria dell'altro è un dramma passionale e tragico, che si incentra sul personaggio emancipato e anticonformista di Lyda, aviatrice acclamata, guidatrice di automobile, danzatrice formidabile, ma anche donna appassionata e sensuale, fatalmente travolta da un sentimento che la conduce all'estremo delle sue possibilità e della sua volontà. Sono memorabili i voli aerei, preceduti dalla preparazione meticolosa dell'aviatrice e e seguiti da un pubblico festante; altrettanto notevoli sono gli esterni veneziani, su cui il racconto indugia, facendo muovere i protagonisti tra magnifici scenari, tra arrivi spettacolari in vaporetto, approdi in gondola e passeggiate da Grand Tour in Piazza San Marco.

La memoria dell'altro

Regia di Alberto Degli Abbati, 1913, 79';
Produzione: Film Artistica "Gloria", Torino;
Visto censura: n. 2084 del 24 dicembre 1913;
Lunghezza originale: 1650/2000 metri (sei parti);
Soggetto: baronessa De Rege;
Fotografia: Angelo Scalenghe;
Personaggi e interpreti: Mario Bonnard (Mario Alberti), Lyda Borelli (l'aviatrice Lyda), Felice Metellio (il giornalista), Letizia Quaranta (Cesarina), Emilio Petacci, Vittorio Rossi Pianelli (il principe di Sèvre).

Sinossi: La bella aviatrice Lyda respinge l'assidua corte del principe di Sèvre e s'innamora del giornalista Mario Alberti che, nonostante sia fidanzato con Cesarina, accetta l'invito di Lyda a raggiungerla a casa sua. Insospettita, Cesarina segue Mario e lo sorprende in una scena d'amore con la giovane. Approfittando di una breve assenza di Lyda, Cesarina riesce a sottrarre alla rivale Mario, convincendolo a lasciarla. Abbandonata, Lyda si concede all'amore del principe di Sèvre. Ma la donna non riesce a dimenticare Mario. Qualche tempo dopo, mentre la coppia si trova a Venezia, Lyda rincontra Mario in un teatro: colti dalla passione riaccesa, i due fuggono a Parigi per vivere il loro amore. Ma la felicità viene troppo presto guastata da una malattia che costringe Mario a letto per lunghi mesi. La miseria spinge Lyda a cercare aiuto: lo trova presso un gruppo di apaches generosi che rimangono conquistati nel vederla danzare. Il ritorno a casa però è amaro: Mario è morto. Disperata, anche Lyda si ammala e muore in una triste corsia d'ospedale dopo aver richiamato per l'ultima volta alla memoria l'immagine del suo amato Mario. (dalla scheda di Marco Grifo in Enciclopedia del Cinema in Piemonte)

Il film è stato restaurato a partire da un duplicato negativo safety b/n con didascalie italiane conservato dal CSC - Cineteca Nazionale, stampato nel 1977 da una copia nitrato d'epoca, attualmente non più conservata. Ad oggi questo duplicato costituisce l'unico testimone del film, con l'unica eccezione di un frammento di circa 200 metri conservato dalla Filmoteca Española di Madrid, un positivo nitrato con didascalie spagnole e colorazioni per imbibizione, relativo al finale del film. Rispetto a una lunghezza originale che le filmografie moderne ricostruiscono tra i 1650 e i 2000 metri, corrispondenti a una suddivisione in sei parti, il duplicato italiano ha una lunghezza di 1484 metri: risulta quindi incompleto, oltre che in gran parte privo dell'originaria suddivisione in atti (con eccezione della didascalia che introduce il I Atto).

Tuttavia le lacune, concentrate entro la prima metà del film, non incidono particolarmente nella comprensione generale della trama. Il duplicato negativo d'archivio è stato digitalizzato a risoluzione 2k e sono stati eseguiti interventi di stabilizzazione e di restauro digitale dell'immagine, con la rimozione dei difetti più evidenti, rimasti "fotografati" sul duplicato dalla copia nitrato originale, come righe, macchie, spuntinature, strappi. Si è cercato di non eccedere con l'intervento di pulizia mantenendolo entro i limiti della giusta fruibilità, tenendo conto del fatto che, in ogni caso, il materiale di partenza è rappresentato da un duplicato di tarda generazione.

Sulla base di questo stesso criterio è stata eseguita la color correction, con la finalità di uniformare il tono fotografico, scegliendo di mantenere il bianco e nero del duplicato negativo di partenza, senza tentare una restituzione delle colorazioni originarie. Si è ritenuto, infatti, che il campione di confronto rappresentato dal frammento della Filmoteca Española non fosse sufficientemente rappresentativo per una ricostruzione per congettura delle colorazioni dell'intero film. Le lavorazioni sono state eseguite interamente a cura del CSC - Cineteca Nazionale nell'estate - autunno 2017. (Comunicato Susanna Zirizzotti - Ufficio Stampa, Comunicazione, Editoria Centro Sperimentale di Cinematografia (Scuola Nazionale di Cinema - Cineteca Nazionale))

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FeliCittà
Un ritratto acustico di Palermo

www.goethe.de/felicitta

Se la felicità ha un suono, qual è? Qual è il suono o il rumore di Palermo che rende felici? Il duo artistico Katharina Bihler e Stefan Scheib raccontano Palermo attraverso i suoi suoni e le testimonianze dei suoi cittadini, per scoprire che uno degli elementi fondamentali della sua felicità è la musica. I podcast sono ascoltabili online. Il duo Liquid Penguin, ovvero Katharina Bihler e Stefan Scheib, hanno ricercato lo scorso anno i suoni della felicità in Italia, Paese nel quale da sempre i tedeschi immaginano che la felicità sia di casa. Voci e musica, il vivace rumoreggiare di una città, il silenzio, la tranquillità, ma soprattutto il mare, sono le fonti di felicità più ricorrenti che i Liquid Penguin hanno trovato a Trieste, Roma, Napoli e Palermo durante il loro "Viaggio in Italia" nell'ambito del progetto "Felicittà" del Goethe-Institut Italien.

Il ritratto di Palermo è ora online sul sito del Goethe-Institut. Su è possibile ascoltare, preferibilmente in cuffia, i 70 podcast realizzati a partire da quasi 100 ore di registrazioni. Il capoluogo siciliano viene raccontato attraverso le orecchie di artisti e personalità importanti che hanno svelato i luoghi che per loro rappresentano la felicità. L'ensemble Liquid Penguin, composto dalla autrice Katharina Bihler e dal compositore Stefan Scheib, lavora dal 1996 nel campo di musica contemporanea, arte sonora e radiodrammi. Per le loro opere gli artisti hanno ricevuto numerosi premi come il "Deutscher Hörspielpreis", il premio per il miglior radiodramma e altri. (Comunicato stampa)

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«In bocca al lupo»
Racconto di Sasha Marianna Salzmann ispirato alla città di Palermo

"Hausbesuch - Ospiti a casa", progetto del Goethe-Institut, ha portato la scrittrice, curatrice e drammaturga tedesca Sasha Marianna Salzmann a Palermo, ospite in casa dei palermitani. Da questa esperienza è nato il racconto ispirato al capoluogo siciliano In bocca al lupo.

Sasha Marianna Salzmann (Volgograd - ex Unione Sovietica, 1985) attualmente è autrice in residenza del teatro Maxim Gorki di Berlino, ben noto per le sue messe in scena dedicate alla post-migrazione. La sua pièce teatrale Muttermale Fenster blau ha vinto nel 2012 il Kleist Förderpreis. Nel 2013 il premio del pubblico delle Giornate Teatrali di Mülheim (Mülheimer Theatertage) è stato assegnato all'opera teatrale Muttersprache Mameloschn che affronta tre generazioni di tedeschi ebrei. Sasha Marianna Salzmann è famosa per i suoi ritratti umoristici dedicati a tematiche politiche. Il suo racconto In bocca al lupo è stato scritto durante il suo soggiorno nel capoluogo siciliano nel luglio 2016 per il progetto "Hausbesuch - Ospiti a casa" del Goethe-Institut. Tradotto in cinque lingue, farà parte di un e-book che uscirà in primavera e che il Goethe-Institut presenterà alla Fiera del Libro di Lipsia. (Comunicato Goethe-Institut Palermo)

Racconto scaricabile alla pagina seguente

Pagina dedicata al soggiorno palermitano di Sasha Marianna Salzmann, con videointervista

"7 domande a Sasha Marianna Salzmann e Tucké Royale"

Informazioni sul progetto "Ospiti a casa" e sugli altri "ospiti"

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"Giallo Kubrick": Le Ultime Cento Ore

Alla Biblioteca "Luigi Chiarini" del Centro Sperimentale di Cinematografia a Roma è conservata una sceneggiatura dattiloscritta del 1964 intitolata Le Ultime Cento Ore, attribuita a Stanley Kubrick, della quale non esiste traccia in nessuna monografia, filmografia, studio. Si tratta di una copia di deposito legale catalogata nei primi anni '90. Il primo a sollevare dei dubbi sull'autenticità del copione fu Tullio Kezich nel 1999 sollevando un gran polverone sulla stampa nazionale, quello che venne definito il "giallo Kubrick" rimase irrisolto fino ad oggi. Grazie alla passione di uno studioso kubrickiano, Filippo Ulivieri, che non si è accontentato di come la questione fosse stata accantonata. Sono state ricostruite le vicende e individuati gli autori, finalmente Filippo Ulivieri ha reso noto il resoconto e come sono stati risolti i relativi misteri del "giallo Kubrick". (Comunicato Susanna Zirizzotti - Ufficio Comunicazione/stampa e archivio storico Centro Sperimentale di Cinematografia-Scuola Nazionale di Cinema)

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"Basta muoversi di più in bicicletta per ridurre la CO2"
Nuovo studio dell'European Cyclists' Federation sulle potenzialità della mobilità ciclistica nelle politiche UE di riduzione delle emissioni di gas climalteranti entro il 2050

Le elevate riduzioni delle emissioni dei gas serra previste dalla UE sono sotto esame: quest'anno i progressi e i risultati effettivi sembrano non raggiungere gli obiettivi fissati dalla stessa Unione Europea. Recenti rapporti sulle tendenze nel settore dei trasporti europei mostrano che la UE non riuscirà a ottenere la riduzione delle emissioni dei mezzi di trasporto del 60% tra il 1990 e il 2050 affidandosi alla sola tecnologia. Un interessante approccio all'argomento è messo in luce da un recente studio effettuato dall'European Cyclists' Federation (ECF), che ha quantificato il risparmio di emissioni delle due ruote rispetto ad altri mezzi di trasporto.

Anche tenendo conto della produzione, della manutenzione e del carburante del ciclista, le emissioni prodotte dalle biciclette sono oltre 10 volte inferiori a quelle derivanti dalle autovetture. Confrontando automobili, autobus, biciclette elettriche e biciclette normali, l'ECF ha studiato che l'uso più diffuso della bicicletta può aiutare la UE a raggiungere gli obiettivi di riduzione dei gas serra nel settore trasporti, previsti entro il 2050. Secondo lo studio, se i cittadini della UE dovessero utilizzare la bicicletta tanto quanto i Danesi nel corso del 2000, (una media di 2,6km al giorno), la UE conseguirebbe più di un quarto delle riduzioni delle emissioni previste per il comparto mobilità.

"Basta percorrere in bici 5 km al giorno, invece che con mezzi a motore, per raggiungere il 50% degli obiettivi proposti in materia di riduzione delle emissioni", osserva l'autore Benoit Blondel, dell'Ufficio ECF per l'ambiente e le politiche della salute. Che aggiunge: "Il potenziale di raggiungimento di tali obiettivi per le biciclette è enorme con uno sforzo economico assolutamente esiguo: mettere sui pedali un maggior numero di persone è molto meno costoso che mettere su strada flotte di auto elettriche". Lo studio ha altresì ribadito la recente valutazione da parte dell'Agenzia europea dell'ambiente, secondo la quale i soli miglioramenti tecnologici e l'efficienza dei carburanti non consentiranno alla UE di raggiungere il proprio obiettivo di ridurre del 60% le emissioni provenienti dai trasporti. (Estratto da comunicato stampa FIAB - Federazione Italiana Amici della Bicicletta)

Prima del nuovo numero di Kritik... / Libri

Prefazioni e recensioni di Ninni Radicini

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Presentazione libri da Comunicato case editrici / autori

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Materie Prime
Artisti italiani contemporanei tra terra e luce

Presentazione del catalogo della mostra
23 ottobre 2019, ore 18.00
Museo del Novecento - Milano
www.museodelnovecento.org

Interventi di: Gianluigi Colin, artista e cover editor de "la Lettura"; Giorgio Bonomi, Francesco Tedeschi, Matteo Galbiati, curatori; Giorgio Ferrarin, FerrarinArte.

L'esposizione, visitabile fino al 27 ottobre 2019 nella storica sede della Rocca Roveresca di Senigallia, raccoglie una settantina di opere realizzate da Carlo Bernardini, Renata Boero, Giovanni Campus, Riccardo De Marchi, Emanuela Fiorelli, Franco Mazzucchelli, Nunzio, Paola Pezzi, Pino Pinelli, Paolo Radi, Arcangelo Sassolino, Paolo Scirpa, Giuseppe Spagnulo, Giuseppe Uncini e Grazia Varisco: artisti appartenenti a diverse generazioni, ma tutti con curricula di altissimo livello, accomunati dal lavoro condotto con e sulla materia. Il percorso espositivo comprende sculture e installazioni in terracotta, cemento, ferro, legno, piombo, gomma e luce. La documentazione fotografica dell'esposizione è stata realizzata da un gruppo di fotografi residenti a Senigallia, "città della fotografia" e sede del Musinf, Museo Comunale d'Arte Moderna, dell'Informazione e della Fotografia. (Estratto da comunicato CSArt - Comunicazione per l'Arte)

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Mario Davico
a cura di Pino Mantovani, ed. Allemandi 2019

Il libro è stato presentato lo 08 ottobre 2019 alla GAM Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea di Torino
www.gamtorino.it

Volume con testi di Flaminio Gualdoni, Cristina Valota, Franco Fanelli, Riccardo Cavallo, dedicato a Mario Davico (1920-2010), pittore apprezzato nel panorama artistico italiano e internazionale dalla fine degli anni Quaranta alla metà degli anni Sessanta (espose nelle mostre dell'Art Club, alle Biennali di Venezia, Quadriennali di Roma, in Francia e altri paesi europei, in America, Giappone, Australia). La scelta di ritirarsi, pur continuando a sviluppare la sua ricerca in dialogo con alcune forme della pittura "riflessiva" contemporanea, ha fatto sì che il suo nome venisse quasi dimenticato. Dopo l'Antologica all'Accademia Albertina di Torino di 25 anni fa, che lui stesso curò meticolosamente, questo è il primo studio sistematico dedicato alla sua opera. Per Davico «il luogo buono» è lo studio, dove l'artista esercita la gioia elaborante della riflessione e del fare, nella cui atmosfera concentrata e confidente l'opera nasce e ha senso che esista.

Mentre l'esperienza dell'esporre ha sempre in lui un tratto traumatico, di violazione e sofferenza della natura autentica dell'opera e della privatezza intellettuale: sino alla scelta radicale dell'ultima stagione. Davico d'altronde non si pensa mai veramente «d'avanguardia», soprattutto per quanto attiene agli aspetti comportamentali, mondani del lavoro. Il suo vivere informatissimo, sempre ben presente, nel milieu artistico, vale in quanto offre materia indispensabile al suo ragionare interrogativo sulla pittura, al suo vaglio ferocemente critico e autocritico che si riconosce nel fare, cioè nella zona franca intellettuale ed esistenziale dello studio, dove la pittura sola conta, oltre ogni circostanza, ogni nominalismo possibile, ogni accidente mondano. (Dal saggio di Flaminio Gualdoni)

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Antonio Ligabue. Gli anni della formazione (1899-1919)
di Renato Martinoni, Marsilio Editori, 2019

Libro presentato lo 05 ottobre 2019 alla Galleria d'Arte 2000 & Novecento di Reggio Emilia
www.duemilanovecento.it

La mostra antologica di Antonio Ligabue, presentata al Museum im Lagerhaus di San Gallo nel 2019, è stata l'occasione per fare conoscere l'opera dell'artista in quella che può definirsi la sua "patria perduta". Ligabue nacque infatti a Zurigo il 18 dicembre 1899 da un'emigrante italiana, Elisabetta Costa. Dopo essere stato accolto fin dai primi mesi di età dalla famiglia Göbel, vive a San Gallo e nei paesi del circondario conducendo una vita irrequieta, fatta di lavori precari e di ricoveri in istituti (Tablat e Marbach, tra il 1913 e il 1915) e in una clinica psichiatrica (Pfäfers, nel 1917). Espulso dalla Svizzera nel 1919, approda a Gualtieri, dove opera come pittore, scultore, incisore, tra difficoltà di ogni genere e ostracismi, fino alla morte, avvenuta il 27 maggio 1965.

Renato Martinoni, curatore assieme a Sandro Parmiggiani e a Monika Jagfeld della mostra di San Gallo, ha approfondito, con puntigliose ricerche negli archivi, rintracciando documenti e testimonianze inedite, i vent'anni "svizzeri" di Antonio Ligabue, che nel libro vengono definiti "gli anni della formazione", giacché proprio in quel periodo tormentato si gettano le basi per il cammino artistico che Ligabue intraprenderà in Italia. Renato Martinoni è professore emerito di Letteratura italiana all'Università di San Gallo e ha pubblicato libri su scrittori italiani e svizzeri e sulla storia letteraria dei secoli scorsi. Sta lavorando a un romanzo su Antonio Ligabue. Per l'occasione la Galleria esporrà una selezione di opere di Antonio Ligabue. Dipinti ad olio ed alcune opere grafiche che esprimono il disagio e l'angoscia di una vita segnata dalle tribolazioni, un'arte che mostra in primo piano l'estenuante lotta per la sopravvivenza, in cui si può cogliere il tormento di un uomo che sembra compenetrarsi in quegli animali per trovare il riscatto da un'esistenza molto dura, priva di affetti e afflitta da una lancinante solitudine. In esposizione anche opere con scene di vita quotidiana, immerse in un tempo rallentato e quasi immutabile. (Estratto da comunicato stampa CSArt - Comunicazione per l'Arte)

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Il libro delle 18.03
Gorizia, 03-31 ottobre 2019
www.illibrodelle1803.it

Un'edizione autunnale tutta al femminile, dalle autrici alle giornaliste, dalle traduttrici alle lettrici, dalle attrici alle musiciste, quella de "Il libro delle 18.03" presentata il 19 settembre al Museo di Santa Chiara a Gorizia. Paolo Polli, storico animatore dell'iniziativa, insieme a Pietro Comelli, responsabile della redazione di Gorizia e Monfalcone del quotidiano il Piccolo, è entrato nel vivo del programma. Nella stessa giornata inaugurale è stato presentato anche l'ultimo libro di Betina Lilian Prenz, "Morte con lode". L'autrice, docente a Scienze internazionali e diplomatiche a Gorizia, è figlia di Juan Octavio Prenz, noto scrittore e poeta argentino, insignito con il Premio Nonino nel 2019.

L'edizione ha il Patrocinio del Comune di Gorizia e di quello di Nova Gorica, presenti con gli assessori alla Cultura, e vuole essere anche un piccolo contributo allo sforzo dei due comuni nella corsa congiunta a Capitale Europea della Cultura 2015. La prossima stagione prevede altre cinque presentazioni in sala alle 18.03, una domenica mattina ormai abituale a Villa Codelli e tre uscite tematiche in bus sul territorio. In sala Apt, giovedì 03 ottobre, la prima ospite sarà Ilaria Tuti con il suo ultimo romanzo, "Ninfa dormiente", presentato dalla giornalista e responsabile della Cultura de Il Piccolo, Arianna Boria. La storia, complessa e avvincente, con una protagonista, Teresa Battaglia che indaga tra le violenze sepolte nel tempo. Giovedì 10 ottobre, due traduttrici, giornaliste e viaggiatrici, Francesca Cosi e Alessandra Repossi, racconteranno, in una conversazione con la giornalista Lilli Goriup, "Dove iniziano i Balcani", un compendio per rispondere a domande vecchie e nuove su una terra vicina e non sempre conosciuta.

Domenica 13 ottobre appuntamento speciale alle 11.03 a Villa Codelli (Mossa) dove la scrittrice Antonella Sbuelz parlerà di Microstorie, introdotta dal sindaco di Mossa Emanuela Russian. Giovedì 17 ottobre ci si sposta a Palazzo De Grazia. Qui l'insegnante e scrittrice napoletana Viola Ardone presenterà, insieme alla giornalista Emanuela Masseria, "Il treno dei bambini", romanzo ambientato nel 1946. Migliaia di bambini del Sud in quel periodo di distruzione e povertà vengono mandate per un anno in delle famiglie del Nord. Un'idea, quest'ultima, del Partito Comunista per aiutare le famiglie in difficoltà. L'incontro include un preludio musicale della giovane arpista Paola Gregoric, grazie alla collaborazione con l'Istituto che ha sede proprio a Palazzo De Grazia e diretto dal maestro Liviero.

Giovedì 24 ottobre si torna in sala Apt per "L'età straniera" di Marina Mander, scrittrice già finalista nella dozzina del Premio Strega 2019. Converserà con l'autrice la giornalista Elena Placitelli. Si chiude giovedì 31 ottobre nell'Auditorium Formedil, con Bronjia Žakelji e il suo romanzo, "Il Bianco si lava a novanta", Premio Krasnik 2019 quale miglior libro sloveno. La voce candida e ironica dell'autrice racconta di una perdita che rivoluziona una vita intera in questo suo primo lavoro, pubblicato nel 2018 e ristampato già cinque volte, (settembre 2019 per la pubblicazione in italiano). A presentare l'autrice sarà Vesna Humar, giornalista del quotidiano Primorske Novice e ad introdurre sarà Giulia Castellan, direttore di Formedil e della Cassa Edile di Gorizia.

Le tre uscite in bus partiranno sempre di sabato alle 10.03 dal polo intermodale di Gorizia. Il 05 ottobre si andrà alla scoperta de "Il tempo delle migrazioni all'Isola della Cona", il 19 de "La magia di Trieste", tra musica, letture e una passeggiata sulla Napoleonica e il 26 de "I sentieri della Grande guerra", nel parco tematico del Carso monfalconese accompagnati da storici, speleo e due attrici/lettrici del Collettivo Terzo teatro di Gorizia. L'associazione Il libro delle 18.03, durante questa e la prossima edizione della rassegna, vuole dare il suo contributo allo sforzo che Gorizia e Nova Gorica stanno facendo per diventare, nel 2025, Capitale Europea della Cultura. A tal fine il sodalizio ha chiesto e ottenuto il patrocinio del Comune di Nova Gorica e, in alcune parti della locandina, ha voluto utilizzare la lingua slovena. (Comunicato stampa Emanuela Masseria)

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Gastone Novelli Scritti '43-'68
www.gastonenovelli.it

Il volume raccoglie l'intero corpus degli scritti di Gastone Novelli redatti dal 1943 al 1968, sia quelli rimasti fino ad oggi inediti, sia quelli già pubblicati da Achille Perilli nel 1976 in un numero monografico della rivista Grammatica. Una raccolta di testi che attraversa la storia dell'Italia artistica e politica della seconda metà del Novecento e allo stesso tempo offre un racconto senza filtri della vita di uno degli artisti italiani che più ha vissuto la tensione tra modernità e sperimentazione linguistica. Eventi e riflessioni si susseguono per tre decenni e si nutrono di viaggi e di incontri fatti da Novelli: dalla Roma della Resistenza e dell'occupazione tedesca al Brasile dei primi anni Cinquanta, dove l'artista scopre la sua vocazione e ha le prime esperienze di insegnamento all'Istituto d'arte del Museo di San Paolo diretto da Pier Maria Bardi; da Parigi dove Novelli frequenta gli ambienti d'avanguardia e stringe rapporti con Hans Arp, Man Ray, Tristan Tzara, Georges Bataille, Samuel Beckett, Pierre Klossowski e Claude Simon, alle isole della Grecia, luogo prescelto per i suoi studi sulle origini del linguaggio.

Sullo sfondo il vivace ambiente della cultura italiana, in cui Novelli frequenta molte delle personalità di spicco di quegli stessi anni, tra cui Afro Basaldella, Corrado Cagli, Pietro Consagra, Alfredo Giuliani, Giorgio Manganelli, Elio Pagliarani, Achille Perilli, Arnaldo e Giò Pomodoro, Toti Scialoja, Giulio Turcato, Emilio Villa, Cesare Vivaldi. La varietà dei testi raccolti (racconti, poesie, manifesti, interviste, ricordi, lettere e appunti di lavoro) restituisce in pieno la molteplicità degli interessi di questo artista e il suo costante e vitale desiderio di intervento sulla realtà che lo circondava.

Le lettere, il giovanile manifesto politico del Movimento Confederale europeo, i corsi di composizione tenuti in Brasile e a Roma, i testi teorici per le riviste L'Esperienza moderna e Grammatica, i suoi decisi interventi sulla Biennale di San Paolo del Brasile, sul Convegno di Verucchio, sulla Quadriennale di Roma e sulla Biennale di Venezia, quelli sul Surrealismo e sulla politica del P.S.I., ci restituiscono finalmente appieno la ricchezza di questa figura, che non è stato solo pittore e artista, ma anche insegnante, fervido polemista, editore, scrittore e attivista politico. La raccolta è stata curata da Paola Bonani, curatrice, con Marco Rinaldi e Alessandra Tiddia, del catalogo generale dell'artista e collaboratrice da molti anni dell'Archivio Gastone Novelli.

Gastone Novelli (Vienna, 1925 - Milano, 1968) è stato uno dei più importanti artisti del secondo dopoguerra italiano. Tra i fondatori delle riviste L'Esperienza moderna (1957) e Grammatica (1964). Novelli ha esposto nei più importanti musei e istituzioni italiani e internazionali. Oggi le sue opere sono conservate al MoMA di New York, alla National Gallery di Washington, al MASP di San Paolo, al British Museum di Londra, alla Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma, al Museo del Novecento di Milano, al Mart di Rovereto, alla GAM di Torino e alla Peggy Guggenheim Collection di Venezia. (Comunicato ufficio stampa Maria Bonmassar)

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Elogio della finta
di Olivier Guez, di Neri Pozza Editore, 2019
flash---art.it

«Manoel Francisco dos Santos, detto Garrincha (lo scricciolo), era alto un metro e sessantanove, la stessa altezza di Messi. Grazie a lui il Brasile divenne campione del mondo nel 1958 e nel 1962, e il Botafogo, il suo club, regnò a lungo sul campionato carioca. Con la sua faccia da galeotto, le spalle da lottatore e le gambe sbilenche come due virgole storte, è passato alla storia come il dribblatore pazzo, il più geniale e il più improbabile che abbia calcato i campi di calcio. «Come un compositore toccato da una melodia piovuta dal cielo» (Paulo Mendes Campos), Garrincha elevò l'arte della finta a essenza stessa del gioco del calcio.

Il futebol divenne con lui un gioco ispirato e magico, fatto di astuzia e simulazione, un gioco di prestigio senza fatica e sofferenza, creato soltanto per l'Alegria do Povo, la gioia del popolo. Dio primitivo, divise la scena del grande Brasile con Pelé, il suo alter-ego, il re disciplinato, ascetico e professionale. Garrincha resta, tuttavia, il vero padre putativo dei grandi artisti del calcio brasiliano: Julinho, Botelho, Rivelino, Jairzinho, Zico, Ronaldo, Ronaldinho, Denílson, Robinho, Neymar, i portatori di un'estetica irripetibile: il dribbling carioca. Cultore da sempre del football brasiliano, Olivier Guez celebra in queste pagine i suoi interpreti, quegli «uomini elastici che vezzeggiano la palla come se danzassero con la donna più bella del mondo» e non rinunciano mai a un «calcio di poesia» (Pier Paolo Pasolini).  

Olivier Guez (Strasburgo, 1974), collabora con i quotidiani Le Monde e New York Times e con il settimanale Le Point. Dopo gli studi all'Istituto di studi politici di Strasburgo, alla London School of Economics and Political Science e al Collegio d'Europa di Bruges, è stato corrispondente indipendente presso molti media internazionali. Autore di saggi storico-politici, ha esordito nella narrativa nel 2014. (Comunicato stampa Flash Art)

Recensioni di Ninni Radicini a libri di argomento calcistico Derby Days - Il gioco che amiamo odiare di Dougie ed Eddie Brimson, ed. Libreria dello Sport Dal 29 maggio 1985 la parola "hooligan" risuona nella testa degli italiani. Quella sera, per la finale di Coppa dei Campioni, i sostenitori della Juventus presenti allo stadio belga Heysel, separati dai tifosi inglesi del Liverpool attraverso una rete "da pollaio" (così è stata definita nelle cronache per la sua consistenza), vissero e subirono l'epilogo terrificante di un modo di intendere il calcio che sconfina nella violenza tribale. Idoli di carta di Giusva Branca, ed. Laruffa Questo è un libro di uomini e di calcio. Undici ritratti di calciatori lavoratori, artigiani, sognatori e di un grande allenatore, che, differenti per generazione, ruolo, origine, hanno condiviso un tratto di storia della Reggina.

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Armenia
Arte, storia e itinerari della più antica nazione cristiana

Il volume è stato presentato il 17 maggio 2019
www.comunitaarmena.it

Ponte tra Asia ed Europa, l'Armenia è ancora oggi un Paese immeritatamente poco conosciuto. Solo negli ultimi anni il turismo ha cominciato a considerare anche questa nazione, le cui vicende hanno molto da insegnarci: in particolare l'ostinazione a rimanere legati alle proprie radici, linguistiche e religiose, ritenute indispensabilia mantenere un'identità di popolo, sfuggendo al pericolo dell'assimilazione. Questa guida vuole essere un aiuto a quanti decidono di compiere un viaggio sull'altopiano armeno, portandoli a comprendere un aspetto fondamentale di questa cultura: l'identità cristiana, coraggiosamente difesa in un ambiente in cui la pratica religiosa non è molta diffusa, soprattutto dopo la dominazione sovietica. Si sono pertanto volute privilegiare quelle informazioni che permettono al turista interessato di "capire" il popolo armeno e il suo patrimonio. A una parte introduttiva contenente elementi fondamentali di storia (con la triste pagina del genocidio), religione (la millenaria Chiesa armena e il monachesimo) e cultura (arte, architettura e lingua), fa seguito la descrizione dettagliata di oltre quaranta siti scelti oculatamente tra le decine che la piccolissima Armenia offre. (Comunicato stampa)

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NeoSocialismo
di Luigi Agostini

* Presentazione libro, Pordenone, 09 maggio 2019
www.associazionebobbio.it

Sono tre le date che hanno segnato i giorni che stiamo vivendo: dicembre 1989 che decreta il collasso definitivo del socialismo sovietico; settembre 2008 che, con il fallimento della Lehman Brothers, dà l'avvio alla più grande crisi del capitalismo dell'Occidente; 4 marzo 2018 che segna la più micidiale sconfitta della sinistra italiana nel dopoguerra. Il presente, in Italia e nel mondo, è tuttora dominato dagli effetti disordinanti di questi avvenimenti e l'accumulo di disordine sembra quasi inibire oggi, specie a sinistra, una visione razionale della Politica. In tale disordine la nuova destra ha un gioco più facile. Allo spazio chiuso della destra, la sinistra non può rispondere semplicemente con lo spazio aperto, cosmopolita: la sinistra può rispondere solo con un'idea di spazio aperto ma governabile.

Oggi lo spazio potenzialmente governabile per la sinistra italiana può essere spazio europeo, uno spazio politico però in gran parte da conquistare ed organizzare. Tale obiettivo è possibile solo reinterpretando la crisi innescata dal fallimento della Lehman, anche come straordinaria dinamica trasformativa. Tale dinamica ha il suo motore nella rivoluzione informatica - per i più, la più potente e pervasiva rivoluzione tecnologica della storia - che distorce, confonde, e persino acceca la capacità di lettura delle contraddizioni che il suo avanzare pure continuamente produce. Per questo è sommamente necessario un "riarmo teorico" della sinistra sociale e politica, pena lasciare il campo, nell'acqua sporca della crisi, a giullari ed avventurieri di ogni risma. Questo lavoro è dedicato all'analisi della nuova "marca" di capitalismo, ed ha il suo ancoraggio specifico nel Marx del capitolo sulla macchine dei Grundisse, nella sua straordinaria e profetica attualità; nel Gramsci di Americanismo e Fordismo, oltre che nell'esperienza di dirigente sindacale e politico del suo autore. (Comunicato di presentazione Associazione Norberto Bobbio)

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Credo Professo Attendo: sulle orme del Cristianesimo Ortodosso
di p. Evangelos Yfantidis
www.ortodossia.it

In questo libro, che contiene gran parte dei discorsi pronunciati in Italia negli ultimi quindici anni, ci si propone di scoprire l'Ortodossia tenendo presenti i tre verbi che dominano il simbolo della Fede in Cristo: "credo", "professo" e "attendo". Credere a quanto deliberato e proclamato dai santi Concili e Sinodi della Chiesa, dal primo - il Sinodo Apostolico - fino all'ultimo - il Sinodo di Creta -; professare, attraverso la propria vita, l'identità cristiana, scegliendo lo stile di vita, l'etica e i valori che provengono dal Vangelo di Cristo e dal Magistero della Chiesa; e, infine, attendere il Regno di Dio, convinti fermamente che la nostra patria incorruttibile sia il cielo stesso. Vi si approfondiscono alcuni aspetti che riguardano il mistero della Fede in Cristo, la storia e la vita della Chiesa Ortodossa, l'apostolato del Patriarcato Ecumenico, figure di venerata memoria per la loro vita, questioni pastorali, la dottrina etica e sociale, l'unità dei Cristiani, la protezione del creato, il dialogo interreligioso e altri temi. Questo libro si rivolge non solo ai Cristiani Ortodossi residenti nel nostro Paese, bensì anche a chiunque voglia approfondire sulle questioni sopra indicate, per inserirsi nel mistero della verità in Cristo, dell'amore di Cristo e della Sua persona. (Comunicato stampa Chiesa greco-ortodossa di Padova)

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Catalogo Sartori d'arte moderna e contemporanea 2019
219 artisti recensiti, formato 30,5x21,5cm., pp. 232, con 587 illustrazioni a colori, prezzo € 70,00. ed. Archivio Sartori Editore

Presentato il 10 febbraio 2019, a Mantova, nella Chiesa Madonna della Vittoria
info@ariannasartori.191.it

Relatori: curatrice Arianna Sartori, storico e critico d'arte Renzo Margonari
Presentazione con il Patrocinio di: Comune di Mantova, Madonna della Vittoria, Fondazione Le Pescherie di Giulio Romano
Presentazione organizzata da: Amici di Palazzo Te e dei Musei Mantovani

«Archivio Sartori Editore presenta con grande soddisfazione il "Catalogo Sartori d'arte moderna e contemporanea 2019" giunto alla sua sesta edizione; passano gli anni ma la mia anzi la nostra determinazione non cambia, da "sempre" vogliamo fare opera di divulgazione di quel vasto mondo artistico nazionale composto di Pittori, Scultori, Incisori, Ceramisti, che con altrettanta determinazione e passione si attivano sul territorio nazionale e non solo. Il Catalogo Sartori 2019 vuole documentare artisticamente quanto sta avvenendo in campo nazionale, si propone come utile strumento di lavoro per tutti gli attori del culto del bello. La nostra proposta è rivolta agli artisti che documentano il loro essere attivi e presenti o anche volutamente non dimenticati; ai galleristi, ai critici e agli storici dell'arte che possono trovare stimoli nuovi per la loro attività; ed anche ai collezionisti o ai neofiti che possono trovare conferme alle loro scelte o suggerimenti per nuove acquisizioni.

Gli artisti inseriti, tutti selezionati su invito, sono la dimostrazione di quanto l'Italia sia culturalmente molto vivace, artisti attuali e del passato che sono vitali per la nostra storia dell'arte contemporanea. Non abbiamo bisogno di guardare troppo lontano per trovare validi artisti. Spesso leggiamo e vediamo opere di nuove e sorprendenti figure che arrivano da lontano, che perdono lungo la strada il senso della ricerca, molto spesso senza fine perché incongruente, o gretta perché caratterizzata di volgarità gratuite, e che vedono l'autore concretizzare sì opere che sono però la negazione del bello; artisti spesso presentati da galleristi, critici intellettualmente ricchi di incomprensibili elucubrazioni che, giocando con le parole, confondono il fruitore portandolo a non capire e non apprezzare più quella che è sempre stata considerata arte.

Nel nuovo Catalogo Sartori 2019 sono inserite più di duecento schede ad ognuna delle quali corrisponde il nome di un Artista presentato in ordine alfabetico. Un volume d'arte ricco nei contenuti, in cui ogni singola scheda è illustrata da una o più opere riprodotte a colori, arricchita da testi biografici, curricoli, e a volte da qualche stralcio critico, i riferimenti, gli indirizzi postali o informatici e i telefoni per facilitare eventuali e auspicati contatti. Il Catalogo Sartori 2019 in una ricca ed elegante veste editoriale, è un volume cartaceo, da leggere, è sufficiente una comoda poltrona e un po' di tempo da dedicare alla passione dell'arte; sfogliato con calma, guardando le illustrazioni e leggendo i testi, il libro ci cattura, ci dà delle suggestioni, ci permette di entrare nella poetica dei singoli artisti, di fare comodi raffronti e soprattutto di imparare.

Tra un po' di tempo, il Catalogo Sartori 2019 sarà ancora lì disponibile ad essere sfogliato, con le sue certezze e le sue affermazioni, non sarà sparito nello spazio... e... non serve il computer, il tablet, il cellulare, non serve WiFi o il collegamento internet. E non venga fraintesa questa affermazione, tutti sappiamo come questi strumenti siano assolutamente indispensabili e insostituibili, per il lavoro in tutti gli ambiti ed il commercio, ma chi dimentica i famosi pop-up che compaiono automaticamente durante l'uso per attirare l'attenzione con contenuti pubblicitari? La nostra è una scelta chiara e definita, il libro, la carta stampata si propone come attento mezzo di sapere, di lettura, di comunicazione e di riflessione. E nessuno asserisca che i libri appartengano al passato; le fonti del sapere, di tutto il nostro sapere e non in senso lato, sono su cartaceo, ed anche i documenti della conoscenza sono su cartaceo.

Ricordo la mia ingenua commozione quando ho letto che nel 1977, la Nasa inviò nello spazio una capsula contenente il Voyager Golden Record, un disco per grammofono contenente suoni e immagini selezionate al fine di portare le diverse varietà di vita e cultura della Terra (ed è già archeologia informatica). Il Catalogo Sartori 2019 si rivolge, insomma ad un pubblico elitario, attento alle proposte, aggiornato, ma non superficiale, come si dice "capace di leggere tra le righe" i messaggi dei nostri mass-media, consapevole delle proprie scelte e maturo, libero dai vicoli delle mode e capace di un gusto personale.» (Arianna Sartori)

- Artisti recensiti

Accarini Riccardo, Alborghetti Davide, Alvaro (Alvaro Occhipinti), Amato Maria Agata, Andreani Franco, Andreani Giona, Angiuoni Enzo, Arlorio Aldo, Ascari Franca, Baglieri Gino, Balansino Giancarlo Jr, Balansino Giovanni, Baldassin Cesare, Baldo Gianni, Bartoli Germana, Bassi Massimo, Beconcini Marco, Bellini Enzo, Bellini Maria Grazia, Benetton Simon, Benghi Claudio, Bernardelli Angiola, Bertazzoni Bianca, Bertorelli Luciana, Bianco Lino, Bisio Pietro, Bongini Alberto, Borioli Adalberto, Boschi Alberto, Boschi Anna, Bucher Gianni, Buratti Romano, Businelli Giancarlo, Buttarelli Brunivo, Caldana Claudio, Calia Tindaro, Callegari Daniela, Campanella Antonia, Campitelli Maurizio, Capelli Francesca, Capodiferro Gabriella, Capraro Sabina, Carbonati Antonio, Carpanelli Maurizio, Caselli Edda, Castagna Pino, Castaldi Domenico, Castellani Claudio, Castellani Leonardo, Castellani Silvestro, Cattaneo Claudio, Cattani Silvio, Cavallari Alberto, Cazzaniga Giancarlo, Cazzaniga Donesmondi Odoarda, Cellanetti Sandro, Cermaria Claudio, Cerutti Emanuela, Cibi, Cipolla Salvatore, Coccia Renato, Codroico Roberto, Cordani Sereno, Cortese Franco, Costanzo Nicola, Cotroneo Giuseppe, Cottini Luciano, Cusino Giuliana;

Dalla Fini Mario, Dealessi Albina, De Luca Elio, De Luigi Giuseppe, Deodati Ermes, De Rosa Ornella (DRO), Diani Valerio, Difilippo Domenico, Di Iorio Antonio, Diotallevi Marcello, Donato Francesco, D'Orazio Daniela, Dugo Franco, Dumeri Beatrice, Fabri Otello, Faccio Enrico, Fatigati Domenico (Mimmo), Ferraj Victor, Ferraris Giancarlo, Ferri Massimo, Finetti Ilaria, Fioravanti Ilario, Fornasari Domenico (Memo), Fratantonio Salvatore, Fusillo Concetto, Gaiga Aurelio, Galusi Anselmo, Gard Ferruccio, Gauli Piero, Gentile Domenico, Gheller Monica, Ghilarducci Paolo, Ghisleni Anna, Gi Morandini, Girardello Silvano, Gonzales Alba, Gozzi Rinardo, Gravina Aurelio, Lanzione Mario, Liber (Venturini Vittorio), Lomasto Massimo, Lo Presti Giovanni, Losi Elisabetta, Luchini Riccardo;

Mafino Beniamino, Magnoli Domenico, Mainoldi Roberto, Mammoliti Stefano, Manini Elio, Marchesini Ernesto, Marconi Carlo, Margonari Renzo, Marigliano Patrizio, Marra Mino, Marziale Gina, Matshuyama Shuhei, Merik (Milanese Eugenio Enrico), Michelazzo Margherita, Minto Maria Grazia, Moccia Palvarini Anna, Molinari Mauro, Monaco Lucio, Morselli Luciano, Nagatani Kyoji, Nasi Cristiano, Nastasio Alessandro, Negri Sandro, Nigiani Impero, Nonfarmale Giordano (Male), Notari Antonio, Ogata Yoshin, Onida Maria Antonietta, Orlando Carmela, Ossola Giancarlo, Paglia Anna, Palazzetti Beatrice, Pallavicini Maria Camilla, Pancheri Aldo, Pancheri Renato, Paoli Piero, Paolini Parlagreco Graziella, Paradiso Mario, Pauletto Mario, Pauletto Tiziana, Pavan Adriano, Peretti Giorgio, Perna Vincenzo, Pieroni Mariano, Pilato Antonio, Pinciroli Ezio, Pirondini Antea, Poggiali Berlinghieri Giampiero, Pompa Domenico, Potenza Gianmaria, Pozzi Giancarlo, Pracchi Miriam, Previtali Carlo, Prinetti Silvana

Raimondi Luigi, Rampinelli Roberto, Raza Claudia, Rezzaghi Teresa, Rinaldi Angelo, Rossato Khiara, Rossi Gianni, Rossi Giorgio, Rovati Rolando, Russo Salvatore, Salzano Antonio, Santoli Leonardo, Sava Salvatore, Schialvino Gianfranco, Scotto Aniello, Sebaste Salvatore, Seccia Anna, Settembrini Marisa, Simonetta Marcello, Somensari Anna, Somensari Giorgio, Spallanzani Stefania, Staccioli Paolo, Stazio Ivo, Taddei Maria Gabriella, Talani Giampaolo, Tancredi Giovannini Clara, Tassinari Raffaella, Terreni Gino, Terruso Saverio, Thon (Tonello Fausto), Timoncini Luigi, Tognarelli Gianfranco, Tonelli Antonio, Ulpiani Lorena, Vaccaro Vito, Venditti Alberto, Vergazzini Stefania, Verna Gianni, Vigliaturo Silvio, Viviani Gino, Volontè Lionella, Volpe Michele, Zabarella Luciana, Zaffanella Bruno, Zamprioli Mirella, Zangrandi Domenico, Zarpellon Toni, Zefferino (Bresciani Fabrizio), Zerlotti Natalina, Zingaretti Franco, Zoli Carlo, Zorzi Giordano. (Comunicato stampa)

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Nosferatu
di Paolo D'Onofrio, ed. Edizioni NPE, formato21x30cm, 80 pag., cartonato b/n con pagine color seppia

* Novità Editoriale, 2019
edizioninpe.it/product/nosferatu

Il primo adattamento a fumetti del film muto di Murnau del 1922 che ha fatto la storia del cinema horror. Nosferatu il vampiro (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens), diretto da Friedrich Wilhelm Murnau e proiettato per la prima volta il 5 marzo 1922, è considerato il capolavoro del regista tedesco e uno dei capisaldi del cinema horror ed espressionista. Ispirato liberamente al romanzo Dracula (1897) di Bram Stoker, Murnau ne modificò il titolo, i nomi dei personaggi (il Conte Dracula diventò il Conte Orlok, interpretato da Max Schreck) e i luoghi (da Londra a Wisborg) per problemi legati ai diritti legali dell'opera. Il regista perse la causa per violazione del diritto d'autore, avviata dagli eredi di Stoker, e venne condannato a distruggere tutte le copie della pellicola. Una copia fu però salvata dallo stesso Murnau, e il film è potuto sopravvivere ed arrivare ai giorni nostri. L'uso delle ombre in questo film classico ha avuto una eco infinita nel cinema successivo, di genere e non. Edizioni NPE presenta il primo adattamento a fumetti di questa pellicola: un albo estremamente particolare, che riprende il film fotogramma per fotogramma, imprimendolo in color seppia su una carta ingiallita ed invecchiata, utilizzando per il lettering lo stesso stile delle pellicole mute e pubblicato in un grande cartonato da collezione. (Comunicato stampa)

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L'infinita storia delle piccole cose
di Giuseppe Bianco, ed. L'Erudita
* Novità editoriale

Undici personaggi vagano tra la realtà, il sogno e il fantastico alla ricerca di un mondo più gratificante e giusto. Qualcuno potrebbe definirli dei vinti, schiacciati delle responsabilità e dai doveri a cui sono stati costretti, soppressi. Ma non lo sono: non si rassegnano e a chi li vuole macchine, cloni, predestinati espongono il proprio desiderio di riscatto sociale ma soprattutto umano. Dobbiamo batterci contro nemici invisibili: l'ipocrisia, l'invidia, la meschinità: è in questa perenne lotta che si cimentano per cercare di sconfiggere non solo i nemici concreti, ma anche l'alienazione da cui la società sembra essere affetta. Undici racconti che hanno in ogni trama uno stesso protagonista: l'uomo e i suoi sogni, le sue speranze, le sue paure, a volte crudamente calati nella quotidianità, a volte in una dimensione onirico-fantastica, ma sempre pregni di una intensa umanità. Giuseppe Bianco traccia con amara consapevolezza il quadro di un mondo che reifica l'uomo e lo ingabbia ma in cui non si può e non si deve perdere la speranza. (I suoi sogni sì, possono aspettare, ma lui no, di Rita Esposito)

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La mia Istria
di Elio Velan

* Il volume è stato presentato il 5 dicembre 2018 a Trieste, all'Auditorium del Museo Revoltella

Il volume del noto giornalista e scrittore Elio Velan è presentato a Trieste grazie all'iniziativa della Comunità Croata di Trieste e del suo presidente Gian Carlo Damir Murkovic, che ha voluto includere l'incontro nel programma di iniziative del 2018. Il libro, quasi 200 pagine, sarà introdotto dallo stesso Murkovic e presentato dal giornalista, scrittore e autore teatrale Luciano Santin, con l'intervento / testimonianza dell'autore stesso. L'incontro sarà moderato dal giornalista de "Il Piccolo" Giovanni Tomasin. Ad aprire e concludere la serata sarà la musica, col gruppo vocale e strumentale dell'Associazione culturale"Giusto Curto" di Rovigno, il tutto arricchito dalle proiezioni di immagini dell'Istria, firmate dal grande maestro della fotografia Virgilio Giuricin.

Per far sentire non solo le tipiche armonie ma anche quello spirito condiviso che rende Rovigno una località singolare e ricca. Nel volume Elio, il padre, ragiona col figlio Gianni, mentre la barca li culla e li porta in giro per l'arcipelago rovignese. Cos'è giusto e legittimo che i figli sappiamo dei genitori, dei loro pensieri, delle loro vicende? L'autore cerca di rispondere al quesito attraverso le "confessioni e testimonianze" raccolte in questo libro, uscito prima in lingua croata e ora nella versione italiana per i tipi della "Giusto Curto" di Rovigno. Nel libro Velan racconta e soprattutto si racconta attraverso le esperienze di una vita che l'ha portato a interrogarsi sulle numerose tematiche di un mondo di confine con tanti nodi da sciogliere, ma anche su tematiche esistenziali con l'intelligenza di chi abbraccia con coraggio la verità.

Elio Velan (Pola, 1957), dopo la laurea in Scienze politiche a Zagabria e dopo quattro anni di studi alla Facoltà di Lettere e Filosofia di Trieste, ha iniziato la carriera giornalistica, una scelta per la vita che non ha mai abbandonato, occupandosi, a fasi alterne, di carta stampata, radio e televisione, tra Fiume, Trieste, Pola, Capodistria e Rovigno. Sin dalle elementary aveva infatti sognato di diventare giornalista per seguire le orme di Oriana Fallaci, che adorava. Il sogno si è avverato anche se non ha fatto mai il corrispondente di guerra, non ha vinto il premio Pulitzer e non ha intervistato il compagno Tito. In compenso ha lavorato, per otto anni, al quotidiano "La Voce del Popolo" come corrispondente da Rovigno.

Nel febbraio 1994 è passato alla redazione del telegiornale di TV Capodistria, lavorando contemporaneamente a Radio Capodistria. Era uno dei redattori e conduttori del TG e spesso seguiva i dibattiti al parlamento di Lubiana. Alla fine del 1996 è passato al quotidiano croato "Glas Istre". Dopo un anno di corrispondenze da Capodistria si è trasferito a Trieste come unico corrispondente estero del quotidiano di Pola e del quotidiano "Novi List" di Fiume. A Trieste ha lavorato per quindici anni alla sede regionale della Rai per il Friuli Venezia Giulia. Conduceva la trasmissione radiofonica "Sconfinamenti" e, contemporaneamente, a TV Capodistria la trasmissione settimanale di approfondimento "Parliamo di..." (oltre 400 trasmissioni realizzate).

La sua carriera si è conclusa nel 2016 con l'unico rammarico di non aver mai lavorato a un settimanale perché era quello lo spazio più congeniale al suo stile. Ha pubblicato quattro libri in rapida successione (un libro all'anno), che rappresentano la sintesi del suo lavoro di giornalista. Sono scritti in croato, la lingua che ha usato di più. Ora partecipa alle attività della "Giusto Curto" come giornalista e ideatore di spettacoli. Nei primi anni Novanta ha fondato e diretto per tre anni il mensile della Comunità Italiana di Rovigno, "Le Cronache", molto seguito anche da chi non ne condivideva la linea editoriale. (Comunicato stampa)

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Mostre sull'Istria presentate nella newsletter Kritik

Mondo ex e tempo del dopo
di Pedrag Matvejevic
Recensione di Ninni Radicini

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Ritratto di signora in viaggio | Un'americana cosmopolita nel mondo di Henry James
di Gottardo Pallastrelli, Donzelli Editore, 2018

Il libro ripercorre la vita di Caroline Fitzgerald e della sua famiglia,facendo luce su esistenze affascinanti e sul suo profondo legame con Henry James. Nei romanzi e dei racconti di Henry James, la protagonista più nota è senz'altro quella di Ritratto di signora, Isabel Archer. Diversi, però, sono i personaggi femminili che dalle sponde americane dell'oceano giungono in Europa, più spesso a Londra, in cerca di un matrimonio aristocratico e poi, da lì, in Italia inseguendo il sogno della bellezza e il fascino di antiche culture e civiltà. Ma c'è un'altra signora, realmente vissuta e rimasta finora ignota, legata a James dalla scrittura - quella di un carteggio con lui, venuto solo ora alla luce.

E' a lei che è dedicata questa biografia che, attraverso lettere, diari e documenti d'epoca, ricostruisce un reale ritratto di signora nel quale è inevitabile scorgere le fattezze di un'ideale eroina jamesiana: Caroline Fitzgerald. Molto nota nell'alta società newyorchese, Caroline ben presto si trasferì a Londra. Fu in un brillante salotto di Kensington che avvenne il primo incontro con lo scrittore americano, il quale, in una lettera a Edith Wharton, ne descrive «la bellezza trascurata». James frequentava le donne dall'eleganza sofisticata della migliore società internazionale, e Caroline non ricalcava lo stereotipo della giovane ereditiera americana in Europa tanto in voga in quegli anni.

Lei che era colta, ricca, innamorata della poesia e talmente affascinata dall'Oriente da aver studiato il sanscrito e da vestire lunghe tuniche esotiche, era infatti decisamente lontana da quel cliché. Dopo il divorzio da un Lord inglese, si innamorò di un medico ed esploratore italiano, Filippo De Filippi. Sia pur tra le righe delle sue lettere - uscite oggi dagli archivi degli eredi della famiglia De Filippi - James sembrò incoraggiare quella scelta e, negli anni che seguirono, spesso incontrò Caroline costatandone la nuova felicità. Imperdibili sono alcuni resoconti che James scrive delle sue gite in Italia a bordo di una delle primissime automobili del secolo di proprietà della coppia.

Il viaggio fu, del resto, la cifra dell'esistenza di una donna intraprendente che andò fino in Caucaso e poi in India al seguito delle esplorazioni del marito - e di ogni dove, Caroline riportava bellezze ed emozioni nel carteggio con James e gli altri amici della vecchia Europa. Una vita inconsueta vissuta appieno in poco più di quarant'anni e finita a Roma il giorno di Natale del 1911. Leggere oggi la sua biografia, attraverso le tante pagine di suo pugno, è come leggere in controluce un romanzo jamesiano mai scritto, o meglio ancora sbirciare nel vissuto di James fatto di incontri con donne e uomini reali da cui lo scrittore attingeva spunti per i suoi capolavori. E d'altra parte fu la stessa Caroline a supporre in lui una curiosità «professionale» a proposito di un suo fratello, esploratore di fama internazionale: «Henry James è venuto da noi per il tè questo pomeriggio - annotava in una lettera del 22 maggio 1896 - e ha continuato a farmi domande su Edward il quale, ne sono certa, finirà in uno dei suoi prossimi romanzi». Il forte sospetto, scoprendo oggi la vita di Caroline, è che sia stata invece lei a fornire a James più di una suggestione per le sue indimenticabili protagoniste femminili. (Comunicato ufficio stampa Maria Bonmassar)

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Errantia
Poesia in forma di ritratto
di Gonzalo Alvarez Garcia

Il libro è stato presentato il 7 agosto 2018 alla Galleria d'arte Studio 71, a Palermo
www.studio71.it

Scrive l'autore in una sua nota nel libro "... Se avessi potuto comprendere il segreto del geranio nel giardino di casa o della libellula rossa che saltellava nell'aria sopra i papiri in riva al fiume Ciane, a Siracusa, avrei capito anche me steso. Ma non capivo. Ad ogni filo d'erba che solleticava la mia pelle entravo nella delizia delle germinazioni infinite e sprofondavo nel mistero. Sentivo confusamente di appartenere all'Universo, come il canto del grillo. Ma tutto il mio sapere si fermava li. Ascoltavo le parole, studiavo i gesti delle persone intorno a me come il cacciatore segue le tracce della preda, convinto che le parole e i gesti degli uomini sono una sorta di etimologia. Un giorno o l'altro, mi avrebbero portato a catturare la verità.... Mi rivolsi agli Dei e gli Dei rimasero muti. Mi rivolsi ai saggi e i saggi aggiunsero alle mie altre domande ancora più ardue. Seguitai a camminare. Incontrai la donna, che non pose domande. Mi accolse con la sua grazia ospitale. Da Lei ho imparato ad amare l'aurora e il tramonto...". Un libro che ripercorre a tappe e per versi, la sua esistenza di ragazzo e di uomo, di studioso e di poeta, di marito e padre. Errantia, Poesia in forma di ritratto, con una premessa di Aldo Gerbino è edito da Plumelia edizioni. (Comunicato stampa)

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L'ultima diva dice addio
di Vito di Battista, ed. SEM Società Editrice Milanese, pp. 224, cartonato con sovracoperta, cm.14x21,5 €15,00
www.otago.it

E' la notte di capodanno del 1977 quando Molly Buck, stella del cinema di origine americana, muore in una clinica privata alle porte di Firenze. Davanti al cancello d'ingresso è seduto un giovane che l'attrice ha scelto come suo biografo ufficiale. E' lui ad avere il compito di rendere immortale la storia che gli è stata data in dono. E forse molto di più. Inizia così il racconto degli eventi che hanno portato Molly Buck prima al successo e poi al ritiro dalle scene, lontana da tutto e da tutti nella casa al terzo piano di una palazzina liberty d'Oltrarno, dove lei e il giovane hanno condiviso le loro notti insonni. Attraverso la maestosa biografia di un'attrice decaduta per sua stessa volontà, L'ultima diva dice addio mette in scena una riflessione sulla memoria e sulla menzogna, sul potere della parola e sulla riduzione ai minimi termini a cui ogni esistenza è sottoposta quando deve essere rievocata. Un romanzo dove i capitoli ricominciano ciclicamente con le stesse parole e canzoni dell'epoca scandiscono lo scorrere del tempo, mentre la biografia di chi ricorda si infiltra sempre più nella biografia di chi viene ricordato. Vito di Battista (San Vito Chietino, 1986) ha vissuto e studiato a Firenze e Bologna. Questo è il suo primo romanzo. (Comunicato Otago Literary Agency)

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Il passato non passa mai - Tutte le guerre sono bugiarde
di Michele De Ruggieri, ed. Europa Edizioni, 162 pagine, euro 13,90

E' la guerra che si dovrebbe raccontare nelle scuole, al di là di date, vittorie e sconfitte, quella raccontata nel romanzo di Michele De Ruggieri. La presentazione è organizzata in collaborazione con il Polo Museale della Basilicata. Il Circolo La Scaletta ha concesso il patrocinio. Interverrà l'autore che dialogherà con la giornalista Sissi Ruggi. Michele De Ruggieri racconta con una prosa schietta e molto curata una storia che prende avvio nel settembre 1916 con il protagonista che viene chiamato alle armi. Fra la famiglia che tenta senza riuscirvi di non farlo mandare al fronte, la guerra di trincea e la prigionia, sin dalle prime pagine e confermando il titolo il romanzo è una chiara condanna della guerra. La penna di Michele De Ruggieri sceglie di raccontare tutto questo attraverso un'attenta ricostruzione storica e i sentimenti. Dalla paura di essere uccisi alla lotta per la sopravvivenza nel campo di concentramento, dove la fame cambia la gerarchia dei valori. Basta una lettera da casa, che fa intravedere la vita, e le lacrime che accompagnano la lettura restituiscono gli uomini a loro stessi.

- Sinossi

E' il 28 giugno 1914; in tutta Europa giunge la notizia dell'attentato di Sarajevo. Un mese dopo, la prima dichiarazione di guerra. Pochi sanno quali proporzioni assumerà il conflitto e quanti milioni di uomini farà cadere. Idealismi improbabili e frasi piene di retorica furono sufficienti per infervorare gli animi di tanti che non avevano idea di cosa li aspettasse. In piazza si gridava "viva la guerra!" e sul fronte si moriva. Pietro è un giovane che riesce, grazie alle sue conoscenze, ad evitare il fronte, vivendo il conflitto mondiale da una posizione privilegiata e sicura. Almeno così sembra... Dopo la disfatta di Caporetto, infatti, le carte in tavola cambiano completamente. Pietro si ritrova prima in trincea, poi in un campo di concentramento, a tentare disperatamente di tenersi stretta la vita e a guardare negli occhi i suoi compagni che non ci riescono, soccombendo all'orrore di uno dei periodi più oscuri della storia dell'umanità. Ne uscirà totalmente trasformato.

Michele De Ruggieri (Palagiano - Taranto, 1938), di famiglia lucana, ha studiato e conseguito la laurea in farmacia. Si è sempre interessato di Storia Contemporanea e Storia dell'arte. Il passato non passa mai - Tutte le guerre sono bugiarde, è il secondo romanzo di Michele De Ruggieri. Nel 2010 ha pubblicato il romanzo storico Al di qua del Faro (Guida Editori), ambientato tra le montagne lucane e il golfo di Napoli agli albori dell'Unità d'Italia. (Comunicato stampa)

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Luigi Pirandello. Una biografia politica
di Ada Fichera, ed. Polistampa
www.polistampa.com

L'adesione di Pirandello al fascismo, il suo rapporto col regime e con la censura, le idee di fondo del suo pensiero politico: sono gli elementi chiave del saggio di Ada Fichera. Con l'autrice dialogheranno il giornalista e scrittore Mario Bernardi Guardi e l'editore Antonio Pagliai. Letture a cura di Dylan (Dimensione Suono Soft). Luigi Pirandello è stato sempre analizzato sotto il profilo strettamente letterario o puramente storico. Il saggio di Ada Fichera, frutto di una ricerca su documenti d'archivio inediti, rilegge per la prima volta la sua figura ricostruendone la vita in chiave politica. Dal testo, arricchito da una prefazione di Marcello Veneziani, emergono aspetti chiave del pensiero pirandelliano come la coscienza del fallimento degli ideali borghesi, l'idea del potere nelle mani di uno e non di una maggioranza, la tendenza all'azione. (Comunicato stampa)

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Zenobia l'ultima regina d'Oriente
L'assedio di Palmira e lo scontro con Roma
di Lorenzo Braccesi, Salerno editrice, 2017, p.200, euro 13,00

Il sogno dell'ultima regina d'Oriente era di veder rinascere un grande regno ellenistico dal Nilo al Bosforo, piú esteso di quello di Cleopatra, ma la sua aspirazione si infranse per un errore di valutazione politica: aver considerato l'impero di Roma prossimo alla disgregazione. L'ultimo atto delle campagne orientali di Aureliano si svolse proprio sotto le mura di Palmira, l'esito fu la sconfitta della regina Zenobia e la sua deportazione a Roma, dove l'imperatore la costrinse a sfilare come simbolo del suo trionfo. Le rovine monumentali di Palmira - oggi oggetto di disumana offesa - ci parlano della grandezza del regno di Zenobia e della sua resistenza eroica. Ancora attuale è la tragedia di questa città: rimasta intatta nei secoli, protetta dalle sabbie del deserto, è crollata sotto la furia della barbarie islamista.

Lorenzo Braccesi ha insegnato nelle università di Torino, Venezia e Padova. Si è interessato a tre aspetti della ricerca storica: colonizzazione greca, società augustea, eredità della cultura classica nelle letterature moderne. I suoi saggi piú recenti sono dedicati a storie di donne: Giulia, la figlia di Augusto (Roma-Bari 2014), Agrippina, la sposa di un mito (Roma-Bari 2015), Livia (Roma 2016). (Comunicato stampa)

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Napoleone Colajanni tra partito municipale e nazionalizzazione della politica
Lotte politiche e amministrative in provincia di Caltanissetta (1901-1921)

di Marco Sagrestani, Polistampa, 2017, collana Quaderni della Nuova Antologia, pag. 408
www.leonardolibri.com

Napoleone Colajanni (1847-1921) fu una figura di rilievo nel panorama politico italiano del secondo Ottocento. Docente e saggista, personalità di notevole levatura intellettuale, si rese protagonista di importanti battaglie politiche, dall'inchiesta parlamentare sulla campagna in Eritrea alla denuncia dello scandalo della Banca Romana. Il saggio ricostruisce il ruolo da lui svolto nella provincia di Caltanissetta, in particolare nella sua città natale Castrogiovanni e nell'omonimo collegio elettorale. In un'area dove la lotta politica era caratterizzata da una pluralità di soggetti collettivi - democratici, repubblicani, costituzionali, socialisti e cattolici - si pose come centro naturale di aggregazione delle sparse forze democratiche, con un progetto di larghe convergenze finalizzato alla rinascita politica, economica e morale della sua terra. (Comunicato stampa)

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Stappiamolarte
www.al-cantara.it/news/stappiamo-larte

La pubblicazione realizzata con le opere di 68 artisti provenienti dalle diverse parti d'Italia è costituita da immagini di istallazioni e/o dipinti realizzati servendosi dei tappi dell'azienda. All'artista, infatti, è stata data ampia libertà di esecuzione e, ove lo avesse ritenuto utile, ha utilizzato, assieme ai tappi, altro materiale quale legno, vetro, stoffe o pietre ma anche materiali di riciclo. Nel sito di Al-Cantara, si può sfogliare il catalogo con i diversi autori e le relative opere. Nel corso della giornata sarà possibile visitare i vigneti, la cantina dell'azienda Al-Cantàra ed il " piccolo museo" che accoglie le opere realizzate.

Scrive nel suo testo in catalogo Vinny Scorsone: "...L'approccio è stato ora gioioso ora riflessivo e malinconico; sensuale o enigmatico; elaborato o semplice. Su esso gli artisti hanno riversato sensazioni e pensieri. A volte esso è rimasto tale anche nel suo ruolo mentre altre la crisalide è divenuta farfalla varcando la soglia della meraviglia. Non c'è un filo comune che leghi i lavori, se non il fatto che contengano dei tappi ed è proprio questa eterogeneità a rendere le opere realizzate interessanti. Da mano a semplice cornice, da corona a bottiglia, da schiuma a poemetto esso è stato la fonte, molto spesso, di intuizioni artistiche singolari ed intriganti. Il rosso del vino è stato sostituito col colore dell'acrilico, dell'olio. Il tappo inerte, destinato a perdersi, in questo modo, è stato elevato ad oggetto perenne, soggetto d'arte in grado di valicare i confini della sua natura deperibile...". (Comunicato stampa)

Visualizza versione ingrandita della locandina della presentazione del volume

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Stelle in silenzio
di Annapaola Prestia, Europa Edizioni, 2016, euro 15,90

Millecinquecento chilometri da percorrere in automobile in tre giorni, dove ritornano alcuni luoghi cari all'autrice, già presenti in altri suoi lavori. La Sicilia e l'Istria fanno così da sfondo ad alcune tematiche forti che il romanzo solleva. Quante è importante l'influenza di familiari che non si hanno mai visto? Che valore può avere un amore di breve durata, se è capace di cambiare un destino? Che peso hanno gli affetti che nel quotidiano diventano tenui, o magari odiosi? In generale l'amore è ciò che lega i personaggi anche quando sembra non esserci, in un percorso che è una ricerca di verità tenute a lungo nascoste.

Prestia torna quindi alla narrativa dopo il suo Caro agli dei" (edito da "Il Filo", giugno 2008), che ha meritato il terzo premio al "Concorso nazionale di narrativa e poesia F. Bargagna" e una medaglia al premio letterario nazionale "L'iride" di Cava de'Tirreni, sempre nel 2009. Il romanzo è stato presentato dal giornalista Nino Casamento a Catania, dallo scrittore Paolo Maurensig a Udine, dallo psicologo Marco Rossi di Loveline a Milano. Anche il suo Ewas romanzo edito in ebook dalla casa editrice Abel Books nel febbraio 2016, è arrivato semifinalista al concorso nazionale premio Rai eri "La Giara" edizione 2016 (finalista per la regione Friuli Venezia Giulia) mentre Stelle in silenzio, come inedito, è arrivato semifinalista all'edizione del 2015 del medesimo concorso.

Annapaola Prestia (Gorizia, 1979), Siculo-Istriana di origine e Monfalconese di adozione, lavora dividendosi tra la sede della cooperativa per cui collabora a Pordenone e Trieste, città in cui gestisce il proprio studio psicologico. Ama scrivere. Dal primo racconto ai romanzi a puntate e alle novelle pubblicati su riviste a tiratura nazionale, passando per oltre venti pubblicazioni in lingua inglese su altrettante riviste scientifiche specializzate in neurologia e psicologia fino al suo primo romanzo edito Caro agli dei... la strada è ancora tutta in salita ma piena di promesse.

Oltre a diverse fan-fiction pubblicate su vari siti internet, ha partecipato alla prima edizione del premio letterario "Star Trek" organizzato dallo STIC - Star Trek Italian Club, ottenendo il massimo riconoscimento. Con suo fratello Andrea ha fondato la U.S.S. Julia, un fan club dedicato a Star Trek e alla fantascienza. Con suo marito Michele e il suo migliore amico Stefano, ha aperto una gelateria a Gradisca d'Isonzo, interamente dedicata alla fantascienza e al fantasy, nella quale tenere vive le tradizioni gastronomiche della Sicilia sposandole amabilmente con quelle del Nord Est d'Italia. (Comunicato Ufficio stampa Emanuela Masseria)

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I quaranta giorni del Mussa Dagh
di Franz Werfel, ed. Corbaccio, pagg.918, €22,00
www.corbaccio.it

«Quest'opera fu abbozzata nel marzo dell'anno 1929 durante un soggiorno a Damasco, in Siria. La visione pietosa di fanciulli profughi, mutilati e affamati, che lavoravano in una fabbrica di tappeti, diede la spinta decisiva a strappare dalla tomba del passato l'inconcepibile destino del popolo armeno.» Grande e travolgente romanzo, narra epicamente il tragico destino del popolo armeno, minoranza etnica odiata e perseguitata per la sua antichissima civiltà cristiana, in eterno contrasto con i turchi, con il grande Impero ottomano detentore del potere. Verso la fine del luglio 1915 circa cinquemila armeni perseguitati dai turchi si rifugiarono sul massiccio del Mussa Dagh, a Nord della baia di Antiochia.

Fino ai primi di settembre riuscirono a tenere testa agli aggressori ma poi, cominciando a scarseggiare gli approvvigionamenti e le munizioni, sarebbero sicuramente stati sconfitti se non fossero riusciti a segnalare le loro terribili condizioni a un incrociatore francese. Su quel massiccio dove per quaranta giorni vive la popolazione di sette villaggi, in un'improvvisata comunità, si ripete in miniatura la storia dell'umanità, con i suoi eroismi e le sue miserie, con le sue vittorie e le sue sconfitte, ma soprattutto con quell'affiato religioso che permea la vita dell'universo e dà a ogni fenomeno terreno un significato divino che giustifica il male con una lungimirante, suprema ragione di bene.

Dentro il poema corale si ritrovano tutti i drammi individuali: ogni personaggio ha la sua storia, ogni racconto genera un racconto. Fra scene di deportazioni, battaglie, incendi e morti, ora di una grandiosità impressionante, ora di una tragica sobrietà scultorea, ma sempre di straordinaria potenza rappresentativa, si compone quest'opera fondamentale dell'epica moderna. Pubblicata nel 1933 I quaranta giorni del Mussa Dagh è stata giustamente considerata la più matura creazione di Werfel nel campo della narrativa. Franz Werfel (Praga, 1890 - Los Angeles, 1945) dopo la Prima guerra mondiale si stabilì a Vienna, dove si impose come uno dei protagonisti della vita letteraria mitteleuropea. All'avvento del nazismo emigrò in Francia e poi negli Stati Uniti. Oltre a I quaranta giorni del Mussa Dagh, Verdi. Il romanzo dell'opera, che rievoca in modo appassionato e realistico la vita del grande musicista italiano. (Comunicato Ufficio Stampa Corbaccio)

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- 56esima Esposizione Internazionale d'Arte della Biennale di Venezia
Padiglione nazionale della Repubblica di Armenia
Presentazione rassegna

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Cuori nel pozzo
Belgio 1956. Uomini in cambio di carbone.
di Roberta Sorgato
www.danteisola.org

Il libro rievoca le condizioni di vita precedenti alla grande trasformazione degli anni Sessanta del Novecento, e la durissima realtà vissuta dagli emigrati italiani nelle miniere di carbone del Belgio, è un omaggio rivolto ai tanti che consumarono le loro vite fino al sacrificio estremo, per amore di quanti erano rimasti a casa, ad aspettarli. Pagine spesso commosse, dedicate a chi lasciò il paese cercando la propria strada per le vie del mondo. L'Italia li ha tenuti a lungo in conto di figliastri, dimenticandoli. La difficoltà di comunicare, le enormi lontananze, hanno talvolta smorzato gli affetti, spento la memoria dei volti e delle voci. Mentre in giro per l'Europa e oltre gli oceani questi coraggiosi costruivano la loro nuova vita. Ciascuno con la nostalgia, dove si cela anche un po' di rancore verso la patria che li ha costretti a partire.

Qualcuno fa i soldi, si afferma, diventa una personalità. Questi ce l'hanno fatta, tanti altri consumano dignitosamente la loro vita nell'anonimato. Altri ancora muoiono in fondo a un pozzo, cadendo da un'impalcatura, vittime dei mille mestieri pesanti e pericolosi che solo gli emigranti accettano di fare. Ora che cinquant'anni ci separano dalla nostra esperienza migratoria, vissuta dai predecessori per un buon secolo, la memorialistica si fa più abbondante. Esce dalla pudica oralità dei protagonisti, e grazie ai successori, più istruiti ed emancipati si offre alla storia comune attraverso le testimonianze raccolte in famiglia. Con la semplicità e l'emozione che rendono più immediata e commossa la conoscenza. (Estratto da comunicato stampa di Ulderico Bernardi)

La poetessa veneta Roberta Sorgato, insegnante, nata a Boussu, in Belgio, da genitori italiani, come autrice ha esordito nel 2002 con il romanzo per ragazzi "Una storia tutta... Pepe" seguito nel 2004 da "All'ombra del castello", entrambi editi da Tredieci (Oderzo - TV). Il suo ultimo lavoro, "La casa del padre" inizialmente pubblicato da Canova (Treviso) ed ora riproposto nella nuova edizione della ca-sa editrice Tracce (Pescara).

«L'Italia non brilla per memoria. Tante pagine amare della nostra storia sono cancellate o tenute nell'oblio. Roberta Sorgato ha avuto il merito di pescare, dal pozzo dei ricordi "dimenticati", le vicende dei nostri minatori in Belgio e di scrivere "Cuori nel pozzo" edizioni Marsilio, sottotitolo: "Belgio 1956. Uomini in cambio di carbone". Leggendo questo romanzo - verità, scritto in maniera incisiva e con grande e tragico realismo, si ha l'impressione di essere calati dentro i pozzi minerari, tanto da poter avere una vi-sione intima e "rovesciata" del titolo ("Pozzi nel cuore" potrebbe essere il titolo "ad honorem" per un lettore ideale, così tanto sensibile a questi temi).

Un lettore che ha quest'ardire intimista di seguire la scrittrice dentro queste storie commoventi, intense, drammatiche - e che non tengono conto dell'intrattenimento letterario come lo intendiamo comunemente - è un lettore che attinge dal proprio cuore ed è sospinto a rivelarsi più umano e vulnerabile di quanto avesse mai osato pensare. In questo libro vige lo spettacolo eterno dei sentimenti umani; e vige in rela-zione alla storia dell'epoca, integrandosi con essa e dandoci un ritratto di grande effetto. Qui troviamo l'Italia degli anni cinquanta che esce dalla guerra, semplice e disperata, umile e afflitta dai ricordi bellici. Troviamo storie di toccanti povertà; così, insieme a quell'altruismo che è proprio dell'indigenza, e al cameratismo che si fa forte e si forgia percorrendo le vie drammatiche della guerra, si giunge ai percorsi umani che strappavano tanti italiani in cerca di fortuna alle loro famiglie.

L'emigrazione verso i pozzi minerari belgi rappresentava quella speranza di "uscire dalla miseria". Pochi ce l'hanno fatta, molti hanno pagato con una morte atroce. Tutti hanno subito privazioni e vessazioni, oggi inimmaginabili. Leggere di Tano, Nannj, Caio, Tonio, Angelina e tanti altri, vuol dire anche erigere nella nostra memoria un piccolo trono per ciascuno di loro, formando una cornice regale per rivisitare quegli anni che, nella loro drammaticità, ci consentono di riflettere sull'"eroismo" di quelle vite tormentate, umili e dignitose.» (Estratto da articolo di Danilo Stefani, 4 gennaio 2011)

«"Uomini in cambio di carbone" deriva dal trattato economico italo-belga del giugno 1946: l'accordo prevedeva che per l'acquisto di carbone a un prezzo di favore l'Italia avrebbe mandato 50 mila uomini per il lavoro in miniera. Furono 140 mila gli italiani che arrivarono in Belgio tra il 1946 e il 1957. Fatti i conti, ogni uomo valeva 2-3 quintali di carbone al mese.» (In fondo al pozzo - di Danilo Stefani)

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La passione secondo Eva
di Abel Posse, ed. Vallecchi - collana Romanzo, pagg.316, 18,00 euro
www.vallecchi.it

Eva Duarte Perón (1919-1952), paladina dei diritti civili ed emblema della Sinistra peronista argentina, fu la moglie del presidente Juan Domingo Perón negli anni di maggior fermento politico della storia argentina; ottenne, dopo una lunga battaglia politica, il suffragio universale ed è considerata la fondatrice dell'Argentina moderna. Questo romanzo, costruito con abilità da Abel Posse attraverso testimonianze autentiche di ammiratori e detrattori di Evita, lascia il segno per la sua capacità di riportare a una dimensione reale il mito di colei che è non soltanto il simbolo dell'Argentina, ma uno dei personaggi più noti e amati della storia mondiale.

Abel Posse (Córdoba - Argentina, 1934), diplomatico di carriera, giornalista e scrittore di fama internazionale. Studioso di politica e storia fra i più rappresentativi del suo paese. Fra i suoi romanzi più famosi ricordiamo Los perros del paraíso (1983), che ha ottenuto il Premio Ròmulo Gallegos maggior riconoscimento letterario per l'America Latina. La traduttrice Ilaria Magnani è ricercatrice di Letteratura ispano-americana presso l'Università degli Studi di Cassino. Si occupa di letteratura argentina contemporanea, emigrazione e apporto della presenza italiana. Ha tradotto testi di narrativa e di saggistica dallo spagnolo, dal francese e dal catalano.

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Odissea Viola. Aspettando Ulisse lo Scudetto
di Rudy Caparrini, ed. NTE, collana "Violacea", 2010
www.rudycaparrini.it

Dopo Azzurri... no grazie!, Rudy Caparrini ci regala un nuovo libro dedicato alla Fiorentina. Come spiega l'autore, l'idea è nata leggendo il capitolo INTERpretazioni del Manuale del Perfetto Interista di Beppe Severgnini, nel quale il grande scrittore e giornalista abbina certe opere letterarie ad alcune squadre di Serie A. Accorgendosi che manca il riferimento alla Fiorentina, il tifoso e scrittore Caparrini colma la lacuna identificando ne L'Odissea l'opera idonea per descrivere la storia recente dei viola. Perché Odissea significa agonia, sofferenza, desiderio di tornare a casa, ma anche voglia di complicarsi la vita sempre e comunque. Ampliando il ragionamento, Caparrini sostiene che nell'Odissea la squadra viola può essere tre diversi personaggi: Penelope che aspetta il ritorno di Ulisse lo scudetto; Ulisse, sempre pronto a compiere un "folle volo" e a complicarsi la vita; infine riferendosi ai tifosi nati dopo il 1969, la Fiorentina può essere Telemaco, figlio del padre Ulisse (ancora nei panni dello scudetto) di cui ha solo sentito raccontare le gesta ma che mai ha conosciuto.

Caparrini sceglie una serie di episodi "omerici", associabili alla storia recente dei viola, da cui scaturiscono similitudini affascinanti: i Della Valle sono i Feaci (il popolo del Re Alcinoo e della figlia Nausicaa), poiché soccorrono la Fiorentina vittima di un naufragio; il fallimento di Cecchi Gori è il classico esempio di chi si fa attrarre dal Canto delle Sirene; Edmundo che fugge per andare al Carnevale di Rio è Paride, che per soddisfare il suo piacere mette in difficoltà l'intera squadra; Tendi che segna il gol alla Juve nel 1980 è un "Nessuno" che sconfigge Polifemo; Di Livio che resta coi viola in C2 è il fedele Eumeo, colui che nell'Odissea per primo riconosce Ulisse tornato ad Itaca e lo aiuta a riconquistare la reggia. Un'Odissea al momento incompiuta, poiché la Fiorentina ancora non ha vinto (ufficialmente) il terzo scudetto, che corrisponde all'atto di Ulisse di riprendersi la sovranità della sua reggia a Itaca. Ma anche in caso di arrivasse lo scudetto, conclude Caparrini, la Fiorentina riuscirebbe a complicarsi la vita anche quando tutto potrebbe andare bene. Come Ulisse sarebbe pronta sempre a "riprendere il mare" in cerca di nuove avventure. Il libro è stato presentato il 22 dicembre 2010 a Firenze, nella Sala Incontri di Palazzo Vecchio.

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Leni Riefenstahl. Un mito del XX secolo
di Michele Sakkara, ed. Edizioni Solfanelli, pagg.112, €8,00
www.edizionisolfanelli.it

«Il Cinema mondiale in occasione della scomparsa di Leni Riefenstahl, si inchina riverente davanti alla Salma di colei che deve doverosamente essere ricordata per i suoi geniali film, divenuti fondamentali nella storia del cinema.» Questo l'epitaffio per colei che con immagini di soggiogante bellezza ha raggiunto magistralmente effetti spettacolari. Per esempio in: Der Sieg des Glaubens (Vittoria della fede, 1933), e nei famosissimi e insuperati Fest der Völker (Olympia, 1938) e Fest der Schönheit (Apoteosi di Olympia, 1938).

Michele Sakkara, nato a Ferrara da padre russo e madre veneziana, ha dedicato tutta la sua esistenza allo studio, alla ricerca, alla regia, alla stesura e alla realizzazione di soggetti, sceneggiature, libri (e perfino un'enciclopedia), ed è stato anche attore. Assistente e aiuto regista di Blasetti, Germi, De Sica, Franciolini; sceneggiatore e produttore (Spagna, Ecumenismo, La storia del fumetto, Martin Lutero), autore di una quarantina di documentari per la Rai.

Fra le sue opere letterarie spicca l'Enciclopedia storica del cinema italiano. 1930-1945 (3 voll., Giardini, Pisa 1984), un'opera che ha richiesto anni di ricerche storiche; straordinari consensi ebbe in Germania per Die Grosse Zeit Des Deutschen Films 1933-1945 (Druffel Verlag, Leoni am Starnberg See 1980, 5 edizioni); mentre la sua ultima opera Il cinema al servizio della politica, della propaganda e della guerra (F.lli Spada, Ciampino 2005) ha avuto una versione in tedesco, Das Kino in den Dienst der Politik, Propaganda und Krieg (DSZ-Verlag, München 2008) ed è stato ora tradotta in inglese.

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1915 - Cronaca di un genocidio
La tragedia del popolo Armeno raccontata dai giornali italiani dell'epoca
di Emanuele Aliprandi, ed. MyBook, 2009
www.comunitaarmena.it

Libro unico del suo genere, pubblicato alla soglia del 95esimo anniversario del genocidio armeno e all'indomani della firma dei protocolli sullo stabilimento delle relazioni diplomatiche tra Armenia e Turchia. Emanuele Aliprandi è membro del Consiglio e responsabile del periodico Akhtamar On-Line. La prefazione è firmata da Marco Tosatti, giornalista e vaticanista de "La Stampa".

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L'Immacolata nei rapporti tra l'Italia e la Spagna
a cura di Alessandra Anselmi

Il volume ripercorre la storia dell'iconografia immacolistica a partire dalla seconda metà del Quattrocento quando, a seguito dell'impulso impresso al culto della Vergine con il pontificato di Sisto IV (1471-1484), i sovrani spagnoli si impegnano in un'intensa campagna volta alla promulgazione del dogma. Di grande rilevanza le ripercussioni nelle arti visive: soprattutto in Spagna, ma anche nei territori italiani più sensibili, per vari motivi, all'influenza politica, culturale e devozionale spagnola. Il percorso iconografico è lungo e complesso, con notevoli varianti sia stilistiche che di significato teologico: il punto d'arrivo è esemplato sulla Donna dell'Apocalisse, i cui caratteri essenziali sono tratti da un versetto del testo giovanneo.

Il libro esplora ambiti culturali e geografici finora ignorati o comunque non sistemati: la Calabria, Napoli, Roma, la Repubblica di Genova, lo Stato di Milano e il Principato Vescovile di Trento in un arco cronologico compreso tra la seconda metà del Quattrocento e il Settecento e, limitatamente a Roma e alla Calabria, sino all'Ottocento, recuperando all'attenzione degli studi una produzione artistica di grande pregio, una sorta di 'quadreria "ariana" ricca di capolavori già noti, ma incrementata dall'acquisizione di testimonianze figurative in massima parte ancora inedite.

Accanto allo studio più prettamente iconografico - che si pregia di interessanti novità, quali l'analisi della Vergine di Guadalupe, in veste di Immacolata India - il volume è sul tema dell'Immacolata secondo un'ottica che può definirsi plurale affrontando i molteplici contesti - devozionali, cultuali, antropologici, politici, economici, sociali - che interagiscono in un affascinante gioco di intrecci. (Estratto da comunicato stampa Ufficio stampa Soprintendenza per i Beni Storici, Artistici ed Etnoantropologici della Calabria)

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Mario Del Monaco: Dietro le quinte - Le luci e le ombre di Otello
(Behind the scenes - Othello in and out of the spotlight)
di Paola Caterina Del Monaco, prefazione di Enrico Stinchelli, Aerial Editrice, 2007
Presentazione

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Le stelle danzanti. Il romanzo dell'impresa fiumana
di Gabriele Marconi, ed. Vallecchi, pagg.324, Euro 15,00
www.vallecchi.it

L'Impresa fiumana fu un sogno condiviso e realizzato. Uno slancio d'amore che non ha eguali nella storia. D'Annunzio, fu l'interprete ispiratore di quello slancio, il Comandante, il Vate che guidò quella straordinaria avventura, ma protagonisti assoluti furono i tantissimi giovani che si riversarono nella città irredenta e là rimasero per oltre un anno. L'età media dei soldati che, da soli o a battaglioni interi, parteciparono all'impresa era di ventitré anni. Il simbolo di quell'esperienza straordinaria furono le stelle dell'Orsa Maggiore, che nel nostro cielo indicano la Stella Polare. Il romanzo narra le vicende di Giulio Jentile e Marco Paganoni, due giovani arditi che hanno stretto una salda amicizia al fronte. Dopo la vittoria, nel novembre del 1918 si recano a Trieste per far visita a Daria, crocerossina ferita in battaglia di cui sono ambedue innamorati.

Dopo alcuni giorni i due amici faranno ritorno alle rispettive famiglie ma l'inquietudine dei reduci impedisce un ritorno alla normalità. Nel febbraio del 1920 li ritroviamo a Fiume, ricongiungersi con Daria, uniti da un unico desiderio. Fiume è un calderone in ebollizione: patrioti, artisti, rivoluzionari e avventurieri di ogni parte d'Europa affollano la città in un clima rivoluzionario-libertino. Marco è tra coloro che sono a stretto contatto con il Comandante mentre Giulio preferisce allontanarsi dalla città e si unisce agli uscocchi, i legionari che avevano il compito di approvvigionare con i beni di prima necessità anche con azioni di pirateria. (...) Gabriele Marconi (1961) è direttore responsabile del mensile "Area", è tra i fondatori della Società Tolkieniana Italiana e il suo esordio narrativo è con un racconto del 1988 finalista al Premio Tolkien.

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