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Prima del nuovo numero di Kritik... Mostre    Iniziative culturali    Libri    Cataloghi da mostre    E-mail La Grecia contemporanea (1974-2006) di Rudy Caparrini, Vincenzo Greco, Ninni Radicini prefazione di Antonio Ferrari, giornalista, corrispondente da Atene per il Corriere della Sera ed. Polistampa, 2007 Presentazione | Articoli di Ninni Radicini

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| [] | Agrigento Capitale italiana della cultura 2025 | [] |

Nosferatu: dal cinema al fumetto

Le Icone tra Sicilia e Grecia

Recensione "I Vicerè" | Review "The Viceroys"

Locandine mostre e convegni

Il cinema nella Repubblica di Weimar

Vivian Maier Mostre in Italia

«Pirandello» Poesia di Nidia Robba

1968-2018 Il Pianeta delle Scimmie Planet of the Apes - Review

Aroldo Tieri Un attore d'altri tempi An Actor from another Era

13 agosto 1978 Primo podio di Gilles Villeneuve First podium for G. Villeneuve

Mostre su Tazio Nuvolari

Maria Callas Articolo

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Mostre e iniziative a cura di Marianna Accerboni: 2025-2022 | 2020-21 | 2019 | 2018 | 2017 | 2016 | 2015 | 2014 | 2013 | 2012 | 2011 | 2010 | 2009 | 2007-08

Grecia Moderna e Mondo Ellenico (Iniziative culturali): 2025-2019 | 2018 | 2017 | 2016 | 2015 | 2014 | 2013 | 2012 | 2011 | 2010-2009 | 2008 | 2007

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Nel Peloponneso. Viaggiando tra storia e leggenda
di Rudy Caparrini, con prefazione di Peggy Petrakakos, Edizioni Masso delle Fate, luglio 2025
Presentazione libro

"Grecia culla della nostra civiltà. Il Peloponneso è l’Alfa e l’Omega della cultura occidentale"
Intervista a Rudy Caparrini

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Con Sir Antonio Pappano al via la Stagione del centenario dell'Associazione Siciliana Amici della Musica
03 novembre 2025, ore 20.45
Teatro Politeama Garibaldi - Palermo
www.amicidellamusicapalermo.net

Un concerto che certamente si aggiungerà alla serie di serate storiche che in dieci decadi hanno costellato la programmazione dell'Associazione Siciliana Amici della Musica: al Politeama Garibaldi lunedì 3 novembre, ad inaugurare il cartellone che segna il 100° anno di attività degli Amici della Musica, sarà Sir Antonio Pappano, per la sua prima volta a Palermo, nella veste di pianista in duo con il violoncellista Luigi Piovano. Il programma prevede l'esecuzione della Sonata n.1 in Mi minore op. 38 di Brahms e della Sonata in Sol minore op. 19 di Rachmaninov.

Antonio Pappano è fra i direttori d'orchestra più celebri e prestigiosi al mondo: nato a Londra nel 1959 da genitori italiani, studia pianoforte, composizione e direzione d'orchestra negli Stati Uniti. Ha diretto molte tra le maggiori orchestre del mondo, tra cui New York Philharmonic, Wiener Philharmoniker, Berliner Philharmoniker, del Concertgebouw di Amsterdam, Chicago Symphony Orchestra, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, London Symphony Orchestra, Staatskapelle Dresden, Gewandhausorchester di Lipsia.

Fra le tappe più prestigiose della sua carriera sono da ricordare i debutti alla Staatsoper di Vienna nel 1993, al Metropolitan di New York nel 1997 e al Festival di Bayreuth nel 1999. Nel settembre 2002 diventa Music Director del Covent Garden di Londra e dal 2005 Direttore Musicale dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia, mentre dal 2024 è Direttore principale della London Symphony Orchestra. Sconfinata la sua discografia grazie alla quale ha vinto premi come Gramophone Award, Grammy Award, Echo Klassic Prize, ICMA. Nel 2012 la regina Elisabetta II lo ha nominato Cavaliere e nello stesso anno è stato anche nominato Cavaliere di Gran Croce della Repubblica Italiana.

L'incontro fra Luigi Piovano e Antonio Pappano è avvenuto vent'anni fa, quando nel 2005 Pappano è stato nominato direttore musicale dell'Orchestra di Santa Cecilia a Roma, di cui Piovano era ed è primo violoncello solista. I due, dopo una prima esperienza in trio di alcuni anni prima, si sono ritrovati e hanno iniziato a suonare regolarmente in duo per le più importati istituzioni concertistiche. A settembre 2020 l'etichetta Arcana ha pubblicato il loro primo CD insieme: le due Sonate di Brahms e le due Romanze di Martucci.

Il concerto si apre con la Sonata n. 1 in Mi minore op. 38 di Johannes Brahms, composta tra il 1862 e il 1865. È la prima grande opera cameristica dedicata da Brahms al violoncello e rappresenta un punto di svolta nella sua maturità creativa. L'autore vi riversa la sua ammirazione per Bach, costruendo l'ultimo movimento come un fugato ispirato all'Arte della fuga. Collocata negli anni viennesi, questa Sonata riflette la scelta del compositore di radicarsi nella tradizione classica tedesca, prendendo le distanze dalla corrente wagneriana e riaffermando il valore delle forme contrappuntistiche come garanzia di solidità e di continuità storica.

Segue la Sonata in Sol minore op. 19 di Sergej Rachmaninov, composta nel 1901, subito dopo il Concerto per pianoforte n. 2. Questo lavoro segna la rinascita del compositore dopo la grave crisi depressiva seguita al fiasco della Prima Sinfonia. La Sonata è dedicata al violoncellista Anatolij Brandukov, che la eseguì in prima assoluta con Rachmaninov al pianoforte. Si tratta di una pagina monumentale, che unisce l'ampiezza sinfonica alla profondità lirica tipica del musicista russo. È una delle opere più rappresentative della produzione cameristica di Rachmaninov, capace di coniugare rigore formale e intensità emotiva, imponendosi come un capolavoro imprescindibile del repertorio violoncello-pianoforte.

I biglietti, da 10 a 30 euro, sono in vendita al Box Office di via Mariano Stabile 233, sul sito www.amicidellamusicapalermo.net e nel circuito online e dei punti vendita TicketOne. Ultime disponibilità per gli abbonamenti celebrativi alla Stagione concertistica 2025/2026 in occasione dei 100 anni al costo speciale di 100€ in tutti i settori del Politeama Garibaldi. Per gli under 40 il costo dell'abbonamento è di 40€. (Comunicato stampa)

Mostre e Iniziative culturali sulla Sicilia, in Sicilia e di Artisti Siciliani

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Albert Pinya
"Semper quæro"

06 novembre ( inaugurazione ore 18.30) - 16 dicembre 2025
Fondazione Mudima - Milano
www.mudima.net

Albert Pinya (Palma di Maiorca, 1985) è un'artista difficile da etichettare. Ha esposto a livello locale, nazionale e internazionale in gallerie, musei e istituzioni. Sue opere sono state esposte in fiere internazionali. Pinya è inserito in collezioni internazionali. Ha pubblicato due monografie sul suo lavoro: Muladar (2020) e Agropower (2017). E' considerato tra gli artisti maiorchini della sua generazione con la più rilevante proiezione internazionale. Un eclettico cronachista o un enfant terribile? Chi può dirlo. Figurativo o astratto? Non fa una gran differenza. La figurazione di Pinya è astratta tanto quanto la sua astrazione è figurativa.

L'immaginario libero da ogni gerarchia accompagna Pinya fin dalle sue prime opere e con il tempo è diventato più tagliente e diretto; ha acquisito una raffinatezza che pesca nel serbatoio della storia dell'arte, recupera e reintegra brani delle avanguardie storiche e del modernismo, fino al graffitismo e ai Neue Wilder. Un frutto post-moderno forse. Pinya può giocare con diversi stili storici nella stessa opera, oppure riferirsi a un solo stile ma rivoltandolo come un calzino. Da tempo è caduta nel suo lavoro la separazione tra disegno-pittura-scultura-installazione, tra performance-video-fotografia, in una mescla fertilissima.

Per la prima volta Albert Pinya non presenterà alcuna pittura su tela e in mostra saranno esposte solo opere inedite: da un monumentale totem a piccole uova in ceramica (realizzate in collaborazione con l'officina Cuina de Fang di Ibiza); da sculture stilizzate in ferro a profonde incisioni su pietra (prodotte alla Mármoles Toldrà di Algemesí, Valencia); arazzi, maschere di terracotta, disegni su carta.

Oggi, novità assoluta: la tessitura, in particolare l'arazzo. Tecnica di incontro tra manualità e creatività. Il tessuto, proprio come la ceramica e il ferro, rappresenta un materiale con cui reinventare la pittura e con cui stringere nuove collaborazioni con maestri del mestiere. I due grandi murales in mostra sono stati infatti realizzati con la designer Marga Mayol e la ricamatrice Neus Oliver. La ceramica invece, già ampiamente sperimentata attraverso la collaborazione quasi decennale con Català Roig, risponde a un esercizio molto importante dove le forme e i volumi si plasmano ispirandosi al primigenio, al magico, all'ancestrale.

Pinya si manifesta all'interno di uno spazio museale con tutto il suo valore intellettuale. Se il graffitismo contemporaneo, contraddistinto per la sua pratica di scrittura con simboli e parole, è da sempre uno stimolo, qui appare chiara la sua ultima ispirazione che sfocia nelle incisioni rupestri della Val Camonica. Pinya, più perfeziona il suo lavoro, più si sente vicino all'uomo primitivo. Totalmente in controtendenza all'intelligenza artificiale, si accosta ai gesti del passato e in questa mostra è portavoce di un modus operandi romantico e forse anche un po' nostalgico. Semper quæro, dal latino "sempre desidero - sempre alla ricerca", è una scelta tanto stilistica quanto formale. Da una parte la decisione di utilizzare un'espressione di una lingua morta, dall'altra la combinazione di insaziabilità, curiosità e sperimentazione che confermano la cifra stilistica di Pinya. Mostra a cura di Martina Corbetta e Gianluca Ranzi. (Estratto da comunicato stampa)

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Simona Caramelli
"Out of dust"

06 novembre (inaugurazione ore 18.30) - 16 dicembre 2025
Fondazione Mudima - Milano
www.mudima.net

La mostra, a cura di Gianluca Ranzi, presenta diverse sculture inedite di Simona Caramelli (Pistoia) - artista e attrice - appartenenti al ciclo chiamato Rhákhis, concepito dall'artista nel 2025. Queste opere a parete si dispongono intorno a un ideale perno centrale costituito dall'installazione di cinque grandi carte del ciclo a# (2020, ciascuna circa 190x140 cm) sospese nello spazio della Fondazione Mudima, la cui superficie argentata e lavorata dall'artista svela un mondo sottostante fatto di interstizi, grovigli, sprofondamenti e spazi mediani tra la luce e il buio.

Questo immaginario mobile, che suggerisce un perenne stato di transizione e di metamorfosi, riguarda anche la serie delle sculture in ceramica intitolate Rhákhis (2025), parola che in greco significa "spina dorsale" e da cui deriva il termine italiano "rachide". Il riferimento alla colonna vertebrale appare evidente in queste opere che sinuosamente si arrampicano sui muri, e che slittano suggerendo da una parte una simbologia organica, dall'altra rimandando ad antiche vestigia che riaffiorano da un passato remotissimo, antecedente alla comparsa dell'essere umano sulla terra.

Out of Dust diviene quindi il titolo emblematico di un lavoro che partendo dalla terra, di cui la ceramica è composta, riporta l'attenzione a un mondo ibrido in cui natura e cultura, organico e minerale, allusione e realtà, fuoco e acqua si mescolano e si scambiano. Anche le forme delle Kune, un altro dei lavori esposti, rimandano a suggestioni remote, a rituali pagani che chiamano in causa la corporeità tanto quanto l'aspirazione a liberarsene per accedere agli stati più profondi della coscienza. Anche qui la superficie della ceramica, con i suoi passaggi tra lucido e opaco, tra toni terrosi e riflessi argentei, porta in sé la memoria primordiale che pur tuttavia possiede anche la dimensione del futuro.

Dalle sabbie dei deserti del tempo e dalla penombra del mito emerge l'immaginazione potente e stratificata di Simona Caramelli, che in questa mostra risuona nelle superfici argentee dell'installazione centrale e nelle forme contorte ma agili delle sculture. Sono opere che parlano di un mondo ancora indiviso, in cui la deriva dei continenti oggi riaffiora nelle tracce delle dorsali oceaniche, oppure ritorna ai nostri occhi sotto forma di reperti ossei di creature che si pongono in una fertile zona mediana tra il mito e la preistoria o che ancora suggeriscono strumenti di liturgie dimenticate.

Sono sculture come forme di esistenza rese visibili, o colte nel momento del loro affacciarsi alla soglia di visibilità, il che rende ragione della loro essenzialità formale, che da sempre contraddistingue l'opera dell'artista. Le opere aprono così uno spiraglio sulle fratture e le crepe del mondo, che non necessariamente coincidono con il mondo interiore dellìartista. Out of Dust di Simona Caramelli è quindi capace di dare al nostro pensiero e alla nostra parola il compito e il coraggio di guardare dentro la sostanza delle cose, spingendosi oltre la polvere fin dentro le crepe del mondo, cercando così di attraversare la notte, dagli abissi del passato alle soglie del futuro. (Comunicato stampa)

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Piero Mascetti
"Echi barocchi e visioni urbane"

30 ottobre 2025 - 25 gennaio 2026
Museo Carlo Bilotti Aranciera di Villa Borghese - Roma
www.museocarlobilotti.it

Un percorso alla scoperta delle opere di Piero Mascetti, un viaggio immersivo tra olio, colore e materia e un'occasione per esplorare la produzione dell'artista dagli esordi a oggi. La mostra presenta circa trenta opere, dagli anni Novanta a oggi, che ripercorrono il percorso dell'artista e del suo mondo creativo. Saranno attraversate così le diverse fasi della ricerca artistica di Mascetti, a partire dalle sue radici formative e dal suo dialogo con il Barocco romano. Le opere esposte testimoniano la sua padronanza della pittura a olio e l'attenzione alla storia dell'arte, rivelando un forte legame con la tradizione e insieme la capacità di reinterpretarla con sguardo personale, in una pittura sospesa tra memorie iconiche e astrazione.

La pittura di Mascetti si è sviluppata infatti attraverso un gesto libero e materico, in cui segno e colore non perdono il contatto con la realtà, ma la trasfigurano. Nelle sue visioni urbane, ispirate a Roma e ad altre metropoli, la luce diventa protagonista trasformando lo spazio della città nelle tessiture astratte di vere e proprie suggestioni metaforiche. Le opere evocano la frenesia, la solitudine, la bellezza effimera e il vissuto quotidiano fino a dissolversi in paesaggi interiori, restituiti attraverso prospettive inattese e tagli compositivi che rimandano a stati d'animo e a percezioni interiori. È in questa fase che la luce acquista una valenza quasi spirituale, vibra nelle pennellate, si spezza e si ricompone, diventa ritmo e narrazione, suggerendo un cammino che è insieme artistico ed esistenziale.

Colore e pennellata diventano quindi veicoli di movimento e intensità drammatica, veri e propri strumenti narrativi capaci di dare voce all'esperienza visiva. Il percorso si conclude con le opere più recenti, dipinti di grande formato e opere su carta pensati per dialogare con lo spazio museale. Una sezione finale è dedicata al disegno dell'artista, componente fondamentale della sua ricerca: il segno, forte e incisivo, non si limita a delineare forme, ma fa emergere apparizioni inattese, affioramenti dell'inconscio. In un costante dialogo con il colore, il tratto grafico non rimane mai preparatorio ma diventa parte integrante della pittura, generando un intreccio dinamico in cui linee e cromie si fondono per evocare presenze e visioni enigmatiche.

Il catalogo, edito dalla Galleria Lombardi, contiene un saggio del curatore e un'antologia critica con scritti di Gino Agnese, Carlo Fabrizio Carli, Ilaria D'Ambrosi, Alberto Dambruoso, Andrea Romoli Barberini, Giorgia Di Laura, Enrica Florio, Guglielmo Gigliotti, Luca Gismondi, Nelida Nassar, Riccardo Notte, Carmine Siniscalco, Claudio Strinati e Marco Tonelli. (Comunicato stampa)

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Giovanni Segantini
25 ottobre 2025 - 22 febbraio 2026
Museo Civico di Bassano del Grappa

Mostra che, ad oltre dieci anni dall'ultima esposizione italiana dedicata all'artista, celebra l'opera di uno dei massimi esponenti del Divisionismo, tra i più sensibili osservatori del mondo naturale e impareggiabile cantore della montagna quale luogo fisico e simbolico: Giovanni Segantini (1858-1899). Curata da Niccolo D'Agati, docente di Storia dell'Arte Contemporanea presso l'Università Cattolica del Sacro Cuore e il Politecnico di Milano, curatore scientifico della Galleria Civica G. Segantini di Arco e tra i principali studiosi dell'arte italiana tra la fine del XIX e gli inizi del XX secolo, la rassegna permetterà al pubblico di ricostruire la figura di Giovanni Segantini attraverso un'inedita rilettura della sua opera a confronto con l'arte coeva, per raccontare una carriera che in soli vent'anni, dagli esordi "scapigliati" agli ultimi slanci simbolisti volti a catturare la Natura, ha saputo influenzare i maggiori movimenti artistici del suo tempo.

Un centinaio di opere provenienti dalle principali collezioni pubbliche e private italiane ed europee - dal Musee d'Orsay al Rijksmuseum di Amsterdam -, alcune delle quali rintracciate a distanza di oltre un secolo dalla loro realizzazione, definiscono un percorso espositivo diviso in quattro sezioni e in tre focus tematici che, a partire dall'esordio a Brera, inquadreranno gli snodi più importanti della vicenda biografica di Segantini, mettendo allo stesso tempo in luce la straordinaria evoluzione della sua pittura.

La prima sezione sarà dedicata alla fase milanese, segnata dall'incontro con il gallerista e sodale Vittore Grubicy De Dragon, nonché dal diretto confronto con l'eredità della Scapigliatura e del Naturalismo lombardo. Se in questo vivace contesto si fece evidente l'innata propensione del pittore allo studio delle potenzialità espressive di luce e colore, si registra invece con il trasferimento in Brianza, verso la fine del 1880, un rinnovamento della concezione dell'uso del colore in direzione di un crescente interesse per la Natura quale elemento di comunione tra uomo, paesaggio e animali.

Nella seconda sezione, che rappresenta una delle novità più importanti della mostra, verranno messi in luce anche i contatti con l'arte di Jean-Francois Millet , con la produzione grafica di Vincent van Gogh e con le opere degli artisti della Scuola dell'Aja, per la prima volta posti a diretto confronto con la sua pittura. Il percorso proseguirà con una terza sezione dedicata alla fase svizzera, avviatasi a Savognin nel 1886, durante la quale Segantini realizzò le grandi e celebri composizioni dedicate alla vita montana, arricchite dallo studio sugli effetti di luce e colore attraverso la definizione di una personale tecnica pittorica che lo fece emergere quale uno dei protagonisti del Divisionismo italiano.

La mostra si chiuderà infine sull'ultimo decennio della produzione segantiniana , caratterizzata dal trasferimento a Maloja e dall'apertura alla poetica Simbolista, raggiunto attraverso la peculiare formula del "simbolismo naturalistico", una personale interpretazione del rapporto universale tra Uomo e Natura. La mostra è stata preceduta da rilevantissime indagini non invasive sulle opere e sui materiali impiegati da Segantini.

Queste ricerche hanno portato a sorprendenti scoperte, in particolare riguardo Ave Maria a trasbordo, opera simbolica del Segantini Museum di St. Moritz e dell'intera produzione segantiniana, eccezionalmente concessa in prestito al Museo Civico di Bassano del Grappa fino al 8 dicembre 2025. Nel capolavoro è emersa la complessa stratificazione del dipinto che nasconde, sotto l'attuale composizione, un precedente stadio che ricalca la prima versione realizzata del 1882, andata perduta ma nota attraverso fotografie.

Similmente, grazie alle analisi condotte con IRIS, l'innovativo strumento di indagini diagnostiche a disposizione dall'Università della Bicocca di Milano, è stato possibile individuare sotto Ritorno dal bosco, capolavoro scelto come immagine guida della mostra, un dipinto ritenuto perduto dal 1890. Queste opere si offrono dunque non solo come capolavori compiuti ma anche come terreno di ricerca scientifica all'avanguardia. Alcuni contenuti multimediali racconteranno queste e altre scoperte, guidando i visitatori attraverso un viaggio inedito dentro i capolavori di Segantini.

Il progetto di allestimento è a cura di Mustafa Sabbagh, laureato in Architettura presso l'Università I.U.A.V. di Venezia, già assistente di Richard Avedon e docente al Central Saint Martins College of Art and Design di Londra e attualmente docente alla Fondazione Modena Arti Visive. Dal 2012 si dedica all'arte contemporanea attraverso la fotografia, la videoarte e installazioni site-specific, ed è tra i più importanti autori, in Italia, ad applicare la cultura del progetto coniugandola a una sperimentazione sui linguaggi visivi.

L'allestimento, un'ode alla tecnica segantiniana, mette in continuo dialogo luci e ombre, spazio e opere d'arte, trasformando il percorso espositivo in un palcoscenico drammatico in cui i colori vibranti delle opere risplendono, restituendo al visitatore un'esperienza emozionale e immersiva, ampliata da un crescendo visivo con un unico focus: l'arte di Segantini. La mostra sarà affiancata, inoltre, dall'importante omonima pubblicazione scientifica, un volume di 248 pagine pubblicato in lingua italiana ed edito da Dario Cimorelli Editore, che aggiornerà gli studi presentando le scoperte e le riscoperte avvenute nel corso dell'ultimo decennio, e in particolare durante la preparazione della mostra.

Il curatore, Niccolo D'Agati, ha riunito un gruppo di studiosi di caratura internazionale che ha contribuito alla stesura dei saggi che sostanziano quanto presentato nelle diverse sezioni della mostra. L'esposizione bassanese e il catalogo costituiscono, quindi, il culmine di un lungo percorso di rilettura di documenti noti, di approfondimento delle più recenti ricerche sull'opera e sulla tecnica di Segantini e di indagini su materiali inediti. "Per me personalmente e per il nostro museo è non solo una gioia ma anche motivo di grande orgoglio esser parte di questo progetto espositivo di altissimo livello scientifico, che tra l'altro documenta per la prima volta in modo esaustivo i molteplici legami di Giovanni Segantini con le correnti artistiche europee contemporanee, così da sfatare il mito, purtroppo ancor oggi diffuso, del genio solitario nel suo eremo alpino" dichiara Mirella Carbone, Direttrice artistica del Segantini Museum di St. Moritz.

"Sono molto grata al Comune di Bassano del Grappa, ai Musei Civici e al curatore, Niccolò D'Agati, per aver voluto una mostra intesa anche come punto di partenza per ricerche e approfondimenti sull'opera dell'artista. Basti pensare alle importanti indagini non invasive fatte su due opere della nostra collezione, l'"Ave Maria" e "Ritorno dal bosco": i risultati sono spettacolari e fanno luce su aspetti finora ignoti della genesi dei due dipinti. Non ho dubbi che questo progetto farà parlare di sé ben oltre l'orizzonte temporale dell'esposizione."

"Segantini riesce sempre a stupire. Dopo ben più di un secolo di mostre, pubblicazioni e celebrazioni, ancora la sua arte ed il suo pensiero costituiscono materia di ricerca estremamente ricca ed affascinante. È stato un artista molto ammirato e amato, ma spesso questa devozione per la sua figura ha innescato una logica di stupore e meraviglia, che non sempre ha lasciato spazio per un'indagine più approfondita sulla sua ricerca artistica, non solo legata al suo mito di uomo e artista, ma anche e soprattutto al suo talento pittorico" afferma Giancarla Tognoni, Direttrice della Galleria Civica G. Segantini di Arco. "È con grande piacere e soddisfazione, quindi, che la Galleria Civica G. Segantini di Arco partecipa al progetto dei Musei Civici di Bassano del Grappa, riconoscendo nel concept di questa monumentale mostra, lo spirito con cui, grazie al lavoro del prof. D'Agati, anche il museo arcense guarda all'opera di questo straordinario pittore, che il destino volle far nascere ad Arco."

Ad accompagnare il percorso espositivo bassanese vi sarà, inoltre, il progetto didattico "Lassù, sulle vette con Segantini", articolato in quattro differenti percorsi divisi in base dell'età dei partecipanti a cui sono rivolti: visite e laboratori per la scuola primaria e secondaria, percorsi animati per famiglie e visite guidate. Basato su metodologie didattiche innovative e ideato da Daniele Fraccaro, docente di Mediazione e pedagogia dell'arte dell'Accademia di Belle Arti di Venezia, il progetto proporrà attività, visite animate e laboratori didattici coinvolgenti volti ad incentivare un rapporto attivo con l'opera d'arte e a favorire l'accessibilità e la fruizione da parte di un pubblico ampio e diversificato.

A corollario della mostra, a partire da giovedì 6 novembre 2025 riprenderà anche il ciclo di conferenze "Incontrarsi al Museo di Bassano. Musei, mostre, restauri" a cura di Mario Guderzo, ormai giunto alla sua terza edizione. In occasione di questo importante evento espositivo i primi quattro appuntamenti saranno proprio dedicati alla figura di Giovanni Segantini e all'ambiente culturale in cui ha operato.

La mostra sarà resa ancora più accessibile grazie all'audioguida gratuita in lingua italiana, inglese e tedesca, realizzata in collaborazione con Audiogiro, che accompagnerà il pubblico alla scoperta della vita e dell'arte di Giovanni Segantini attraverso la voce di Barbara Guidi, Direttrice dei Musei Civici di Bassano del Grappa. Per accedere ai contenuti dell'audioguida bastera essere dotati del proprio smartphone e delle proprie cuffiette, inquadrare il QR Code che troverà presso la biglietteria del Museo Civico e all'ingresso della mostra, oppure salvare il link già disponibile sulla pagina dedicata alla mostra su www.museibassano.it. (Estratto da comunicato Ufficio stampa Studio ESSECI, Sergio Campagnolo)

Immagine:
Giovanni Segantini, Ritorno dal bosco

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Onironautica 3
Progetto artistico multidisciplinare di Nello Taietti

06 novembre (inaugurazione ore 18) - 29 novembre 2025 (ingresso libero)
Fondazione Luciana Matalon - Milano
www.fondazionematalon.org | www.deangelispress.com


.. Spettacoli
In scena: Daniele Crasti (voce narrante), Natsu Funabashi (ballerina), Luan Machado (ballerino), Guido Daniele (artista di body painting), Valeria Chen (modella)
22 novembre 2025, ore 16.00 e ore 18.00 (biglietti per gli spettacoli €10 incluso catalogo)

Con Onironautica 3, ultimo atto di una trilogia iniziata nel 2019 e proseguita nel 2023, si conclude un viaggio visionario in cui fotografia, teatro e rappresentazione plastica tornano nuovamente a fondersi come strumenti di indagine onirica e metafisica. Il terzo atto del progetto, curato da Vera Agosti e che si avvale del patrocinio del Consolato Generale del Giappone a Milano, presenta inoltre sabato 22 novembre in doppia rappresentazione (ore 16 e ore 18) l'omonima pièce teatrale, che si svolge all'interno di uno spazio immersivo circondato dalle opere dell'artista e calligrafa giapponese Sisyu, creando un ambiente suggestivo e simbolico in cui lo spettatore è invitato a compiere un viaggio interiore.

"I lavori della celebre maestra si concentrano su tematiche tipicamente orientali, come la ripresa attualizzata delle antiche stampe giapponesi. Le sue delicate installazioni, che descrivono le figure con elaborati contorni neri, giocano con le ombre come in un teatro contemporaneo. Il titolo della rassegna è emblematico, coniato dallo psichiatra olandese Frederik van Eeden, dal greco 'viaggio o navigazione dei sogni', indica l'esplorazione del proprio mondo onirico e interiore, quando la persona riconosce la natura della situazione che sta vivendo, un sogno lucido. L'interesse per questo studio è antico, con tradizioni che risalgono alla cultura induista, buddista tibetana, egizia e sumera. Anche le teorie di Carl Gustav Jung hanno contribuito al suo sviluppo." (Vera Agosti)

Per Nello Taietti fotografia, danza e teatro non sono semplici forme d'arte, ma veri e propri canali di accesso all'inconscio, strumenti per raccontare sogni che non si dissolvono al risveglio, ma che restano incisi nella materia, nella luce e nel tempo. La fotografia, in particolare, è per lui un gesto di sospensione, come dimostrano le 85 opere fotografiche in mostra, delle quali sessantacinque ritratti degli artisti in scena di Nello Taietti, e altre venti di backstage di Gianmarco Taietti. Ogni scatto diviene un punto fisso nell'incessante fluire della realtà. In quell'istante, il tempo si arresta, si concentra, si cristallizza. Fotografia dopo fotografia, questi istanti sospesi diventano costellazioni personali, mappe astrali della propria esistenza che narrano il vissuto non attraverso la cronaca, ma attraverso l'intuizione poetica.

Come spiega la critica d'arte Vera Agosti: "Le fotografie di Nello Taietti sono pulite, essenziali e potenti. Il focus è sul soggetto in primo e in primissimo piano, di cui si colgono il movimento e l'espressività, anche drammatica. I ballerini si stagliano su sfondi neutri, spesso monocromi, con il gioco delle ombre che sottolinea le loro movenze."

Taietti cammina su un crinale fragile e vertiginoso tra la vita e la morte, e da questa posizione liminale osserva l'universo con occhi aperti e mente dilatata. Ogni sua scelta espressiva è un tentativo di rispondere - o meglio, di restare in ascolto - del mistero radicale dell'essere al mondo. In questo abbandono consapevole, in questa deriva, l'artista ritrova l'unica guida autentica alla quale affidarsi: quella dell'anima.

In Onironautica 3, progetto dalla metodologia semplice ma fortemente espressiva che svela l'immaginario onirico del protagonista, il sogno si fa linguaggio mitico. Il testo teatrale - accompagnato dalle sonorità di Paul Beaudoin (Music for Butoh), Richard Wagner (Tristan und Isolde), Ciprian Costin e Ivan Torrent (Zeus), Ryuichi Sakamoto (Minamata), fino a Giacomo Puccini (E lucevan le stelle) - si sviluppa in tre giorni in una crescente compenetrazione di arte, teatro e danza butoh, alchemica e mistica, seguendo un percorso esistenziale, simbolico e spirituale che attraversa la crisi dell'essere umano contemporaneo, la ricerca di senso e la speranza nel risveglio.

Con Onironautica 3 la visione si amplia, si verticalizza: non si tratta più solo di esplorare il subconscio individuale, ma di avvicinarsi a un sentire universale. Il divino - in questa nuova tappa del percorso - non è più immaginato come entità unica e normativa, ma come pluralità di presenze, archetipi, epifanie differenti a seconda delle culture e dei tempi. A differenza delle religioni monoteiste che impongono una verità esclusiva, Taietti invita a riscoprire una forma antica e primordiale di spiritualità, vicina all'animismo e al pensiero mitico greco. In questo nuovo capitolo della ricerca, in una visione cosmica e profondamente poetica, il sogno diventa lo spazio sacro in cui il visibile e l'invisibile si toccano, non per fuggire dal reale, ma per riconoscerne la sostanza profonda.

All'interno delle iniziative promosse durante il periodo della mostra, sabato 8 novembre dalle 14 alle 18 si svolgerà un workshop di danza butoh gratuito tenuto dal ballerino Luan Machado. Per iscriversi bisogna inviare una e-mail a fineart@fondazionematalon.org e attendere la conferma da parte della Fondazione Luciana Matalon.

Il butoh è un'ammaliante forma di danza giapponese d'avanguardia dalla natura profondamente surreale. Emersa nel Giappone del secondo dopoguerra grazie alla figura di Tatsumi Hijikata (1928-1986), nella semplicità minimalista nasconde una profonda complessità che sfida le nozioni convenzionali di bellezza e performance. Forma d'arte estrema e viscerale, Il butoh trascende i tipici movimenti della danza, rimuove i vincoli narrativi convenzionali e diventa un mezzo per esplorare questioni filosofiche più profonde riguardo alla vita, alla morte, alla disperazione e all'assurdità dell'esperienza umana. Il modo strano, spesso caotico e contorto, con cui i ballerini usano il corpo - sempre dipinto di bianco - è un modo per esprimere emozioni e stati d'animo complessi. (Ufficio stampa progetto Onironautica 3 - De Angelis Press, Milano)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Valeria Chen in una foto di Nello Taietti
2. L'artista e calligrafa giapponese Sisyu
3. Natsu Funabashi in una foto di Nello Taietti

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Walter Rosenblum | "Il mondo e la tenerezza"
02 dicembre (inaugurazione) - 19 febbraio 2026
Centro Culturale di Milano
Presentazione

La materia del contendere
di Giancarlo Pontiggia, Garzanti, 2025

05 novembre 2025, ore 18.30 (ingresso libero)
Centro Culturale di Milano (Auditorium CMC)
Presentazione della raccolta di poesie

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Rotella 1957-2001
inaugurazione il 23 ottobre 2025
Studio d'arte Cannaviello - Milano

Lo Studio d'arte Cannaviello inaugura la nuova sede della sua galleria in via Pagliano 1. Lo spazio espositivo, dopo lunghi e laboriosi lavori di restauro, riapre celebrando così il 57º anno di attività. Per l'occasione, la galleria riapre le sue porte con una grande retrospettiva dedicata a Mimmo Rotella, maestro italiano del Nouveau Réalisme. In esposizione più di trenta opere, dai piccoli ai grandi formati, che ripercorrono la sua produzione artistica dal 1957 al 2001, due anni prima della sua scomparsa.

Le opere esposte mettono in evidenza la cifra stilistica costante di Rotella, che ha lavorato con la tecnica del décollage: dai primi lavori più astratti, in cui i manifesti strappati diventano un puro pretesto compositivo che gioca con forma e colore, fino alle grandi affiches cinematografiche, dove emergono le locandine dei film degli ultimi decenni del XX secolo. In mostra anche alcuni esempi delle "Sovrappitture", décollage su cui l'artista interveniva con colpi di pennello, rendendo ancora più visibile la sua mano. Completa l'esposizione un focus speciale sugli "Originali multipli", opere realizzate con la tecnica serigrafica. A differenza delle normali tirature, ogni pezzo di questa serie è unico: Rotella interveniva manualmente su ciascuna opera con il suo tipico metodo di strappi e lacerazioni. Nei tredici lavori esposti, quindi, lo spettatore non troverà immagini ripetute meccanicamente, ma tredici composizioni uniche, tutte derivate dalla stessa matrice.

Mimmo Rotella (Catanzaro, 1918) dopo la sua prima mostra a Roma nel 1951, si trasferisce negli Stati Uniti, dove entra in contatto con Robert Rauschenberg e Jackson Pollock. Tornato in Italia tra il 1953 e il 1954, sviluppa la tecnica del décollage, che diventerà il suo tratto distintivo fino alla sua scomparsa, avvenuta nel 2006. È stato l'unico artista italiano a far parte del movimento del Nouveau Réalisme, teorizzato da Pierre Restany. Nel 2000, per sua volontà, nasce la Fondazione Rotella, con l'obiettivo di conservare e valorizzare la sua opera. Le sue creazioni sono state esposte nei più importanti musei del mondo, tra cui il MoMA e il Guggenheim di New York, il Centre Pompidou di Parigi, la Biennale di Venezia, l'ICA di Londra, Palazzo Reale di Milano e la Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma. Lo Studio d'arte Cannaviello ha già esposto l'artista nella vecchia sede di Via Cusani nel 1998, realizzando una mostra dedicata alle sue "Sovrappitture". (Comunicato stampa)

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Io, Renato Guttuso
19 aprile (inaugurazione) - 19 ottobre 2025 (prorogata fino al 3 novembre 2025)
Società Operaia di Mutuo Soccorso - Modica (Ragusa)


Seconda tappa (la prima risale al 2020 presso il Comune di Noto), di questo progetto espositivo organizzato da Sikarte, associazione culturale siciliana che si propone come punto d'unione tra location d'eccezione e artisti storicizzati e contemporanei, cercando di rendere più fruibili al pubblico i luoghi unici del territorio isolano anche attraverso l'ideazione di mostre d'arte.

Intento dichiarato della mostra - a cura di Giuliana Fiori e Anna Papale - è scandagliare l'animo forte e poliedrico di Renato Guttuso con opere che coprono un arco temporale che va dalla metà degli anni '30 alla metà degli anni '80, il suo Io più profondo e intimo. Sarà, infatti, realizzato un racconto visivo attraverso un'accurata selezione di opere - oli e disegni - che sveleranno il Guttuso uomo, artista, intellettuale, politico e scenografo.

Presentazione mostra

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Walter Rosenblum
"Il mondo e la tenerezza"

02 dicembre (inaugurazione ore 18.30) - 19 febbraio 2026 (chiuso per festività 24, 25, 26, 31 dicembre e 1 e 6 gennaio 2026)
Centro Culturale di Milano
www.centroculturaledimilano.it

.. 04 dicembre ore 20.30, Auditorium CMC, proiezione del film "Walter Rosenblum. In search of Pitt Street" di e con Nina Rosenblum (Evento a ingresso libero con obbligo di prenotazione inviando una mail a segreteria@cmc.milano.it)

Walter Rosenblum (New York City, 1919-2006) figura cardine della fotografia del XX secolo approda al Centro Culturale di Milano con una mostra di rilevo internazionale dal titolo "Il mondo e la tenerezza", che presenta più di 110 fotografie vintage dell'Autore provenienti da New York insieme a rare documentazioni d'epoca. Curata da Roberto Mutti, la mostra raccoglie opere scattate tra il 1938 e il 1990, la maggior parte delle quali esposte per la prima volta in Italia. Un'opportunità senza precedenti per conoscere il lavoro di questo straordinario autore, uno dei più importanti fotografi americani del secolo scorso.

Rosenblum rappresenta un punto di congiunzione tra la fotografia sociale di Lewis Hine e la nascita del reportage umanistico di Paul Strand, a sua volta in dialogo con figure centrali come Alfred Stieglitz ed Edward Steichen, quando anche la street photography iniziava a delineare un nuovo percorso espressivo, che avrebbe influenzato profondamente le generazioni successive fino ai nostri giorni.

La cifra di Rosenblum, rivelata dalle tante icone che ci ha lasciato, è rendere inscindibile l'arte e il racconto con intento giornalistico, mentre la sua composizione rivela la maestria unica nel saper rivelare l'immagine interiore dell'umano dai luoghi dove esso vive, si esprime, lavora, genera, lotta. Come suggerisce il titolo della mostra, Il mondo e la tenerezza, si intrecciano due dimensioni spesso considerate distanti: da un lato "il mondo", con le sue tensioni sociali, urbane e umane, dall'altro "la tenerezza", ovvero uno sguardo empatico e intimo che attraversa anche le realtà più dure.

«La mia fotografia è un omaggio alla persona che fotografo» e «il senso della vita deriva dalle persone che si sono conosciute e amate» sono frasi che raccontano il cuore del suo lavoro e della visione del mondo di Rosenblum, tratte dal film pluripremiato In Search of Pitt Street. La pellicola, realizzata da sua figlia Nina Rosenblum, regista affermata nel panorama del cinema indipendente, sarà proiettata giovedì 4 dicembre nell'auditorium del Centro Culturale di Milano e introdotta da un intervento della regista stessa.

Sono altrettante sezioni del percorso espositivo della mostra - sette - i principali temi attraversati dalla carriera fotografica di Rosenblum, che ha documentato alcuni degli eventi più significativi del ventesimo secolo con sguardo precursore: l'esperienza degli immigrati in America, nella Lower East Side di New York, la Seconda Guerra Mondiale, i rifugiati della guerra civile spagnola in Francia, la vita quotidiana a East Harlem, Haiti, in Europa, le generazioni del South Bronx.

Sottolinea Camillo Fornasieri, Direttore del Centro Culturale di Milano: "Rosenblum era anche lui figlio di immigrati ebrei romeni di inizio secolo, poveri e accolti. Usa la fotografia esprimere la dignità dell'essere umano, per dare notizia dell'uomo che vive, della sua appartenenza, mai semplici vittime, una umanità che sopravvive intatta malgrado le circostanze avverse. La fotografia li riconsegna protagonisti reali e ignoti della vita, eroi umani delle contraddizioni della convivenza".

Il suo primo coinvolgimento con la fotografia iniziò all'età diciassette anni, quando si unì alla Photo League, collettivo americano nato ad inizio anni '30 con l'intento di fare luce sulle problematiche umane e sociali ignorate dalla politica. Ai fondatori Paul Strand e Berenice Abbott aderirono nel tempo Helen Levitt, Robert Frank, Eugene Smith, Ruth Orkin, Dorothea Lange, Aaron Siskind, lo svizzero Rudy Burckhardt, Lisette Model, Fred Stein, Sid Grossman, Arthur Leipzig e Weegee. Lì si plasmarono le varie strade del reportage umanistico.

Decisivi per Rosenblum sono gli incontri con Lewis Hine (che gli diede in consegna tutta la sua opera), Lewis Hine, l'artefice della fotografia sociale da Ellis Island (contribuendo a cambiare le leggi sul lavoro minorile) all'Empire State Building, e Paul Strand, suo mentore e poi amico indissolubile (bellissimo un suo ritratto in mostra) già autore nel 1921 del celebre film-reportage sulla città ManHatta proiettato in modo permanente al MOMA e autore con Cesare Zavattini del libro cult che segna un nuovo modo di raccontare un evento urbano e umano, Un Paese. Suzzara).

Il movimento della Photo League e i suoi locali poveri ma pieni di vita divennero la sua casa e ne diventò poi uno dei principali animatori, Presidente del comitato espositivo e come direttore dei Photo Notes, fino allo scioglimento forzato di questa esperienza avvenuta nel 1952 nel giro di vite del maccartismo. Rosenblum era sulla spiaggia Omaha Beach la mattina del D-Day. La passione per la fotografia lo portò a servire come fotoreporter nell'esercito americano. Si unì al battaglione anticarro che attraversò Francia, Germania e Austria, realizzando le prime riprese cinematografiche del campo di concentramento di Dachau. Uno dei fotografi della Seconda Guerra Mondiale più decorati, ricevendo la Silver Star, la Bronze Star, cinque Battle Stars, un Purple Heart e una Presidential Unit Citation. Il Centro Simon Weisenthal lo ha onorato come liberatore di Dachau.

Le fotografie di Walter Rosenblum sono rappresentate in oltre 40 musei e collezioni internazionali, tra cui il J. Paul Getty Museum di Los Angeles, la Library of Congress di Washington D.C., la Bibliothèque Nationale di Parigi, Museo Reina Sophia, il Museum of Modern Art di New York. Alla professione di fotografo, esercitata per più di cinquant'anni, Rosenblum ha affiancato quella dell'insegnamento e della affermazione della fotografia del secondo novecento, con una carriera quarantennale al Brooklyn College di New York dal 1947 ed alla Yale Summer School of Art per venticique anni e alla Cooper Union, al Rencontre de La Photographie ad Arles, in Francia e a San Paolo, in Brasile.

Insieme a sua moglie, la famosa storica della fotografia Naomi Rosenblum, ha curato mostre internazionali, tra cui la Lewis Hine Retrospective. Accompagna la mostra il libro catalogo ed. SilvanaEditoriale curato da Angelo Maggi dello IUAV di Venezia. (Comunicato Ufficio stampa CMC Centro Culturale di Milano - De Angelis Press, Milano)

Immagine:
Walter Rosenblum, foto realizzata da Grace Robertson nel 1996 circa

___ Presentazione di altre mostre di fotografia nella newsletter Kritik

Heidi Specker | "Liftvan Triest"
02 ottobre (inaugurazione) - 12 novembre 2025
Trieste Contemporanea - Trieste
Presentazione

Inge Morath | "Le mie storie"
13 settembre -16 novembre 2025
Galleria Harry Bertoia - Pordenone
Presentazione

Pino Musi. Polyphōnia
19 settembre (inaugurazione) - 06 gennaio 2026
Fondazione Biscozzi | Rimbaud ETS - Lecce
Presentazione

Lee Miller. Opere 1930-1955
01 ottobre 2025 - 01 febbraio 2026
CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia - Torino
Presentazione

TAZIO 100
09 ottobre (inaugurazione) - 13 dicembre 2025
Glenda Cinquegrana Art Consulting - Milano
Presentazione

Bert Stern | "Original Mad Man"
25 ottobre (inaugurazione) - 27 febbraio 2026
Galleria Paci contemporary - Brescia
Presentazione

Rodney Smith | "Fotografia tra reale e surreale"
03 ottobre 2025 - 01 febbraio 2026
Palazzo Roverella - Rovigo
Presentazione

Brassaï. L'occhio di Parigi
18 luglio (inaugurazione) - 09 novembre 2025
Centro Saint-Bénin - Aosta
Presentazione

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La materia del contendere
di Giancarlo Pontiggia, Garzanti, 2025

05 novembre 2025, ore 18.30 (ingresso libero)
Centro Culturale di Milano (Auditorium CMC)
Presentazione della raccolta di poesie

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Aymone Poletti
"Corrispondenze e contemplazioni"

25 settembre - 25 ottobre 2025 (prolungata al 10 novembre)
Galleria La Cornice - Lugano

Personale dell'artista ticinese Aymone Poletti, in occasione dei suoi 25 anni di attività. Presentata da Gilberto Isella, l'esposizione raccoglie una trentina di opere su carta, fra incisioni, monotipie, tecniche miste, collages e serigrafie, tracciando un percorso poetico che unisce mondi onirici ed intimità riflessiva attraverso i principali temi e simboli della ricerca d'arte di Poletti.

L'allestimento negli spazi curati da Fabrizio Colciaghi dà forma a una visita intima, che parte da alcune prime opere astratte esposte nel 2000 alla Galleria Carlo Gulminelli di Mendrisio, per arrivare ai lavori recenti in cui affiorano campi estesi, onirici ed interni silenziosi, in dialogo con elementi principalmente notturni. Il silenzio si fa così poesia tra piante, sguardi e scorci aperti verso la luna e le stelle.

Nel dialogo tra la sua formazione in architettura e una sperimentazione incessante delle tecniche (incisione, monotipia, cianotipia, collage, stampa a getto, acquarello) emerge una poetica sospesa tra memoria, silenzi e paesaggi interiori. Gli 'effetti di reale' distribuiti nel panorama sono molteplici: profili di montagne, sagome fitomorfe o in taluni casi antropiche, un cielo esteso e i suoi astri... avremo allora l'azzurro del cielo o del mare in funzione dominante, avremo astri come la luna e il sole, o i due fusi in uno. E ancora isole e nubi stilizzate. Si tratta di punti d'attrazione cosmici a valenza evocativa, verso cui le dinamiche spaziali tendono a convergere. Da qui poi, il costituirsi di campi e controcampi, tessiture formali in reciproca interazione, ventagli cromatici anche complessi.

Nelle sezioni che ripercorrono il suo archivio, spiccano titoli come "Plénitude" o "Clair de Lune", opere con tecniche miste o collage in cui gli aneddoti, raccontati o vissuti, diventano metaforici paesaggi mentali, impregnati di suggestioni evocative e di frammenti di memoria. In essi, la carta si trasforma in una "sindone silenziosa di un territorio mentale, sospesa nel tempo" (Rolando Zuccolo, 2016) Il nucleo delle opere realizzate tra 2020 e 2025 rivela una matura eleganza con "La confidente della notte", "Il battito silenzioso del tempo", "Contemplazione". In questi lavori la tecnica mista e il collage traducono visivamente un dialogo poetico tra luce lunare, silenzi gestuali e vibrazioni intime. I toni delicati, le velature e la presenza del bianco evocano riflessioni sul tempo, sulla pausa, sul respiro e sull'attesa.

Tecniche come il monotipo, si fondono in alcuni momenti con metodi innovativi, quali la cianotipia o la bollitura al sale in un processo laboratoriale che unisce rigore e sorpresa creativa. Nascono così visioni delicate ed effimere, al contempo cariche di un'intensa forza poetica e di una presenza percettiva che parla al cuore. Poletti raccoglie assenze e presenze, essenze e luce, paesaggi reali e poetici. In lavori come "Battito di luna" e "Nottetempo in Laguna", l'acquarello e il collage tessono corrispondenze tra cielo e terra, tra sogno e veglia. Il flusso espressivo è scandito da ritmi luminosi, in una dimensione senza tempo che invita all'osservazione meditativa.

Nel suo iter artistico, dalle prime tecniche miste astratte fino alle recenti sperimentazioni, Aymone Poletti ha costruito un linguaggio visivo riconoscibile, fatto di leggerezza e profondità, di architettura mentale e materia emozionale. In "Corrispondenze e contemplazioni", lo spettatore è dunque invitato a percorrere questo territorio intimo, scandito da una geografia dell'anima, una tessitura poetica che trova nella tecnica mista, nell'incisione e nel collage la sua forma più caratteristica. Una piccola sezione è dedicata ad alcune opere nate dal dialogo con altri artisti fra i quali Gianni Metalli, Hermanus, Marino Cattaneo, cofanetti e libretti d'artista e dettagli di interventi in progetti collettivi, come un tassello de "il libro infinito" presentato sia a Trento sia a Venezia, a cura dell'artista incisore Luigi Golin.

In esposizione anche la serigrafia realizzata nel 2022 su invito dello storico laboratorio Fallani di Venezia, ispirata alla poesia "Ad Atlantide" di Gilberto Isella. L'opera, una tiratura a 7 passaggi di colore in edizione limitata, viene presentata per la prima volta al pubblico in un contesto espositivo. La mostra celebra così i 25 anni di attività di Poletti, offrendo una visione sinestetica di un'opera che parla di tempo, di memoria, di mondi sospesi. L'artista ci conduce in un dialogo sottile, in cui ogni creazione diventa frammento di un universo personale, eppure universale, capace di restituire la calma e la poesia di un'intima contemplazione interiore.

Aymone Poletti (Sorengo, 1978) espone professionalmente dal 2000. Ha studiato a Mendrisio, dove si è diplomata all'Accademia di Architettura, formandosi fra l'altro con gli architetti Aurelio Galfetti, Alfredo Pini e Peter Zumthor. Durante lo stesso periodo, ha seguito i corsi d'arte tenuti da Harald Szeemann e quelli di design di Antonio Citterio e Bruno Monguzzi. È stata artista in residenza alla Cité Internationale des Arts di Parigi, e anche artista selezionata in occasione della grande mostra collettiva "Donazioni" allo spazioOfficina di Chiasso, con un'opera dedicata al movimento tau-beta amiloide.

Ha presentato a Venezia (nell'ambito del VAP -Venice Art Projects- curato da Edoardo Cimadori) il progetto site-specific "Precious. Memory\Growth/Life", incentrato sulla valorizzazione delle fragilità umane. Di rilievo altre mostre personali alla Sala del Torchio di Balerna, al Palazzo Comunale di Riva San Vitale e al Museo delle Centovalli e Pedemonte nonché le ultime collettive a Parigi, Venezia e Ginevra. Attiva tra Lugano e Venezia, le sue opere si trovano in collezioni sia pubbliche sia private, in Svizzera e all'estero. (Comunicato stampa)

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Antologica di Carla Bertola
"Interferenze e intrecci tra parole e immagini"

02 ottobre - 30 dicembre 2025
Collezione Bongiani Art Museum - Salerno
www.collezionebongianiartmuseum.it

Antologica - con 71 opere del periodo 1970-2023 - dedicata all'artista torinese Carla Bertola, a cura di Sandro Bongiani con la presentazione critica di Giorgio Moio. Sembra già un decennio da quando Carla Bertola è passata nel 2023 a miglior vita, vista la tendenza di collocarla nell'oblio, sospinta da un silenzio "precoce" e incomprensibile nonostante l'importante attività ultra sessantennale svolta da questa interessante artista torinese.

Artista visuale, scrittrice, poeta verbovisuale-sonora e performer, ha vissuto a Torino dove è nata nel 1935, partecipando assiduamente alle attività culturali internazionali dagli anni '70. Ha esposto e realizzato installazioni in molti spazi e partecipato attivamente a numerose rassegne di poesia sonora e performativa in varie città italiane ed estere. Alla base del suo lavoro "permane la scrittura; una scrittura lineare e ermetica iniziata negli anni sessanta con un'evoluzione costante e doverosa alla fine degli anni '70 incontrando la poesia visuale e poco dopo la poesia sonora che non ha più abbandonato.

I suoi lavori visuali non potevano prescindere dalla parola sul quale non cessò mai di lavorare e sperimentare con lettere, ritagli di giornale, fili di lana colorati, linee, segni fino all'aggiunta di materiali più disparati: stoffa cucita, pellicole di alluminio fino a realizzare meravigliosi libri d'artista. Per non parlare poi di grafemi incomprensibili racchiusi tra fili di lana, sovente cuciti, a formare figure geometriche che Bertola ha chiamato Filograffiti, annunciando l'approdo, sul tramonto degli ultimi anni, anche a un accenno di scrittura asemica.

La poesia visuale e ironica di Bertola -scrive Giorgio Moio- che possiamo definire un'interferenza tra la parola, segno e immagine, si compone per accumulo, associazione di vocaboli, dissociazioni, una fonetica del significante che troviamo anche nella sua poesia sonora e che viviseziona parole e segni con il ritmo e il suono creando la cosiddetta "parola che si vede". Ovviamente a monte di tutto questo vi erano le frequentazioni con coloro che in quel periodo già operavano nel campo della poesia visiva (Arrigo Lora Totino ad esempio abitava vicino a noi, gli incontri e le partecipazioni a pubblicazioni che si occupavano sia di scrittura che di visuale in Italia e all'estero.

In questa prima mostra antologica che la Collezione Bongiani Art Museum di Salerno ha voluto dedicare a Carla Bertola viene presentata una prima completa panoramica del lavoro svolto nel tempo che ora attende, a distanza di due anni dalla scomparsa, uno studio critico accurato e una doverosa e degna attenzione da parte della critica e delle istituzioni. (Comunicato stampa)

Immagine:
Carla Bertola, Interferenza n.3, 2003-2006

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M.G.C. Movimento del Guardare Creativo presenta la Mostra collettiva dei Soci
25 ottobre (inaugurazione) - 13 novembre 2025
Galleria "Arianna Sartori" - Mantova
info@ariannasartori.eu
* Locandina della mostra

Il Movimento del Guardare Creativo (M.G.C.) per la mostra collettiva dei Soci ha scelto la Galleria di Arianna Sartori, per la qualità dell'impegno culturale e l'amore autentico che la stessa esprime verso l'Arte e gli artisti. Mostra a cura di Gabriella Capodiferro e Arianna Sartori. Il Movimento del Guardare Creativo è nato a Chieti nel 2012. Per l'occasione è stato stampato un catalogo a cura di Arianna Sartori, con presentazione di Maria Gabriella Savoia e testo critico di Gabriella Capodiferro, pubblicato da "Arianna Sartori Editore" (fotografie, realizzazione grafica ed impaginazione di Antonio Taricani).

Artisti: Bonforte Marcello, Cacciagrano Evelina, Camplone Alfonso, Capodiferro Gabriella, Conti Isa, D'Alessandro Simonetta, D'Aponte Francesco, De Lellis Laura, De Palma Conchita, Di Giovine Liliana, Evangelista Marilena, Iannetti Marco, Lisanti Rosa, Michetti Teresa, Natale Annamaria, Parlione Graziella, Rucci Antonio, Santilli Paola, Testa Nicoletta, Visco Daniela.

- Biografia degli Artisti

_ Marcello Bonforte (Milano, 1962) dipinge dal 2009. Ha conosciuto a Chieti il maestro e amico Leopoldo Marciani che lo ha incoraggiato nei suoi primi passi e il "Movimento del Guardare Creativo" (associazionemgc.it) ed è diventato discepolo di Gabriella Capodiferro (capodiferrogabriella.it) dal 2012 Attualmente risiede a Rieti dove ha uno studio e una mostra permanente delle sue opere in Via San Rufo 22 visitabile su appuntamento. Ha esposto in mostre collettive a Chieti, Pescara, Mantova, Rieti, Atri, Terni, Leonessa, (RI); personali a Rieti e Borgovelino (RI).

_ Evelina Cacciagrano ha iniziato a dipingere durante il periodo scolastico, utilizzando pastelli gessati e prediligendo soggetti di natura morta e figurativi. Dopo una lunga pausa, ha ripreso a dipingere in età matura. Da oltre dieci anni frequenta la scuola d'arte della professoressa Gabriella Capodiferro (M.G.C.) a Chieti, affinando diverse tecniche pittoriche, in particola- re l'acrilico e le tecniche miste. Ha partecipato a numerose mostre collettive organizzate dalla scuola, esponendo in città come Chieti, Pescara, L'Aquila, Atri, Nocciano e altre località. Nel 2025 alla V edizione L'anima della natura a Rieti.

_ Per Alfonso Camplone (Pescara, 1960) la passione per l'arte si manifesta inizialmente attraverso un'intensa attività da autodidatta, ottenendo fin da subito importanti riscontri in ambito regionale. Artista eclettico e sensibile, affianca alla ricerca artistica un percorso umano e professionale che lo vede attivo come counselor, clown-dottore e conduttore di classi di esercizi Bioenergetici. Co-fondatore dell'Associazione Culturale MGC di Chieti, ne condivide la missione di promuovere l'arte come linguaggio visivo e strumento di crescita personale e collettiva.

La sua visione artistica si fonda sull'idea di condivisione dell'Essenza, offrendo all'osservatore uno spazio aperto di interpretazione e risonanza personale. Dal 1998 ad oggi ha allestito numerose mostre personali e collettive, esponendo in diverse città italiane tra cui Pescara, Chieti, L'Aquila, Atri, Nocciano e Mantova. Le sue opere si distinguono per la capacità di integrare con naturalezza tecniche diverse - pittura, collage, frottage e interventi materici - dando vita a una cifra stilistica potente e riconoscibile.

_ Gabriella Capodiferro ha fondato lo Studio d'Are MGC (Movimento del Guardare Creativo), un laboratorio di tecniche espressive e promozione artistica, frequentato da numerosi allievi. Nel corso della sua lunga carriera espone in importanti mostre collettive e personali in Italia ed all'estero. Tra le numerose collettive di rilievo si citano in particolare il Premio Vasto ed il Premio Michetti. Collabora con vari Musei con mostre collettive e personali fino al 2011. Nel 2016 il critico veneziano Enzo Di Martino presenta in una sua ampia personale a Venezia alla Scholetta dei Battioro e Tiraoro sul Canal Grande.

Dal 2018 riprende l'attività di incisore nell'Atelier Internazionale di Venezia Viva, diretto da Nicola Sene e Silvano Camporini, partecipando nel contempo attivamente fino ad oggi 2025 a numerose iniziative culturali promosse dalla Associazione veneziana. Il 2022 la vede impegnata in una doppia personale di grafica con Nicola Sene presso la galleria Sartori di Mantova. Nel 2023 la sua personale di sola grafica (La mia Terra, un percorso dentro le proprie origini) con note critiche di Nicola Sene e Maria Gabriella Savoia. Promuove in collaborazione con la Galleria Sartori la collettiva degli artisti che oggi danno vita al Movimento del Guardare Creativo, promotore di ben tre biennali dal titolo Arte no Caste, che la vedono sempre presente con le sue opere ed il suo impegno professionale. Per referenze si rimanda al seguente sito internet www.capodiferrogabriella.it

_ Isa Conti (Pescara, 1963), laureata in Lettere Moderne, è appassionata di disegno e ha approfondito la pittura, il colore e le sue tecniche frequentando la scuola del Movimento del Guardare Creativo diretta dalla pittrice Gabriella Capodiferro. Sviluppa uno stile geometrico, minimale e bidimensionale grazie alle diverse tecniche usate. Dal 2001 partecipa a mostre collettive organizzate da Gabriella Capodiferro.

_ Simonetta D'Alessandro svolge la sua attività di architetto a Pescara e dal 2014 ha affiancato alla sua professione un attivo interesse per l'arte, frequentando la scuola dell'artista Gabriella Capodiferro per approfondire le tecniche del linguaggio visivo e la teoria del colore; partecipa attivamente dal 2016 alle iniziative dell'Associazione culturale "Movimento del Guardare Creativo". Ha esposto le sue opere in mostre collettive.

_ Francesco D'Aponte (Piano di Sorrento - Napoli, 1970) si laurea in ingegneria meccanica e nel 1996 si trasferisce a Pescara per la sua professione. Dopo un breve periodo da autodidatta inizia un percorso più approfondito con Gabriella Capodiferro nel 2014. Nelle sue opere, con pennellate libere e luminose, la natura diventa esperienza lirica, dove colore e luce sono i veri protagonisti. Ha esposto alla Bottega d'Arte Expo Room della Camera di Commercio Chieti-Pescara nel 2019, a Mantova nel 2020 alla Galleria d'Arte Arianna Sartori e alla rassegna arte contemporanea "Arte no caste" nel 2024 presso il Palazzo Duchi d'Acquaviva di Atri.

_ Laura De Lellis ha sempre amato disegnare, fin da bambina, ma questa passione è rimasta confinata nell'ambito scolastico. Grazie all'inclinazione di suo padre, ottimo disegnatore autodidatta, si è interessata alle varie forme di espressione artistica che ha ricercato nei suoi viaggi e nelle pubblicazioni specifiche. Anche se la sua professione nell'ambito del Ministero della Cultura era prettamente tecnico dovendosi occupare della conservazione e della catalogazione dei reperti, ha aderito con entusiasmo alle varie attività di ricerca e di valorizzazione. La conoscenza della madre di un compagno di scuola di suo figlio le ha dato la possibilità di mettere a frutto questa sua passione, in quanto l'ha introdotta alla scuola d'arte della pittrice Gabriella Capodiferro di cui è discepola dai primi anni del 2000. Gabriella la guida alla consapevolezza delle sue capacità creative e del linguaggio visivo in ambito artistico, dandole l'opportunità di sentirsi gratificata con la realizzazione dei suoi lavori.

_ Concita De Palma (Bari, 1957) esercita la professione di pediatra. Ha iniziato ad avvicinarsi all'arte nel 2005 attraverso un percorso dedicato all'arte- terapia. Dal 2009 frequenta lo studio d'arte del Movimento del Guardare Creativo di Chieti. Ha partecipato a numerose mostre collettive in Italia e all'estero. Attualmente è presente a Milano con una mostra personale. Ha ricevuto il Premio della Critica nell'ambito del "Premio delle Arti, Premio della Cultura" a Milano e il Premio della Pittura al "Premium International Florence Seven Star".

_ Liliana Di Giovine (Sant'Eufemia a Maiella, 1960), medico pediatra, nel 2016 ha iniziato a frequentare la scuola di Pittura dell'Artista Gabriella Capodiferro riscoprendo l'amore per l'Arte già presente fin da bambina. Ha partecipato a diverse mostre collettive del Movimento del Guardare Creativo ed ha trovato nella tecnica della pittura a spatola la possibilità di espressione diretta del colore sulla tela esplorando di volta in volta tematiche nuove e diverse atmosfere

_ Marilena Evangelista, allieva della scuola di pittura diretta dall'artista Gabriella Capodiferro di Chieti dal 2007 e membro dell'associazione MGC (Movimento del Guardare Creativo) dal 2008 a tutt'oggi. Ama il mondo dell'arte nella sua accezione più ampia: si interessa di musica, teatro e fotografia. Dopo due anni di corso di storia dell'Arte, scopre un modo nuovo di "guardare" l'opera d'arte e quindi con entusiasmo ed interesse si apre alla esperienza della pittura.

Dal 2009 a tutt'oggi ha partecipato a molteplici mostre collettive di pittura e fotografia in Italia ed all'estero. Inoltre è presente in Artisti Italiani catalogo Sartori d'arte moderna e contemporanea Ediz. 2021 e 2022 e Dizionario d'Arte Sartori online (www.dizionariodartesartori.it); in Atlante dell'Arte Contemporanea 2021 (Ed. De Agostini) e 2024 (Giunti Editore S.p.A.); Artisti '24 e '25 - Annuario Internazionale d'Arte Contemporanea - Art Now, Palermo; Blog di fotografia "Occhio Cuore Testa" (occhiocuoretesta.wordpress.com)

_ Marco Iannetti (Pescara, 1984), nemmeno adolescente, inizia il suo percorso artistico avvicinandosi all'aerosol Art. Gradualmente, negli anni a seguire, l'interesse sarà indirizzato verso la pittura su tela. La successiva fase formativa risente di due incontri fondamentali, il primo con l'espressionista Pescarese Antonio Matarazzo e successivamente, nel 2009, con il maestro Gabriella Capodiferro. Frequenta lo studio MGC di Chieti e diventa subito socio del Movimento del Guardare Creativo, partecipando attivamente nel corso degli anni, agli eventi ed alle iniziative culturali.

Dopo oltre vent'anni di ricerca e decine di mostre collettive in ambito nazionale ed internazionale, nell'aprile 2025 si presenta presso la prestigiosa galleria d'arte Arianna Sartori di Mantova, con una importante mostra personale dal titolo κέλευθος (keleuthos), nella quale presenta l'ultima fase della sua indagine pittorica. Una scelta significativa che gli permette di entrare a buon diritto, nel panorama della ricerca contemporanea italiana. È citato nel catalogo Sartori di Arte Moderna e Contemporanea del 2021 nell'ambito del Movimento del Guardare Creativo e nel catalogo Sartori 2022 come autore.

_ Lisanti Rosa: "Sono Rosa Lisanti, ex insegnante di lettere, ed ho quasi 80 anni; quando ho conosciuto e seguito gli insegnamenti della maestra Gabriella Capodiferro ne avevo circa 60. A scuola ero molto brava e precisa nel disegno geometrico ma in quello cosiddetto "ornato" ero una frana: nessuna delle anfore che mi chiedevano di disegnare ha avuto mai il pregio di avere le due "pance" uguali. Perciò, senza voler vantare i risultati raggiunti, sono molto contenta di aver aggiunto alla mia vita l'attività della pittura ed in particolare l'interesse per il colore. Sono tra i soci fondatori della Associazione ed ho partecipato a numerose mostre collettive dalla stessa promosse, quali: Museo Barbella Chieti, la Civitella Chieti e presso la galleria Sartori di Mantova. Grazie maestra."

_ La formazione artistica di Teresa Michetti inizia intorno all'anno 2009 con maestri di varia tendenza culturale che le insegnano disegno, pittura, e incisione fino ad approdare allo studio di Gabriella Capodiferro la quale le parla del linguaggio visivo e della lettura dell'immagine. Il linguaggio dell'arte la spinge a individuare la cifra estetica del proprio fare pittura aprendola alle istanze metafisiche in modo assai personale, e in un momento successivo all'espressionismo. A partire dal 2013 la sua attività espositiva in mostre collettive è stata molto intensa.

_ L' interesse per il disegno e per il colore di Annamaria Natale (Pescara, 1965) si rivelano già alla scuola primaria e vista la sua attitudine e la sua inclinazione alla materia le insegnanti la indirizzano verso una formazione artistica. Frequenta il Liceo artistico Misticoni a Pescara, avendo come insegnante Franco Summa. Dal 2005 frequenta corsi di pittura, di approfondimento della storia dell'arte, modellato e fotografia, nel 2008 conosce Gabriella Capodiferro ed entra così a far parte del movimento del Guardare Creativo. Partecipa a numerose mostre collettive. Risiede a Chieti dove ha il suo studio e continua con passione a coltivare il suo amore per l'Arte.

_ Graziella Parlione (Loreto Aprutino - Pescara, 1958) h a intrapreso studi scientifici ma nel contempo è sempre stata appassionata d'arte. Dipinge da sempre, dapprima da autodidatta, poi presso vari atelier a Pescara ma la vera svolta è intervenuta con l'approdo nella scuola del Movimento del Guardare Creativo. Sotto la guida della pittrice Gabriella Capodiferro approfondisce tutti gli aspetti del linguaggio visivo e le varie teorie del colore, sviluppando uno stile figurativo astratto e bidimensionale. Ha partecipato ad innumerevoli collettive.

_ Rucci Antonio inizia a dipingere a 15 anni e continua come autodidatta fino al 2008 quando inizia a frequentare il Laboratorio d'Arte di Gabriella Capodiferro a Chieti, dando così costanza alla ricerca sulla composizione e sulle tecniche pittoriche. Vive e opera a Chieti, ove esercita la professione di pediatra. Disegno vigoroso e colore espressivo-emozionale sono gli elementi caratterizzanti del suo stile che ha trovato il giusto spazio negli eventi di Arte no Caste, sia nella edizione del 2014 che nelle successive del 2016 all'Aquila e nel 2024 ad Atri. Di lui scrivono la critica d'arte Chiara Strozzieri "...risolve felicemente il dualismo tra sensazione del colore e forma plastica regalandoci una esplosione di tinte energiche (2016)" e la maestra Gabriella Capodiferro "...e forme divengono pura e dirompente espressione di una vitalità primigenia che cita l'espressionismo con originalità".

_ Paola Santilli (Chieti, 1960) inizia a dipingere come autodidatta. Durante il periodo scolastico e universitario svolge attività di caricaturista. Nel 1977 partecipa alla sua prima mostra collettiva a Francavilla al Mare. Negli anni universitari realizza illustrazioni per testi e pubblicazioni. Nel 2000 incontra l'artista Gabriella Capodiferro e diventa sua discepola, seguendone l'insegnamento. Dal 2008 è Vicepresidente dell'Associazione Movimento del Guardare Creativo. Ha all'attivo due mostre personali. Le sue opere figurano nel Catalogo Sartori Artisti Italiani 2021. È presente anche nel Catalogo Sartori Artisti Italiani 2022.

_ Nicoletta Testa ha iniziato la sua attività artistica nel 1993 presso lo Studio d'Arte M.G.C. di Chieti, dove ancora oggi lavora. È cofondatrice del Movimento del Guardare Creativo e ha partecipato con costanza e entusiasmo a tutte le iniziative promosse dall'associazione. Gabriella Capodiferro, nel testo critico per la mostra Segno, colore e gesto per dirsi (2004, Bottega d'Arte della Camera di Commercio di Chieti), scrive di lei: «Gli elementi che contraddistinguono il suo fare artistico sono sempre diretti verso il sottile gioco compositivo tra superficie, linea e colore…».

_ Daniela Visco (Chieti) oltre vent'anni fa inizia un percorso artistico nel laboratorio di Gabriella Capodiferro. Ha così modo di apprendere e sperimentare tecniche pittoriche ed espressive oltre a studiare l'analisi strutturale della composizione. Nel luglio 2008 è una delle socie fondatrici dell'Associazione Culturale "Movimento del Guardare Creativo" con l'obiettivo di promuovere l'arte, intesa soprattutto come linguaggio visivo, ed aprirsi agli altri con esposizioni collettive. Dipingere è per lei un modo per impregnare la tela di vivide emozioni sfruttando la forza del colore, del gesto, affidandosi alla sinuosità coinvolgente del segno-scrittura per raccontare intime percezioni.

- Testo dal catalogo di Gabriella Capodiferro

Il Movimento del Guardare Creativo (M.G.C.) si è presentato alla città di Chieti, dove è nato ed opera, per la prima volta nel lontano 2012. È la prima mostra collettiva dei soli soci. Essa viene realizzata grazie alla sensibilità della professoressa Gabriella Orlando, allora preside dello storico e prestigioso Convitto Nazionale Giambattista Vico in corso Marrucino. La mostra venne ospitata nella grandiosa sala polivalente dell'Istituto. La registrazione ufficiale dello Statuto associativo è avvenuta il 21 maggio 2008. L'idea del Movimento prende l'avvio dalla esperienza artistica e culturale dello Studio d'Arte M.G.C. di Capodiferro Gabriella, la quale decide nel 1987 di aprire il suo atelier agli appassionati dell'Arte sia per chi vuole meglio conoscere le opere dei maestri attraverso la storia dell'Arte sia per coloro che vogliono dilettarsi nella pittura o nel disegno.

Il suo è un lavoro verso lo studio percettivo e critico dell'opera d'Arte attraverso la conoscenza e l'analisi strutturale della composizione. Scoprire il linguaggio dell'Arte nella sua grammatica visiva. Sperimentare le leggi visive attraverso la conoscenza degli strumenti necessari alla loro concretizzazione operativa. Valutare e mettere in atto soluzioni cromatiche, grafiche e materiche in laboratorio prima e successivamente verificare ciò che si è realizzato attraverso la lettura compositiva. Da qui la possibilità di godere della bellezza delle opere dei grandi maestri della Storia dell'Arte con occhi nuovi.

Con il Movimento del Guardare Creativo tutto questo operare esce fuori dal laboratorio, diviene promozione di cultura permanente attraverso conferenze sull'Arte e viaggi come quelli a Parigi per vedere gli Impressionisti e l'Arte Contemporanea; Berlino per gli Espressionisti, oltre visitare tanti altri importanti musei, quali il Louvre. Poi ripetute tappe a Roma, che ha permesso visite a tema sul '500, il '600, il Barocco; a Milano le varie mostre internazionali, a Venezia con le Biennali, a Ferrara, Mantova, Padova, Bologna, con le varie Fiere dell'Arte.

Inoltre si sono organizzati viaggi in Abruzzo portando non solo gli abruzzesi ma anche persone interessate venute da Venezia e Padova, per far loro scoprire le bellezze della Regione Abruzzo: dal ciclo pittorico di Bominaco alle architetture romaniche di Atri con i dipinti di Andrea Delitio, le chiese straordinarie d Chieti, Teramo e l'Aquila ed i tanti borghi e luoghi paesaggistici conosciuti attraverso sedute di pittura all'aperto. Infine il Movimento, promuovendo cultura dentro e fuori Regione, è giunto a realizzare nel 2014 la sua prima Arte no Caste, manifestazione aperta a tutti gli artisti e a tutte le tecniche (pittura, scultura e grafica), con il patrocinio del comune di Pescara, cui seguiranno Arte no Caste 2016 all'Aquila e quella del 2024 ad Atri, città d'arte della provincia di Teramo, anche esse patrocinate dai rispettivi Comuni.

Il Movimento, nelle sue manifestazioni culturali, ha sempre trovato prezioso sostegno e collaborazione da parte della critica oltre che dalle Istituzioni locali. I critici che hanno sostenuto l'attività del Movimento fin dall'inizio sono: la professoressa Maria Cristina Ricciardi, il professor Leo Strozzieri e la dottoressa Chiara Strozzieri, ai quali va tutta la gratitudine del Movimento. Per questa seconda collettiva dei soci il Movimento del Guardare Creativo ha scelto la Galleria di Arianna Sartori per la qualità dell'impegno culturale e l'amore autentico che la stessa esprime verso l'Arte e gli artisti.

Essa è luogo di incontri e confronti, aperto e ricco di stimoli. È qui che il Movimento ha scelto di essere presente, dopo poco più di un decennio di promozione di mostre collettive di artisti italiani e stranieri. Gli artisti che animano questa seconda collettiva dei soci sono una parte del Movimento, ma anche quelli che non hanno potuto partecipare sono parte importante di questo evento poiché hanno compartecipato alla fase di lettura critica e alla selezione delle opere che vengono esposte. Le opere esposte, nel loro complesso, vogliono mettere in evidenza lo spirito di sperimentazione e ricerca del Movimento. Ogni artista presenta scelte strumentali e soluzioni compositive assolutamente diverse, lasciando emergere la propria creatività, ma anche l'idealità del Movimento stesso.

Il saper vedere e non solo guardare l'arte visiva come strumento di conoscenza del linguaggio visivo fino a maturare modalità proprie di espressione artistica. Le opere compongono un quadro dinamico di stile e modalità esecutive che le vedono passare dal figurativo all'astratto, dall'informale al concettuale, dalla pop art al surreale, fino alle istanze dell'optical. I materiali usati per realizzare le opere testimoniano un'ampia varietà di elementi costruttivi: oggetti trovati, pittura acrilica, pigmenti naturali e sintetici, gessi e pastelli, UniPosca particolari, oltre a collages e frottages, tecniche miste e classiche.

Alla varietà dei materiali e degli strumenti si aggiunge la volontà di far conoscere l'opera d'arte e il linguaggio espressivo attraverso scelte formali quali l'uso del colore o del bianco e nero, del tonalismo o del chiaroscuro, del movimento delle linee e delle forme, inventare modalità spazio percettivi per evocare volumi e lontananze, nel fare semplicemente più piccolo o più grande un certo particolare. Questa evidente dinamicità delle opere non permette raggruppamenti di stili, di soggetti o di tecniche esecutive.

Il Movimento cerca l'unicità di ciascun artista nella libertà di scelte che pur guardando i grandi Maestri vedono nella qualità delle loro opere una conoscenza profonda della costruzione dell'opera anche laddove appare "anarchica" e scevra da ogni spirito di ricerca. Pertanto in questa collettiva gli artisti vengono presentati nella loro individualità e nell'autenticità della propria ispirazione. Il visitatore avrà così una guida per "vedere" oltre che guardare i risultati della loro pluriennale ricerca culturale.

- Presentazione artisti di Gabriella Capodiferro (Chieti, 26 settembre 2025)

Marcello Bonforte: "Senza titolo". Una astrazione che non rinuncia alla percezione volumetrica, che accompagna o contrasta con valori segnici e linee. Ciò che subito si impone al nostro occhio è proprio la volumetria; l'astratto avrebbe bisogno per prima della bidimensione, che qui viene negata, creando una superficie non piana ma articolata da chiaroscuri che lasciano percepire rilievi e sfaccettature. Su questo apparente sommovimento compaiono prepotentemente segni non aggiunti sopra, ma conseguenti alla genesi di quelle sfaccettature e rilievi.

La vitalità dell'opera è data dal gesto costruttivo dell'artista che, con la spatola, toglie colore dalla superficie per accumulare o diradare il materiale pittorico avendo l'occhio attento a quel che accade. Così, accanto ai segni che si presentano in direzioni diverse e con varia forza grafica, compaiono sottilissime linee che hanno valore di accompagnamento dei rilievi.

Evelina Cacciagrano: "Nebbie fra gli alberi". L'opera guarda un crepuscolo vicino alla notte. L'artista pone attenzione ad una colorazione attenta quasi monocromatica, ma ricchissima di impalpabili passaggi tonali. Toni che sono bassi, non cupi, quasi una musica di sottofondo che accompagna un clima sospeso, ma quieto e contemplativo. Ciò rende stringente la percezione che c'è dello spazio che viene scandito dai personaggi: quattro alberi, quasi fantasmatici. Essi sono sommersi nell'aria della notte e sono chiamati a scandire la distanza che li separa. Il primo, da solo e isolato è proprio vicino all'osservatore; i tre insieme ma divisi da distanze diverse tra loro, stabiliscono il quanto lontano da quello che si trova in una collocazione più avanzata.

Alfonso Camplone: "Ti guardo, mi vedo". Singolare il titolo di questa opera: una tecnica mista affidata ad un personaggio centrale che condiziona con la sua forza espressiva la superficie della tela. Nella inquadratura la figura femminile è la stessa essenza dell'opera. È lei a venirci incontro con l'energia del suo gesto, con la decisione del suo atteggiamento e soprattutto dalla forza di certe linee. La V dell'abito, il contorno frastagliato dei fianchi, la ricchezza dei contrasti cromatici tra gli scoppi energici del giallo e la quiete dei blu, chiamati spesso a definire la figura. Tutto questo ci attira verso l'interno dell'opera, tutta basata nel rapporto tra l'immobilità iconica della figura femminile e la dinamicità dei colori e del collage, che danno vita a variazioni cromatiche sui toni del giallo e del blu in contrasto con la luminosità del giallo.

Gabriella Capodiferro: "Altra terra altro mare". Una tecnica mista su tela di natura stratigrafica che impiega e rivela lo spazio temporale nel suo farsi opera. Uno spazio evocativo dove i materiali usati nei vari strati viene percepito come vita in trasformazione. Vita come accumulo di emozioni visive attraverso valori di trasparenze e sovrapposizioni. Ogni intervento gestuale-materico è un vissuto nel tempo. I materiali misti sono già composizione nel costruirsi come "corpo" materico nella successione dei vari interventi. Ciò diventa evento nel momento in cui la collocazione nel campo visivo lascia intuire il punto d'arrivo del suo andare. L'azzurro che occupa quasi tutta la superficie della tela, trattato pittoricamente stabilisce una nuova condizione percettiva grazie, alla sovrapposizione cromatica che ordina lo spazio della composizione con effetto di emersione e di immersione.

Isa Conti: "Connessioni". L'opera è incentrata su uno stile di geometrie tenute insieme dal movimento direzionale e dalla scansione ritmica sequenziale dei pieni e dei vuoti. I pieni appaiono sui gradienti rossi sul blu, mentre sul rosso i gradienti blu appaiono vuoti sul rosso. È un contrappunto che pesa troppo a destra. La parte rossa stando a destra si avvale sia del peso della collocazione che di quello del colore perché il rosso è caldo e il blu è freddo. Questi valori creerebbero un dissidio percettivo alternando senza sosta la priorità di un colore sull'altro.

Ma al centro accade un fatto nuovo: quattro linee sottili di colore giallo operano il miracolo di equilibrio tra la dualità delle forze. Il giallo assume il ruolo del paciere mettendo in stretta connessione le due aree cromatiche. Le sottili linee gialle cuciono saldamente insieme il blu ed il rosso. Il risultato che nella parte superiore le linee gialle partono dal rosso verso il blu e nella parte inferiore partono dal blu per arrivare al rosso. Un bilanciamento perfetto per rendere quieto il dissidio cromatico.

Simonetta D'Alessandro: "Andare". La ricerca dell'artista sulla percezione del movimento la spinge a cercare materiali espressivi particolari. In questo caso si tratta di carta "seta" sottile e lievemente colorata da incollare sulla tela con la tecnica del collage e dello strappo. Il tema linguistico prescelto in questo caso è la riflessione sul movimento unidimensionale della linea, cioè la direzione. La pura direzione significa il movimento dell'andare infinito e continuo senza soste. Ma qui le linee sono strisce di carta seta che hanno larghezza e lunghezza diverse, sono incollate sul supporto dopo strappi che hanno creato irregolarità nelle fasce.

Il supporto (tela) è stato dipinto e il colore trapassa sotto la carta incollata creando situazioni nuove di mescolanze secondo la capacità di assorbimento della carta. Tutto questo dare e avere tra colore, carta, colla e strappo fa del colore sottostante tante altre linee che liberamente si intervallano con quelle di carta. Cosicché le fasce di carta colloquiano con quelle del colore sottostante creando la percezione quasi di galleggiamento tra il movimento direzionale del colore e quello delle fasce, quasi ad evocare un vero proprio luogo territoriale.

Francesco D'Aponte; una spazialità quasi classica in questo "Orizzonte", ma al tempo stesso straniante. Forme e direzioni si contrastano in una spazialità ambigua e sospesa tra la bidimensionalità per quinte sul lato di sinistra, tridimensionale e volumetrico sul lato di destra. Però le due soluzioni simulano ambedue la percezione dello spazio. A sinistra si realizza una lontananza per quinte, dove le forme più grandi costruiscono un primo piano spinto, o piano americano, e a destra più piccole collocate sul piano più arretrato ribadito dalla presenza dell'orizzonte. A destra abbiamo una lontananza che penetra tridimensionalmente nel paesaggio che deforma prospetticamente la via verso l'orizzonte. Da un lato il percepire una scena evocativa della bellezza naturale del paesaggio, dall'altro il mistero di una strada che non si sa da dove viene e dove andrà.

Laura De Lellis, "Distacco". Qui abbiamo una pitto-scultura, presentata in scenografico allestimento, realizzata usando oggetti trovati e presentati secondo una nuova visione. Un'aggregazione di pittura materica sopra e di scultura in legno alla base. Elementi staccati tra loro, collegati dal fil rouge della connessione concettuale che l'artista ha concepito per dare alla fetta di legno un valore estetico e contenutistico del tutto diverso. Un oggetto che porta le tracce di un precedente vissuto e un'altra funzione ed ora viene presentato all'interno di un contesto altro: la creazione di una composizione visiva che si basa sulla percezione dello spazio-tempo. Il pannello creato ad hoc oggi, viene "colorato" da limature di ottone, "altri oggetti trovati" incollati sulla sua superficie. Sul pannello resta un vuoto tondeggiante di un oggetto? Da li una colatura di materiale indica il basso della parete, dove troviamo un tondo di legno dipinto: è questo che ha lasciato la sua traccia? La relazione tra le parti racconta una storia di un prima e un dopo, un evento appunto spazio-temporale.

Conchita De Palma; "Veliero", una girandola o un moto perpetuo attorno a un baricentro che suggerisce una spazialità profonda e misteriosa? L'artista si muove in una ricerca di movimento percettivo della forma, dando priorità alle suggestioni cromatiche. Le quali sono proposte come scansioni sequenziali di toni. I timbri tonali, sulle ali dell'oggetto, presentano un percorso bidimensionale, per l'affiancamento degli uni agli altri che accentuano il moto dell'oggetto. Queste sequenze propongono così un controcanto rispetto alla visione di un baricentro nel quale il rapporto cromatico diventa quasi chiaroscurale e scava una percezione di profondità spaziale. La centralità del rapporto della forma con la superficie della tela calcola le leggi del moto con estrema efficacia e suggestione emotiva. Così facendo smuove l'immaginazione. E l'oggetto cambia la sua identità: è forse un'elica che è immersa nel mare?

Liliana Di Giovine; un Dittico questo dove i rimandi compositivi giocano sulla struttura del quadrato rispettando gli assi centrali che si intersecano al centro. Tale struttura definisce da subito due direzioni: sulla verticale l'alto e il basso e sulla orizzontale sinistra destra. Su queste direttrici da un punto esterno della sinistra della composizione si entra nella scena e si esce sulla destra. Sulla verticale si trovano la massa blu-verde in alto con il suo volume e in basso la massa giallo-arancio. L'asse centrale orizzontale dirime il movimento di una larga fascia azzurra e blu che fluisce sempre da sinistra verso destra, contenente al suo interno sequenze ritmiche di linee che trattengono lo sguardo. Quanto è rappresentato è reso pittoricamente da un impasto cromatico ricco di luminosità e di ombre, in armonia col sistema compositivo dei contrappunti intorno alla struttura assiale della composizione.

Marilena Evangelista: "Instabile equilibrio". Il rapporto compositivo tra linea forma e superficie esprime una essenzialità visiva che può superficialmente definirsi come geometria. In realtà ogni elemento presenta un suo carattere e una sua necessità di essere. La linea non è solo direzione, ma decresce nel suo andare indicando un tempo di trasformazione nello spazio e nel tempo. Alla linea è affidata una missione: superare la barriera della forma. Infatti la linea attraversa la forma finendo in un punto infinito della superficie dove il colore, non piano, segna una spazialità oltre che dilata il colore percettivamente al di là della stessa superficie. È in questo momento che si accentua la sensazione del pendolare instabile del romboide che resta come appeso alla linea che lo attraversa.

Marco Iannetti: "Non mi abbandonare al mio silenzio". La gestualità libera del segno-colore viene a costruire un colloquio strettissimo con l'orientamento della superficie e la collocazione degli interventi pittorici l'orientamento verticale di per se esalta la decisione segnica dell'azzurro, luce dell'opera e orizzonte che non interrompe la continuità spaziale tra alto e basso. Questa collocazione comporta uno scendere verso il basso nella tela, con una caduta lieve ma al tempo stesso drammatica, di segni e trasparenze che da quell'azzurro estraneo alle tonalità degli ocra si dipanano proprio da quell'azzurro che si perde totalmente nel tutto. Una volta tornati alla base sentiamo la spinta emozionale di tornare a quell'azzurro, così luminoso quanto carico di tensione e di energia.

Rosa Lisanti; una tavola di legno chiaro naturale accoglie una sequenza di oggetti: "I miei fiori". La scansione spaziale organizzata strutturalmente secondo fasce orizzontali indica con chiarezza l'entrata e l'uscita di questo andare sinistra-destra. Questo moto, sinistra-destra, appare scandito con regolarità rispetto alle forme grandi o piccole. Ma il raggruppamento improvviso che compare nella sola fascia centrale rallenta il nostro andare e crea una pausa. Una pausa non disturbante perché ci fa percepire un luogo chiuso, una sorta di giardino segreto. A questa percezione ci porta il colore naturale del legno che è l'anima stessa di questa composizione, mentre la scansione cromatica delle altre fasce esalta e sostiene questo messaggio di semplicità e poesia.

Teresa Michetti: "Wilson Street". Mostra lo spaccato di un interno in una casa, un bagno, con forme distorte. Un luogo dove tutto appare provvisorio e sospeso. Un racconto del luogo ben identificabile come soggetto. La mente riconosce l'entità delle forme, ma il colore e l'incongruità delle forme, così irrazionalmente deformate, entrano in contraddizione ed evocano altro da sé. Siamo in un ambito di surrealtà espressionistica dove gli oggetti narrano una storia altra. Storia di azioni vissute come una vita misteriosa degli oggetti stessi. La composizione della scena diviene allora fondamentale. La figura, cioè quella che viene incontro allo spettatore è la porta vista dall'interno. La disposizione dei bianchi dei blu e dei rossi sono estranei sia agli oggetti che al luogo. Essi sono veicolo del nostro guardare dentro quello spazio e quel racconto.

Annamaria Natale: "Presenza assente". Da subito mente e occhio si trovano in conflitto. L'icona di una donna c'è, la mente ha l'esperienza razionale per vederla. La mente ha certezza di quello che ha visto in linea generale; l'occhio compie un percorso del tutto diverso. Segue la distribuzione delle distanze tra le linee, il loro accumulo o la loro diradazione, le deformazioni delle altre forme presenti tipo cerchi, ovali. Da qui le due visioni elaborano un dato: la forma umana appare presente solo attraverso tutto quanto elencato risultando assente perché è vuota della sua consistenza strutturale. Le linee creano spazialmente un piano dietro la figura e sotto la stessa. Hanno costruito spazialità indicando che la donna è seduta in un lugo intimo della casa. Le linee sul corpetto direzionate liberamente costruiscono volume. I pois con la giusta collocazione della distorsione stabiliscono chiaramente che la donna è seduta. I colori presenti nell'opera creano un effetto optical di grande suggestione emozionale.

Graziella Parlione: "Il bosco rosso". Il dipinto presenta con nitidezza un tema sotteso a negare il vero. Il bosco è presente nella sua essenza di elementi strutturali (alberi) che riempiono l'intera superficie. La loro collocazione e dimensione stabilisce subito da quale punto di vista siamo entrando nel mistero del bosco. A destra una serie di forme indicano un percorso che raggiuge un secondo livello spaziale che spinge nel buio di un colore tonalmente più scuro. La scena è cromaticamente condotta con un tonalismo che dimostra chiaramente che non è necessario per la visione ricorrere al nero e quindi all'effetto tipico del chiaroscurale. La tonalità cromatica può paragonarsi a quella musicale; un Do può essere basico ma anche diesis e bemolle (più squillante o più cupo) e così un solo rosso può essere calibrato nello stesso modo di una nota musicale.

Antonio Rucci: "Energia cromatica". I colori parlano della loro natura, la forza espressiva della loro purezza sia per l'intensità che la modalità di non lavorarli troppo. Non sono impastati nella tavolozza ma sono essi stessi struttura delle singole forme e clima emozionale di questo interno. Con il colore in modo diretto e immediato è modellato lo sfondo. Mantenendo evidenti i gesti e le tracce del pennello il colore crea la superficie sulla quale sono gli oggetti, il colore disegna le forme e le ombre, il colore parla prima di ogni altra cosa alla nostra sensibilità percettiva. Dunque per l'artista è assolutamente prioritario rispettare le forze e la vitalità del colore e per esprimere al di la delle forme l'energia vitale dell'essere.

Paola Santilli: "Due donne". Linea, segno e forma sono le componenti che costruiscono una composizione dell'opera come luogo dove regna prioritario il carattere interiore dei due personaggi. Il colore è il veicolo unico e solo per scoprire la personalità e lo stato d'animo delle due donne o delle due ragazze? Ciò non è importante perché modellazione e scelte cromatiche parlano della profondità diversissima del loro essere. A sinistra il blu dell'intelletto e dello spirituale, definito in questi termini da Kandinsky nello "Spirituale dell'arte" e cupezza generale dell'altra i cui capelli arancio danno la voglia di essere partecipe della vita. I segni aggiungono conferme alle due personalità come l'orientamento delle teste. Il tutto è accompagnato da un giallo-arancio un po' vissuto e sottomesso alla forza del primo piano.

Nicoletta Testa: "Oltre l'apparente". Un oggetto ben conosciuto da tutti. Usato viene gettato via se si è piegato o sporcato o strappato. Oggetto comune che ha una sua precisa funzione. Ma qui la funzione è altra. Un rosso quasi araldico, un contrasto abissale con i colori che disegnano le forme dell'oggetto. Colore, collocazione, supporto e forma sono protagonisti di una visione sul mondo e sulla vita nel suo quotidiano diventano simbolo di un significato altro e sicuramente si richiamano alla esperienza della pop art senza la denuncia del consumismo, ma alla condizione umana di un quotidiano che non rende facile a molti il vivere. Questo significato diverso viene raggiunto dal timbro naturale di uno speciale pigmento rosso che l'artista prepara a colla di volta in volta. Il tono è caldo ed evocativo dando profondità e morbidezza.

Daniela Visco: "Baleno". La soluzione compositiva è tutta nella modellazione del colore che nei punti chiave presenta un imprevisto acuto gestuale. L'impasto cromatico è giocato su un rapporto chiaroscurale di due colori preminenti, il verde e il bruno nelle due tonalità di ocra e della terra bruciata, mentre il verde subisce cambiamenti con mescolanze della sola ocra. Questa scelta di tema cromatico le permette una modellazione direttamente sulla tela, ma soprattutto permette l'aumento o la diminuzione del corpo del colore. Fondamentale dunque diventa il gesto e il farsi della composizione, e qui è ben chiaro l'andamento del gesto per determinare il movimento presente nell'opera: da alto a destra nella oscurità dove un gesto energico e un colore luce hanno iniziato il percorso per spegnersi scendendo verso sinistra in un clima più luminoso e meno cupo.

- Presentazione di Maria Gabriella Savoia (Mantova, 17 settembre 2025)

"Dal prossimo 25 ottobre al 13 novembre 2025 la Galleria Arianna Sartori di Mantova nella sede di Via Ippolito Nievo 10, ospita una importante mostra organizzata da "M.G.C. Movimento del guardare creativo" a cura dalla straordinaria Gabriella Capodiferro intitolata "La. Mostra collettiva dei Soci. Guardare per Vedere". Trattasi di un percorso organizzativo nuovo, nato dalla collaborazione del M.G.C. nella persona di Gabriella Capodiferro, artista di valore e instancabile ideatrice e fondatrice del gruppo con la Galleria "Arianna Sartori". L'idea fondante si basa soprattutto sul desiderio di diffondere cultura, grazie alla possibilità di organizzare rassegne espositive nelle diverse gallerie italiane. Non un limitante iter espositivo di opere che viaggiano "da chiodo a chiodo", piuttosto un vero e proprio progetto culturale che viene fortemente condiviso con Arianna Sartori.

La Galleria "Arianna Sartori" ha già ospitato negli anni scorsi, con grande successo, alcune mostre personali di Gabriella Capodiferro ed anche una prima mostra del Movimento M.G.C, proprio da questo fortunato incontro, è dapprima nato un rapporto di stima profonda, e con il tempo di amicizia e posso dirlo un sincero affetto che ci ha permesso di condividere pensieri e intendimenti culturali, e la decisione di una operativa collaborazione con il Movimento M.G.C. Gli artisti Alfonso Camplone, Marcello Bonforte, Maria Gabriella Capodiferro, Evelina Cacciagrano, Isa Conti, Simonetta D'Alessandro, Francesco D'Aponte, Laura De Lellis, Concita De Palma, Liliana Di Giovine, Marilena Evangelista, Marco Iannetti, Rosa Lisanti, Teresa Michetti, Annamaria Natale, Graziella Parlione, Antonio Rucci, Paola Santilli, Nicoletta Testa, Daniela Visco, sono gli interpreti di questa nuova collettiva dei Soci.

Il Movimento, promuovendo cultura dentro e fuori la Regione Abruzzo, è giunto a realizzare nel 2014 la sua prima Arte no caste, con il patrocinio del comune di Pescara nello spazio espositivo dell'ex Aurum - l'Officina delle Idee, cui hanno partecipato artisti provenienti da varie regioni italiane. La seconda Arte no caste vede il Movimento impegnato a L'Aquila, nel 2016, con la sponsorizzazione del comune di L'Aquila e nell'ambito delle manifestazioni della Perdonanza Celestiniana, dove sono esposte anche opere di fotografia. La terza edizione, nel 2024 si realizza ad Atri (Teramo), città rica di arte e cultura, nello spazio prestigioso delle scuderie del Palazzo dei Duchi D'Acquaviva e la sede del Comune.

Gli artisti giungono anche dall'Armenia e dal Messico oltre che da varie regioni italiane. I critici che hanno sostenuto l'attività del Movimento fin dall'inizio sono: la professoressa Maria Cristina Ricciardi, il professor Leo Strozzieri e la dottoressa Chiara Strozzieri. Siamo grati al Movimento del Guardare Creativo, che per questa seconda collettiva dei Soci ha scelto la Galleria di Arianna Sartori per la qualità dell'impegno culturale e l'amore autentico che la stessa esprime verso l'arte e gli Artisti. Essa è luogo di incontri e confronti, aperto e ricco di stimoli. È qui che il Movimento ha scelto di essere presente, dopo poco più di un decennio di promozione di mostre collettive di artisti italiani e stranieri". (Comunicato stampa)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Opera di Liliana Di Giovine
2. Opera di Marilena Evangelista
3. Opera di Alfonso Camplone
4. Opera di Conchita De Palma

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Paola Esposito / Elena Rizzardi | "Alchimie tra fibra e materia"
18 ottobre (inaugurazione) - 06 novembre 2025
Galleria "Arianna Sartori" - Mantova
Presentazione mostra

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Domenico Dell'Osso e Paolo Gheda
"La linea d'ombra"

25 ottobre (inaugurazione) - 15 novembre 2025
Gare82 - Brescia
www.gare82.net

Doppia mostra personale di Domenico Dell'Osso e Paolo Gheda. Il progetto esplora due percorsi artistici distinti che si incontrano in un unico spazio espositivo, offrendo al visitatore un dialogo tra materia, luce e introspezione. Le opere dei due artisti, pur differendo per linguaggio e tecnica, condividono una riflessione sul modo in cui percepiamo il tempo e reagiamo alla complessità del presente. La mostra propone due modalità di esperienza: una più concettuale e meditativa, l'altra più narrativa e introspettiva, alternando osservazione e contemplazione. La linea d'ombra diventa così uno spazio in cui la materialità dei supporti e la delicatezza delle emozioni si incontrano, creando un percorso di lettura multipla e partecipata delle opere.

Domenico dell'Osso (Bari, 1975) presenta un lavoro in cui la pittura diventa un racconto introspettivo incentrato sull'"omino", figura simbolica e autobiografica che rappresenta l'artista stesso e le sue riflessioni sul vivere contemporaneo. Nella serie L'inerzia dell'epoca contemporanea, l'omino arretra dalla scena, ridotto a spettatore disarmato di fronte al caos del presente, alle crisi e ai conflitti che travolgono il mondo. Come afferma l'artista, egli "resta basito in un angolino", consapevole dei limiti della volontà individuale nel generare bellezza e bene comune.

Le nove tele recenti, affiancate da tre opere del 2021, delineano un percorso interiore che attraversa il silenzio del lockdown, la rinascita della speranza e la consapevolezza che solo l'amore può sanare le fratture dell'esistenza. Con un linguaggio pittorico essenziale e meditativo, Dell'Osso trasforma la propria fragilità in metafora collettiva, offrendo un momento di contemplazione sul tempo presente.

Paolo Gheda (Brescia, 1973) con la sua ricerca indaga la relazione tra luce, superficie e percezione, esplorando come la luce plasmi lo spazio visivo e trasformi la materia in esperienza sensoriale. Le opere, realizzate in legno e cemento, si presentano come superfici monocrome in cui la materia diventa insieme struttura e poesia. Attraverso rilievi e variazioni di spessore, l'artista costruisce campi visivi che reagiscono alla luce, mutando con il punto di vista e le condizioni ambientali. Le ombre, generate dalle modulazioni della superficie, rivelano la dimensione temporale e percettiva insita nella materia.

Pur richiamando l'arte cinetica, Gheda non ricerca l'illusione del movimento, ma una riflessione sulla soglia tra visibile e invisibile, tra presenza e assenza. Le sue opere si offrono come spazi di contemplazione, dove cemento e legno, materiali concreti e silenziosi, diventano strumenti per indagare la luce, che si fa sostanza del pensiero e misura del tempo. (Testo critico a cura di Federica Picco)

Immagini:
1. Domenico Dell'Osso, L'inerzia dell'epoca contemporanea. 6, 2024, cm 25x30
2. Paolo Gheda, Ghedagramma, 2025, cm 80x60

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Quantum Art. Oltre il visibile
08 novembre 2025 (inaugurazione ore 18.30) - 21 marzo 2026
Fondazione Dino Zoli - Forlì
www.fondazionedinozoli.com | www.csart.it

Nell'Anno Internazionale della Scienze e delle Tecnologie Quantistiche, proclamato dalle Nazioni Unite per celebrare i 100 anni dalla nascita della meccanica quantistica, i confini tra scienza e arte si dissolvono nella mostra. Un invito a scoprire le leggi nascoste che governano l'universo attraverso la lente dell'arte contemporanea, capace di trasformare teorie complesse in esperienze visive e sensoriali. Curata da Nadia Stefanel, la mostra porta per la prima volta in Italia i video degli artisti Giacomo Costa, Vincenzo Marsiglia e Leonardo Petrucci, presentati in anteprima a Singapore in occasione del Gran Premio di Formula 1, unitamente ai lavori di Giuliana Cunéaz e degli artisti di base a Singapore Ina Conradi & Mark Chavez.

La mostra Quantum Perspective: The Art of Interference - tenutasi dal 1 al 7 ottobre 2025 presso The Arts House di Singapore e inserita nel calendario ufficiale dell'Unesco dedicato all'Anno Internazionale della Scienze e delle Tecnologie Quantistiche e nel programma Grand Prix Season Singapore - viene proposta a Forlì in una versione arricchita e ampliata, che comprende anche alcune opere tridimensionali di Andrea Cereda e Amanda Chiarucci, nonché i progetti degli artisti Camilo Bojaca, Elena Nemkova e Semiconductor, provenienti da Bienno Borgo Artisti 2.0, progetto di residenza ideato da Cinzia Bontempi.

Interferencia di Camilo Bojaca affronta il tema della meccanica quantistica da una prospettiva estetica, realizzando cubi con mine di grafite o fotografie che rappresentano le intersezioni e la molteplicità di realtà che possono coesistere nello stesso tempo e spazio. CLOUD_States of mind di Andrea Cereda invita l'osservatore ad immergersi nello spazio fluttuante, quasi respirante, dell'installazione e lo stimola ad una riflessione sulla mutevolezza dei pensieri e dei conseguenti stati emotivi, in relazione anche al cloud digitale.

Prima di fiorire di Amanda Chiarucci è un riferimento esplicito agli antichi principi dello Yin e dello Yang, in dialogo con le attuali riflessioni filosofiche della fisica quantistica: forze opposte in realtà complementari ed interdipendenti, in cerca di un equilibrio armonico e dinamico. Quantum Logos di Ina Conradi & Mark Chavez è una proiezione immersiva che richiama la sovrapposizione ondulatoria attraverso luce e movimento, trasformandosi in una meditazione visiva sull'incertezza e sulla creazione.

Circuit n.1 di Giacomo Costa intreccia la velocità della Formula 1 con l'incertezza quantistica, trasformando la città in un circuito di rivelatori di particelle luminose. Quantum Quirks di Giuliana Cunéaz, dove le forme in trasformazione incarnano la bellezza dell'incertezza e traducono i paradossi della meccanica quantistica in immagini giocose e coinvolgenti.

Stroboscopic Star di Vincenzo Marsiglia fonde la fisica quantistica con la concentrazione della Formula 1, trasformando probabilità e movimento in geometrie, colori e luci ritmiche, ispirate alla telemetria e alle oscillazioni quantistiche. My imperfect land -1 di Elena Nemkova unisce nella composizione "terre" e manufatti lontani tra loro - come ambra, alghe, cristalli, pigmenti provenienti da luoghi remoti - che non avrebbero mai potuto incontrarsi se non attraverso l'artista, che diventa quindi il loro punto di contatto e di reciproca trasformazione, richiamando i paradossi dell'entanglement quantistico.

Inside the Box di Leonardo Petrucci fonde il paradosso di Schrödinger con la Night Race, trasformando l'incertezza in una meditazione artistica sulla realtà. 20Hz di Semiconductor, lavorando con i dati raccolti dal sistema radio CARISMA e interpretati come audio, che successivamente producono forme tangibili e scultoree tramite tecniche di programmazione personalizzate, vuole sondare i limiti della nostra percezione e interrogare la nostra esperienza di tali fenomeni invisibili.

«Il progetto - spiega la curatrice Nadia Stefanel - non vuole semplicemente esporre opere d'arte, ma mira a dissolvere i confini tra discipline tradizionalmente separate e incoraggiare una consonanza tra approccio scientifico ed espressione artistica. L'Arte, in questo contesto, non è semplicemente una rappresentazione delle emozioni umane, ma diviene un mezzo potente per tradurre idee scientifiche complesse in forme visive ed esperienziali. Questo approccio non solo rende accessibili complicati temi scientifici, ma promuove anche un dialogo più profondo tra scienza ed esperienza umana, creando una piattaforma per la riflessione e l'ispirazione, invitandoci a riconsiderare il nostro ruolo nell'universo». (Estratto da comunicato stampa CSArt - Comunicazione per l'Arte)

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Lorenzo Brinati
"Non rendere il visibile, ma rendilo visibile"

22 ottobre (inaugurazione dalle 18.00 alle 20.00) - 28 novembre 2025
Cadogan Gallery - Milano
cadogangallery.com

La prima personale nella sede milanese dell'artista italiano Lorenzo Brinati (Pistoia, 1979), nella quale verrà esposta una serie di nuove opere dalla forte matericità, carattere distintivo dell'artista. La mostra invita a una riflessione su come un oggetto o una scena non esistano solamente come entità fine a sé stesse, ma come rivelazione di ciò che le origina, ciò che muove quella realtà.

Gilles Deleuze in Logica della sensazione ribadì come nelle opere d'arte (o nella vita) non esistano solo forme e oggetti, ma forze ed energie che li generano. Come molte culture antiche sapevano già, le nostre azioni nascono dai pensieri, quello che facciamo genera conseguenze: pensieri, emozioni, intenzioni sono “forze invisibili” che guidano comportamento umano e realtà. L'Arte invita a rendere visibile l'invisibile, a catturare queste forze che plasmano la realtà; da Raffaello ad oggi, ci mostra ciò che non si vede ma che determina ogni relazione e azione nel mondo, ricordandoci il ruolo centrale dell'uomo nella creazione e comprensione della realtà.

Con la scultura e la sua arte pittorica Lorenzo Brinati cerca di catturare e rendere percepibili queste forze, mostrando non solo ciò che si vede, ma ciò che lo genera, alla ricerca di completezza, purezza e una luminosità nascosta, appagando i sensi e facendo della comprensibilità dell'anima il suo obiettivo più profondo. (Comunicato stampa)

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Sintesi: Il Suggestivo Viaggio Lunare di Milva Bacchelli
Tra Cielo e Terra: L'Essenza di Antonella Catini

18 ottobre (inaugurazione) - 02 novembre 2025
Ranarossa 3.0 GALLERY - Modena
www.exibart.com/evento-arte/milva-bacchelli-sintesi-antonella-catini-tra-cielo-e-terra

Doppia mostra personale di Antonella Catini e Milva Bacchelli, artiste che, ognuna con la propria visione, rendono omaggio ai temi del paesaggio visivo e inconscio attraverso una esperienza visiva e sensoriale.

Milva Bacchelli, con "Sintesi", ci conduce in un suggestivo viaggio lunare, evocando attraverso tonalità di bianchi, grigi e vari azzurri e blu, la vastità e la quiete dei paesaggi astrali. Le sue tele, con densità cromatiche corpose, creano un'atmosfera di contemplazione e silenzio, invitando il visitatore a immergersi in una dimensione di bellezza e introspezione.

Antonella Catini, con la sua esposizione "Tra Cielo e Terra", ci invita a esplorare un universo di emozioni e visioni stratificate, dove il confine tra il reale e l'irreale si dissolve attraverso una vibrante espressione pittorica. Le sue opere, caratterizzate da un impatto visivo audace e un uso intenso del colore, riecheggiano le dinamiche della vita quotidiana, trasformandosi in spazi di contemplazione e riflessione.

_ Sintesi: Il Suggestivo Viaggio Lunare di Milva Bacchelli

La mostra personale di Milva Bacchelli, "Sintesi", si offre come un'esperienza visiva incantevole, un viaggio sensoriale attraverso paesaggi che evocano l'immensità e la solennità della Luna. Le opere, caratterizzate da impasti cromatici densi e corposi, conducono lo spettatore in un universo di tonalità eteree, dove il bianco, il grigio e le sfumature di azzurro e blu si intrecciano in una danza di luci e ombre. Bacchelli ci invita a esplorare una dimensione lunare, un luogo di mistero e contemplazione, dove ogni tela sembra racchiudere l'essenza di un paesaggio astrale in continua trasformazione.

I suoi strati di colore, sapientemente amalgamati, non sono solo un mezzo espressivo ma diventano veicolo di emozioni primordiali, riflettendo la ricerca di un equilibrio tra il vasto e l'intimo. Questa mostra non è semplicemente una raccolta di opere, ma un'ode all'essenzialità e alla purezza del paesaggio. I bianchi puri e i blu profondi evocano cieli notturni e superfici lunari, mentre le texture corpose suggeriscono la presenza di materia e di vita, donando a ciascun pezzo una qualità quasi tattile.

L'artista riesce a trasmettere il senso di un silenzio profondo e avvolgente: un invito a fermarsi, ad ascoltare e a contemplare. In "Sintesi", la scelta di utilizzare tonalità fredde non allontana, ma avvicina, creando un'atmosfera di intimità e introspezione. I paesaggi lunari di Bacchelli diventano specchi dell'anima, rappresentazioni di stati d'animo che oscillano tra l'incanto e la riflessione. Ogni opera si presenta come una finestra aperta su un universo che invita a sognare e a viaggiare oltre il visibile, dove il confine tra realtà e fantasia si dissolve.

Milva Bacchelli, con la sua ricerca artistica, propone una profonda meditazione sulla bellezza del cosmo e sulla nostra posizione all'interno di esso. In un'epoca in cui il frastuono del quotidiano sovrasta il silenzio delle cose, "Sintesi" emerge come un faro di luce e serenità. È un invito a perdersi nei propri pensieri e a riconnettersi con l'infinito, un'opportunità per abbracciare l'ignoto e riconoscere la magia che si cela in ogni forma di vita. In questa mostra, ogni tela è una tappa di un viaggio che continua, una sintesi di esperienze, emozioni e visioni che ci conducono verso un'illuminazione personale, rendendo l'arte di Milva Bacchelli una celebrazione della meraviglia del mondo e del nostro posto in esso.

_ Tra Cielo e Terra: L'Essenza di Antonella Catini

La mostra personale di Antonella Catini, intitolata "Tra Cielo e Terra", si presenta come un affascinante viaggio tra le dimensioni della realtà e dell'immaginazione, un'esperienza sinestetica che trascende la semplice osservazione visiva. In questo corpus di opere, l'artista esplora il concetto di paesaggio sia fisico che metaforico, interrogandosi sulle interconnessioni tra gli elementi naturali e l'ambiente urbano in continua trasformazione. Le tele di Catini si caratterizzano per una tessitura di segni dinamici, un uso audace di colori intensi e una materia vibrante, che cattura l'attenzione e invita lo spettatore a una riflessione profonda.

Ogni opera è un atto di presenza, un gesto pittorico che racchiude l'essenza di un vissuto complesso, articolato nei contrasti tra il caos urbano e la serenità della natura. Le sovrapposizioni di colori e forme evocano un mondo denso e stratificato che rivela il conflitto e l'armonia che si annidano nel quotidiano. In "Tra Terra e Cielo", l'artista si fa mediatrice di un dialogo costante tra elementi apparentemente opposti: la solidità della Terra e l'evanescenza del Cielo.

I suoi paesaggi non sono semplici rappresentazioni del reale, ma piuttosto visioni in cui il tempo si fa palpabile, gli spazi pittorici oscillano tra astrazione e figurazione, offrendo un'esperienza che invita alla contemplazione e all'ascolto delle immagini interiori. La gestualità espressiva di Catini rievoca l'intensità dell'action painting, pur conservando una costituzione strutturata che rimanda a una concezione quasi architettonica del dipinto. Le sue tele, ricche di impasti materici e tracce segniche, rivelano un dialogo tra tensioni estetiche e dinamiche emotive con riferimenti a spazi naturali e urbani. Questo incontro tra realtà e astrazione crea una dimensione di sospensione, dove il caos trova la propria bellezza in una sorta di ordine intuitivo.

Ogni opera diviene un invito a esplorare la complessità dell'esperienza umana: le inquietudini, le gioie e le sfide quotidiane si riflettono non solo nei colori e nei segni, ma anche nel modo in cui sono disposti sulla tela. Questo approccio non solo stimola l'immaginazione, ma alimenta anche una riflessione sulla nostra relazione con l'ambiente, siano essi gli spazi naturali che quelli costruiti dall'uomo. In conclusione, "Tra Terra e Cielo" non è solo una mostra, ma un invito a immergersi in un viaggio visivo e sensoriale che trascende il tempo e lo spazio, le opere di Antonella Catini offrono uno sguardo profondo sull'esistenza, sul nostro sentire e vivere l'ambiente che generosamente ci ospita. (Comunicato stampa)

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Le immagini che conservo
Opere fotografiche dalla Collezione Malerba

19 ottobre 2025 (inaugurazione) - 24 gennaio 2026
fON Art Gallery - Fondazione OELLE Mediterraneo Antico - Acicastello (Catania) www.fondazioneoelle.com | Locandina della mostra

Dalla Sicilia ottocentesca alle sperimentazioni internazionali più recenti: la mostra curata da Andrea Elia Zanini racconta la visione di un collezionismo attivo, emozionale e aperto al futuro con un viaggio visivo attraverso due secoli di fotografia. La Fondazione OELLE Mediterraneo Antico ETS presenta un progetto espositivo a cura di Andrea Elia Zanini, che raccoglie una selezione di opere dalla collezione fotografica di Alessandro Malerba, tra i più attenti collezionisti italiani nel campo dell'immagine contemporanea. Inaugurazione con l'appuntamento conviviale "Colazione in Fondazione", pensato per avvicinare l'arte alla vita quotidiana.

In mostra ci sono circa 100 opere fotografiche che attraversano oltre due secoli di storia, dalle prime visioni ottocentesche della Sicilia al linguaggio globale della fotografia contemporanea. La collezione si apre con rare immagini della Sicilia del Grand Tour, firmate da Giorgio Sommer, Giuseppe Incorpora, James Anderson, Giovanni Crupi - testimonianze visive della nascita dell'identità moderna del Sud Italia. Seguono i grandi maestri italiani del secondo Novecento: Gabriele Basilico, Luigi Ghirri, Guido Guidi, Mimmo Jodice, Massimo Vitali, tra gli altri - interpreti di un'Italia urbana, intima, attraversata da tensioni culturali e trasformazioni sociali.

Ampio spazio è dedicato allo sguardo internazionale, con un nucleo importante di fotografia giapponese (Nobuyoshi Araki, Daido Moriyama, Naoya Hatakeyama) e occidentale (Thomas Struth, Thomas Ruff, Philip-Lorca diCorcia, Edward Weston), che riflette l'interesse di Malerba per la fotografia come linguaggio globale. La mostra include anche le opere delle giovani fotografe Giulia Iacolutti e Alessandra Leta, vincitrici del Premio Mila per la Fotografia Contemporanea, promosso dal Fondo Malerba, nato nel 2004 per sostenere la nuova generazione di artisti visivi.

«Collezionare è stato per me un modo per ascoltare il tempo in cui vivevo» - afferma Alessandro Malerba in un'intervista contenuta nel catalogo della mostra - «non un gesto di possesso, ma di adesione. La fotografia mi ha permesso di tenere insieme emozioni, visioni e storie. Condividerle oggi significa restituire tutto questo alla collettività.»

Questa esposizione si inserisce in una più ampia visione della Fondazione OELLE, che promuove la cultura visiva contemporanea e il dialogo tra memoria e presente. Con "Collezione in Fondazione" la Fondazione OELLE rinnova il proprio impegno nel trasformare il collezionismo in un gesto culturale aperto, condiviso e accessibile. Nata dall'idea di restituzione e condivisione del patrimonio culturale privato, questa iniziativa porta per la prima volta al pubblico una parte significativa della Collezione Malerba.

«Ho sempre sentito l'importanza di un archivio di memoria familiare: una cappelliera vintage piena di ricordi, polaroid, stampe 15x18, negativi. Oltre 20 album - racconta Ornella Laneri, presidente della Fondazione OELLE - che raccolgono le memorie di generazioni, attimi rubati, rullini di viaggi, matrimoni interrotti, vite spezzate, comunque memorie per sempre.E chissà che non sia per questo legame indissolubile che ho chiesto ad Alessandro Malerba - un visionario che ha scelto proprio la fotografia per la sua importante collezione - di entrare nel mondo OELLE con "Collezione in Fondazione".

Alessandro ha accettato questa sfida, che è divenuta un viaggio di ricerca all'interno della sua incredibile collezione: quelle immagini selezionate che saranno per sempre, permettendoci di ricordare e di tramandare, che hanno il potere di NON permetterci di dimenticare, mi hanno commosso, rimandandomi a memorie, alcune delle quali non mie, con una forza che solo la fotografia ha il potere di esprimere.»

«La Collezione Malerba, che nella sua totalità comprende oltre mille opere - conclude il curatore Andrea Elia Zanini - si distingue non tanto per la ricchezza quantitativa, quanto per la coerenza di uno sguardo che attraversa epoche e geografie diverse, con l'intento non solo di documentare e custodire una memoria, ma anche di suscitare domande e aprire dialoghi.» (Comunicato ufficio stampa Valentina Lucia Barbagallo)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Thomas Ruff, Portraits, 1983-85
2. Tommaso Cuccioni, Colosseo, albumina, 1855 circa
3. Giuseppe Incorpora, Veduta di Acicastello da Acitrezza, albumina, 1855 circa

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Antonio Beato
"Ritorno a Venezia"

15 ottobre 2025 - 12 gennaio 2026
Museo Fortuny - Venezia
www.studioesseci.it

A quasi duecento anni dalla nascita di Antonio Beato (ca. 1835-1905/1906), una mostra a uno dei protagonisti più significativi della fotografia ottocentesca. L'esposizione ripercorre il lungo viaggio del fotografo veneziano attraverso l'Oriente e il Mediterraneo, andata e ritorno, offrendo una lettura inedita del suo lavoro pionieristico, messo in dialogo con le opere di altri autori che, nel corso della seconda metà del XIX secolo e fino ai nostri giorni, hanno raccontato gli stessi luoghi. Una collocazione perfetta quella della casa-atelier di Mariano Fortuny: uno spazio dove arte, viaggio e sperimentazione visiva si intrecciano, creando un incontro fecondo tra l'approccio analitico di Beato e lo sguardo più intimo e sensibile di Fortuny. Due autori accomunati da una curiosità intellettuale verso l'altro e una straordinaria capacità di narrare il mondo.

Non ultimo, dall'utilizzo del mezzo fotografico - tra i campi di sperimentazione artistica di Fortuny - e dalla comune conoscenza e attrazione per l'Oriente e la cultura islamica. Antonio Beato, fratello di Felice, fu tra i primi fotografi europei a stabilirsi permanentemente in Medio Oriente. Tra il 1860 e il 1880 documentò con straordinaria precisione, in particolare, l'Egitto, catturando paesaggi, architetture e siti archeologici di un mondo allora pressoché sconosciuto all'Occidente. Le sue immagini, raccolte in album pregiati o come singole stampe, entrarono nelle collezioni dell'élite europea, contribuendo a costruire un immaginario visivo sull'Oriente che anticipò la nascita della fotografia documentaria.

La mostra si articola in quattro sezioni. La prima, Il Mediterraneo, corrispondente agli anni di formazione, è dedicata ai viaggi che Antonio e Felice Beato, insieme al cognato James Robertson, compiono tra il 1854 e il 1857, con base a Costantinopoli, verso Atene, Malta, Gerusalemme e il Cairo. È un periodo breve ma fondamentale, icui i due fratelli consolidano la loro tecnica fotografica e gettano le basi per il loro futuro percorso artistico. La seconda sezione, Le guerre, accoglie le immagini che i fratelli Beato e James Robertson realizzano tra il 1855 e il 1859 nei teatri di guerra in Crimea e in India. Si tratta di scatti intensi e talvolta disturbanti, che testimoniano il nascere del reportage di guerra, oscillando tra attrazione estetica e crudezza documentaria e presentando all'Europa del XIX secolo una finestra rara e preziosa su un Oriente ancora in gran parte sconosciuto.

Il cuore della mostra è rappresentato dalla terza e più estesa sezione, Gli anni egiziani, che documenta il lungo soggiorno di Antonio Beato in Egitto, dal 1860 al 1905. Le fotografie sono organizzate per località e affiancate da disegni delle planimetrie dei principali siti archeologici, in un percorso ideale che dal Cairo risale il Nilo fino alla Nubia. Queste mappe rivelano i monumenti non come entità isolate, ma come parte integrante del paesaggio e del contesto culturale che li accoglie. In questa sezione spiccano gli scatti di luoghi iconici come Luxor, Abu Simbel, Il Cairo e Giza, accostati a immagini di altri autori che propongono prospettive sorprendenti, sia coevi come Pascal Sébah e Félix Bonfils, sia dello scorso secolo come l'emblematica fotografia della grande piramide di Cheope realizzata da Lee Miller nel 1938, il cui sguardo profondo attraversa i grandi eventi del XX secolo lungo le coste del Mediterraneo, creando un ponte ideale tra il documentarismo di Beato e le innovazioni visive del secolo successivo.

La quarta e ultima sezione, Dopo Beato, propone una riflessione sulle trasformazioni dello statuto disciplinare della fotografia. Qui il dialogo si apre agli sguardi di autori contemporanei che operano in Egitto, come Anthony Hamboussi, Paul Geday, Denis Dailleux e Bryony Dunne. Le loro immagini raccontano un Cairo in continua trasformazione, esplorando le sfide e le evoluzioni sociali, culturali e politiche della capitale egiziana.

Completa questa sezione la piccola sala laterale dedicata al viaggio in Egitto di Mariano Fortuny e Henriette Nigrin nel 1938. Vi sono esposti fotografie, taccuini e schizzi che raccontano un Egitto sospeso tra tradizione e modernità, con scorci al tempo meno noti come l'oasi di El-Fayyum, Abu Simbel e Wadi Halfa, immortalati attraverso volti, mercati e scene quotidiane. Questi documenti visivi influenzarono profondamente l'arte tessile di Fortuny, che reinterpretò motivi decorativi egizi nei suoi celebri velluti stampati, dando vita a un dialogo senza tempo tra Oriente e Occidente.

Accanto a questi materiali, una video-intervista a Italo Zannier, grande storico della fotografia, chiude idealmente il percorso: un ritorno sull'opera dei fratelli Beato a quarant'anni dalla prima mostra veneziana, a Ikona Gallery, che ne riafferma la centralità nella storia della fotografia. La mostra presenta una selezione di stampe originali provenienti da prestigiose istituzioni internazionali, tra cui Archivi Alinari, Fondazione di Venezia, Lee Miller Archives e il Museo Egizio di Torino, affiancate da riproduzioni fotografiche di collezioni come il Getty Research Institute di Los Angeles, la National Gallery of Art di Washington e la New York Public Library. Attraverso questo percorso visivo che abbraccia epoche e sguardi differenti, il pubblico è invitato a intraprendere un viaggio ricco di riflessioni, dove la fotografia diventa un potente strumento di conoscenza e riscoperta di un Oriente in costante evoluzione.

A corollario dell'esposizione, è stato redatto un raffinato catalogo a cura di bruno. Questo volume, oltre a documentare le opere esposte, segna un momento fondamentale per l'istituzione: esso inaugura la nuova linea editoriale del Museo, uno strumento essenziale che andrà a definire con coerenza e chiarezza l'identità, la visione e l'approccio curatoriale delle future mostre e pubblicazioni. (Comunicato ufficio stampa Studio ESSECI)

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Mariarosaria Stigliano
"Urbis somnia"

24 ottobre (inaugurazione) - 08 novembre 2025
Galleria Edarcom Europa - Roma
www.edarcom.it

Mostra personale di Mariarosaria Stigliano (Taranto, 1973) a cura di Francesco Ciaffi e Alice Crisponi. Come suggerito dal titolo, il tema centrale dell'esposizione sarà, nel solco dell'ormai nota sensibilità dell'artista, un percorso tra le atmosfere notturne della città, luogo che, nelle luci e nei gesti di Mariarosaria Stigliano, diventa oggetto di sogni e allo stesso tempo soggetto sognante. Francesco Ciaffi, in catalogo, scrive che "La dimensione onirica, che in passato ha avuto come fonte di maggior ispirazione le città del Nord Europa, in questo ciclo più che in altri, si nutre di scorci ben noti di Roma, città d'elezione dell'artista, con una affascinante attenzione a delinearne i contorni e le architetture".

Gli fa eco Alice Crisponi che, sempre in catalogo, osserva che "In queste opere la presenza umana prostra la propria individualità al cospetto della dimensione storico-urbana circostante, cede ogni protagonismo e le storie del singolo si fanno corale partecipazione a un principio più comunitario di cui la città è artefice". La mostra è inserita nel calendario degli eventi della decima edizione della Rome Art Week e proprio a Roma, con alcuni scorci più o meno noti e magicamente rappresentati, è dedicato un ampio nucleo di opere realizzate appositamente per questo importante appuntamento. (Comunicato stampa)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Mariarosaria Stigliano, Campo dei Fiori, 2025, olio, pigmenti e smalti su tela cm 50x70
2. Mariarosaria Stigliano, Colosseo, 2025, olio, pigmenti e smalti su tela cm 30x40
3. Mariarosaria Stigliano, Tenera è la notte, 2025, olio, pigmenti e smalti su tela cm 30x40

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Daniele Mazzoleni
"Quello che mi piace"

28 ottobre - 03 novembre 2025
Spazio Quattrocento - Opificio 31 - Milano
danielemazzoleni.com | www.morinostudio.com

Daniele Mazzoleni inaugura un nuovo ciclo pittorico che segna una tappa decisiva della sua ricerca artistica. Una produzione imponente e vitale, attraversata da una forza immediata che sorprende e coinvolge, capace di trasformare l'esperienza del vedere in rivelazione. Il critico e curatore Federico Caloi definisce questo percorso "Human Pop": non semplice ripresa dei codici della Pop Art, ma un linguaggio autonomo in cui gli oggetti del desiderio diventano archetipi universali. «La pittura di Mazzoleni - scrive Caloi - non è rappresentazione, ma epifania: ci costringe a riabitare la soglia tra l'oggetto e la sua risonanza interiore, tra la materia e la sua vibrazione immaginativa».

Biciclette mai possedute ma sognate, automobili che raccontano aspirazioni e conquiste, viaggi indimenticabili, luoghi iconici e simboli generazionali: ogni elemento evocato nelle sue opere diventa memoria condivisa, frammento di vissuto che appartiene tanto all'artista quanto allo spettatore. È un'arte che restituisce all'immagine la sua densità simbolica, riportandola al valore originario di esperienza e di emozione. In questo senso, lo Human Pop di Mazzoleni si distingue dalla superficie levigata del Pop convenzionale per aprirsi a una dimensione vitale e generativa. Come ricorda Caloi, «l'opera non mostra solo un'immagine, ma istituisce un luogo, un orizzonte in cui l'esperienza del mondo diventa di nuovo autentica».

Un'arte che celebra la bellezza e la luce, che invita a riappropriarsi del desiderio senza colpa, che riporta al centro la possibilità di vivere i momenti con pienezza. La tecnica pittorica, nutrita da anni di sperimentazione con resine e materiali innovativi, si fonde qui con la sensibilità del narratore visivo: l'immagine nasce da un'attenta ricerca iconografica, si struttura nella pittura e si compie con il tocco inconfondibile della resina epossidica, cifra stilistica che amplifica luce e colore. Le opere in mostra, di grande formato e accompagnate da una selezione di lavori in edizioni limitate, si distinguono per la forza cromatica e l'uso sapiente della resina, che amplifica la brillantezza delle superfici e conferisce profondità agli elementi rappresentati.

Le immagini, tratte da ricordi personali e da icone condivise, spaziano da scene legate all'infanzia a simboli di libertà e spensieratezza, fino a rimandi al viaggio e alla cultura popolare. Un mosaico di visioni che non si limita a rievocare, ma restituisce allo spettatore la possibilità di riconoscersi e di ritrovare emozioni proprie. Un progetto che, come scrive ancora Caloi, «intreccia autobiografia e collettività, restituendo all'immagine il suo potere originario di creare legame».

Daniele Mazzoleni (Milano, 1970) si forma tra architettura, design e arti visive. Dopo l'esperienza con il brand Neroacciaio (2006), che lo porta a unire artigianato, materiali innovativi e design, ritorna alla pittura come forma privilegiata di espressione. La sua ricerca, segnata dall'uso delle resine e da una costante tensione tra gesto pittorico e sperimentazione materica, affronta temi che spaziano dall'attualità alle simbologie collettive. Nel 2023 presenta il ciclo dei ritratti "Tra la perduta gente", a cura di Luca Cantore D'Amore, alla Galleria Cru de Art di Milano, e nel 2024 partecipa a Unfair Milano con un solo show. Le sue opere, definite dall'artista come Human Pop, mirano a raccontare emozioni universali attraverso immagini archetipiche e vitali, capaci di intrecciare biografia e immaginario collettivo. (Comunicato ufficio stampa Morino Studio)

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Stefano Chiassai
"Incantamento"

25 ottobre (inaugurazione) - 08 febbraio 2026
Complesso di Sant'Agostino - Pietrasanta (Lucca)

Oltre 100 opere compongono il percorso - a cura di Gianluca Ranzi - caratterizzato da lavori, fra cui molti inediti, su carta, arazzi, oggetti di design e sculture che hanno in comune quella trama, quel motivo, quello stile che contraddistingue il disegno di Stefano Chiassai, dal tratto fresco, dinamico e divertente. L'artista ha la capacità di raccontare tematiche di attualità, vicende legate alla politica nazionale e internazionale, alla società in costante mutamento, all'orrore della guerra, alle urgenze ambientali, a frammenti di vita, attraverso colori sgargianti e forme vivaci, in maniera lineare e trasparente, arrivando in maniera diretta a chi le guarda. Nel suo esercizio quotidiano di riportare fatti ed eventi non esistono ripensamenti, emozioni e considerazioni vengono impresse in maniera diretta sulla carta, sollecitando empatia e pensiero critico.

Di spiccata creatività sono gli Sgorbis, spesso protagonisti delle opere, creature immaginarie sospese fra il mondo reale e fantastico, personaggi e animali inventati, folletti, oggetti surreali fluttuanti, che rappresentano attitudini positive dell'animo umano e incarnano i capisaldi dell'universo artistico di Chiassai, sempre orientato verso un futuro migliore. L'esposizione nasce come progetto site-specific ideato per creare un dialogo con i diversi ambienti e offrire un'esperienza immersiva, capace di suscitare richiami tra passato e presente, tra vissuto individuale e memoria collettiva.

Lungo l'imponente navata trovano perfetta collocazione gli arazzi di grandi dimensioni, anche oltre due metri, che raccontano la contemporaneità in maniera visionaria. La loro tessitura, eseguita a telaio jacquard, restituisce le forme in maniera vivida e vibrante. Fili e trame affrontano temi impegnati legati alla storia, all'attualità, alla società, all'ecologia e alla pace come si osserva in "Senza memoria non c'è futuro", "Dedicato alle donne ed alla libertà", "Giulia e tutte le altre", "Bee...Bee...Bee...e il loro mondo incredibile", "Bla Bla Bla solo pace" e sono affiancati da lavori che descrivono momenti più leggeri e gioiosi come il passare del tempo e delle stagioni in "Primavera" e in "Sgorbis Positivity" o legati allo sport e ai suoi valori nelle opere "Le Olimpiadi", "L'Italia è in Davis".

Nel coro, che conclude la navata, si incontrano gli "Alieni": quattro figure antropomorfe imponenti e magnetiche, sospese tra memoria tribale e immaginari futuri. Realizzate in stampa 3D, queste sculture si presentano con corpi identici nella struttura ma differenti nei gesti. Minime variazioni di braccia e gambe creano ritmo, velocità e movimento, suggerendo un processo di mutazione ed evoluzione continua. La loro presenza austera e silenziosa invita a riflettere sull'essere e sull'apparire, sul reale e sull'artificiale e la texture che li ricopre, definita dall'artista "una pelle tatuata", ricca di simboli, parole e disegni riconduce a valori universali quali Future, Peace, Hope, Dream, Humanity, Equality, Love, concetti imprescindibili del suo fare arte.

A completare la sezione, un video documenta le fasi del processo creativo, offrendo ai visitatori l'opportunità di conoscere da vicino l'artista, il suo universo immaginifico e le fasi che hanno portato alla creazione di alcune opere, dove fantasia e rigore si intrecciano dando forma a visioni potenti e concrete. Nella Sala del Capitolo ci si immerge in un ambiente trasformato dalla visione creativa e dall'inconfondibile cifra stilistica Stefano Chiassai, qui un'installazione di arazzi e oggetti della quotidianità - tappeti, abiti e sedute - dialogano tra loro e creano un forte coinvolgimento nel visitatore.

La Sala dei Putti accoglie invece una selezione della nota serie di disegni a pennarello iniziata nel 2020 con il "Diario di un Lockdown" e tutt'ora atto, collocati su una pannellatura in stoffa animata dagli Sgorbis, portatori di un messaggio positivo e di speranza. Sono inoltre presenti opere su carta che l'artista realizza quotidianamente da anni, utilizzate come matrice per la creazione degli arazzi. In esse linee, colori, scritte e figure compongono un linguaggio denso e stratificato, che lasciano emergere il travolgente carisma della sua caleidoscopica poetica.

Il percorso coinvolge anche gli spazi esterni dove, nella piazzetta del campanile, svetta la monumentale scultura intitolata Rispetto che si presenta come un'esortazione alla gentilezza e alla convivenza. Alta tre metri e mezzo e realizzata in bronzo, l'opera si sviluppa come un'anima silenziosa della natura: rami intrecciati, fiori, occhi, mani, bocche e simboli si combinano in un totem contemporaneo e floreale, che con linguaggio semplice esprime accoglienza, ascolto, diversità ed equilibrio. In cima alla scultura, la parola "rispetto" funge da epigrafe e mantra, che ripetendosi fino alla base, invita a prestare maggiore attenzione a ciò che ci circonda, un appello a seguire questa linea come stile di vita. Accompagna la mostra un esaustivo volume con testo critico di Gianluca Ranzi pubblicato da Dario Cimorelli Editore.

Artista, fashion designer, art director, autore, Stefano Chiassai si forma all'istituto d'arte di Firenze. Nel 1980 crea il suo marchio "Stefano Chiassai", nel 1987 la sua idea di moda rappresenta lo stile italiano alla Biennale Giovanile di Barcellona; dal 1988 al 2000 è docente di "Menswear Fashion Design" al Polimoda di Firenze. Nel 1995, insieme alla moglie Alessandra Dall'Anese, fonda la "SCS Studio Chiassai". Dall'inizio degli anni 2000 disegna diverse linee menswear a livello internazionale, in un dialogo fondato su un'estetica tra tradizione artigianale e nuove tecnologie.

Dal 2009, grazie anche al supporto del suo team, diventa il designer della linea di abbigliamento "Fendi Uomo". Nel tempo, l'artista toscano colleziona 20.000 capi vintage, custoditi oggi presso lo spazio "TheCube Archive": luogo di incontro tra stilisti, artisti, musicisti, studenti e creativi desiderosi di dialogare. Fra le più prestigiose e recenti esposizioni in spazi pubblici si ricordano: Galleria Comunale d'Arte Contemporanea, Arezzo, 2022; ADI Museum, Milano, 2023; MAD Murate Art District, Firenze, 2023; Museo del Tessuto, Prato, 2025. Importanti pubblicazioni accompagnano le innumerevoli attività di Chiassai, tra cui si ricordano i libri di Silvana Editoriale e di Dario Cimorelli Editore. (Estratto da comunicato Ufficio stampa mostra IBC Irma Bianchi Communication)

Immagine:
Stefano Chiassai, Il sogno... e la luce, 2025

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Katsumi Nakai. Volare Alto
16 ottobre 2025 - 30 gennaio 2026
Studio Gariboldi - Milano
www.studiogariboldi.com

Quindici opere degli anni Sessanta e Settanta dell'artista giapponese. Katsumi Nakai (1927-2013), figura chiave nel dialogo artistico tra Giappone e Italia, dopo aver fondato il gruppo d'avanguardia Tekkeikai, nel 1964 approda a Milano. Qui, nel clima artistico e culturale della città, incontra Lucio Fontana, che segna profondamente la sua ricerca. Inserito nella "Nuova Scuola di Milano", sviluppa un linguaggio visivo originale tra spazio, luce e movimento. (Comunicato di presentazione)

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MUNCH. La rivoluzione espressionista
30 ottobre 2025 - 01 marzo 2026
Centro Culturale Candiani - Mestre (Venezia)

Edvard Munch, oltre Munch. Una mostra per raccontare l'uomo del suo tempo, che vive e lascia un segno nella società. Introspettivo certo, ma anche partecipativo; solo, nella sua inquietudine, ma non isolato; tanti i suoi legami con autori, artisti, letterati contemporanei - Ibsen fra tutti, di cui illustra le opere teatrali - che concorrono alla formazione del suo pensiero, alla sua rivoluzione grafica e iconografica, la sua vita. Munch è specchio della cultura mitteleuropea e cittadino del mondo; tra i lunghi viaggi e soggiorni a Parigi, in Germania, in Belgio, in Italia, in una Europa esplosiva, raccoglie le tra le influenze del Simbolismo e Postimpressionismo per poi lasciare il suo inconfondibile segno: eredità e contaminazioni raccontate in mostra nelle opere di Franz von Stuck, Odilon Redon, Pierre Bonnard, Félicien Rops, James Ensor, Max Klinger e Arnold Böcklin, Arturo Martini, Adolf Wildt.

E poi, le nuove sonorità pittoriche, lo spirito nordico che entra in Europa e influenza le secessioni di Monaco, Vienna, Berlino, di cui Munch è protagonista, influenzando la seconda generazione di autori: Otto Dix e Max Beckmann. Ne L'urlo contemporaneo riverbera la lezione di Munch e le ricadute nella sensibilità degli autori del Novecento; dal primo dopoguerra con Renato Guttuso, Zoran Musič, Emilio Vedova, fino alle tragedie dell'attualità nelle opere di Brad Kahlhamer e Tony Oursler, Marina Abramović, Shirin Neshat, vive testimonianze dei nostri giorni.

MUNCH. La rivoluzione espressionista - a cura di Elisabetta Barisoni - è l'ultimo capitolo di una rassegna di mostre di MUVE che, partendo da capolavori delle collezioni di Ca' Pesaro dei maestri dell'arte moderna e contemporanea, ne racconta le contaminazioni, le prossimità, il proprio tempo, le vicende artistiche e soprattutto, l'eredità contemporanea attraverso il Novecento. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Leonor Fini e la collezione grafica Bassi Rathgeb
Segni e invenzioni dal Rinascimento al Novecento

22 novembre 2025 - 15 marzo 2026
Museo Villa Bassi Rathgeb - Abano Terme (Padova)
www.museovillabassiabano.it

Esposizione che offre al pubblico un percorso tra 80 opere tra disegni e stampe, realizzati tra il XVI e il XX secolo. La mostra, a cura di Giovanni Bianchi, Raffaele Campion, Barbara Maria Savy e Federica Stevanin porta nelle sale del Museo Villa Bassi Rathgeb un percorso che attraversa circa cinque secoli, dal Rinascimento alla seconda metà del Novecento, di cui fanno parte da un lato 55 opere provenienti dalla raccolta grafica della collezione del Museo, donata al Comune di Abano Terme tra il 1972 e il 1980 da Isabella Hübsch, vedova di Roberto Bassi Rathgeb, e dall'altro un corpus di lavori recentemente donati dall'ambasciatore Ugo Gabriele de Mohr, tra le più importanti donazioni mai fatte al Museo, che comprende, accanto a 24 opere grafiche di Leonor Fini, anche 14 dipinti e disegni di Cesare Tallone e del figlio Guido.

La prima parte del percorso, nei suggestivi ambienti dell'ipogeo, si articola in 7 sezioni tematiche: tra i disegni di maggiore pregio lo Studio per il piccolo Cupido dormiente recentemente restituito alla paternità di Bernardino Campi, maestro di Sofonisba Anguissola, il foglio con Cinque levrieri, firmato da Giandomenico Tiepolo, due "macabri" Capricci di scheletri produzione di Paolo Vincenzo Bonomini, e due progetti del periodo russo di Giacomo Quarenghi rappresentante del disegno di architettura e interprete del neoclassicismo tra Settecento e Ottocento.

Il percorso prosegue con una Scena da "Il Bravo" di Francesco Hayez, massimo esponente del Romanticismo, tratta dal romanzo storico di James Fenimore Cooper, alcuni paesaggi di Giovanni Migliara e artisti contemporanei dell'ambiente lombardo - molto amati da Roberto Bassi Rathgeb -, e una sezione dedicata al ricco nucleo di acqueforti dell'olandese Adriaen van Ostade, autore di vivaci scene di genere. E ancora, acqueforti tratte da disegni e dipinti di Tiziano, Jacopo Bassano, Guercino, Giuseppe Zais, Pietro Longhi; legato al tema dell'acqua, così importante per una realtà come Abano Terme, è Il bagno delle ninfe firmato da Andrea Andreani, derivato dalla xilografia di Ugo da Carpi su disegno originale del Parmigianino. Conclude il percorso una selezione di opere di Cesare Tallone e Rinaldo Agazzi, a sottolineare il ruolo del Museo come custode e promotore della cultura artistica lombarda, in linea con la storia della sua collezione.

La seconda parte del percorso, allestito tra le sale affrescate del piano nobile, è interamente dedicata al corpus di opere grafiche di Leonor Fini, realizzate nel corso del Novecento: 24 opere su carta tra fotolitografie e incisioni. Pur vicina ai Surrealisti, la pittura di Fini trae ispirazione dal Manierismo italiano, dai maestri fiamminghi e dal Romanticismo tedesco, rimanendo sempre autonoma dalle correnti dominanti. Le Composizioni grafiche, presenti in mostra, delineano la poetica dell'artista che, sebbene in dialogo con i principali movimenti e protagonisti della sua epoca, è sempre rimasta libera da influenze e categorie.

Al fine di tracciare la figura di Leonor Fini tra arti visive, musica e teatro in mostra, grazie alla collaborazione con l'Archivio Storico delle Arti Contemporanee della Biennale di Venezia, sarà esposto il bozzetto di scena originale dell'Orfeo, eseguito dall'artista per l'atto unico di Roberto Lupi presentato nel 1951 al Festival Internazionale di Musica Contemporanea della Biennale. Una selezione di fotografie provenienti sempre dai fondi archivistici della Biennale di Venezia documenterà la produzione di Fini quale costumista per il medesimo spettacolo.

La mostra è accompagnata da un catalogo scientifico, edito da Dario Cimorelli, che comprende saggi e schede delle opere curate dai membri del Comitato scientifico composto dal conservatore museale Raffaele Campion, dai docenti del Dipartimento dei Beni culturali Giovanni Bianchi, Mari Pietrogiovanna, Barbara Maria Savy e Federica Stevanin e dalle storiche dell'arte, esperte di cultura figurativa dell'Otto-Novecento, Silvia Capponi ed Elena Lissoni. Il catalogo conta inoltre sui contributi di Silvia Arzuffi, Chiara Bombardini e Claudia Caramanna. (Comunicato staampa Lara Facco P&C)

___ Presentazione di precedenti mostre di Leonor Fini pubblicate nella newletter Kritik

Leonor Fini segreta | Ceramica e Pittura, Note e Profumi
10 aprile (inaugurazione ore 10) - 03 luglio 2022
MIDeC / Museo Internazionale del Design - Laveno-Mombello (Varese)
Presentazione

Leonor Fini. Memorie triestine
06 ottobre (inaugurazione) - 04 novembre 2021
Istituto Italiano di Cultura di Parigi
Presentazione

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Wolfgang Laib
"Touching the Essential"

03 ottobre 2025 - 04 ottobre 2026
Kunsthaus Zurich
www.kunsthaus.ch | www.liarumma.com

Il Kunsthaus Zürich, in collaborazione con l'artista tedesco Wolfgang Laib (Metzingen, 1950), presenta una mostra di opere di Laib insieme a una selezione di lavori della collezione del Kunsthaus, nell'ambito della serie "ReCollect!". Laib è considerato uno degli artisti più importanti del nostro tempo ed è stato protagonista di numerose esposizioni in prestigiosi musei, gallerie e edifici storici in Europa, negli Stati Uniti e in Asia.

A partire dalla fine degli anni Settanta, Wolfgang Laib ha sviluppato un linguaggio artistico assolutamente personale. Utilizza materiali naturali come polline, cera d'api, latte e pietra per creare opere attraverso le quali, per usare le parole di Harald Szeemann, egli "rivela spazi interiori immensi attraverso i più piccoli gesti scultorei". I contenuti della sua arte si sono sviluppati sullo sfondo di diverse tradizioni letterarie, filosofiche e spirituali, in particolare provenienti dall'Europa e dall'Asia. Dal punto di vista formale, Laib adotta un linguaggio chiaro ed essenziale, strettamente legato all'evoluzione dell'arte moderna, soprattutto in Europa e negli Stati Uniti.

Negli ultimi anni Laib ha talvolta installato le sue opere in importanti spazi ecclesiastici in Italia, dove si sono confrontate con architetture e opere d'arte che vanno dal VI secolo al Rinascimento. Ora, per la prima volta, simili incontri "trans-storici" con le opere di Wolfgang Laib hanno luogo all'interno del museo nell'ambito della serie "ReCollect!", mettendosi in dialogo con straordinari capolavori della Collezione, dal Medioevo al XX secolo. Questi accostamenti aprono una nuova prospettiva sia sull'arte di Laib sia sulle stesse collezioni del Kunsthaus.

La mostra è ospitata al primo piano dell'edificio Müller, uno spazio che nei prossimi anni sarà costantemente dedicato al dialogo tra la Collezione e l'arte contemporanea. Laib conosce la Collezione del Kunsthaus fin dall'infanzia - la sua influenza su di lui si affianca a quella del Museum Rietberg, che ha visitato spesso. In linea con il concetto di "ReCollect!", Wolfgang Laib ha agito sia come artista sia come curatore, sviluppando la mostra in dialogo con Philippe Büttner, Senior Curator Collection, che già nel 2005 aveva curato una grande retrospettiva dedicata a Laib presso la Fondation Beyeler.

Wolfgang Laib (Metzingen, Germania, 1950), vive e lavora tra il sud della Germania, il sud dell'India e New York. Dopo gli studi in medicina presso l'Università di Tübingen si dedica alla pratica artistica creando sculture e installazioni che sembrano collegare passato e presente, l'effimero e l'eterno, utilizzando materiali organici semplici ma altamente simbolici, solitamente associati al sostentamento, come polline, latte, cera d'api e riso. La sua prima grande mostra istituzionale si è tenuta al Musée d'art moderne de la ville de Paris (1986). In seguito è stato protagonista di numerose mostre personali.

La sua più grande opera in polline è stata installata nell'atrio del MoMA di New York nel 2013. Nello stesso anno, la prima installazione permanente dell'artista, una stanza di cera d'api, è stata inaugurata alla Phillips Collection di Washington e nel 2014, ha realizzato una camera permanente sotterranea di cera d'api lunga 40m, nello studio La Ribaute di Anselm Kiefer a Barjac. Nel 2023 il Kunstmuseum Stuttgart gli dedica una personale e presenta il documentario "Wolfgang Laib: Here, Now and Far Beyond". (Estratto da comunicato stampa)

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Paola Esposito / Elena Rizzardi
"Alchimie tra fibra e materia"

18 ottobre (inaugurazione) - 06 novembre 2025
Galleria "Arianna Sartori" - Mantova
info@ariannasartori.eu

In mostra - a cura di Arianna Sartori - è possibile ammirare alle pareti 14 opere di Elena Rizzardi e al centro della sala 8 sculture di Paola Esposito. La forma del contenuto, tra materia e sostanza, costituisce sia il piano espressivo che quello distintivo di un'opera. Questi elementi, interdipendenti e in relazione tra loro, formano una struttura complessa che consente la comunicazione. In sintesi, l'alchimia tra fibra e materia, è un concetto che parla di innovazione, sperimentazione e ricerca di nuove possibilità espressive attraverso la fusione di elementi diversi, creando opere che siano sia esteticamente affascinanti che concettualmente stimolanti.

_ Paola Esposito nasce come pittrice per approdare alla scultura con la quale afferma definitivamente la sua estetica. Dopo la Maturità Artistica si specializza nelle tecniche della modellazione e nella lavorazione del marmo. Frequenta modellazione e decorazione ceramica presso la Scuola Cova di Milano. La sua scultura esprime volumi consistenti, plasticità concreta carica di temperamento. Abbina il PMMA-plexiglas, precedentemente utilizzato nelle applicazioni di design, alle sculture creando velature che enfatizzano il significato delle opere.

La continua ricerca porta ad un'evoluzione verso tecniche di forgiatura del materiale termoplastico su matrici di argilla appositamente modellate. L'innovativo connubio argilla/plexiglas diventa infine carattere distintivo di ogni opera. Membro dell'Associazione Liberi Artisti della Provincia di Varese ALAPV. Con significativo riscontro di pubblico e critica ha partecipato a numerose Mostre collettive e personali in Italia e all'Estero oltre a prestigiose Fiere d'Arte.

_ Elena Rizzardi (Besnate - Varese, 1962) consegue il diploma di maturità artistica negli anni ottanta. Fin dall'età di sei anni ha manifestato il desiderio di dipingere partecipando a corsi di pittura. Elena Rizzardi, artista lombarda di grande talento interpretativo, scopre prestissimo la propria inclinazione verso l'arte, prediligendo inizialmente l'uso di olio e acrilico per dare sfogo all'esigenza di raccontarsi e svelarsi nelle sue tele; successivamente e anche in virtù della sua professione di arredatrice d'interni, alla fine anni 90 si avvicina all'Informale Materico usando tessuti d'arredamento, materiali riciclati, stucchi e gessi.

Nel corso della sua carriera di arredatrice di interni ha collaborato con architetti e designers di fama internazionale e ha potuto unire le sue due passioni per dar vita a uno stile personale apprezzatissimo dai collezionisti, infatti le sue opere sono esposte presso showroom e residenze private di prestigio soprattutto all'estero: Singapore, Dubai, New York, Londra, Lisbona, Atene, Ginevra, Lugano, Cannes - dandole la possibilità di abbinarle a grandi spazi con arredi di design moderno, coordinandole con colori e materiali personalizzati e amalgamandole con l'arredo stesso. Nel corso degli anni ha partecipato a numerose mostre Personali e Collettive Fiere internazionali e ricevuto premi e riconoscimenti sia in Italia che all'estero.

Le sue opere sono pubblicate su volumi d'arte storicizzati e edizioni specializzate nel mondo dell'arte, collaborando con scrittori e Critici di fama internazionale. Ad oggi collabora con gallerie d'arte e associazioni del mondo dell'arte partecipando da circa 30 anni a mostre collettive e personali sia nazionali che estere, distinguendosi per la sua caratteristica tecnica con materiali sempre più ricercati e riciclati, dando nuova vita attraverso forme e colori. (Comunicato stampa)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Opera di Elena Rizzardi
2. Opera di Paola Esposito

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Vlad Tepes, Dracula: Storia, Leggenda, Attualità
10 ottobre (inaugurazione) - 14 novembre 2025
Museo Postale e Telegrafico della Mitteleuropa - Trieste

La mostra ripercorre le tappe della vita e del regno di Vlad III di Valacchia, conosciuto come Dracula, dal nome patronimico "Draculea", letteralmente "figlio del drago". All'interno del percorso espositivo si possono ammirare molti cimeli riguardanti il leggendario Conte Dracula, spesso avvolto da mistero e aneddoti oscuri, e protagonista di uno dei romanzi gotici più iconici e conosciuti "Dracula" di Bram Stoker. L'esposizione è curata dall'Associazione culturale di amicizia italo-romena Decebal.

Vlad Tepes, nato a Sighisoara, in Transilvania, nel 1451, fu regnante della Valacchia, noto senz'altro per i macabri metodi adottati in battaglia ma comunque molto rispettato dai suoi sudditi, apprezzato come stratega e combattente e per il profondo senso della giustizia che lo caratterizzava, come riportato dalle cronache del tempo. La sua figura, al crepuscolo del XIX secolo, ha fortemente ispirato il protagonista del celebre romanzo epistolare dell'irlandese Bram Stoker che lo ha reso celebre raccontandolo al grande pubblico come il raffinato e poetico vampiro che tutti conoscono.

La mostra vuole essere un percorso che intreccia documenti storici, riproduzioni artistiche, oggetti, francobolli, cartoline, pubblicazioni, cartine geografiche originali del tempo, e crea suggestioni letterarie; si approfondiscono così due dimensioni parallele: Vlad Tepes il sovrano medievale che combatté contro l'Impero Ottomano e che ancora oggi divide storici e studiosi, e il mito immortale, il Conte Dracula che tutti conosciamo, nato dalla penna di Bram Stoker e divenuto icona della cultura popolare con influenze nel cinema, nella musica, nell'arte e nella moda. L'allestimento immersivo darà la possibilità al visitatore di esplorare una delle figure più affascinanti e controverse della storia europea, scoprendo come realtà e finzione abbiano dato vita ad un mito senza tempo. (Comunicato stampa)

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Allison Katz
"Foundations"

03 ottobre - 29 novembre 2025
Galleria di Gió Marconi - Milano
www.giomarconi.com

Nuova personale di Allison Katz con la speciale partecipazione di Edna Katz Silver. In questa nuova mostra, una delle figure più rilevanti della pittura contemporanea mette in discussione il mito dell'artista e la sua definizione come voce autonoma. Per farlo, Katz invita la nonna paterna, l'artista novantenne Edna Katz Silver, a includere una serie di ricami dinamici realizzati nell'ultimo decennio come parte integrante della mostra. «Osservando più da vicino ciò che è sempre stato presente nella mia mente», spiega l'artista, «ho invitato Edna a condividere con me questa mostra personale, dando forma a uno scambio reciproco iniziato quasi dieci anni fa, quando per la prima volta le chiesi di realizzare una composizione a punto croce basata sulla mia firma».

La firma, motivo ricorrente in molte opere di Katz, rappresenta una chiave iconografica fondamentale della mostra e della sua pratica artistica: un indizio sottile che permette di indagare quali tratti del suo passato biografico si siano trasmessi, intenzionalmente o meno, nella sua arte. Katz coinvolge nel suo percorso anche il suo storico gallerista Gió Marconi. Attraverso immagini tratte da foulard e cornici realizzati dagli antenati di Marconi - una discendenza di corniciai e produttori di tessuti divenuti mercanti d'arte - l'artista solleva interrogativi sull'eredità del gusto, sulla vocazione e sullo status sociale.

Per Katz, tuttavia, la cornice e l'ornamento non sono soltanto rimandi biografici, ma occasioni per riflettere su ciò che costituisce la base stessa della pittura. «Il profilo della cornice rappresenta le prime quattro linee di qualsiasi immagine», afferma. «Inquadrare significa interrompere l'infinito, estrarre la trama della vita dal continuum». Lo stesso accade con il formato arabesco del foulard decorativo: disegnato ai margini, avvolge e provoca, oppure lascia vuoto il centro.

Sovrapponendo fonti eterogenee - materiali fotografici personali, giochi di parole, memorie e riferimenti provenienti dalla cultura visiva moderna, i nuovi dipinti di Katz si spingono oltre i confini di un albero genealogico pittorico, configurandosi come una riflessione sulle condizioni originarie della pittura. «Non esiste una tela bianca», osserva. «Qualcosa è sempre già presente: a partire dall'inconscio, fino ai mattoni del nostro DNA, alle condizioni strutturali, ai corpi delle persone amate, ai fantasmi di chi non c'è più. Tutte queste forze danno forma a piaceri e paure; una sorta di autoritratto non creato dal sé. Le fondamenta sono i nostri inizi, radicati sotto terra - ed è lo stesso termine (in inglese almeno) che si usa per indicare ciò che può accadere alla fine, con la costruzione di un'eredità».

Foundations è una raccolta variegata, interconnessa e intergenerazionale di nuove opere. Come sempre, Katz utilizza lo spazio espositivo come occasione per dare vita a un corpus inedito e per comporre un allestimento che favorisca nuove connessioni e interpretazioni. Il luogo, l'architettura e il contesto dell'esposizione sono parte integrante del suo processo, che amplia il suo ricco vocabolario di temi attingendo a fonti tangibili (elementi architettonici e d'archivio) e invisibili (sociali e personali). In Foundations, l'artista riprende alcuni dei suoi motivi consolidati e riconoscibili in nuove forme, accanto a esplorazioni in materiali inediti: bronzo, manifesti in seta stampata e cornici d'artista realizzate a mano in collaborazione con il padre. (Comunicato ufficio stampa Lara Facco P&C)

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Heidi Specker
"Liftvan Triest"

02 ottobre (inaugurazione) - 12 novembre 2025
Trieste Contemporanea - Trieste
www.triestecontemporanea.it

L'esposizione dell'artista tedesca Heidi Specker rende omaggio alla vita e all'opera di Aenne Biermann (1898-1933), una delle figure più rilevanti della fotografia tedesca degli anni Venti. Frutto di una profonda ricerca artistica e storica, la mostra si sviluppa attorno a due luoghi simbolici: Gera, dove visse la Biermann, e Trieste, scelta come sede espositiva per la sua valenza storica. Infatti, dopo la morte della fotografa, un container contenente migliaia di suoi negativi salvati dal marito per essere spediti in Palestina fu confiscato dai nazisti a Trieste. Di quei negativi non si ebbe più traccia, da qui il titolo container Trieste (Liftvan Triest).

Con questa mostra, Heidi Specker apre un dialogo artistico sulla fotografia e sulla perdita materiale. Scatti aggiuntivi, che ampliano la portata tematica dell'esposizione, sono stati realizzati a Trieste durante l'inverno 2024 e nell'estate 2025 a Vienna. La mostra verrà inaugurata  con un'introduzione e una conversazione con l'artista e la curatrice Claudia Tittel.

La mostra di Trieste costituisce la seconda tappa di un progetto artistico ideato da Heidi Specker attorno al container che trasportava i negativi di Biermann durante la Seconda guerra mondiale e che non giunse mai a destinazione. La prima mostra del progetto, Amnesia Gera, si è tenuta a Gera (Germania) dal 25 ottobre 2024 al 5 gennaio 2025, dopo l'esposizione triestina è prevista una terza tappa finale che si terrà a Lipsia (Germania). Verrà, inoltre, co-pubblicato un testo dalla casa editrice tedesca Argobooks e da Trieste Contemporanea.

L'invito di Specker a riflettere su memoria, identità e sopravvivenza culturale attraverso l'arte fotografica e la testimonianza storica sarà anche il focus di un simposio previsto al finissage dell'esposizione. Nel dibattito saranno coinvolti degli storici specializzati in materia, tra cui Daria Brasca, autrice di uno degli studi di TransCultAA del progetto HERA, con il saggio The Goods of Jewish Emigrants in the Trieste Free Port during the Second World War (2022). Aenne Biermann (1898-1933, Goch, Germania) si trasferisce nel 1920 a Gera, città natale del marito, dove scopre la passione per la fotografia. Inizia ritraendo familiari e amici, per poi rivolgere l'obiettivo al mondo circostante.

Fotografa autodidatta, sviluppa uno stile personale e, in pochi anni, realizza circa 4.000 negativi diventando una delle protagoniste della fotografia d'avanguardia tedesca. Muore prematuramente nel 1933, poco prima dell'ascesa del nazismo. Nel 1940, la sua famiglia fugge in Palestina, ma dei suoi negativi se ne perdono le tracce a Trieste. Oggi Biermann è considerata una delle voci più significative della fotografia degli anni Venti e le sue opere sono conservate in collezioni internazionali.

Heidi Specker (1962 a Damme, Germania) vive e lavora a Berlino. Dal 2011 insegna fotografia come professoressa presso l'Accademia di Belle Arti di Lipsia. Nel corso degli anni ha esposto i suoi lavori in istituzioni come il Museo Sprengel di Hannover, la Pinakothek der Moderne di Monaco, la Berlinische Galerie a Berlino, il Fotohof di Salisburgo e Camera Austria a Graz. Nel 2024 ha esposto al Centre Pompidou di Parigi nel contesto di una mostra dedicata a Moi Ver (fotografo e pittore, 1904-1995) e alla Neue Galerie für Zeitgenössische Kunst di Gera con la mostra Amnesia Gera, curata da Claudia Tittel. Le sue opere fanno parte di numerose collezioni d'arte, tra cui: Kunsthalle Bonn, Bonn; Sprengel Museum, Hannover; Pinakothek der Moderne, Monaco; Berlinische Galerie, Berlino; Galerie für Zeitgenössische Kunst, Lipsia; Centre Pompidou, Parigi.

Claudia Tittel (1973 a Jena, Germania) è curatrice indipendente e manager culturale. Ha studiato storia dell'arte e studi culturali alla Humboldt-Universität di Berlino e all'Université Paris I - Panthéon Sorbonne. Ha curato numerose mostre in Germania e all'estero, tra cui: Migration der Dinge al Castello Belvedere, Weimar (2017); POLYPHON(E). Polyphony in Image and Sound presso la Kunstsammlung e il Museum für Angewandte Kunst, Gera (2021), e al Musée d'Art et d'Histoire Paul Éluard, Saint-Denis (2022); Amnesia Gera alla Neue Galerie für Zeitgenössische Kunst, Gera (2024) e EVERYTHING IS INTERACTION, Chemnitz, Capitale Europea della cultura (2025). Dal 2017 co-gestisce con il marito la Kulturhaus Häselburg a Gera e, dal 2019, è impegnata nella promozione dell'opera artistica di Aenne Biermann. (Comunicato stampa)

Immagine:
Heidi Specker, Triest, 2025, poster, cm 50x70 (courtesy l'artista)

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Mostre su Trieste

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Mariateresa Carbonato
"Spazi, segni e colori della vita"

16 ottobre (inaugurazione) - 22 novembre 2025
Galleria Previtali - Milano
www.galleriaprevitali.it

Nella pittura di Maria Teresa Carbonato, allieva di Francesco De Rocchi, maestro del Chiarismo lombardo, ci colpisce la ferialità dei soggetti, l'umile adesione alle forme e ai colori della realtà quotidiana che lascia sempre accadere impreviste intermittenze dell'infinito e dell'oltre. Come i quattro fanciullini seduti su un gradino di una soglia che, dietro di loro, è assunta nell'infinito di un azzurro intenso (cielo o mare?): curiosa mossa dell'affetto, così come del pennello, che nell'abbracciarli con lo sguardo anche li offre all'aperto del loro destino.

La sua è pittura di dimore e di paesaggi, di interni e di oggetti domestici, ma anche di esterni; oppure di interni/esterni, come androni o finestre che si aprono su scorci di paese o di campagna. O di esterni assoluti, come gli azzurri di mare-cielo dell'amata Liguria. E anche di figure, come si è già detto, ma fissate con le loro immobili posture nel silenzio-spazio che le accoglie. E anche di luoghi celebri, come le recentissime immagini di Assisi, nei cui notturni fiabeschi irrompono interventi puramente gestuali di colori chiari e caldi, un riconoscente omaggio a un maestro dell'arte internazionale che ad Assisi visse per quasi vent'anni. Mostra a cura di Rodolfo Balzarotti. (Comunicato stampa)

Immagine:
Maria Teresa Carbonato, Luna sul mare, olio su tavola cm 20x20

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Città. Voci e visioni
Immaginari urbani tra memoria e contemporaneità

30 ottobre 2025 - 03 aprile 2026 (ingresso libero con prenotazione; Chiusure: dal 24 dicembre 2025 al 7 gennaio 2026 e festivi)
BFF Gallery - Milano
www.bffgallery.com

Prosegue la programmazione di BFF Gallery - il museo aperto lo scorso aprile e dedicato all'arte moderna e contemporanea all'interno di Casa BFF - con la mostra curata da Renato Miracco e Maria Alicata. L'iniziativa si inserisce nelle attività di promozione dell'arte italiana avviate da BFF Bank, quale gesto di attenzione e di responsabilità verso la collettività e verso il patrimonio culturale italiano, partendo dalla propria collezione d'arte contemporanea costituita oggi da circa 250 opere. In mostra opere di Umberto Boccioni, Marina Caneve, Felice Casorati, Renato D'Agostin, Massimiliano Gatti, Elisabetta Gut, Bice Lazzari, Titina Maselli, Giorgio Morandi, Marina Paris, Mario Sironi, Ardengo Soffici, Franca Sonnino, Paolo Ventura e Yang Yongliang.

Il progetto di mostra prende avvio dall'opera di Emilio Tadini - pittore, scrittore e intellettuale tra i protagonisti del secondo Novecento, che ha raccontato Milano e la città attraverso saggi, articoli, romanzi, testi teatrali, pittura e disegno, restituendone un'immagine stratificata, viva e mutevole - per sviluppare una riflessione sulla città come costruzione culturale, emotiva e simbolica.

Punto di partenza del progetto è Città italiana (1988) di Emilio Tadini, opera della collezione di arte contemporanea di BFF Banking Group. Le sue visioni dialogano con artisti storici come Umberto Boccioni, Felice Casorati, Elisabetta Gut, Bice Lazzari, Titina Maselli, Giorgio Morandi, Mario Sironi, Ardengo Soffici, Franca Sonnino, alcuni dei quali provenienti dall'estero o da collezioni private e raramente accessibili al pubblico e visibili in Italia. Accanto a questi, autori contemporanei italiani e internazionali come Marina Caneve, Renato D'Agostin, Massimiliano Gatti, Marina Paris, Paolo Ventura, e Yang Yongliang, danno vita a un percorso che attraversa epoche, linguaggi e visioni della città, in un intreccio serrato tra passato e presente.

A completare il racconto visivo, una selezione di libri d'artista e testi narrativi realizzati da Emilio Tadini e da alcuni degli artisti contemporanei presenti in esposizione offrono ulteriori prospettive sull'immaginario cittadino. Organizzata in dieci sezioni tematiche - La città si trasforma, Nuovo paesaggio, La memoria del paesaggio, Combinare l'immaginario, Geometrie della metropoli, Tracce e visioni, Confini di identità, Teatri urbani, I nuovi abitanti, Tracce emotive - la mostra invita il visitatore a interpretare il concetto di città come costruzione in divenire: luogo di tensione tra passato e futuro, realtà e visione, presenza e assenza. Il visitatore è guidato in un viaggio emotivo e partecipativo, tra momenti di riflessione e spazi di coinvolgimento attivo. Un dialogo continuo tra ciò che si osserva e ciò che si vive in prima persona, nel quale lasciare un segno della propria idea di città, contribuendo a un'opera collettiva in continua evoluzione. (Estratto da comunicato ufficio stampa Lara Facco P&C)

Immagine:
Emilio Tadini, Città italiana, 1988, Courtesy BFF Bank, Foto Paolo Vandrasch

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Meow Factor: Gatti tra Arte, Media, Meme e A.I.
03 ottobre - 12 dicembre 2025
Cellar Contemporary - Trento
www.cellarcontemporary.com

Al giorno d'oggi la produzione di immagini non è più un compito riservato e le opere non sono più oggetti intoccabili da contemplare nei musei: tutti possono partecipare alla costruzione dell'immaginario collettivo creando in prima persona e, tramite la pratica della condivisione, contribuire alla diffusione dei contenuti. In questo contesto, la figura del gatto emerge come un filo conduttore inaspettato e multiforme. Nella cultura visiva post-digitale l'immagine del gatto evolve su due binari: da un lato continua ad ispirare artisti visivi, dall'altro colonizza lo spazio dei media digitali diventando un'icona trasversale condivisa da milioni di utenti. In ogni caso il cat content funziona come lubrificante sociale: crea immediata complicità, genera interazioni ed è versatile.

I gatti, così coinvolti nella nostra intimità, fungono da specchio e da finestra: specchio dei nostri sentimenti e finestra su un mondo oltre l'umano, che vorremmo comprendere e magari abitare. Proprio per questo forse il meow factor consiste nel potere di catalizzare attenzione e creare una connessione multisensoriale; destinato a non essere una moda passeggera ma una chiave attraverso cui leggere il nostro tempo. Opere di Francesca Vanoli, Julia Runggaldier, Joe Grillo, Carlo Chiusi... in piacevole compagnia! (Comunicato stampa)

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Gusto Neoclassico
L'Album Cicognara

26 settembre 2025 - 12 gennaio 2026
Ca' Rezzonico - Museo del Settecento Veneziano - Venezia  

Un'opera unica, per l'importanza del collezionista, per il numero e nomi degli artisti, espressione di tutte le scuole artistiche del periodo: in mostra, a cura di Alberto Craievich, i disegni di Appiani, Hayez, Canova, raccolti da Leopoldo Cicognara. Il Gabinetto dei disegni e delle stampe della nostra Fondazione conserva una straordinaria testimonianza dell'arte e della cultura neoclassica in Italia. Si tratta dell'Album Cicognara, che prende il nome dal suo proprietario, il conte Leopoldo Cicognara (Ferrara 1767 - Venezia 1834), una delle personalità più affascinanti dell'epoca. Dopo una giovinezza trascorsa tra studi umanistici e viaggi di formazione lungo tutta la Penisola, aderì da subito alla Repubblica Cisalpina di cui fu membro del corpo legislativo. Divenne nel 1808 presidente dell'Accademia di Belle Arti a Venezia, carica che mantenne anche dopo la caduta di Napoleone, fino al 1826.

Uomo colto e brillante, particolarmente attivo nella politica culturale della città e non solo, durante l'incarico presso l'istituzione veneziana pubblicò le sue opere principali fra le quali la monumentale Storia della scultura e le Fabbriche più cospicue di Venezia. A Cicognara si devono iniziative di primo piano come la sistemazione delle Gallerie dell'Accademia che proprio allora prendevano forma con l'arrivo dei dipinti provenienti dagli edifici di culto soppressi per decreto napoleonico.

Sua è l'ideazione del cosiddetto 'Omaggio delle province venete all'Austria', grazie al quale i 10.000 zecchini dovuti dal Veneto come donativo per il matrimonio dell'imperatore furono convertiti in opere d'arte fatte compiere ad artisti locali. Inoltre, fu il promotore, alla morte di Canova, della sottoscrizione per erigere ai Frari il monumento dedicato al grande scultore di cui scrisse anche una fondamentale biografia.

Proprio della stretta amicizia con gli artisti del suo tempo è testimonianza proprio quest'album, una sorta di liber amicorum, composto da 81 fogli. Vi troviamo tutti i nomi del Neoclassicismo italiano: Vincenzo Camuccini, Andrea Appiani, Giuseppe Bossi, il giovane Francesco Hayez; ma anche artisti francesi come François-Marius Granet, Lancelot Thèodore Turpin de Crissé e Louis Léopold Robert. Ben sei disegni appartengono all'amico di una vita: Antonio Canova di cui Cicognara fu ammiratore appassionato.

I disegni in origine erano fascicolati in un album conservato in una sontuosa custodia decorata con fregi in bronzo, che incorniciano cammei antichi e, al centro, una deliziosa miniatura con una Veduta di Venezia. I fogli documentano tutte le tecniche grafiche e ogni possibile soggetto. Vi sono disegni a matita, a penna, gessi colorati e acquerelli che raffigurano vedute, ritratti, paesaggi, scene di genere, composizioni sacre e profane. Troviamo accostati studi preparatori per opere maggiori, oppure disegni 'finiti' eseguiti espressamente per Cicognara. Nell'insieme, un'opera unica, considerato sia il ruolo politico e culturale del collezionista, sia il numero degli artisti presenti, espressione di tutte le scuole artistiche del periodo.

Questo prezioso volume, segnalato agli studi da Alvar Gonzáles-Palacios nel 1970, fu presentato al grande pubblico nel 1978, in occasione della mostra Venezia nell'età di Canova. In quella circostanza, anche per ragioni conservative, le pagine dell'album furono sciolti e collocati entro passepartout. Alcuni fogli, i più celebri, sono comparsi nel frattempo a mostre dedicate al Neoclassicismo in Italia e all'estero. Oggi, a distanza di quasi cinquant'anni da quell'evento, si vuole presentare al pubblico per la prima volta, nella sua interezza, l'intero album che è stato oggetto di un accurato restauro promosso da Venice International Foundation. (Comunicato stampa Studio ESSECI, Sergio Campagnolo)

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Roberto Orlando
"Ripetere finché fratturi"

08 ottobre (inaugurazione) - 14 novembre 2025
Isola | Catania
www.isola.catania.it

Personale dell'artista visivo Roberto Orlando (Palermo, 1996), a cura di Mario Bronzino e Barbara Cammarata. Parte del progetto biennale Coalizioni Isola, l'esposizione esplora l'interazione tra uomo e vegetale attraverso pittura e video, fondendo ricerca scientifica, arte e ecologia. Le opere di Orlando evocano rituali metodici e una nuova etica del gesto, proponendo un futuro in cui l'umano si mette al servizio della natura. La mostra riflette anche sulle fragilità di questa simbiosi, tra memoria, equilibrio e trasformazione.

L'esposizione rappresenta il terzo appuntamento della programmazione biennale di Coalizioni Isola - Laboratori di Creatività, Cultura e Arte, un progetto nato per valorizzare le risorse artistico-culturali locali attraverso la costruzione di reti tra organizzazioni, enti culturali e comunità, con l'obiettivo di rafforzare l'ecosistema culturale, promuovere la produzione di giovani artisti, sostenere idee imprenditoriali emergenti e incoraggiare la ricercanei settori dell'arte e della cultura. 

Coalizioni Isola è frutto della collaborazione tra realtà fortemente radicate nel territorio come ABADIR, Associazione Musicale Etnea, Officine Culturali, viaraffineria, Università degli Studi di Catania, con il supporto dell'Assessorato ai Centri Storici del Comune di Ragusa; l'Università di Catania curerà inoltre l'intera fase di ricerca e analisi sulle Industrie Culturali e Creative (ICC). Il ciclo espositivo curato da Bronzino e Cammarata si articola in quattro mostre personali dedicate ad artisti emergenti, culminando in una collettiva finale. In questo contesto si inserisce il lavoro di Roberto Orlando, che fonde ambiti botanici e architettonici in composizioni pittoriche precise e strutturate, nelle quali l'azione laboratoriale si fa narrazione ritmica e visiva, tra rigore scientifico e tensione poetica.

Le sue opere evocano la figura del ricercatore-alchimista, che, circondato da strumenti ibridi e reinterpretati, insegue una simbiosi possibile tra l'essere umano e il mondo vegetale, configurando uno spazio di ricerca e di scambio. L'informazione scientifica, intesa come conoscenza viva e operativa, diventa per Orlando un materiale da condividere, un patrimonio utile alla costruzione di una società integrata con l'ambiente naturale, in cui l'umano si metta al servizio della pianta, anziché dominarla. Questo intento si manifesta in maniera intensa nell'opera video in mostra, dove l'artista documenta l'attivazione concretadegli strumenti rappresentati nei dipinti: un processo che restituisce una ritualità metodica e priva di simbolismi, scandita dal tempo e orientata al risultato, dentro un'architettura industriale reinventata come scenario esperienziale.

«La mostra - spiegano i curatori - oltre a presentare la visione di Orlando su una società futura fondata sull'incontro tra umano e vegetale, evidenzia le fratture che da tale relazione possono scaturire, evocando memorie di pratiche funebri e sottolineando la fragilità di un equilibrio che, pur basato sullo scambio reciproco, può risultare insidioso per la salute delle piante stesse». 

Roberto Orlando, dopo il diploma di II livello in Pittura presso l'Accademia di Belle Arti di Palermo, ha sviluppato una ricerca che intreccia pratica artistica, curatela indipendente e sperimentazione collettiva,indagando affinità e dissonanze tra comportamenti umani e vegetali, generando narrazioni ibride, ucroniche e finzionali. Fondatore di Parentesi Tonde, artist-run space con base a Palermo, ha esposto in numerose sedi italiane, tra cui Veniero Project, UNOBIS, Fondazione Sant'Elia, Haus der Kunst (Palermo) e l'Orto Botanico di Firenze, dove dal 2025 è attivo con un progetto di ricerca all'interno della collezione permanente. 

"Ripetere finché fratturi" è una mostra che invita a riflettere su una nuova ecologia del gesto, dove la pittura diventa strumento analitico e il laboratorio si trasforma in spazio etico: un'ipotesi estetica che si fa politica del vivente, in cui il futuro dell'arte coincide con una forma inedita di cura e ascolto. (Comunicato Ufficio Stampa Valentina Lucia Barbagallo)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Roberto Orlando, Wunderpunkt, Haus Der Kunst (Palermo), installation view 1
2. Roberto Orlando, Manuale, Orto Botanico Giardino dei Semplici, Firenze

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Accessori di classe
Complementi di moda tra uso quotidiano e identità sociale 1830-1930

19 ottobre 2025 - 22 febbraio 2026
Pinacoteca cantonale Giovanni Züst - Rancate/Mendrisio, Svizzera
www.studioesseci.net

Da sempre considerati fondamentali per completare l'abbigliamento, cappelli, borse, scarpe, guanti, bastoni, ombrelli, fazzoletti e ventagli non sono solo oggetti d'uso che da secoli ci accompagnano nella nostra quotidianità ma sono anche elementi che contribuiscono a definire lo status e l'appartenenza sociale degli uomini e delle donne che li indossano o che li utilizzano. Con un gioco di parole si potrebbe dire che si tratta di oggetti di classe che servono anche a segnare le differenze di classe all'interno della società. Spesso associati al lusso e al potere, gli accessori di moda, grazie alle loro fogge ricercate e alla raffinatezza e alla preziosità dei materiali con cui sono realizzati, sottolineano però anche l'irriducibile unicità dei loro possessori.

Attraverso un confronto serrato con la loro rappresentazione nelle opere d'arte dell'epoca, l'esposizione si propone di illustrare la storia e l'evoluzione di diverse tipologie di complementi di moda tra gli anni trenta dell'Ottocento e i primi tre decenni del Novecento. Un arco di tempo che coincide in gran parte con quello che, non a caso, è stato definito il "secolo della borghesia" e che mostra come nel tempo i gusti di uomini e donne cambino velocemente: così elementi considerati per secoli "indispensabili" hanno talvolta perso un po' del loro charme.

È il caso del cappello, fino ad un recente passato l'accessorio per eccellenza, oggi indossato molto meno frequentemente; o ancora del ventaglio, utilizzato fin dai tempi degli antichi Egizi per rinfrescarsi o allontanare gli insetti molesti, oggetto popolare e regale insieme, che ha raggiunto l'apice del successo durante il regno di Luigi XIV per poi perdere via via il suo fascino fino a qualche estate fa quando, inaspettatamente, è tornato di tendenza, diventando il più utile ed "ecosostenibile" tra i must-haves. Al contrario, altri accessori si sono trasformati in oggetti del desiderio solo nel corso degli ultimi cento anni; tra questi, scarpe e borse.

Ad importanti ritratti di rappresentanza, a vivaci e animate scene di genere, a manifesti pubblicitari, figurini, cataloghi di vendita e riviste di moda, lungo il percorso espositivo fanno da controcanto oggetti reali. Oggetti che non sono quasi mai semplici manufatti d'uso quotidiano ma veri e propri testimoni del gusto e della società del tempo, oltre che esempi di grande qualità artigianale che incuriosiscono, affascinano e inducono tutti noi a riflettere sia sulle vite di coloro che con cura e grande creatività li hanno ideati e abilmente confezionati, sia su quelle di chi li ha acquistati e indossati.

Tra gli oltre 200 oggetti esposti figurano una sessantina di dipinti e sculture provenienti da collezioni pubbliche e private di autori sia di area ticinese che italiana, tra cui si segnalano alcuni nomi celebri della storia dell'arte quali Giacomo Balla, Giovanni Boldini, Telemaco Signorini, Mosè Bianchi, Eliseo Sala, Vincenzo Cabianca, Vittorio Matteo Corcos, Bernardino Pasta, Spartaco Vela, Filippo Franzoni, Adolfo Feragutti Visconti e Luigi Rossi.

La mostra offre però anche molto altro, non ultima l'opportunità di approfondire la produzione e la commercializzazione di alcuni di questi manufatti. Grazie alla collaborazione del Centro di dialettologia e di etnografia dello Stato e in particolare del Museo Onsernonese di Loco, un focus è infatti posto sulla confezione di cappelli, cestini e borse di paglia, un'attività tipica della Val Onsernone, che esportava questi prodotti sui mercati lombardi e piemontesi, ma anche in Germania e in Francia. Un'ampia sezione storica intende inoltre far rivivere, anche attraverso fotografie, attrezzi di lavoro e documentazione originale, l'atmosfera che si respirava nell'ambiente della produzione e del commercio dei cappelli sul territorio ticinese con un excursus dedicato ai più importanti negozi di moda e ai grandi magazzini attivi in quel periodo in particolare sulla scena luganese.

La mostra si chiude con la figura della stilista luganese Elsa Barberis. Le forme semplificate e moderne dei suoi abiti segnano infatti l'inizio, dagli anni Quaranta, di una nuova stagione della moda e inaugurano una nuova maniera di disegnare e vivere gli accessori. Nel catalogo, interamente illustrato, che accompagna l'esposizione, oltre agli interventi delle curatrici Elisabetta Chiodini e Mariangela Agliati Ruggia sono inclusi saggi di approfondimento e schede di: Beatrice Balzarini, Francina Chiara, Alberto Corvi, Mattia Dellagana, Marco Marcacci, Sara Miconi, Claudia Quadri, Andrea Sorze. (Comunicato stampa Studio ESSECI Sergio Campagnolo)

Immagine:
Eduardo Tofano, Tête de jeune fille, 1879, olio su tavola, Collezione privata, Courtesy METS persorsi d'arte, Novara, © METS Percorsi d'Arte

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Giuseppe Buffoli
"Geometrie umorali"

28 settembre (inaugurazione) - 11 novembre 2025 (ingresso libero)
Spazio Heart - Vimercate
www.deangelispress.com

C'è un affascinante contrasto tra l'apparente perfezione delle forme, la levigata regolarità delle superfici delle sculture di Buffoli, il loro impassibile silenzio, il loro enigmatico rigore e il portato umano che l'artista ritiene indispensabile, ignorando per precisa volontà il calcolo algebrico e matematico e rifiutando l'uso della macchina. Ed è proprio quell'affascinante contrasto e rendere le opere di Buffoli interessanti, diverse, profondamente attraenti. Non c'è traccia di minimalismo, nonostante la riduzione formale, nella sua ricerca: piuttosto la magia di un esperimento alchemico, il calore umano di un reperto archeologico recuperato in uno scavo, la fantasia creativa di un artista maturo che sa benissimo che il gioco è attività essenziale anche in età adulta.

Giuseppe Buffoli (Brescia,1979) è laureato in scultura all'Accademia di Belle Arti di Brera. Nel 2002 viene premiato per l'incisione all'XI Salon Primo. Nel 2007 approfondisce lo studio dei metalli presso il corso d'eccellenza T.A.M., nelle Marche. Nel 2009 partecipa alla residenza internazionale Harlem Studio Fellowship a New York (U.S.A.). Nel 2017 è tra i finalisti del XIII Premio Cairo, l'anno successivo vince il premio Weir Gabbioneta per la realizzazione di una scultura permanente da collocarsi presso la sede dell'azienda

La serie di opere esposte allo Spazio heart - a cura di Simona Bartolena e Armando Fettolini - appartengono tutte a un unico ciclo e, di fatto, costituiscono un'unica grande installazione. Gli ambienti ampi e luminosi della sede vimercatese diventano lo scenario ideale per ospitare un mondo: l'universo visionario e avvolgente, misterioso ma mai inquietante di Giuseppe Buffoli. La forma protagonista della mostra evoca il solido presente in una delle incisioni più enigmatiche e straordinarie della storia dell'arte: Melancholia I di Albrecht Dürer. Capolavoro del maestro tedesco, l'incisione fa parte del bagaglio culturale di Buffoli, che frequenta da tempo le tecniche calcografiche.

Il ciclo di lavori ben testimonia le principali caratteristiche della ricerca dell'artista: la scelta del materiale e l'interesse per le sue possibili metamorfosi, l'attrazione per forme irregolari dagli equilibri instabili, l'idea di precarietà, il contrasto tra naturale e artificiale, l'importanza del basamento inteso come parte integrante dell'opera e non come semplice appoggio, le sue fonti di ispirazione, che spaziano dalla storia dell'arte al cinema. (Comunicato ufficio stampa Spazio Heart - De Angelis Press, Milano)

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Shaping the Monochrome
Vincenzo Agnetti - Pablo Atchugarry - Agostino Bonalumi - Gianfranco Zappettini

03 ottobre (inaugurazione) - 05 novembre 2025
Guidi&Schoen Arte Contemporanea - Genoa
www.guidieschoen.com

Nel '900 l'arte è cambiata. L'idea stessa di ciò che può essere considerato artistico si è trasformata. La pittura è sopravvissuta reinventandosi. Non più (o non solo) forma dipinta o armonia di colori, ma rappresentazione di sé stessa. Agnetti con le parole e i materiali, Bonalumi con le forme, Zappettini con le sovrapposizioni sono fra i protagonisti di questa rivoluzione. In Shaping the Monochrome si confrontano tra loro e con le opere di Atchugarry che ha sviluppato quella ricerca nella scultura.

Vincenzo Agnetti (Milano, 1926) si diploma a Brera e poi segue la scuola del Piccolo Teatro. Ancora giovanissimo inizia le prime esperienze artistiche nel campo della pittura informale e della poesia, di cui non è rimasta traccia se non nelle sue parole. Pensatore prima che artista, disancora il linguaggio dall'uso che ne fa la società moderna. Ne supera il senso e ne crea uno universalmente comprensibile, rendendo l'osservatore parte integrante di tale processo. La parola, dunque, nelle sue opere non si limita dunque ai rapporti semiologici, ma piuttosto realizza immagini, suggerisce indagini, costruisce narrazioni.

Agostino Bonalumi (Vimercate - Milano, 1935) compie studi di disegno tecnico e meccanico. Pittore autodidatta, inizia a esporre giovanissimo.
Nel 1958 nasce il gruppo Bonalumi Castellani e Manzoni con una mostra alla Galleria Pater di Milano, alla quale seguiranno altre mostre a Roma, Milano e Losanna. Nel 1961 alla Galleria Kasper di Losanna è tra i fondatori del gruppo Nuova Scuola Europea. La sua ricerca si concentrò sulle cosiddette "estroflessioni", in cui la superficie pittorica viene modellata tramite strutture applicate sul retro della tela, trasformandola in un rilievo plastico e aprendo nuove relazioni tra pittura e spazio.

Gianfranco Zappettini (Genova, 1939) è un esponente di spicco del gruppo della Pittura Analitica, movimento artistico nato in Italia alla fine degli anni Sessanta. La sua produzione artistica è caratterizzata da un processo operativo che mira ad annullare la presenza dell'artista nel risultato finale del lavoro, per conferire piena autonomia al linguaggio dell'opera d'arte attraverso un'indagine accurata rivolta alle componenti della pittura - supporto, materia, colore.

Pablo Atchugarry (Montevideo - Uruguay, 1954), lo incoraggiarono i suoi genitori, appassionati d'arte, a intraprendere la carriera artistica. Nei suoi primi lavori sperimenta attraverso la pittura, per poi aprirsi gradualmente all'esplorazione di materiali come il cemento, il ferro e il legno. Le sue opere coniugano un ideale classico con forme moderne. La luce diventa il filo conduttore tra i diversi materiali e, insieme alla verticalità delle sculture, restituisce alla materia una dimensione di "movimento statico", sospesa tra energia e quiete. (Comunicato stampa)

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Johan Creten | Tremore Essenziale
Ulrich Wulff | Un pomeriggio alla finestra

11 settembre - 31 ottobre 2025
Alfonso Artiaco - Napoli
www.alfonsoartiaco.com

Alfonso Artiaco è il luogo di incontro inedito tra due artisti che parlano linguaggi diversi, ma complementari. Da un lato Johan Creten, che attraverso la scultura indaga la fragilità e la potenza della materia, dall'altro Ulrich Wulff, che con la pittura esplora la dimensione intima e sensibile del colore. Due prospettive distinte che, poste in dialogo, restituiscono la varietà e la profondità della ricerca artistica contemporanea, aprendo lo spazio espositivo a un'esperienza plurale e stratificata.

Con Tremore Essenziale, Johan Creten costruisce un percorso istintivo e materico, in cui la scultura diventa rituale di trasformazione. Le opere, realizzate in terracotta smaltata, appaiono come presenze instabili, sospese tra sacralità e desiderio, splendore e caducità. Al centro della mostra la serie Odore di Femmina, fiori modellati dall'argilla che, fragili e perturbanti, evocano il femminile come spazio di mistero e rigenerazione. Qui il "tremore" non è solo condizione formale, ma vibrazione esistenziale che trova a Napoli - città di vulcani, terremoti e rinascite - un'eco naturale e profonda.

Un pomeriggio alla finestra di Ulrich Wulff, al contrario, si muove sul terreno della pittura intesa non come apertura verso l'esterno, ma come soglia interiore. Le sue tele, costruite su accordi cromatici e trame geometriche essenziali, invitano a un tempo sospeso, dove memoria ed emozione si intrecciano. In uno spazio privo di finestre, i dipinti si offrono come alternative possibili, aperture immaginate che trasformano l'assenza in occasione di contemplazione. Per Wulff la pittura non è illusione, ma presenza: un modo di restituire al quotidiano la sua carica più intima e spirituale. (Comunicato stampa)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Johan Creten, Tremore Essenziale, veduta parziale della mostra, foto Grafiluce
2. Ulrich Wulff, Un pomeriggio alla finestra, veduta parziale della mostra, foto Grafiluce

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Trieste, invenzione della mia anima
Ungaretti e Trieste: cronaca di un incontro

27 settembre (inaugurazione) - 06 febbraio 2026
Biblioteca statale Stelio Crise di Trieste
Locandina della mostra

La mostra ricostruisce i quattro incontri ufficiali di Ungaretti con Trieste e con il mondo artistico e culturale della città e della regione. Attraverso le cronache de «Il Piccolo», che svolge un ruolo fondamentale di mediazione, alternando testi di alto profilo a notizie di costume, e le immagini della Fototeca dei Civici Musei di Storia ed Arte, riaffiorano i volti e le presenze di quegli anni: Stelio Crise, Marcello Mascherini, Manlio Cecovini, Lojze Spacal, Biagio Marin, un giovane Fulvio Tomizza e molti altri.

Con il passare del tempo, l'attenzione dei media trasforma Ungaretti in una figura familiare, quasi spettacolare: da poeta a personaggio pubblico, da intellettuale a icona culturale. Radio e televisione contribuiscono ad amplificarne l'immagine, rendendolo riconoscibile anche fuori dai circuiti letterari. La mostra dedica spazio anche a questa dimensione grazie a filmati delle Teche Rai, a riviste e rotocalchi dell'epoca, oltre a una serie di ritratti fotografici che, accanto al volto pubblico, disegnano i tratti più intimi della sua personalità.

Trieste, invenzione della mia anima è il titolo di un libro mai realizzato, pensato da Vanni Scheiwiller per documentare il soggiorno triestino del 1968 di Giuseppe Ungaretti. Le ricerche condotte presso l'Archivio Bonsanti di Firenze hanno riportato alla luce i materiali preparatori di quel progetto: una cartella con annotazioni manoscritte di Stelio Crise, indicazioni editoriali di Scheiwiller e alcuni fogli sciolti, tra cui una poesia intitolata proprio Trieste, invenzione della mia anima.

Il rapporto tra Ungaretti e Trieste non si lascia ridurre a semplificazioni. Non si tratta di un legame organico, paragonabile a quello che unisce il poeta al Carso o alla memoria della guerra. Trieste è piuttosto un intreccio di incontri episodici, momenti che talvolta producono effetti culturali concreti, altre volte evocano soltanto il riflesso lontano di memorie giovanili. Dalle prime testimonianze sulla stampa locale degli anni Venti, il percorso della mostra prende avvio nel 1948. Trieste vive ancora giorni incerti, segnata dalle tensioni sul suo destino politico, quando il Circolo della Cultura e delle Arti invita Ungaretti a tenere una conferenza: un gesto dal forte valore simbolico, che segna l'inizio di un dialogo tra il poeta e la città.

Nel 1959 è la volta di un nuovo ritorno a Trieste: in quell'occasione Ungaretti dedica un intervento a Umberto Saba, accompagnando la riunione triestina della redazione dell'«Approdo», la rivista multimediale della Rai alla quale partecipa con continuità. Il 1966 rappresenta un anno particolarmente intenso. L'ALUT, Associazione Laureati dell'Università di Trieste lo invita insieme a Libero de Libero, Biagio Marin e Ligio Zanini, per rendere nuovamente omaggio a Saba.

Infine, nel 1968, giunge il riconoscimento più solenne: l'Università di Trieste conferisce a Ungaretti la laurea honoris causa, e viene onorato ufficialmente in Comune, suggellando un rapporto che nel frattempo si è arricchito di relazioni personali e intellettuali. Proprio da questi rapporti, e dal sodalizio con Stelio Crise, nascono diversi progetti editoriali, alcuni realizzati, altri rimasti allo stadio di idea. Nel 1966 l'ALUT pubblica Viaggetto in Etruria, mentre Vanni Scheiwiller, definito da Crise «editore ambasciatore di triestinità», dà alle stampe Il Carso non è più un inferno, che raccoglie il discorso pronunciato da Ungaretti a Gorizia nel maggio di quell'anno. Altri progetti, come appunto Trieste, invenzione della mia anima, non giungono alla pubblicazione: di essi rimane traccia soltanto in un articolo di Crise, apparso sulla rivista «Settanta».

Ungaretti scrive moltissimo, soprattutto lettere: da questa sovrabbondanza epistolare emerge un metodo fondato sull'ascolto, sulla rielaborazione e sulla rifrazione dell'esperienza. Non a caso, le sue poesie sono volutamente assenti dal percorso espositivo: non vengono assunte come fonte diretta per ricostruirne il carattere o la voce. Si preferisce invece proporre una narrazione documentaria, che restituisce il tono mobile e sfuggente del suo rapporto con Trieste.

La città, come altri luoghi attraversati dal poeta, si offre infatti come frammento di un paesaggio interiore: marginale e insieme laboratorio di convivenze, memorie e visioni. Per Ungaretti, che attraversa il Novecento portando con sé la parola poetica come forma di salvezza, Trieste è una delle molte invenzioni dell'anima. Forse una delle più discrete, come le si addice, ma non per questo meno autentiche.

L'inaugurazione si inserisce nelle GEP - Giornate Europee del Patrimonio 2025, la più estesa e partecipata manifestazione culturale d'Europa, promossa dal Consiglio d'Europa, dalla Commissione Europea e coordinata per l'Italia dal Ministero della Cultura. La mostra curata da Stefano Crise e promossa da Cizerouno è realizzata grazie al finanziamento della Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia (Bando Ungaretti). I partner di progetto sono la Biblioteca statale Stelio Crise e l'Archivio Marcello Mascherini. Non mancheranno, durante i mesi dell'esposizione, incontri di approfondimento e occasioni per scoprire tesori culturali della nostra città. (Comunicato stampa)

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Stephanie Denaes Lucas
"Trascendere l'invisibile"

23 settembre (inaugurazione) - 23 novembre 2025
Sandro Bongiani Vrspace - Salerno
www.sandrobongianivrspace.it | Locandina della mostra

___ Presentazione di Sandro Bongiani

Dopo la retrospettiva dell'artista indonesiano Noviadi Angkasapura e Caroline Demangel continua il ciclo di mostre dedicate all'Art Brut proponendo questa volta un'altra artista outsider francese come Stephanie Denaes Lucas (nata nel 1975 a Crépy-en-Valois, Francia), che con una visione sensibile e oscura ricrea un mondo sommerso e inesplorato di entità misteriose, una realtà decisamente visionaria intrisa di esotismo e di essenze psichedeliche altamente enigmatiche.

Per molto tempo Stephanie Lucas aveva lavorato a Munich in un ambito ben diverso, ma a seguito di una depressione si avvicinò alla pratica pittorica scoprendo una rara capacità di configurare e svelare mondi, portare in superficie presenze assorte e contesti metafisici del tutto differenti e nuovi rispetto al dato reale. La sua pittura nasce essenzialmente da un automatismo inconscio capace di far emergere la carica creativa di pittore che c'è dentro di lei. Come afferma l'artista, "è un attingere all'inconscio ispirata dal medium che canalizza uno spirito più grande". Da tutto ciò nasce il suo mondo arcano e incantato di presenze assorte, di abitanti silenziosi che rompono i confini tra ciò che è naturale e ciò che non lo è, tra la radura e la foresta, tra l'umano e l'animale.

Una sorta di insolito bestiario favolistico primeggia immerso in un eden incantato ricco di simboli e di mistero che invita a un'osservazione più attenta e a una riflessione più profonda, con cinghiali, lepri, pantere, lontre, trichechi, balene, elefanti e persino, draghi e fantasmi di paesaggi leggendari attraversati da un tempo vissuto e troppo presto dimenticato. Anche i titoli delle opere come ad esempio, La denti du Mont Kad, Electricity, Équations de plumes, Banquette fantôme pour Enfants hallucinés, Grr'enfant sollecitano magistralmente questa particolare visione d'insolito e di mistero.

Una ricerca originale e solitaria in cui dare forma all'invisibile e all'ignoto che spesso viene definita e svelata in modo dettagliato, come una preziosa miniatura fantastica e metamorfica carica di figure che quasi sempre occupano tutto lo spazio della rappresentazione. Una sorta di incessante horror vacui, non inteso semplicemente come "paura del vuoto", ma come accumulo e affioramento condensato di presenze dell'inconscio e dell'esotico che occupano e annientano lo spazio fino a saturarlo del tutto. Una visionarietà che prosegue quella particolare linea onirica e fantastica di ricerca in quella zona limite della memoria che da Bosch porta a Redon, Gauguin, fino al Surrealismo e alle esperienze isolate e contemporanee dell'Art Brut di oggi alla ricerca del profondo e dell'alterità.

Un esercizio -scrive Sandro Bongiani- di ascolto davvero silenzioso e sofferto a dare forma all'invisibile e come pratica di restituzione della visione e dell'ossessione che nasce da un conseguente sprofondamento in un cupo abisso e l'emersione sospesa della memoria in superficie, in cui i personaggi e gli animali affiorano e agiscono in una dimensione altamente favolistica. Un percorso decisamente evocativo e poetico fatto di vibrazioni insostanziali che si tramutano per incanto in materia leggera e in presenze dalla fissità e dall'apparenza sospesa, costituiscono di fatto una tentazione a capirne meglio l'aspetto e l'essenza di ciò che vive al di fuori del reale, del consueto e della logica.

*Si ringrazia l'Archivio personale di Stephanie Denaes Lucas per aver permesso per la prima volta in Italia la realizzazione di questa importante retrospettiva che riassume con 33 opere 15 anni di assiduo lavoro. (2007-2022).*

Immagini (da sinistra a destra):
1. Stefanie Denaes Lucas, Sanglier, 2008
2. Stefanie Denaes Lucas, Grenouille, 2011, cm 70x70
3. Stefanie Denaes Lucas, Rattle, 2011, cm 120x80

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Archivio Caterina Gualco - Genova
Inaugurazione: 03 ottobre 2025; 04 ottobre; in seguito su appuntamento

Il 12 ottobre 1970 Caterina Gualco ha deciso di trasformare la sua passione per l'arte in soggetto del suo lavoro, aprendo la Galleria Unimedia a Genova. Nel 1995, sulla scia di alcune esperienze americane vissute durante i viaggi a New York, ha intrapreso l'avventura della casa-galleria in un appartamento sulla collina di Carignano. Nel 2005 la Galleria si è spostata nel seicentesco Palazzo Squarciafico con il nome Unimediamodern Contemporary Art. L'attività pubblica si è conclusa nel 2022 e oggi, nel 55° anniversario dall'apertura di Unimedia, siamo lieti di invitarvi a visitare l'Archivio e la collezione guidati dalla fondatrice Caterina Gualco, dalla sua competenza e passione. Una visita da non perdere arricchita da testimonianze inedite e curiosità del mondo dell'arte contemporanea raccontate da una sua diretta e indiscutibile protagonista.

La galassia Fluxus... George Maciunas, Ben Vautier, Daniel Spoerri, Joseph Beuys, Allan Kaprow, Alison Knowles, Philip Corner, Ben Patterson, Geoff Hendricks, Berty Skuber, Dieter Roth, Claudio Costa, Mauro Ghiglione, Mauro Panichella, Ugo Carrega, Nanni Balestrini, Lucio Pozzi, Aldo Mondino, Martino Oberto OM e molti altri. (Comunicato stampa)

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Confini da Gauguin a Hopper
Canto con variazioni

11 ottobre 2025 - 12 aprile 2026
Villa Manin, Esedra di Levante - Passariano di Codroipo (Udine)

Ben 136 capolavori di una cinquantina di grandi artisti dell'Ottocento e del Novecento e provenienti da 43 musei europei e americani. Una mostra unica, di respiro internazionale e allestita negli spazi restaurati dell'Esedra di Levante del magnifico complesso dogale di Villa Manin a Passariano di Codroipo, in provincia di Udine. E' uno degli eventi di punta di GO! 2025&Friends, il cartellone di appuntamenti che affianca il programma ufficiale di GO! 2025 Nova Gorica - Gorizia Capitale europea della Cultura, offrendo proposte culturali in tutto il territorio regionale.

Promossa dalla Regione Friuli Venezia Giulia e dall'Ente Regionale per il Patrimonio Culturale - ERPAC FVG, la mostra è stata progettata e curata da Marco Goldin, con l'organizzazione dello stesso ERPAC FVG e di Linea d'ombra. In quello che potrebbe essere definito a pieno titolo il "museo ideale" dell'arte internazionale degli ultimi due secoli, i visitatori vengono accompagnati in un emozionante percorso delle meraviglie e poi coinvolti in un piacere visivo che va di pari passo con il coinvolgimento e la riflessione intorno a un tema di eterna attualità, quello dei "confini": fisici, geografici, culturali, i propri intimi confini, il qui e l'altrove, il qui che si fa altrove, confine come limite e come punto di partenza...

La mostra prende avvio da una sala introduttiva, che già ne delinea i contenuti: alcuni capolavori, anche di grandi dimensioni, come le opere di Anselm Kiefer e Mark Rothko, dove il confine si fa, seppure in modo diverso tra i due, dilagante, a fissare linee che sono orizzonti. E ancora la famosissima "Onda" di Gustave Courbet, movimento verso l'immenso, vicina all'unione di montagne e cielo fissati sulla tela da Ferdinand Hodler. Per poi andare a Monet che, con "La chiesa di Varengeville", va a proporre spazi sul mare di cui non si intravede la fine.

I due successivi percorsi sono riservati al confine interiore, allo sguardo dentro sé stessi, all'autoritratto. La sequenza è mozzafiato: Munch, Gauguin, Van Gogh, Hodler, Kirchner... Poi la galleria di splendidi ritratti: Courbet, Manet, Degas, Renoir, Modigliani, Bacon, Giacometti, nella ricerca nei volti di un confine quotidiano, anche con tutte le "bruciature" novecentesche.

Le successive due sale (la terza, fondamentale area) sono dedicate al rapporto tra l'uomo e la natura, figure e spazio soprattutto nella grande pittura americana tra Ottocento e Novecento. Molte sono le opere che per la prima volta giungono in Italia e in Europa, dai protagonisti della "Hudson River School" per giungere alla figura chiave di Homer a cavallo tra i due secoli, e poi nel Novecento soprattutto Hopper e Diebenkorn, due artisti che hanno reso la pittura americana uno scrigno di meraviglie. Infine, le modulazioni fantastiche di Andrew Wyeth. Per tornare quindi in Europa con l'interpretazione del rapporto figure e natura in grandi maestri come Segantini, Böcklin e Matisse.

"Alla ricerca del Paradiso perduto" potrebbe essere indicato come tema della quarta, ampia sezione. Eden esotici o più prossimi, espressi in opere universali, pietre miliari della storia dell'arte, da Gauguin a Monet, da Van Gogh a Cezanne e Bonnard. Quando la ricerca dei confini non porta gli artisti verso la dimensione del lontano, accade che quei confini si spingano a farsi vicinanza, confidenza d'immagini altrimenti distanti. A questo è dedicata la quinta sezione, dove una quarantina di straordinarie xilografie giapponesi, raccolte in due successive sequenze (per non esporre troppo a lungo alla luce quei fogli preziosi), sono presenti. Provengono da un'unica collezione privata, con i maggiori nomi dell'ukiyo-e, da Utamaro a Eisen, da Hokusai a Hiroshige.

Monet e Van Gogh possedevano molte centinaia di quelle xilografie. L'arte, e quella francese in primis, ne fu ampiamente toccata. Il confine si tendeva al di là degli oceani e raggiungeva chi aveva lo spirito giusto per accogliere quel mondo incantato. Tutto questo, già tantissimo, non è che il preludio per il gran finale di una mostra che resterà nella memoria di chi avrà la fortuna di ammirarla.

Impossibile sintetizzare ciò che attende i visitatori nella sesta sezione, che occupa l'intero piano terra dell'Esedra, con 60 opere che conducono verso i diversi confini compresi negli elementi naturali: montagne, mari, cieli e infine l'Universo. Insieme ad artisti come Caspar David Friedrich, l'immenso romantico tedesco, anticipatore tra l'altro delle atmosfere della pittura americana del primo Ottocento, di Cole, Bierstadt e Gifford. A irrompere, a questo punto, è la montagna Sacra di Cezanne, la Sainte-Victoire, affiancata dalle cime dipinte da Hodler e dalle alpi svizzere di Segantini, a saldare l'immagine di vette con l'eterno della natura.

E il mare, confine da percorrere e attraversare: William Turner e Gustave Courbet, poi Monet. E ancora, Bonnard, Nolde, De Staël, qui in una sequenza mozzafiato nel segno dell'arancio del tramonto. Il cielo, sopra a tutto, quando a interpretarlo sono Friedrich, Turner, Constable, Boudin, per sfociare infine nei cieli impressionisti di Monet, Sisley, Pissarro. Il passaggio tra Ottocento e Novecento è segnato dai cieli dipinti da Munch, e ancora Monet, Piet Mondrian, Edward Hopper, Emil Nolde. Un'intera sala è riservata alle ninfee di Monet, in cui il cielo di Normandia si specchia nello stagno di Giverny. Mentre arriva la transizione verso i cieli piatti di De Staël sopra la Senna a Parigi, per assurgere ai cieli interiori di un pittore immenso come Mark Rothko.

Dichiara il curatore della mostra, Marco Goldin: "Quando, nella primavera del 2023, ho per primo proposto al Presidente Fedriga il progetto, così ampio e articolato, di questa mostra, pensavo anche con un certo timore all'ambizione che vi era compresa. E in effetti, avendo poi dialogato in questi due anni di preparazione con decine di direttori e curatori di musei di tutto il mondo, la cosa che mi sono sentita ripetere un po' da tutti loro è stata proprio questa: l'ambizione del progetto. Adesso che la mostra si apre e scorro dentro di me i tantissimi quadri che raccoglie, da oltre quaranta musei sia americani sia europei, penso che tutto questo lavoro non sia stato fatto invano. Sono orgoglioso di poter consegnare a una terra come il Friuli Venezia Giulia un simile progetto diventato realtà". (Comunicato ufficio stampa Studio ESSECI di Sergio Campagnolo)

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Georgina Spengler
"Pandaisía"

02 ottobre (inaugurazione) - 08 novembre 2025
Maja Arte Contemporanea - Roma
www.majartecontemporanea.com

Quarta personale in galleria dell'artista Georgina Spengler, con testo critico di Maria Arcidiacono. Il titolo - dal greco "pan" (tutto) e "daisía" (banchetto sacro) - rimanda a un'idea di abbondanza e condivisione, di festa rituale e traboccante generosità. In mostra, a cura di Daina Maja Titonel, quindici inediti dipinti su tela compongono un universo in cui il sogno diventa forma e la visione desiderio: un'utopia del pieno, un altare laico dell'immaginazione che accoglie lo spettatore nel cuore di una creazione fertile, luminosa e insieme inquieta.

Nelle tele di Spengler l'opulenza vegetale si dispiega con una ricchezza ornamentale che richiama, per costruzione e ritmo, i motivi floreali e intrecciati di William Morris. Tra foreste rigogliose, fitte di girali e fogliami sontuosi, l'artista innesta presenze più silenziose e fragili: specie botaniche e animali minacciati che affiorano come apparizioni preziose. Non è un caso che molti titoli delle opere rimandino a queste forme di vita a rischio, trasformando ogni dipinto in un archivio poetico e insieme scientifico. "Una pittura che costruisce mondi, nei quali il suggerimento etico e la citazione colta si contrappongono e si mescolano, confluendo in un insieme armonico [...]" - scrive Maria Arcidiacono. "È come se l'artista volesse generosamente nutrirci di grazia, per poi condurci alla constatazione della ineluttabile realtà - talvolta anche mostruosa - che inesorabilmente vi si annida, minacciandola."

Il risultato è un equilibrio sottile tra incanto e allarme: l'eleganza seducente dei motivi ornamentali convive con la consapevolezza di una possibile perdita, mentre lo sguardo dello spettatore oscilla tra fascinazione e consapevolezza critica. È in questo spazio che la pittura di Spengler vibra, trasformando le ombre in tensione vitale. "Pandaisía" è dunque celebrazione e monito, festa visiva e meditazione etica: un banchetto pittorico che intreccia denuncia e "joie de vivre", invitandoci a desiderare con forza la sopravvivenza di ciò che nutre l'umanità e dà senso al nostro abitare il mondo.

Georgina Spengler (Atene - Grecia, 1959) all'età di otto anni si trasferisce con la famiglia negli Stati Uniti e successivamente in Olanda, dove nasce il suo interesse per la pittura. A Parigi frequenta per un anno l'École des Beaux-Arts. Tornata negli Stati Uniti studia presso la School of Fine Arts della Boston University (Boston, MA) e la Corcoran School of Art di Washington D.C., dove completa la sua formazione accademica. Nel 1982 si trasferisce stabilmente a Roma, città in cui tuttora vive e lavora. Da allora espone con continuità, prendendo parte a mostre personali e collettive in Italia e all'estero. Ha partecipato a due residenze d'artista: "Artist at Work", organizzata da Artbellwald.ch e dal Canton Vallese (Bellwald, Svizzera, 2021), e "Atelier", "MacroAsilo" presso il MACRO - Museo d'Arte Contemporanea di Roma (2019). Nel 2023 ha ricevuto il "Contemporary Art Creation Award", conferito dalla Casa Internazionale delle Donne di Roma. (Comunicato stampa)

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Operai dell'arte. Industria e arte nella Repubblica Popolare Polacca
30 settembre - 21 novembre 2025
Istituto Polacco di Roma - Roma
www.istitutopolacco.it

Mostra a cura di Jakub Gawkowski e Anna Jagiello, co-organizzata dall'Istituto Polacco di Roma, dal Centro d'Arte Galeria El di Elblag e dal Muzeum Sztuki di Lódz, in collaborazione con il Museo Archeologico-Storico di Elblag e la Fondazione In Situ di Sokolowsko, alla presenza di Emilia Orzechowska, direttrice della Galeria El. La mostra, attraverso documenti di archivio, illustra il dialogo tra arte e industria, parte integrante delle pratiche artistiche della Repubblica Popolare Polacca, in particolare negli anni Sessanta - Ottanta. Esistono diversi esempi di collaborazioni tra artisti e operai, simposi nelle fabbriche o eventi artistici ciclici che si basavano sulla collaborazione tra operai e industrie statali.

Si può parlare di un vero e proprio mecenatismo industriale statale, che da un lato è stato un elemento della formazione dell'ideologia proclamata dall'autorità, ma dall'altro, e questo ne costituisce la particolare importanza, era un'iniziativa che partiva dal basso, dalla volontà degli artisti e dei critici d'arte, ancora fortemente influenzati dai postulati dell'avanguardia sull'arte sociale. La mostra presenta questo fenomeno basandosi su due esempi molto diversi tra loro: La Biennale delle Forme Spaziali di Elblag (1965-1973), organizzate e sostenuto dalla Zamech, azienda meccanica di Elblag e Konstrukcja w procesie (Costruzione in processo), un evento che risale al 1981, cioè pochi mesi prima che in Polonia fosse introdotta la Legge marziale, documentato da Zygmunt Rytka. (Estratto da comunicato ufficio stampa Maria Bonmassar)

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Claire Lindner
"Flaming Wings"

18 settembre (inaugurazione) - 14 novembre 2025
MAAB Gallery - Milano
www.maabgallery.com

Le suggestive creazioni in ceramica di Claire Lindner prendono di sorpresa l'osservatore destabilizzando le linee di separazione tra organico e sintetico, animale e vegetale, scienza e finzione. Sono sculture che con la sinuosità dei movimenti e delle loro cromie, che sembrano mutare sotto ai nostri occhi, generano un senso di mistero unito alla meraviglia della scoperta.

Claire Lindner (Perpignan - Francia, 1982) è un'artista emergente che sta diventando una figura di spicco nella ceramica contemporanea. È dotata di una solida istruzione superiore nel campo delle belle arti, acquisita in Francia e nel rinomato Camberwell College of Arts di Londra. Dal 2006 le sculture di Claire Lindner sono state presentati in prestigiose esposizioni, tra cui Contemporary French Scène al Musée des Arts Decoratifs di Parigi (2011), Le Banquet al Grand Palais di Parigi, nell'ambito della biennale "Revelations" (2015) e Homo Faber alla Fondazione Cini di Venezia (2024). Le sue opere sono incluse in importanti collezioni museali pubbliche e private.

La mostra Flaming Wings, che segue la personale tenuta in galleria nel 2022, fa quindi riferimento alle varie metamorfosi dinamiche presenti nelle recenti opere dell'artista francese. La forma fiammeggiante suggerisce uno slittamento di tipologia in cui l'organico abbraccia tanto il regno vegetale che quello animale. Il colore subisce modificazioni tonali dall'arancio al ruggine, dal viola al verde, dal giallo all'azzurro. La manipolazione della materia e della forma, la porosità della superficie che assorbe morbidamente la luce, suggeriscono fluttuazioni tra diversi periodi di crescita, decadimento e stasi: una simbiosi fiammeggiante che allude alla transizione, all'imprevedibilità della natura e alla visionarietà della creatività umana.

In questo modo l'artista ci trasporta in un mondo fantastico che occupa ogni spazio, dal pavimento fino alle pareti della galleria, descrivendo creature ambivalenti, bellissime e talvolta lievemente perturbanti. Claire Lindner mette così in scena un mondo che si cela al di là delle nostre aspettative e della nostra percezione immediata. Sono forme arrotondate che si lasciano accarezzare dallo sguardo, che invitano al contatto e che sembrano estendersi nella vita quotidiana provenendo dal regno del sogno e dell'immaginario.

Una poesia suadente emana da queste sculture dense di movimento e di quiete allo stesso tempo, brulicanti di linee e di cromie, affascinanti e insieme inquietanti, che indagano il senso dell'odierna relazione tra esseri umani e natura. Il gioco plastico tra forma, colore e patina allontana l'osservatore dalle origini dell'oggetto nel mondo quotidiano, per avvicinarlo a un dialogo inedito quanto seducente che coinvolge lo sguardo, lo spazio e il pensiero. (Estratto da comunicato stampa)

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Giacomo Balla, un universo di luce
La collezione della Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea

10 ottobre 2025 - 01 febbraio 2026
Palazzo del Governatore - Parma
www.studioesseci.net

Per la prima volta, fuori dalla sede romana di appartenenza, nelle sale del Palazzo del Governatore di Parma, tutti i lavori e capolavori del grande artista custoditi nel museo della capitale. Si tratta di un ingente prestito, di oltre 60 opere, della più completa collezione pubblica del percorso di ricerca di Giacomo Balla, mai esposta in precedenza nella sua interezza. Tra gli artisti più "rivoluzionari" del Novecento, tanto da riconoscere in lui il "Leonardo da Vinci del XX secolo" - come amava definirsi - Giacomo Balla (Torino, 1871-Roma, 1958) sarà celebrato a Parma con una retrospettiva senza precedenti. Pittore della luce come fu già definito nel 1908, la luce è sempre stata la sua fonte d'ispirazione, il soggetto e insieme l'oggetto di un'indagine appassionata inseguita per tutta la vita senza soluzione di continuità.

La mostra, realizzata e coorganizzata dal Comune di Parma e dalla Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea, che presenterà al pubblico anche gli esiti di studi e di approfondimenti recenti sulla sorprendente collezione, è a cura di Cesare Biasini Selvaggi e Renata Cristina Mazzantini con la collaborazione di Elena Gigli, il contributo di Fondazione Cariparma e della Regione Emilia Romagna e la collaborazione di Solares Fondazione delle Arti.

L'esposizione si fonda in particolare sul consistente e rappresentativo nucleo di opere provenienti dalla generosa donazione delle figlie dell'artista, Elica e Luce Balla, con l'illuminata integrazione di dipinti e disegni selezionati, su indicazione della stessa Luce Balla, da Maurizio Fagiolo dell'Arco, grande studioso dell'artista, con la collaborazione di Elena Gigli.

L'universo di luce di Giacomo Balla si snoderà, a Parma, in 13 sale, seguendo un ordine tematico e cronologico, in un'esposizione che ripercorrerà tutta la produzione di un genio autodidatta sempre fedele alla sua vocazione sperimentale, unica quanto straordinaria. Arricchita da apparati fotografici, biografici e storici provenienti dall'Archivio Gigli, la mostra si svolge dalla fase del realismo sociale e divisionista, attraverso la stagione dell'avanguardia radicale futurista (Balla firma con Marinetti e altri, tra cui Boccioni, Carrà e Russolo, i manifesti che definivano gli aspetti teorici del movimento), per approdare dopo il 1930 a un'inedita e pionieristica figurazione.

Apre il percorso Nello specchio (1901-1902), dove sono rappresentati l'amico scultore Giovanni Prini con sua moglie, lo scrittore Max Vanzi e lo stesso Balla. Di fronte a questo dipinto Giacomo Puccini esclamò: «Questa è la mia 'Bohème', la voglio ad ogni costo!». Benché lusingato, Balla preferì rimettendoci che il quadro fosse acquistato dallo Stato italiano che lo destinò alla Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma.

Tra i nuclei più significativi riservati al pubblico si colloca il grande ciclo intitolato Dei viventi. Delle 15 opere dipinte dall'artista rivelate nel 1968 da Maurizio Fagiolo dell'Arco grazie a un appunto di Balla, sono giunte fino a noi solo quattro tele incentrate sugli ultimi e gli emarginati della nuova società del progresso di inizio Novecento, interesse riconducibile anche alle ricerche dell'antropologo e criminologo Cesare Lombroso, con il quale Balla entrò in contatto nel periodo torinese.

Tra le opere Dei viventi superstiti c'è La pazza, una donna immortalata da Balla sul terrazzo della sua casa-studio ai Parioli in modo da suscitare stupore e sgomento in chi la osserva: l'atteggiamento è stravolto, la gestualità ha un ritmo convulso mentre lo sguardo vaga senza meta esprimendo la malattia psichica con disarmante efficacia. Dietro la tela I Malati è trascritta a macchina l'etichetta con le volontà di Balla sulla modalità di presentazione delle quattro opere, a mo' di polittico e secondo una precisa successione, fedelmente proposta in occasione dell'allestimento a Parma: La pazza, I malati dipinto noto anche come Prime cure elettriche, Il contadino (di proprietà dell'Accademia di San Luca, in mostra pertanto attraverso una riproduzione fotografica a misura naturale in bianco e nero) e Il mendicante.

Il percorso rivolge attenzione all'affascinante rapporto che lega i disegni preparatori dell'artista ai dipinti: un aspetto fondamentale della sua produzione. Ne offre una potente testimonianza lo studio per Fallimento del 1902 circa (esito della sua attenta osservazione dei scarabocchi infantili sulla porta di un negozio in via Veneto a Roma chiuso da tempo) che Enrico Crispolti individuò come sorprendente precursore, in particolare, delle litografie dei muri parigini del 1945 di Jean Dubuffet.

Tra i bozzetti di capolavori chiave del periodo futurista, si colloca uno dei due studi de I ritmi dell'archetto (lavoro conosciuto anche come Le mani del violinista) eseguiti nell'inverno del 1912 a Düsseldorf dove Balla si era recato per decorare la sala da pranzo nella casa della sua ex allieva, Grethel Löwenstein. Nello stesso anno, scrive alla sua famiglia: «Ora sto anche per finire uno studio della mano del marito che suona il violino, ma in movimento, in diverse posizioni e [incorporando] i continui movimenti dell'archetto».

Sempre al soggiorno a Düsseldorf nel 1912 appartiene uno dei preziosi studi sull'iride (con al verso un Autoritratto), denominati dopo la morte dell'artista, dagli anni Sessanta, Compenetrazioni iridescenti, tra le più alte espressioni della ricerca di Balla, primo esempio di un'astrazione geometrica figlia della scomposizione ottico-dinamica della luce, che ha contribuito a ribadire il ruolo centrale di Balla nella nascita dell'astrattismo europeo. Attraverso gli studi sull'iride, per utilizzare le parole di Fagiolo dell'Arco, «Balla vuole rendere la sostanza di un fenomeno evanescente come l'arcobaleno, che è un simbolo della luce».

Da altre ricerche, che comprendono lungo il percorso espositivo anche i sei disegni per Volo di rondini, attraverso il dinamismo dell'auto (con l'intenso Espansione dinamica + velocità N. 9 del 1913 circa) si approda alle "linee della velocità", definite dallo stesso Balla la base fondamentale delle sue forme di pensiero. In mostra si potrà ammirare anche il nucleo di lavori di diversa provenienza rispetto alle figlie dell'artista, esito di acquisizioni compiute nel corso degli ultimi decenni dalla Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea di Roma o di donazioni. A questo ambito, appartiene lo splendido disegno Linea di velocità + spazio (1913 ca.) che tornerà a essere esposto al pubblico dopo oltre mezzo secolo.

Allo splendido ciclo delle Dimostrazioni interventiste del 1915 (il 28 giugno 1914 scoppia la Prima guerra mondiale: mentre l'Italia si proclama neutrale, i Futuristi declamando la guerra come "sola igiene del mondo" sono tra i favorevoli all'intervento in guerra) appartiene l'imponente dipinto Forme-volume del grido "Viva l'Italia" di cui sarà mostrato al pubblico per la prima volta l'esito di analisi radiografiche svolte sull'opera dalla ditta ArsMensurae di Stefano Ridolfi: si riconosce la sagoma di una donna in piedi, in verticale, mentre la composizione del 1915 viene dipinta in orizzontale. La figura femminile, visibile anche sul retro della tela in trasparenza, è stata ricondotta da Elena Gigli allo studio preparatorio passato in un'asta nel 1998 per il ritratto fatto da Balla alla moglie Elisa nel 1908, Nudo controluce, di cui oggi esiste, in una collezione privata, la realizzazione su carta.

Le sezioni conclusive della mostra sono dedicate all'ultima produzione figurativa di Balla, ancora poco nota al grande pubblico, di cui sono stati avviati studi solo in tempi recenti (soprattutto da Fabio Benzi), che attinge all'immaginario della fotografia di moda e di attualità, nonché a quello cinematografico, tanto quanto alla fascinazione per quell'energia universale che innerva la natura osservata nei parchi e nei giardini di Roma.

Tra le opere che mettono in evidenza queste inclinazioni, spicca l'olio intitolato sul retro della tavola La fila per l'agnello (detto a Roma abacchio), dipinto nell'inverno del 1942. Un'originale prospettiva di "ripresa" offre una visione soggettiva attraverso la finestra del palazzo di Balla che si affaccia su via Montello, sulle lunghe file di persone intente a cercare di procurarsi il cibo che ormai scarseggia nella capitale nel cuore della Seconda guerra mondiale. L'artista si mette nuovamente in gioco con un approccio sperimentale che restituisce ancora una volta, ma in modi diversi, quel senso di incredibile potenzialità dell'esperienza quotidiana. Il fil rouge è sempre la luce, linfa vitale dell'immagine, dal colore alla sua forma. (Comunicato ufficio stampa Studio ESSECI)

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Inge Morath
"Le mie storie"

13 settembre -16 novembre 2025
Galleria Harry Bertoia - Pordenone
www.studioesseci.net

Questa esposizione rappresenta l'inizio di un percorso espositivo ricco ed articolato, che nei mesi successivi porterà a Pordenone grandi protagonisti della fotografia internazionale, con molte anteprime nazionali. Una nuova stagione dedicata all'esercizio "Del leggere": l'avvio di un progetto culturale che pone al centro il tema della lettura in tutte le sue declinazioni, rimarcando così il ruolo culturale di Pordenone che negli anni ha costruito una straordinaria offerta culturale di rilievo nazionale.

Un contributo che s'integrerà nel percorso operativo che porterà Pordenone verso il 2027, anno in cui alla città verrà riconosciuto il ruolo di Capitale Italiana della Cultura. Ad aprire questa nuova proposta, sarà una grande esposizione dedicata a Inge Morath (Graz 1923 - New York 2002), figura centrale del fotogiornalismo del Novecento e prima donna entrata a far parte della celebre agenzia Magnum Photos. Un progetto, promosso dal Comune di Pordenone ed organizzato da Suazes.

In questi anni le occasioni in Italia per approfondire aspetti del suo lavoro diverse, ma la mostra di Pordenone svela ed approfondisce una nuova parte della sua produzione, quella rappresentata dal ritratto con un'attenzione particolare al mondo della letteratura. La mostra, che resterà aperta fino al 16 novembre 2025, proporrà un approccio originale e poco esplorato nella produzione della fotografa austriaca, focalizzandosi prevalentemente sulla seconda parte della sua vita, segnata dall'incontro avvenuto nel set del film "The Misfits" di John Houston e dal successivo matrimonio con il drammaturgo Arthur Miller.

Il percorso espositivo raccoglierà circa 110 fotografie e sarà ospitato all'interno degli spazi espositivi di Galleria Harry Bertoia, luogo dove lo scorso si sono tenute le due anteprime nazionali dedicate a Italo Zannier e Bruno Barbey con il progetto "Les Italiens". La mostra è promossa dal Comune di Pordenone e organizzata da Suazes in collaborazione con Fotohof. Sarà curata da Brigitte Blüml Kaindl, Kurt Kaindl e Marco Minuz. Il progetto espositivo gode del sostegno della Regione autonoma Friuli-Venezia Giulia e del supporto di Fondazione Pordenonelegge. (Estratto da comunicato ufficio stampa Studio ESSECI)

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Gianni Asdrubali
"L'altra pittura"

24 settembre (inaugurazione) - 19 novembre 2025
Gallerie A arte Invernizzi e Artra - Milano
www.aarteinvernizzi.it

La mostra, a cura di Lorenzo Madaro, articolata nelle due sedi delle gallerie, con cui l'artista dialoga intensamente da decenni, diviene una antologica in grado di tracciare i punti focali imprescindibili di tutta la sua ricerca sin dagli esordi. Le due sezioni sono una in continuità con l'altra con incroci, tangenze speciali e a volte intrecci che le connettono costantemente.

Gianni Asdrubali (Tuscania, 1955) sviluppa la propria ricerca con convinzione dai primissimi Ottanta, rimanendo già in quegli anni autosufficiente e originale, fuori da ogni possibile categoria di riferimento, lontana dagli ismi e da ogni perimetro critico/curatoriale, fatta eccezione per l'Astrazione povera teorizzata da Filiberto Menna includendo oltre allo stesso Asdrubali anche Mariano Rossano, Bruno Querci e altri artisti. L'arte con Gianni Asdrubali torna ad assumere una funzione primaria di spazio che indaga il sé della pittura, dopo la bolgia di colore, immagini, simboli, allegorie a cui la pittura in quegli anni ci stava abituando anche nelle sue espressioni più stimolanti, innovative, coinvolgenti.

Gianni Asdrubali già da quel decennio è infatti un battitore libero e solitario. Non silenzioso, non inerme, non immobile. La sua storia in quei primi momenti di sperimentazione è di impegno massimo nelle stanze dei suoi studi, alla ricerca della radice originaria di un segno mai incerto ma in costante movimento, proiettato - all'epoca come oggi - in una persistente fuoriuscita dalla tela, dal muro o comunque dal quadro in senso stretto. Tutto è propedeutico alla gestazione, al concepimento e all'affinamento di uno stile che non diventa mai un genere, che non inciampa mai nel caos totale della replica, bensì nell'ossessiva, meditata e insieme voluttuosa e caparbia capacità di costruzione di un alfabeto in costante movimento.

Opere in mostra come Camurro (1981), Diodiavolo (1981), Diodiavolo (1982) rivelano grovigli, contorsioni, capriole, tracce, alle volte forti e penetranti, altre che si assottigliano man mano che si allargano dalla matrice cromatica, rigorosamente nera, che quasi esplode in un lato dell'opera per farsi altro, per liberarsi della propria energia intrinseca. Ecco allora che con il passare degli anni - pensiamo a Aggroblanda del 1984, Bestia del 1985, Zaazze del 1986 e Nemico dello stesso anno, per citare alcune tra le opere in mostra - la traccia di ogni segno si regolarizza in un sistema di coordinate ancor più approfondite, precise, che si allontana dalla gestualità informale per ricomporsi in un sistema in cui il segno si assottiglia per diventare un elemento autonomo, un apparente tubo che si apre per creare spazi di pieno e di vuoto in cui si inserisce il bianco della superficie che diviene "corpo".

E se in opere come Malumazac del 1990 il segno inizia nuovamente ad allargarsi, ma non come groviglio bensì come traccia libera che si espande, in opere come Tromboloide del 1992 l'opera stessa diventa sagoma fatta esclusivamente di segno e il supporto è ritagliato attorno al segno stesso. Svolta, prende impossibili diagonali, alle volte torna indietro, si stratifica, poi si innalza, è come un'onda che si increspa e poi esplode nella libertà assoluta di una superficie che - ed è questo il filo conduttore di questa nuova fase, quella dei Novanta, più matura dell'artista - non finisce più sul proprio perimetro ma idealmente inizia a ampliarsi e sfrangiarsi del tutto sullo spazio attorno. Questa attitudine poi si svilupperà completamente negli anni più recenti, soprattutto negli interventi che realizza o sulle tele sagomate e assemblate, messe assieme a mo' di arcipelago sprigionando un'energia sempre inesausta.

Energia. La pittura di Asdrubali è un concentrato che concilia riflessione e azione, impeto e calma, quella che occorre nello spazio concentrato dello studio, luogo di elaborazione progettuale, ma anche di allenamento verso quel continuo evolversi del segno stesso.

Tromboloide è una delle opere centrali di un transito in grado di generare nuove possibili traiettorie: il segno qui fa emergere un'altra delle identità della pittura di Asdrubali. Da un lato c'è quello netto, profondamente denso, totalizzante, e poi c'è la traccia del pennello semi asciutto che genera altre prospettive interne. Quindi la pittura non è soltanto il risultato della sua azione su una superficie ma anche il suo farsi, il suo essere processo.

La mostra poi prosegue con un'ampia sezione, divisa nelle due gallerie, di opere degli anni Duemila e, soprattutto, di quelli più recenti, dove l'energia di Asdrubali si è completamente dilatata e in cui la superficie assume un ruolo a volte perfino primario nella definizione degli spazi e delle prospettive delle pennellate, che si fanno sempre più tumultuose, irradianti, talvolta nevrotiche, iperattive, avvolgenti, dilatate, in un continuo rincorrersi di asimmetrie, di rinunce a una possibile regola stagnante. Anche nell'opera recente comprendiamo come la ricerca di Asdrubali sia un battito cardiaco di un'esperienza che esplora il problema interno della pittura, ovvero l'energia e il vuoto. In occasione della mostra verrà pubblicato un catalogo bilingue con un saggio di Lorenzo Madaro, la riproduzione delle opere esposte nelle due gallerie e un aggiornato apparato bio-bibliografico. (Comunicato stampa)

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Maria Cristina Carlini
"Materia, Composizione, Architettura

25 settembre (inaugurazione) - 08 novembre 2025
Paula Seegy Gallery - Milano
www.paulaseegygallery.com | www.mariacristinacarlini.com

La stagione espositiva riapre con la personale che raccoglie un nucleo di opere emblematiche dell'artista, interprete tra le più autorevoli della scultura contemporanea italiana, attiva da decenni in un'indagine profonda sulla materia e sul rapporto tra arte e natura. Il progetto espositivo, che include diversi inediti, offre un percorso composto da sculture in grès, accostate a collage e grandi disegni a tecnica mista che illustrano la varietà dei linguaggi e materiali adottati da Carlini. Si parte dalla terra, elemento privilegiato dall'artista e con la quale lascia percepire un legame ancestrale, che trova la sua espressione in opere che trasmettono potenza e solidità.

In lavori come Paesaggio etrusco (2004) o nella scultura Verso l'infinito (2010), realizzate in grès, oltre al forte impatto materico viene sondato il tempo, il passato, la memoria e la tensione verso il futuro, capisaldi della poetica della scultrice. Se nel primo caso emerge un'attenzione rilevante data al reperto, a forme simboliche dimenticate e segni compositivi perduti che vengono fatti riaffiorare, la scultura Verso l'Infinito, con la sua aura enigmatica riporta al presente, mostrando attraverso la forma della scala un'architettura visionaria.

La sua estremità in parte celata, della quale non si conosce la meta, attraverso scalini che si riducono di dimensione fino a raggiungere "l'ignoto", rappresenta un ponte verso tempi che verranno. In questa direzione si muove anche l'inedita Origine (2025) che presenta un collegamento diretto con gli elementi naturali e con ricordi atavici, ma che è in parallelo un invito a riflettere sulla fragilità della natura e sulla necessaria salvaguardia dell'ambiente.

Nei lavori a parete si percorre la via della sperimentazione di media differenti, da carta e cartone a legno, cortecce e materiali di recupero, che danno vita a soggetti dai chiari riferimenti a strutture architettoniche. Lo si osserva nelle quattro opere intitolate Cattedrale (2020) o ne Studio Monumento al Mediterraneo (2005) e Studio Stracci (2006) dove una composizione lineare e sintetica richiama a costruzioni, monumenti appartenenti a contesti urbani o a opere da lei stessa realizzate.

Si configurano invece come scenari rurali o paesaggi dell'anima i collage dell'evocativa serie Omaggio a Kiefer (2023), testimonianza dello stretto rapporto con la poetica dell'artista tedesco, come lei fortemente legato ai temi del tempo e della memoria. La mostra restituisce al pubblico la coerenza e la forza poetica di un'artista che, attraverso materiali, tecniche, dimensioni differenti, rende la materia protagonista assoluta, traccia viva di un dialogo profondo tra memoria, arte e natura.

La scultrice Maria Cristina Carlini inizia il suo percorso artistico con la lavorazione della ceramica nei primi anni Settanta a Palo Alto in California, per poi esprimersi con l'utilizzo di diversi materiali quali il grès, il ferro, l'acciaio corten e il legno di recupero. Espone in numerose mostre personali e collettive in diverse sedi pubbliche e private nazionali e internazionali, ottenendo premi e onorificenze. Le sue sculture monumentali sono presenti in permanenza in tre continenti: Europa, America e Asia. Nel gennaio 2025 la scultrice apre ufficialmente al pubblico la Fondazione Maria Cristina Carlini ETS, nata con l'obiettivo di custodire e valorizzare il vasto patrimonio artistico e documentale realizzato in oltre cinquant'anni di attività. Numerose pubblicazioni hanno punteggiato l'attività artistica di Maria Cristina Carlini, hanno scritto di lei importanti critici. (Estratto da comunicato IBC Irma Bianchi Communication)

Immagine:
Maria Cristina Carlini, Verso l'infinito, 2010, gres cm. 51x50x40

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Politicamente scorretto. Arte (Svizzera) del Primo 1900. Esercizio sulla Grammatica Visiva
19 settembre - 21 dicembre 2025
MACT/CACT Museo e Centro d'Arte Contemporanea Ticino - Bellinzona
www.cacticino.net

In mostre opere di: Charles Barraud, Paul Basilius Barth, Viktor Baumgartner, Paul Berger, Karl Bickel, Walther Bötticher, Serge Brignoni, Luigi Conconi, Lovis Corinth, Louis Desvignes, Paul Du Bois, Georg Einbeck, Ignaz Epper, Karl Hänny, Walter Helbig, Bruno Héroux, Karl Jakob Hirsch, Hermann Huber, Richard Janthur, Béla Kádár, Paul Kleinschmidt, Martin Lauterburg, Henny Mannheimer, Georg Merkel, Aldo Patocchi, Fritz Pauli, Apollonio Pessina, Hubert Ponscarme, Gregor Rabinovitch, Gerhard Riebicke, Alfred Soder, Paul Speck, Karl Stauffer-Bern, Jakob Steinhardt, Hermann Struck, Stanislav Sucharda, Hans Trudel, Heinrich Ludolf Verworner, Emil Weber, Ovide Yencesse, Anonimo del XIX secolo

La stagione 2025 termina con una mostra a carattere tematico, dove si stratificano e si intrecciano differenti approcci all'arte e alla sua lettura, situazioni epocali e politiche metamorfiche, che cercano di fare luce sul periodo a cavallo tra 1800 e 1900, ma soprattutto il primo Novecento, testimone di un fermento, che pone l'arte stessa al centro dell'attenzione, proprio per la sua capacità di bene rappresentare la crisi del momento storico, e di trasmettere altresì l'effervescenza sociale e politica di quel periodo. Questo complicato ed entusiasmante arco temporale, segnato, sì, da una recrudescenza della barbarie con l'esplosione della seconda guerra mondiale, produce tuttavia anche una quantità strepitosa di creatività, che in parte riflette, rendendosi testimone, i quesiti dei cambiamenti della società e della politica tra ancien régime di fine Ottocento e visioni repubblicane.

I disastri della Grande Guerra, e i meccanismi della seconda, stringono le maglie attorno produzione artistica, togliendole vieppiù ossigeno, libertà ed economia, e creando in seguito molti vuoti, che solo lo studio e la ricerca stanno ora tentando di colmare. Due guerre mondiali, una dopo l'altra a distanza di pochi anni, hanno sicuramente contribuito in maniera violenta al saccheggio intellettuale e alla distruzione fisica di molti lavori d'arte, seppellendo con essi anche i loro autori; spesso messi a tacere e rimossi dai loro incarichi istituzionali, o semplicemente deportati per motivi politici o razziali. È emblematico il caso di Henny Mannheimer (1899-1939), vittima del Nazionalsocialismo, cui da pochi mesi è stato possibile riscostruire la precisa identità biografica, grazie all'enorme impegno dell'editore Harald Kubiczak e alla sua strenua collaborazione con gli archivi di Stato di Magonza in Germania.

Politicamente scorretto. Arte (Svizzera) del Primo 1900. Esercizio sulla Grammatica Visiva intende analizzare proprio quel preciso momento, recuperando alcuni artisti, che - come testé enunciato - non sono riusciti ad attecchire nel terreno fertile delle arti, proprio a causa delle guerre, affievolendo e vanificando così anche la loro presenza nella memoria storica. Nonostante ciò, una ricerca oculata presso collezioni, archivi, istituti d'arte e musei riesce a far rinascere la loro esistenza e a riattivare la loro memoria. Oltre ai grandi crocevia dell'avanguardia e ai loro illustri nomi, scopriamo, che pure questi "dimenticati" dalla Storia, dal mercato dell'arte e dalle mode degli ultimi decenni, hanno contribuito in maniera preponderante e piacevolmente "alternativa" a consolidare la produzione artistica di quel tempo.

Senza citare i nomi degli artisti più conosciuti in mostra, la Svizzera non fa eccezione. Autori come Karl Bickel, Fritz Pauli o Paul Speck furono in grado di lasciare un'impronta di ricerca molto interessante all'interno delle avanguardie di quel tempo, dai primi anni del 1910 fino al periodo del Bauhaus e dell'Art Déco, pensando e realizzando opere di straordinaria modernità e qualità interpretativa per l'epoca. Essi sono sati ambasciatori consapevoli e forti del momento.

Va pure aggiunto a titolo di riflessione, che da qualche parte e in qualche modo, il rapporto tra arte e potere sta alla base di questa esposizione storica (per certi versi attuale e attualizzabile per approccio), nella misura in cui essa tenta di far tornare alla superficie della memoria autori e opere lentamente spariti per sbadata dimenticanza di chi, invece, si occupa di cultura e della sua conservazione. La situazione geo-politica attuale ci impone anche una responsabilità da non sottovalutare; cioè quella dell'impegno preso con la propria coscienza di non cancellare la cultura e modificarne la fisionomia storica. (Mario Casanova, Bellinzona, 2025)

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Pino Musi. Polyphōnia
19 settembre (inaugurazione) - 06 gennaio 2026
Fondazione Biscozzi | Rimbaud ETS - Lecce
www.fondazionebiscozzirimbaud.it

Undicesimo appuntamento espositivo della Fondazione - istituita nel 2018 da Luigi Biscozzi e Dominique Rimbaud con l'obiettivo di promuovere l'arte moderna e contemporanea - la mostra - a cura Stefania Zuliani - porta a Lecce il lavoro di Pino Musi (Salerno, 1958), artista visivo e fotografo di fama internazionale, che da molti anni vive a Parigi.

Pino Musi ha iniziato a fotografare giovanissimo, a 14 anni, formandosi da autodidatta nella tecnica del bianco e nero. Il suo percorso è stato influenzato in modo significativo da una frequentazione del teatro d'avanguardia e sperimentale, almeno fino alla fine degli anni Ottanta. Nel corso del tempo, la sua ricerca ha incontrato e messo in relazione differenti ambiti culturali, intrecciando in maniera personale antropologia e architettura, archeologia e industria.

La sua fotografia si fonda su rigore formale, ritmo e sottrazione. L'obiettivo non è quello di rappresentare la realtà visibile, ma di produrre, attraverso un sottile equilibrio, fra astrazione e dimensione analitica, spogliato da ogni forma di estetizzazione o nostalgia, spunti inattesi e contrappunti visivi che si accordino in una complessa armonia. In Polyphōnia, lavorando esclusivamente in bianco e nero, Musi adotta la tecnica digitale con misurati interventi che rivelano l'essenza nascosta e ambigua dei soggetti fotografati.

Dal 2018 l'artista ha rivolto la sua ricerca alle nuove periferie delle grandi città europee - tra le altre, Parigi, Anversa, Berlino - luoghi segnati da espansioni anonime e contraddizioni architettoniche. Le sue immagini, prive di espliciti riferimenti geografici o temporali, non cercano il riconoscimento del referente, ma offrono un'esperienza visiva che ha molto a che fare con la notazione musicale. Nessuna indulgenza narrativa o documentaria viene messa in opera: il suo sguardo indaga pieni e vuoti, strutture e tensioni, componendo vere e proprie partiture visive.

La mostra Polyphōnia si presenta negli spazi della Fondazione Biscozzi | Rimbaud con un corpus di 56 opere in esposizione e con un film di 25 minuti, appositamente prodotto per l'occasione, che restituiscono, in modo coerente e privo di compiacimento, una riflessione lucida e potente sui bordi delle metropoli in espansione e sul nostro modo di percepire lo spazio urbano contemporaneo.

Queste le parole della presidente Dominique Rimbaud: "È un onore e una grande gioia ospitare la mostra di Pino Musi. Musi gioca con le immagini - non possiamo più parlare di semplici fotografie - che la sua immaginazione e il suo sguardo, in equilibrio tra una profonda tenerezza per le periferie del mondo e la lucidità analitica dell'artista, hanno saputo catturare, trasformare e trasmutare in opere astratte. Sono particolarmente lieta di accogliere queste opere nelle sale della Fondazione, accanto ai lavori di grandi protagonisti dell'arte astratta italiana e internazionale."

Come sostiene la curatrice Stefania Zuliani: "Musi costruisce le sue visioni di architetture, di paesaggi, di pagine antiche e di volti, sempre con la stessa urgenza, quella di mostrare non ciò che gli occhi vedono ma ciò che lo sguardo distingue, quella forma, stabile ma non immota, che diventa immagine, una scrittura di luce che, inevitabilmente, ci riguarda, ci guarda e ci coinvolge".

Dato che la sua attuale ricerca sulla forma trova il miglior mezzo espressivo attraverso l'arte del bookmaking, in particolare nella creazione di volumi d'artista, la mostra è accompagnata dal libro d'artista, edito da Cimorelli Editore, con un'introduzione di Dominique Rimbaud, presidente della Fondazione, e un saggio di Stefania Zuliani, curatrice della mostra. (Comunicato stampa Ufficio stampa Maria Bonmassar)

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William Kentridge
"Listen to the Echo"

Museum Folkwang - Essen, 04 settembre 2025 - 18 gennaio 2026
Staatliche Kunstsammlungen - Dresda, 06 settembre 2025 - 18 gennaio 2026
www.liarumma.com

In occasione del 70° compleanno di William Kentridge, il 28 aprile, il Museum Folkwang e le Staatliche Kunstsammlungen Dresden presentano il lavoro dell'artista sudafricano con un ampio progetto congiunto. Le mostre apriranno a Essen e a Dresda all'inizio di settembre 2025 e offriranno entrambe una panoramica unica sull'opera e sui metodi di lavoro multiformi di William Kentridge.

Kentridge è uno degli artisti più acclamati del nostro tempo e da molti anni affronta poeticamente questioni sociali e politiche di grande attualità non solo nel suo paese d'origine, il Sudafrica. Ha raggiunto la fama internazionale negli anni '90 con i suoi cortometraggi animati, basati su disegni a carboncino e capaci di intrecciare storie politiche e personali. Ancora oggi, il disegno costituisce la base del suo ampio corpus di opere, che comprende stampe, sculture, film, produzioni operistiche e la concezione di spettacoli teatrali originali. Le mostre di Dresda ed Essen sono organizzate in stretta collaborazione con William Kentridge. Il catalogo congiunto della mostra sarà pubblicato da Steidl Verlag, Göttingen.

La mostra al Museum Folkwang ripercorre lo sviluppo artistico di Kentridge dalla fine degli anni Settanta a oggi. Accanto ai disegni e ai film della celebre serie Drawings for Projection, saranno esposti stampe, sculture, arazzi e installazioni filmiche multicanale. Particolare attenzione è rivolta alle opere in cui l'artista esplora la complessa storia del Sudafrica, così come i temi del colonialismo, del potere sociale e della responsabilità individuale. I riferimenti alla storia della regione della Ruhr (ad esempio in merito al cambiamento industriale o alle tracce coloniali) creano nuovi spazi di risonanza. Un ruolo importante è riservato anche allo studio dell'artista, concepito come laboratorio di processi creativi e collettivi.

Le Staatliche Kunstsammlungen Dresden presentano la produzione di Kentridge in tre sedi contemporaneamente. Il fulcro è rappresentato dalla sua riflessione sul tema della processione come metafora della comunità umana. Al Kupferstich-Kabinett del Residenzschloss viene presentata un'ampia selezione di sue stampe. All'Albertinum, la proiezione video More Sweetly Play the Dance (2015) dialoga con i grandi disegni preparatori (1869-1876) del celebre fregio in piastrelle di porcellana lungo 100 metri della Processione dei Principi di Dresda. Altri allestimenti minori all'interno del palazzo collegano i temi di Kentridge alle collezioni principesche. Inoltre, il Centre for the Less Good Idea, fondato da Kentridge a Johannesburg, curerà l'edizione 2025-26 della mostra annuale della Collezione di Teatro di Marionette al Kraftwerk Mitte di Dresda.

Peter Gorschlüter, Direttore del Museum Folkwang: "Con Listen to the Echo celebriamo uno degli artisti più importanti del nostro tempo. La mostra è un omaggio a William Kentridge in occasione del suo 70° compleanno e rappresenta al contempo il momento culminante del nostro anno espositivo. Siamo felici che, da settembre, presenteremo opere che coprono oltre quattro decenni: lavori di un artista che affronta temi come colonialismo e utopie sociali, impegnandosi instancabilmente per i diritti umani e la dignità dell'uomo."

Marius Winzeler, Direttore Generale ad interim delle SKD: "A Dresda dedicheremo mostre a questo straordinario artista di fama mondiale in tre sedi contemporaneamente. Il Kupferstich-Kabinett, l'Albertinum e la Collezione di Teatro di Marionette daranno vita a quell'eco evocata dal titolo della mostra. Ci concentreremo in particolare sul tema della 'processione', motivo ricorrente nell'opera di Kentridge. In occasione dell'inaugurazione, una processione cerimoniale con coro e banda sfilerà nel centro di Dresda, passando davanti a una delle più singolari pitture monumentali di processione: la Processione dei Principi di Dresda." (Comunicato stampa Galleria Lia Rumma)

Immagine:

William Kentridge, Drawing for Self-Portrait as a Coffee-Pot (2 Private Thoughts), 2021, inchiostro indiano, matita colorata, carboncino, pastello e collage su carta, cm 152x208, Courtesy Kentridge Studio © William Kentridge, Photo: Thys Dullaart

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Gianni Mantovani
Antologica

06 settembre - 06 novembre 2025
MUSAP Museo degli Artisti Polesani - Lendinara

Se l'inizio della sua pittura è apparentemente condizionato dal taglio della figurazione minassiana, ma già ricco di quella proiezione, seppur acerba, proiettata verso un'astrazione personalizzata dove forma, colore e luce si espandono in visioni cosmologiche, è appunto nella stessa che possiamo cogliere novità e divergenze, forme che scompaiono nella luce, notturni che si formano tra lo strozzamento dei blu e l'incanto del verde dei boschi. Per cercare di capire meglio quello che è stato il passaggio di Mantovani dai dipinti figurativi a quelli astratti, abbiamo la possibilità di analizzare alcune sue opere.

La prima risale al 1947 ed è un dipinto ad olio che rappresenta un Mulino sull'Adige, soggetto precedentemente eseguito su un doppio disegno su carta del 1938. Nel dipinto del vecchio mulino appartenuto ai Capodaglio di Saguedo, che non è in mostra ma che sarà prossimamente esposto in Museo, insieme ai due disegni, si vede il mulino adiacente alla riva, architettonicamente ben strutturato. Il verde rigoglioso contrasta con l'irruenza delle acque del fiume nel contesto di una tarda primavera. Quello che più ci colpisce è il cielo, un cielo anonimo, simile a quello di un paesaggio nevoso dipinto nel 1962, proiettato in una post metafisica da brivido. Un cielo che sovrasta i mulini e scaglia una luce abbagliante sull'ansa del fiume.

Agli anni Sessanta risalgono altri due dipinti. Il primo è un "Paesaggio invernale" avvolto in un'aura metafisica, una specie di foresta dei giganti che cancella ogni segno di vita ma che è solo apparenza, perché dal piccolo germoglio che spunterà da ognuno di quei tronchi d'albero spogli, nascerà il rigoglio di una nuova vita, un segno di speranza che annulla qualsiasi forma di oblio. Il secondo è un "Paesaggio polesano" dove l'accostamento dei verdi e dei blu, si fonde lasciando intravedere una piccola via di fuga, un bianco sporco sulla destra, uno spicchio di luce tanto forte da catturare l'attenzione, come l'imponente pennellata di blu al centro del dipinto, che sembra schematizzare una doppia diagonale a raggiera. Già in quest'opera si può notare l'origine di quella che sarà la sua nuova poetica: l'astrazione.

Pochi i titoli attribuiti ai dipinti astratti. Sembra che l'artista abbia voluto deliberatamente privarci di qualsiasi nozione potesse avvicinarci al significato, sostituendo lo stesso all'esplosione di luce e colore che attanaglia le forme. Ecco allora un "Senza titolo" del 1970, dove il tracciante del rosso è ancora intriso della reminiscenza del figurativo, attraverso geometrie pronte a scalzare ogni interpretazione, adagiandosi su forme che ricordano i creti di Burri. L'artista adotta qui una spazialità che è ancora incerta, utilizzando elementi dinamici che si possono individuare nel primo Bacci.

In "Bagliori nel verde" del 1974 la spazialità è centrale. La luce si dirama verso forme che si proiettano sull'intera superficie del dipinto. Moltitudine di sfumature che si dilatano sullo sfondo brunito accendendone i riflessi. Altre composizioni ci regalano blu notturni che ci accompagnano all'interno di labirinti misterici che precludono qualsiasi possibilità di fuga. E ancora forme rosse, gialle, verdi, in dipinti equilibrati, dove luce e colore si fondono regalando atmosfere oniriche.

Fino all'ultimo Mantovani, quello degli anni Ottanta e dei primi Novanta. In questi lavori i volumi diventano meno aggressivi, la spazialità è ostaggio della luce, le diagonali si incrociano dando luogo a forme che abbandonano il ruolo primario delle geometrie per trasformarsi in percezione, scoppio, rottura di ogni regola compositiva. Una nuova avanguardia insomma. (Guido Signorini - curatore della mostra)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Gianni Mantovani, Mulini sull'Adige
2. Gianni Mantovani, (Senza titolo)
3. Gianni Mantovani, Campitello di Fassa

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Moda e Pubblicità in Italia 1950-2000
13 settembre - 14 dicembre 2025
Fondazione Magnani-Rocca - Mamiano di Traversetolo (Parma)
www.magnanirocca.it

'Non avrai altro stile all'infuori di me'. Potrebbe essere una frase simbolo di una supermodel anni 90, quelle lanciate dal genio visionario di Gianni Versace. Un concetto che identifica i cinquant'anni che hanno cambiato la società italiana e si rifà allo scandaloso slogan 'Non avrai altro jeans all'infuori di me' che accompagnava la foto di Oliviero Toscani per Jesus jeans. Proprio all'evoluzione della promozione pubblicitaria in Italia nel settore della moda nel corso della seconda metà del Novecento è dedicata la nuova mostra allestita nei saloni contigui a quelli che ospitano permanentemente opere capitali di Tiziano, Dürer, Van Dyck, Goya, Canova, Renoir, Monet, Cézanne, Morandi e molti altri.

Più di trecento opere - tra manifesti, riviste, spot, fotografie, cinema, video, gadget pubblicitari e persino le mitiche figurine Fiorucci - in un percorso inedito che attraversa mezzo secolo di trasformazioni dell'immaginario collettivo, con uno sguardo filologico e insieme poetico sulla storia della moda e della sua comunicazione. Il cinema e la televisione ne diventano lo specchio, con spot entrati nel mito collettivo.

Dal 1950 al 2000 lo stile italiano si lancia nel mondo. Armani, Benetton, Dolce & Gabbana, Emilio Pucci, Fendi, Fiorucci, Gianfranco Ferré, Guarnera, Gucci, Marina Rinaldi, Max Mara, Moschino, Salvatore Ferragamo, Valentino, Versace, Coveri, Zegna, Walter Albini sono i protagonisti del Made in Italy di quegli anni. Gli scatti dei grandi maestri della fotografia di moda - Giampaolo Barbieri, Giovanni Gastel, Alfa Castaldi, Maria Vittoria Backhaus - e le illustrazioni di René Gruau, Sepo, Erberto Carboni, Franco Grignani, Guido Crepax, Antonio Lopez, Lora Lamm, oltre al lavoro particolarissimo e destabilizzante di Oliviero Toscani, restituiscono un'estetica che è insieme racconto pubblicitario e ritratto di un'epoca.

La moda si conferma una macchina potente di comunicazione e si definisce sempre più come linguaggio e performance del corpo. La mostra racconta come la moda e la pubblicità, insieme, abbiano saputo attraversare i cambiamenti economici, sociali e culturali del nostro paese a generarne i miti, gli stereotipi, la creatività, i desideri. L'Italia entra nel secondo dopoguerra timidamente, osservando il dinamismo pubblicitario americano ma restando ancorata a un sistema artigianale: grafici, illustratori, cartellonisti. Lo sviluppo è rallentato da un sistema mediatico rigido e pedagogico: Carosello, con le sue regole e le sue censure, ritarda il confronto con le avanguardie internazionali. Ma proprio questa lentezza rafforza una forma di "italianità pubblicitaria", un gusto visivo e narrativo che unisce memoria, ironia e affabulazione.

La vera svolta arriva con le televisioni private, il colore in tv, la disgregazione dei modelli unici: la pubblicità diventa un linguaggio pop, potente, invasivo. È una nuova forma d'arte visiva, e la moda il suo laboratorio più vibrante. Un'importante sezione della mostra viene dedicata proprio alla visione di alcuni degli spot televisivi più iconici di quegli anni, entrati a far parte dell'immaginario collettivo. Gli anni Ottanta e Novanta segnano l'apice e vedono l'indiscusso successo mondiale del brand "Made in Italy". La moda italiana smette di essere solo industria e comunica storie, personaggi, esperienze creando nuovi immaginari.

Le collaborazioni - Museo nazionale Collezione Salce di Treviso, Centro Studi e Archivio della Comunicazione (CSAC) dell'Università di Parma, Civica Raccolta delle Stampe 'Achille Bertarelli' - Castello Sforzesco del Comune di Milano, Collezione Alessandro Bellenda - Galleria L'IMAGE di Alassio (SV), Mirko Morini - Tortona4arte di Milano, Andrea Re - Milano Manifesti, Giuseppe Moraglia - L'Afficherie a L'Aquila, Marco Cicolini - Libreria Antiquaria Piemontese di Torino, oltre ad archivi aziendali e importanti collezioni private.

Per tutta la parte filmica la mostra si avvale del contributo dell'Archivio Generale Audiovisivo della Pubblicità Italiana e del personale apporto del suo Fondatore e Direttore, lo storico della pubblicità Emmanuel Grossi. L'Archivio Storico Barilla mette a disposizione alcuni spettacolari caroselli con Mina (1965-1970) con gli abiti disegnati da Piero Gherardi, costumista di Fellini, e da altri celebri couturier.

La mostra e il catalogo - La mostra - a cura, come il precedente capitolo dedicato al periodo 1850-1950, di Dario Cimorelli, editore ed esperto di comunicazione, Eugenia Paulicelli, Professoressa ordinaria e fondatrice della scuola di specializzazione di "Fashion Studies" presso il Graduate Center e il Queens College della City University di New York, Stefano Roffi, direttore scientifico della Fondazione Magnani-Rocca - è accompagnata da un ricco catalogo edito da Dario Cimorelli Editore, dove, oltre alla riproduzione di tutte le opere esposte, vengono pubblicati saggi di Eugenia Paulicelli, Silvia Casagrande, Vanessa Gavioli, Emmanuel Grossi, Chiara Pompa, Emanuela Scarpellini. (Estratto da comunicato stampa ufficio Stampa Studio ESSECI)

Immagine: Giovanni Gastel, 4 colori almeno!, copertina per rivista Donna marzo 1982, Archivio Giovanni Gastel

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Enrico David
"Domani torno"

30 ottobre 2025 - 22 marzo 2026
Manica Lunga - Castello di Rivoli
www.castellodirivoli.org

Ampia retrospettiva dedicata a Enrico David (Ancona, 1966), a cura di Marianna Vecellio. La mostra offre una panoramica articolata sulla ricerca dell'artista, che attraversa pittura, opere tessili, disegno, scultura e installazioni ambientali, esplorando la dimensione interiore dell'essere umano contemporaneo. Progettato appositamente per la Manica Lunga, il percorso espositivo alterna figurazione e astrazione, concentrandosi sul corpo come metafora della trasformazione.

In un allestimento che richiama la scenografia teatrale e i display del design, la mostra ripercorre le tappe della produzione di David, includendo anche nuove opere realizzate per l'occasione. Domani torno è un racconto personale e artistico insieme: dalle origini ad Ancona al trasferimento a Londra nel 1986, la mostra segue la nascita di una pratica fondata sulla ricerca di uno spazio linguistico in cui esistere. Attraverso media differenti, David affronta la figura umana come luogo di metamorfosi e riflessione. In questo percorso, il disegno assume un ruolo centrale come linguaggio capace di tenere insieme gli altri, poiché, afferma l'artista, "lo spazio del sogno e lo spazio del disegno sono infiniti".

Molte opere nascono dall'urgenza di elaborare esperienze traumatiche, come la perdita improvvisa del padre. "La creatività è per me un'opportunità di cambiare le circostanze del dolore - afferma David - una redenzione, una destinazione altra rispetto allo stare male. L'arte è ciò che rende la realtà più vivibile". A partire dalla fine degli anni Novanta, le installazioni di David diventano veri e propri mondi interdisciplinari: palcoscenici visionari che intrecciano cronaca, memoria, cultura popolare e retorica teatrale. Ne sono esempio opere come Madreperlage (2003), Absuction Cardigan (2009) e Ultra Paste (2007), in cui l'artista inscena dispositivi scenografici carichi di tensione emotiva e simbolica.

Nel tempo la pratica dell'artista evolve verso una crescente sintesi formale, culminando in una produzione scultorea che approfondisce il tema del volto come luogo di relazione e conoscenza. A partire dalla mostra Life Sentences (2014), David indaga il volto con una resa iper-espressiva e materica, modellandolo in cera per evocare emozioni e intensità. Tra le opere in mostra: Trenches to Reason (2021), due forme sospese che fondono geologia e tecnologia; Tutto il Resto Spegnere, presentata al Padiglione Italia della Biennale di Venezia nel 2019; e studi dell'artista sulla scultura con opere come Sign for Lost Mountaineers Hair Grooming Station (2004), Pebble Lady (2014) e Racket II (2017). Numerosi disegni, una selezione di nuove produzioni tra grandi pitture, arazzi e ricami su tela e la serie dei teatrini, realizzata dal 2005 a oggi, completano l'esposizione.

"In un tempo dominato dall'intelligenza artificiale e dalla smaterializzazione digitale, l'opera di Enrico David rappresenta una dichiarazione di resistenza alla decodificazione e un inno al corpo fisico, all'esperienza sensibile e alla forza dell'immaginazione", come dice la curatrice Marianna Vecellio. La mostra propone una riflessione sull'identità contemporanea, in particolare sul rapporto tra corpo, genere e percezione di sé. "Nel mio lavoro il genere ha una sorta di inconscia irrilevanza - afferma l'artista - le identità si sfiorano, si scambiano, si rimettono in discussione".

Domani torno è, infine, un invito a riappropriarsi del proprio immaginario, un'esplorazione visiva e concettuale dell'essere umano in continua trasformazione. La mostra sarà accompagnata da un catalogo bilingue Inglese -Italiano pubblicato per i tipi di Walther König. La pubblicazione presenta alcuni saggi e interviste inedite, oltre che della curatrice della mostra al Castello di Rivoli, Marianna Vecellio, e del Direttore del Museo, Francesco Manacorda, del filosofo Federico Campagna, delle storiche dell'arte Dawn Ades e Polly Staple.

La mostra sarà anche l'occasione per presentare in Italia l'opera Untitled, 2024-2025, prodotta dal Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea in collaborazione con Kunsthaus Zürich grazie al sostegno della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura nell'ambito del programma Italian Council 2025. L'opera sarà significativa nel percorso di mostra e riflette l'impegno di Enrico David in una pratica scultorea matura, incentrata sulla sperimentazione materica e formale. (Comunicato stampa)

Immagine:
Enrico David, Dinnisblumen, 1999, Raf Simons Collection, Antwerp © Enrico David. Courtesy Michael Werner Gallery

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Lee Miller. Opere 1930-1955
01 ottobre 2025 - 01 febbraio 2026
CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia - Torino
www.camera.to

Protagonista una figura straordinaria della cultura mondiale del Novecento: la fotografa americana Lee Miller. La nuova mostra, curata dal direttore artistico di CAMERA Walter Guadagnini, presenterà oltre 160 immagini tutte provenienti dai Lee Miller Archivies, molte delle quali pressoché inedite, per una chiave di lettura sia pubblica che intima del suo lavoro e della sua straordinaria personalità. L'esposizione dà inoltre il via ai festeggiamenti per i 10 anni del Centro che proporrà un programma ampio e articolato dedicato al mondo della fotografia nelle sue infinite sfaccettature.

Il percorso si concentra sull'intensa attività tra gli anni Trenta e Cinquanta del Novecento della straordinaria autrice americana, ponte ideale tra gli Stati Uniti - la sua terra natale - l'Europa, dove si trasferisce ancora giovane e dove decide di stabilirsi - prima a Parigi e poi in Inghilterra - e anche l'Africa, dove trascorre alcuni anni della sua intensa vita. Di origine statunitense (nasce a Poughkeepsie, nello Stato di New York, nel 1907), Lee Miller si sposta a Parigi alla fine degli anni Venti con la determinazione di diventare una fotografa, tanto da convincere Man Ray ad accoglierla come assistente nel suo studio.

Da questo momento inizia la sua vera e propria carriera, e continua una vita fatta di incontri e scelte eccezionali: si avvicina al mondo surrealista, diventando amica e musa ispiratrice di Pablo Picasso, Max Ernst, Paul Éluard, stringe rapporti con artiste del calibro di Eileen Agar, Leonora Carrington, Dorothea Tanning e realizza alcune delle immagini più significative della storia della fotografia surrealista, contribuendo anche alla scoperta della solarizzazione, una tecnica che lei e Man Ray sfrutteranno al meglio. Intorno a metà anni Trenta si sposa e si trasferisce per qualche anno in Egitto, dove realizza immagini di paesaggio dal sapore enigmatico, per poi tornare in Europa alla vigilia del conflitto mondiale.

Collaboratrice di "Vogue", realizza per la più celebre rivista di moda non solo i classici servizi dedicati al mondo della haute couture, ma anche - in coincidenza con l'esplosione della Seconda Guerra Mondiale - inattese immagini che uniscono stile e vita quotidiana nella Londra ferita dai bombardamenti tedeschi. È al termine della guerra che Lee Miller realizza i suoi servizi più noti, le tragiche immagini dei campi di concentramento e quelle del disfacimento della Germania nazista, con gli ufficiali suicidi, le fiamme che divorano la dimora estiva di Hitler e le città distrutte. Una serie di ancora pubblicate su "Vogue" e che segnano in maniera indelebile anche la vita di Lee Miller, che dal dopoguerra infatti si ritira insieme al nuovo marito Roland Penrose nella campagna del Sussex, accogliendo lì gli amici artisti, mettendo da parte il suo impegno fotografico fino a abbandonarlo: ma anche in queste immagini apparentemente solo familiari si legge ancora il genio sovversivo e ironico di una delle più grandi fotografe del XX secolo.

Il percorso artistico, professionale e biografico dell'autrice è dunque raccontato da questa nuova mostra, che sarà arricchita da un catalogo edito da Dario Cimorelli Editore e da un programma di iniziative di educazione all'immagine, condivisione e partecipazione rivolte a pubblici diversi per età e formazione. (Comunicato stampa Lara Facco P&C)

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Monterone. Natura Arte Poesia 2025
inaugurazione 06 settembre 2025, ore 11
Casa dell'Arte e località varie - Morterone
www.macamorterone.it

Opere di: Rodolfo Aricò, Gianni Asdrubali, Francesco Candeloro, Enrico Castellani, Alan Charlton, Carlo Ciussi, Gianni Colombo, Dadamaino, Riccardo De Marchi, Philippe Decrauzat, Luigi Erba, Lesley Foxcroft, Riccardo Guarneri, François Morellet, Mario Nigro, Pino Pinelli, Bruno Querci, Arcangelo Sassolino, Angelo Savelli, Antonio Scaccabarozzi, Salvatore Scarpitta, Nelio Sonego, Mauro Staccioli, Raffaella Toffolo, Niele Toroni, David Tremlett, Antonio Trotta, Günter Umberg, Felice Varini, Grazia Varisco, Elisabeth Vary, Michel Verjux, Rudi Wach.

L'associazione Culturale amici di Morterone e officina Giuseppe Villa, in collaborazione con iCone - Centro europeo di ricerca di Storia e Teoria dell'immagine dell'università Vita-salute San Raffaele di Milano, inaugurano la mostra che prevede la presentazione di tre nuove installazioni all'aperto di Igino Legnaghi, Bruno Querci e Michel Verjux e l'apertura di una mostra all'interno della Casa dell'arte con opere di artisti internazionali appartenenti a diverse generazioni.

Le sculture Fiore di ferro di Igino Legnaghi, DinamicoMorterone di Bruno Querci - collocate in località Centro - e Pliée découpée: à hauteur d'homme (corps et vide) di Michel Vejux - in località Prà de l'ort - andranno ad arricchire il museo all'aperto che conta già più di quaranta opere, mentre gli allestimenti presentati nelle sale espositive della Casa dell'Arte si ricollegano idealmente alle mostre svoltesi a Morterone nel corso dei decenni grazie all'attività dell'associazione Culturale amici di Morterone.

Nel nuovo allestimento della Casa dell'Arte saranno esposte opere di artisti che hanno partecipato sin dalla metà degli anni '80 a rigenerare ed animare la vita culturale di Morterone partendo dalla visione poetico-filosofica della Natura Naturans di Carlo Invernizzi - che pone al centro delle proprie riflessioni l'uomo e la sua capacità di percepire e sentire ciò che gli sta intorno non come un qualcosa di estraneo, ma come parte integrante del divenire vitale - insieme alle opere di artisti che sono stati coinvolti nel progetto di realizzazione del museo all'aperto nel corso dei decenni, inoltre vi sarà un intervento di Felice Varini che coinvolge l'architettura interna della Casa dell'Arte.

In questa occasione sarà presentato anche il progetto time____line a cura di Giuseppe Villa che racconta la storia dell'attività dell'associazione Culturale amici di Morterone attraverso alcune strutture disseminate sul territorio, partendo dalla piazza della Chiesa sino alla Casa dell'Arte. il percorso - incentrato sulla nascita e gli sviluppi dell'associazione culturale morteronese a partire dal 1985, anno della sua fondazione, fino ad oggi - prende corpo come una reale linea del tempo attraverso immagini fotografiche di repertorio, documenti, cataloghi, testi e poesie.

All'ingresso del piano terra della Casa dell'Arte è presentato l'intervento Giro Tondo di Felice Varini che invade la scala, le pareti e il pavimento adiacenti, una porzione di muro delle sale retrostanti e la porta che conduce ad esse. L'installazione mette in relazione la bidimensionalità della forma - che viene intercettata e scomposta dalla tridimensionalità dell'ambiente - all'architettura del luogo generando nuove dimensioni pittoriche che innescano un dialogo continuo con la percezione dello spazio.

Sulla parete di fronte all'ingresso è esposta l'opera di Dadamaino Il movimento delle cose (1992) appartenente al ciclo presentato in occasione della Biennale di Venezia del 1990 in cui la trasparente consistenza della superficie in poliestere è solcata dai movimenti dei segni. nella parete a sinistra la stratificazione di pigmenti che caratterizza le opere di Günter Umberg dà corpo a monocromi carichi di energia e profondità inafferrabili pervasi da un moto espansivo che cattura lo sguardo di chi osserva verso l'interno e al contempo ne dilata sia spazialmente che concettualmente i confini. A fianco l'opera Naturans (1986) di Rodolfo Aricò - ispirata alla visione poetica di Carlo Invernizzi - lascia trasparire una corporeità non tanto data dalla consistenza tangibile della materia, quanto dall'intensità della manipolazione del colore sulla superficie.

Diversamente le geometrie destrutturate dei neon di François Morellet - i quali sbordano rispetto ai margini del quadro, rompendone il perimetro - si realizzano nell'attivazione dello spazio circostante attraverso la vibrante luminosità dei neon che invita a seguire nuove possibilità e percorsi della visione. Accanto viene presentata l'opera di Salvatore Scarpitta Gulag Slug Sled (Ivan's Bedroom - Gulag) derivata dall'assemblaggio di pochi elementi - composti da materiali di recupero - volti alla trascendenza del mondo tangibile e alla tensione verso itinerari oltre i limiti del conosciuto.

Nella parete a destra l'opera di Carlo Ciussi Senza titolo (2005) infrange l'ordine apparente nella ripetizione sfasata di un quadrato richiamando nella forma e nel gesto le sculture installate all'aperto; a fianco il ritmo della pittura di Alan Charlton presenta la reiterazione del medesimo elemento nello spazio disposto secondo coordinate lineari.

Nella sala adiacente le opere di Riccardo de Marchi, spirali metalliche installate a terra, riflettono da un lato le opere di Arcangelo Sassolino e Antonio Trotta e dall'altro Formaspazio di Bruno Querci. Anticipazione della visione eterea che si trova nella sala attigua in cui le tele libere di Angelo Savelli, Antonio Scaccabarozzi e Niele Toroni restituiscono segni impalpabili insieme al tenue cromatismo di Riccardo Guarneri.

Al primo piano i molteplici elementi della disseminazione di Pino Pinelli rimarcano la modalità del suo fare pittura. Proseguendo lungo il percorso espositivo si incontrano la fotografia di Raffaella Toffolo, che attraverso un uso sapiente della luce svela visioni inedite di partiture d'ombra, e l'opera di Francesco candeloro, che restituisce alla vista l'immagine di un ricordo di materia impalpabile. Ad esse si contrappongono l'opera in MDF nero di Lesley Foxcroft - un insieme di scaglie che fuoriescono dalla parete - e le superfici tridimensionali con colature di colore di Elisabeth Vary, incentrate sulla genesi dell'evento pittorico.

Nella sala attigua Dallo spazio totale (1954-64) di Mario Nigro - immagine di copertina del catalogo della retrospettiva che la città di Milano ha dedicato all'artista nel 2023 nelle sedi di Palazzo Reale e Museo del novecento - dialoga con opere storiche di enrico castellani, Gianni colombo e Grazia Varisco legate al periodo germinale della loro attività volta ad indagare le ricerche visuali e percettive.

Proseguendo lungo il percorso espositivo nell'ultima sala del primo piano gli esiti pittorici di philippe decrauzat, Nelio Sonego e David Tremlett evidenziano l'interesse degli artisti per le potenzialità espressive del colore e dei volumi. I segni archetipici di Gianni Asdrubali conducono al secondo piano, dedicato alle sculture di Rudi Wach e ai progetti di Riccardo de Marchi, Alan Charlton, Mauro Staccioli, David Tremlett e Michel Verjux. Inoltre, sono esposte le immagini fotografiche di Frasnida realizzate da Luigi Erba e le poesie di carlo invernizzi accompagnano il visitatore lungo l'intero percorso espositivo.

L'attività proposta dall'associazione Culturale amici di Morterone è volta a mettere in risalto la possibilità e la volontà di una crescita armonica di uomo e ambiente: gli interventi ed i contributi realizzati da ciascun artista, in tempi e spazi diversi e secondo le proprie specificità, si pongono alla nostra attenzione come ipotesi e possibilità di un fare dell'uomo che non sia prevaricatore o estraneo rispetto alla natura, più o meno antropizzata, ma che in un dialogo con essa sia in grado di fornire inedite e significative direttrici interpretative all'uomo che la abita. È l'arte che ci aiuta a comprendere il nostro essere nel mondo e non è un caso che sia stata proprio questa realtà a fare di Morterone un luogo privilegiato, della geografia e della mente, nel quale proprio le condizioni di assoluta incontaminatezza permettono il libero dispiegarsi di una creatività tesa all'affermazione di una fondamentale identità tra uomo e natura, tra fare antropico e divenire dell'universo vivente. (Comunicato stampa)

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TAZIO 100
09 ottobre (inaugurazione) - 13 dicembre 2025
Glenda Cinquegrana Art Consulting - Milano
www.glendacinquegrana.com

Mostra realizzata in collaborazione con David Secchiaroli e Admira in occasione del centenario dalla nascita di uno dei fotografi italiani più iconici del XX secolo. Tazio Secchiaroli (1925-1998) è considerato non solo il fondatore della fotografia d'assalto - quella che verrà poi identificata con il termine paparazzo - ma anche il cronista visivo dello spirito di Roma. Le sue immagini hanno catturato l'essenza di una città in fermento, capace di risorgere dalle macerie del Dopoguerra e trasformarsi in una capitale mondiale del cinema e del glamour.

Cresciuto a Centocelle, Tazio Secchiaroli si afferma alla metà degli anni Cinquanta per la capacità di raccontare in modo diverso e dissacratorio la vita mondana dei locali di via Veneto. È lì che incontra Federico Fellini, che lo sceglie come ispirazione per il personaggio del paparazzo nel celebre film La Dolce Vita (1960). Da quel momento, la carriera di Secchiaroli ha una svolta: abbandona la cronaca per diventare fotografo di cinema, frequentando i set e i backstage di Cinecittà per raccontare l'epopea del cinema italiano ed internazionale nella sua stagione più feconda. Dal 1964 è il fotografo personale di Sophia Loren, che seguirà in tutto il mondo per oltre vent'anni.

Realizzata in collaborazione con David Secchiaroli e Giovanna Bertelli, la mostra, a cura di Glenda Cinquegrana, vuole ripercorrere e celebrare la carriera di uno degli inventori della fotografia d'assalto e il testimone dell'era d'oro del cinema italiano. Attraverso un nucleo di circa venticinque immagini, la mostra è suddivisa in tre sezioni: una sul lavoro del paparazzo, fra inseguimenti e fughe, la Roma della Dolce Vita e del Rugantino; una che si focalizza sui ritratti ai volti più iconici del cinema internazionale e italiano come Claudia Cardinale, Brigitte Bardot, David Hemmings, Marcello Mastroianni, e i registi, da Federico Fellini, a Michelangelo Antonioni, a Pierpaolo Pasolini; una dedicata a Sophia Loren, attrice e donna.

A Secchiaroli la storiografia riconosce la capacità di allontanarsi dagli schemi della fotografia neorealista verso nuove forme di comunicazione. Cresciuto come fotografo nelle agenzie di fotocronaca, è il primo a capire il potenziale comunicativo delle notti esagerate e fuori dalle regole dei divi a Via Veneto. Quando si misura con il cinema lo sguardo di Secchiaroli si fa documentario, epico ed intimo: il racconto della generazione irripetibile del cinema italiano è visto sempre in bilico fra realtà e immaginazione. (Comunicato stampa)

Immagine:
Tazio Secchiaroli, Claudia Cardinale, Backstage del film 8 ½, 1963 © David Secchiaroli/Courtesy Glenda Cinquegrana Art Consulting

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Bert Stern
"Original Mad Man"

25 ottobre (inaugurazione) - 27 febbraio 2026
Galleria Paci contemporary - Brescia
www.pacicontemporary.com

Mostra fotografica dedicata al celebre fotografo di Hollywood, universalmente noto per il suo celebre "The Last Sitting", l'ultimo servizio fotografico dedicato a Marilyn Monroe del 1962, pochi giorni prima della prematura scomparsa dell'attrice. La mostra è realizzata in collaborazione con la Fondazione Bert Stern "The Bert Stern Trust", grazie alla preziosa collaborazione di Shannah Laumeister Stern, moglie del celebre fotografo e Presidente della fondazione.

Bert Stern ha iniziato la sua carriera come addetto stampa presso la rivista Look Magazine. Il lancio della sua carriera coincide con la sua iconica e leggendaria campagna per la Vodka Smirnoff nel 1955. Grazie alla brillantezza di quel lavoro, divenne una star nel mondo della pubblicità. Il lavoro editoriale che ne seguì e la collaborazione con VOGUE portò Bert Stern all'apice della sua carriera negli anni Sessanta. Ricercato da Madison Avenue, Hollywood e dalla scena internazionale della moda per decenni, Stern è diventato il prototipo del fotografo di moda come incarnazione del glamour.

Le fotografie di Stern sono state esposte e/o sono incluse nelle collezioni permanenti del Metropolitan Museum of Art e del Museum of Modern Art di New York, dello Houston Museum of Fine Arts in Texas, del Montreal Museum of Fine Arts in Canada, del J. Paul Getty Museum in California, del Musée Maillol in Francia, del Museo dell'Hermitage in Russia e di molti altri. Tra i suoi scatti più iconici, che sarà possibile ammirare dal vivo alla Paci contemporary, vi sono sicuramente quelli dedicati a Marilyn Monroe.

Il contratto di Bert Stern con VOGUE gli dava libertà creativa per 10 pagine su ogni numero della rivista. Nel Giugno del 1962 scelse di fotografare Marilyn e il servizio ebbe luogo all'Hotel Bel-Air di Los Angeles. Marilyn morì poco dopo, il 4 agosto 1962, all'età di trentasei anni, e queste fotografie, 2571 per l'esattezza, divennero note come The Last Sitting, ovvero l'ultimo servizio fotografico dedicato alla grande diva. Negli anni successivi la fama di questi scatti ha raggiunto proporzioni incredibili, complice la loro pubblicazione in combinazione con i testi di Norman Mailer, curata da Lawrence Schiller e edita da Taschen. La mostra sarà accompagnata da un volume edito da Dario Cimorelli Editore, con un'introduzione di Shannah Laumeister Stern. (Comunicato ufficio stampa Lara Facco P&C)

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Wael Shawky
"I Am Hymns of the New Temples"

05 luglio (inaugurazione) - 02 novembre 2025
La Grande Halle - LUMA Arles (Francia)

Mostra site-specific che trasforma completamente La Grande Halle di LUMA Arles in un'esperienza immersiva che sfuma i confini tra il metafisico e il reale. Al centro dell'allestimento si trova il sito dell'antica Pompei, la leggendaria città rimasta sepolta per secoli sotto cenere e detriti vulcanici. Il suo straordinario stato di conservazione offre un'affascinante testimonianza della diversità culturale che ha plasmato la sua identità unica, situata all'incrocio tra civiltà e rotte commerciali. Intrecciando storia, racconti e narrazioni contemporanee, Shawky reinterpreta il mito greco della creazione attraverso una spettacolare coreografia di movimenti, immagini e suoni, affiancata da elementi scultorei e pittorici unici, riflettendo sul bisogno umano di comprendere e dare un senso al mondo.

Wael Shawky (Alessandria, 1971) è uno dei principali artisti contemporanei del Medio Oriente, noto per la sua capacità di fondere realtà e finzione attraverso media diversi, tra cui disegno, pittura, performance e installazione, con un'attenzione particolare al film e al video. Attraverso immagini poetiche e una profonda ricerca nella storia e nella mitologia, Shawky rielabora le narrazioni storiche del Medio Oriente, mettendo in discussione le prospettive fisse dell'Occidente. I suoi film epici esplorano identità artistiche, religiose e transnazionali, offrendo un dialogo sfaccettato che unisce le culture senza privilegiare un punto di vista rispetto a un altro.

Shawky è ampiamente riconosciuto per opere come la trilogia Cabaret Crusades (2010-2015), che utilizza marionette per rievocare la storia delle Crociate medievali da una prospettiva araba; la trilogia Al Araba Al Madfuna (2012-2016), che reinventa i miti attraverso interpretazioni di attori bambini; e Drama 1882 (2024), presentata al Padiglione Egitto della Biennale di Venezia 2024. (Comunicato stampa)

Immagine:
I Am Hymns of the New Temples, 2023, fermoimmagine © Wael Shawky, 2023, commissioned by Pompei Archeological Park in the context of Pompeii Commitment. Archeological Matter.

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Glen Luchford. Atlas
25 settembre - 23 novembre 2025
Galleria 10 Corso Como - Milano
www.10corsocomo.com

Prima esposizione monografica mai realizzata dedicata al fotografo di moda e ritrattista Glen Luchford, in occasione della Settimana della Moda Donna di Settembre. Immaginata e disegnata dallo stesso Luchford per gli spazi della Galleria - considerata un punto di riferimento internazionale nella ricerca fotografica - la mostra non è concepita come una classica retrospettiva, ma come un vibrante progetto site specific. Un percorso nell'immaginario dell'artista che riunisce in un unico flusso più di trent'anni di lavoro, mettendo insieme, senza soluzione di continuità, scatti ormai iconici, campagne di moda, immagini e ricordi personali, ma anche outtake, errori e ripensamenti.

Nell'ambito della programmazione di 10 Corso Como, nella visione di Tiziana Fausti, questa mostra, a cura di Alessio de' Navasques, rappresenta un nuovo tassello nella lettura dell'ultimo decennio del XX secolo, nel suo intreccio di storie della moda, del design, della fotografia. Glen Luchford ha ridefinito l'immaginario visuale di diverse decadi con il suo approccio cinematografico irriverente, dando forma alle visioni di direttori creativi e grandi brand, così come collaborando con le principali riviste di moda. Il suo lavoro è considerato cult per più generazioni di creativi, nell'intersezione tra editoriali, campagne e progetti personali. (Comunicato stampa)

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Chagall testimone del suo tempo
11 ottobre 2025 - 08 febbraio 2026
Palazzo dei Diamanti - Ferrara
www.palazzodiamanti.it

Un percorso espositivo di sorprendente intensità emotiva che invita il pubblico a immergersi nell'universo poetico di uno dei più importanti e amati maestri dell'arte del Novecento. Un viaggio straordinario che rivela come Marc Chagall (Vitebsk, 1887 - Saint-Paul de Vence, 1985), universalmente noto per le figure fluttuanti e le colorate atmosfere incantate, abbia saputo mantenere viva la memoria della sua terra natale, della tradizione e degli affetti, proiettandoli sempre verso nuovi orizzonti espressivi.

Attraverso 200 opere, tra dipinti, disegni e incisioni, e due sale immersive che consentono di ammirare alcune creazioni monumentali in una dimensione coinvolgente e spettacolare, la mostra evidenzia la profonda umanità dell'opera di Chagall, artista plurale, visionario e testimone del suo tempo, cantore della bellezza e custode della memoria. Volti scissi, profili che si moltiplicano, ritratti che si specchiano: attraverso il tema del doppio egli rivela la sua straordinaria capacità di cogliere la dualità dell'esistenza umana. E ancora amanti volanti, animali parlanti, bouquet esplosivi, diventano, trascendendo il visibile, metafore universali. Attraverso il suo sguardo poetico, Chagall trasforma l'esperienza personale in riflessione condivisa, svelando come dietro l'apparente semplicità delle sue creazioni si celino temi che toccano ogni essere umano: l'identità, l'esilio, la spiritualità e la gioia di vivere.

In un'epoca di frammentazione, egli ci ricorda che l'arte può essere ponte tra mondi diversi, sintesi di tradizioni apparentemente inconciliabili, specchio fedele delle aspirazioni e delle contraddizioni dell'umanità. La sua opera celebra quella verità emotiva che rende tangibili i sentimenti più profondi dell'animo umano, elevando lo spirito verso una bellezza capace di trovare, anche negli orrori del tempo, barlumi di pace e comprensione. La mostra è organizzata da Fondazione Ferrara Arte e Arthemisia ed è curata da Paul Schneiter e Francesca Villanti. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Fata Morgana: memorie dall'invisibile
08 ottobre - 30 novembre 2025
Palazzo Morando - Milano
www.fondazionenicolatrussardi.com

Mostra ideata e prodotta dalla Fondazione Nicola Trussardi per Palazzo Morando | Costume Moda Immagine, con la curatela di Massimiliano Gioni, Daniel Birnbaum e Marta Papini. La mostra è pensata dalla Fondazione Nicola Trussardi appositamente per gli spazi di Palazzo Morando, sede museale dedicata alla storia della città di Milano e residenza della Contessa Lydia Caprara Morando Attendolo Bolognini (Alessandria d'Egitto, 1876 - Vedano al Lambro, Monza Brianza, 1945), che tra Otto e Novecento raccolse una vasta biblioteca su temi occultistici, spiritici e alchemici, oggi custoditi all'Archivio Storico Civico e Biblioteca Trivulziana. È a partire dalla figura della Contessa e da questo luogo carico di suggestioni che prende forma l'idea di un progetto espositivo unico, dedicato a pratiche artistiche ispirate all'invisibile, all'automazione psichica e alla trance come modalità di creazione.

Fata Morgana è un personaggio mitologico appartenente al ciclo delle leggende di Re Artù e dei cavalieri della Tavola Rotonda, spesso associata a luoghi misteriosi come l'isola di Avalon, terra di passaggio tra il mondo dei vivi e quello dei morti: nell'immaginario collettivo è una maga potente - ora benevola, ora spietata, custode di segreti, illusioni e mondi intermedi, capace di potenti incantesimi, sortilegi e inganni - ma anche, nelle interpretazioni più recenti, una donna libera, indipendente e anticonformista che vive senza seguire le regole imposte dalla società.

La mostra trae ispirazione dal poema Fata Morgana, scritto da André Breton nel 1940, e intreccia storia, arte e misticismo in un viaggio attraverso visioni, estasi, apparizioni e immaginari alternativi per esplorare il rapporto tra arte, occulto e dimensioni interiori. Con dipinti, fotografie, documenti, disegni e oggetti rituali Fata Morgana: memorie dall'invisibile presenta le opere di medium, mistiche e mistici, visionarie e visionari, artiste e artisti che hanno aperto varchi tra il visibile e l'invisibile. La mostra indaga le contaminazioni tra arti visive e fenomeni paranormali, esoterismo, spiritismo, teosofia e pratiche simboliche, restituendo un panorama vibrante e frammentario di ricerche nate ai margini della storia ufficiale ma capaci di trasformare radicalmente le convenzioni dell'arte e della società.

Al centro della mostra ha un posto di rilievo un prezioso nucleo di opere di Hilma af Klint, leggendaria pittrice svedese che agli inizi del Novecento - guidata da presenze medianiche - sviluppò un linguaggio astratto del tutto originale, precorrendo pionieri dell'astrazione come Wassily Kandinsky e Piet Mondrian. Si tratta di una rara occasione per ammirare in Italia un corpus di 16 tele risalenti alla primissima fase di sperimentazione "automatica": un'opportunità significativa, che si inserisce nel crescente interesse internazionale verso l'opera di af Klint, riscoperta dal grande pubblico a partire dal 2013 grazie alla Biennale di Venezia (curata da Massimiliano Gioni) e alla retrospettiva organizzata dal Moderna Museet di Stoccolma (allora diretto da Daniel Birnbaum, che è anche curatore del catalogo ragionato dell'artista), e che oggi è protagonista di un'importante mostra al MoMA di New York.

Accanto a quelle di Hilma af Klint verranno presentate opere e documenti di altre straordinarie figure storiche tra cui Georgiana Houghton, Emma Kunz, Linda Gazzera, Hélène Smith, Eusapia Palladino, Carol Rama, Man Ray, Pierre Klossowski, Victorien Sardou, Augustine Lesage, Annie Besant e Wilhelmine Assmann, che saranno poste in dialogo con artiste e artisti contemporanei che hanno interrogato gli stessi temi attraverso nuovi media e nuovi linguaggi come, tra gli altri, Judy Chicago, Kerstin Brätsch, Marianna Simnett, Andra Ursuta, Diego Marcon e Chiara Fumai. In mostra anche alcuni preziosi testi provenienti dalla biblioteca della Contessa Morando, concessi in prestito dalla Biblioteca Trivulziana.

Fata Morgana: memorie dall'invisibile non si propone di confermare l'esistenza del soprannaturale, ma di raccontare come, in diversi momenti storici, pratiche considerate eccentriche abbiano scardinato convenzioni artistiche e sociali, mettendo in discussione gerarchie di genere, autorità scientifiche e limiti del pensiero razionale. Attraverso una rete di narrazioni visive - dai diagrammi per "macchine influenzanti" nate in contesti psichiatrici ottocenteschi, alle fotografie spiritiche, alle testimonianze di sedute medianiche - Fata Morgana compone un atlante dell'invisibile, un mosaico di mondi interiori, utopie, derive mentali e alternative radicali alla razionalità dominante.

"Con Fata Morgana la Fondazione Nicola Trussardi rinnova la propria vocazione a esplorare territori artistici inattesi e a dare spazio a narrazioni alternative, portando l'arte contemporanea oltre i confini tradizionali - dichiara Beatrice Trussardi, Presidente della Fondazione Nicola Trussardi -. Dopo progetti come La Grande Madre e La Terra Inquieta, ci confrontiamo oggi con il potere perturbante dell'invisibile: in un'epoca attraversata da nuove forme di spiritualità e di ricerca interiore, abbiamo scelto di indagare come ciò che sfugge alla vista continui a segnare profondamente la storia dell'arte e a interrogare il presente.

Non è un caso che il poema Fata Morgana di André Breton sia stato scritto nel 1940: nei momenti più bui, il bisogno di immaginare un altrove e di riconnettersi a dimensioni invisibili si fa più urgente. Questo progetto nasce dall'incontro tra visioni radicali e sensibilità eccentriche, in un intreccio di arte, scienza e ignoto che interpreta pienamente la missione culturale della Fondazione."

Con una selezione di oltre cinquanta figure tra intellettuali, artiste e artisti storici e contemporanei, la Fondazione Nicola Trussardi, attraverso Fata Morgana: memorie dall'invisibile, invita a ripensare il ruolo del margine, dell'inspiegabile e del visionario nella creazione artistica, affidando il progetto a un team curatoriale di grande esperienza internazionale, che vanta per la prima volta in Italia ben due ex Direttori della Biennale di Venezia, e facendo di Palazzo Morando un portale per accedere a dimensioni altre, sospese tra passato e presente, tra immaginazione e realtà. (Comunicato stampa)

Immagine:
Hilma af Klint, Primordial Chaos, The WU/Rose Series, Group 1, 1906-1907, olio su tela cm. 53x37, courtesy of the Hilma af Klint Foundation / Photo: The Moderna Museet, Stockholm, Sweden

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Rodney Smith
"Fotografia tra reale e surreale"

03 ottobre 2025 - 01 febbraio 2026
Palazzo Roverella - Rovigo
www.palazzoroverella.com

Per la prima volta in Italia, una grande mostra monografica che celebra l'opera dell'acclamato fotografo newyorkese Rodney Smith (1947-2016). L'ampia retrospettiva, che espone oltre cento opere evocative di Smith - a cura di Anne Morin - introduce il pubblico italiano a un grande protagonista della fotografia, noto per la sua inconfondibile estetica: un raffinato connubio di eleganza classica, composizione rigorosa e ironia elegante e surreale, che ha richiamato paragoni con le opere del pittore René Magritte.

Il percorso espositivo è suddiviso in sei sezioni tematiche: La divina proporzione, Gravità, Spazi eterei, Attraverso lo specchio, Il tempo e la permanenza, Passaggi. La maggior parte delle opere esposte sono in bianco e nero, a testimonianza del fatto che Smith ha iniziato a lavorare con il colore solo a partire dal 2002.

A lungo acclamato per le iconiche immagini in bianco e nero che combinano ritratto e paesaggio, Rodney Smith ha dato vita a mondi incantati e visionari pieni di sottili contraddizioni e sorprese. Realizzate con il solo ausilio di pellicola e luce naturale, le sue immagini oniriche, mai ritoccate, si distinguono per una meticolosa cura artigianale e una straordinaria precisione formale. Allievo di Walker Evans, influenzato da Ansel Adams e ispirato dall'opera di Margaret Bourke-White, Henri Cartier-Bresson e William Eugene Smith, le sue fotografie sono apparse su pubblicazioni di spicco quali "TIME", "Wall Street Journal", "The New York Times", "Vanity Fair" e molte altre. Non da ultimo, Smith ha ottenuto grandi riconoscimenti per la sua fotografia di moda in collaborazione con rinomati marchi tra cui Ralph Lauren, Neiman Marcus e Bergdorf Goodman.

L'estetica di Smith mostra inoltre evidenti parallelismi con la tradizione cinematografica, e si avvale di netti rimandi all'opera di registi del calibro di Alfred Hitchcock, Terrence Malick e Wes Anderson, e a leggende del cinema muto quali Buster Keaton, Charlie Chaplin e Harold Lloyd. Rodney Smith, uomo colto e studioso di teologia e filosofia, mosso da una ricerca continua del significato della vita, ha trovato nella fotografia il linguaggio che gli ha consentito di esprimersi al meglio. Proprio Smith che si descriveva come un "ansioso solitario", trovava conforto nel catturare immagini considerandole un modo per "riconciliare il quotidiano con l'ideale", per tradurre le proprie emozioni nella forma e per tramutarsi da osservatore a partecipe.

Le sue immagini iconiche catturano il mondo con humour, grazia e ottimismo. Con il suo stile distintivo ha affinato la percezione, portando ordine nel caos. Le fotografie di Rodney Smith stupiscono, affascinano e intrigano, conducendo l'osservatore in regni poetici di riflessi e riflessioni. Sereni luoghi immaginari evocano un senso di benessere e inducono chi li osserva a sorridere e ad abbandonarsi alla tenerezza e, grazie a questa apertura e distensione, a provare stupore e ammirazione.

Così la curatrice Anne Morin descrive il lavoro di Rodney Smith: "Ogni immagine creata da Smith, con la cura e la precisione di un orafo, è un tentativo sempre nuovo di ricreare questa armonia divina e di raggiungere uno stato superiore, anche solo per un istante. Ogni immagine è eterea ed estatica. (...) In qualsiasi punto dell'immagine si posi lo sguardo, l'occhio è immediatamente sedotto dalla grazia, dalla raffinatezza, dallo squisito accostamento di forme e contro forme, dalla diversità delle materie e dalla ricchezza narrativa che eccelle per sobrietà, parsimonia e silenzio."

Come spiega lo stesso fotografo: "Dopo quarantacinque anni e migliaia di rullini, provo ancora questo amore incondizionato per la pellicola in bianco e nero. Tuttavia, contrariamente a quanto pensavano molti miei conoscenti, ho cambiato idea e circa otto anni fa ho iniziato a scattare anche a colori. Assolve a una funzione diversa per me, e ne parlerò più avanti, tuttavia non c'è niente per me come l'oscurità e la sfolgorante intensità del bianco e nero. È un'astrazione che avviene per aggiunta. Sì, c'è molto più colore nel bianco e nero di quanto non ve ne sia nel colore".

Di fatto, una volta che Smith ha abbracciato il colore e la fotografia di grande formato, i risultati sono stati sorprendenti. Le opere di Rodney Smith sono ora esposte in musei, gallerie e importanti collezioni private in tutto il mondo. Accompagna la mostra un catalogo edito da Silvana Editoriale, curato da Anne Morin e corredato dai testi delle curatrici internazionali Anne Morin e Susan Bright e di Leslie Smolan, Executive Director presso Estate of Rodney Smith. (Estratto da comunicato ufficio stampa Studio ESSECI, Sergio Campagnolo)

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Brassaï. L'occhio di Parigi
18 luglio (inaugurazione) - 09 novembre 2025
Centro Saint-Bénin - Aosta
www.studioesseci.net

La mostra presenterà più di 150 stampe d'epoca, oltre a sculture, documenti e oggetti appartenuti al fotografo, per un approfondito e inedito sguardo sull'opera di Brassaï, con particolare attenzione alle celebri immagini dedicate alla capitale francese e alla sua vita. Le sue fotografie dedicate alla Ville Lumière - dai quartieri operai ai grandi monumenti simbolo, dalla moda ai ritratti degli amici artisti, fino ai graffiti e alla vita notturna - sono oggi immagini iconiche che nell'immaginario collettivo identificano immediatamente il volto di Parigi.

La retrospettiva, promossa dall'Assessorato Beni e attività culturali, Sistema educativo e Politiche per le relazioni intergenerazionali della Regione autonoma Valle d'Aosta e prodotta da Silvana Editoriale, è curata da Philippe Ribeyrolles, studioso e nipote del fotografo che detiene un'inestimabile collezione di stampe di Brassaï e un'estesa documentazione relativa al suo lavoro di artista.

Ungherese di nascita - il suo vero nome è Gyula Halász, sostituito dallo pseudonimo Brassaï in onore di Brassó, la sua città natale - ma parigino d'adozione, Brassaï è stato uno dei protagonisti della fotografia del XX secolo, definito dall'amico Henry Miller "l'occhio vivo" della fotografia. In stretta relazione con artisti quali Picasso, Dalí e Matisse, e vicino al movimento surrealista, a partire dal 1924 fu partecipe del grande fermento culturale che investì Parigi in quegli anni.

Brassaï è stato tra i primi fotografi in grado di catturare l'atmosfera notturna della Parigi dell'epoca e il suo popolo: lavoratori, prostitute, clochard, artisti, girovaghi solitari. Nelle sue passeggiate il fotografo non si limitava alla rappresentazione del paesaggio o alle vedute architettoniche, ma si avventurava anche in spazi interni più intimi e confinati, dove la società si incontrava e si divertiva. È del 1933 il suo volume Paris de Nuit, un'opera fondamentale nella storia della fotografia francese. Le sue immagini furono anche pubblicate sulla rivista surrealista "Minotaure", di cui Brassaï divenne collaboratore e attraverso la quale conobbe scrittori e poeti surrealisti come Breton, Éluard, Desnos, Benjamin Péret e Man Ray.

"Esporre oggi Brassaï - afferma Philippe Ribeyrolles, curatore della mostra - significa rivisitare quest'opera meravigliosa in ogni senso, fare il punto sulla diversità dei soggetti affrontati, mescolando approcci artistici e documentaristici; significa immergersi nell'atmosfera di Montparnasse, dove tra le due guerre si incontravano numerosi artisti e scrittori, molti dei quali provenienti dall'Europa dell'Est, come il suo connazionale André Kertész. Quest'ultimo esercitò una notevole influenza sui fotografi che lo circondavano, tra cui lo stesso Brassaï e Robert Doisneau."

Brassaï appartiene a quella "scuola" francese di fotografia definita umanista per la presenza essenziale di donne, uomini e bambini all'interno dei suoi scatti sebbene riassumere il suo lavoro solo sotto questo aspetto sarebbe riduttivo. Oltre alla fotografia di soggetto, la sua esplorazione dei muri di Parigi e dei loro innumerevoli graffiti testimonia il legame di Brassaï con le arti marginali e l'art brut di Jean Dubuffet. Nel corso della sua carriera il suo originale lavoro viene notato da Edward Steichen, che lo invita a esporre al Museum of Modern Art (MoMA) di New York nel 1956: la mostra "Language of the Wall. Parisian Graffiti Photographed by Brassaï" riscuote un enorme successo.

I legami di Brassaï con l'America si concretizzano anche in una assidua collaborazione con la rivista "Harper's Bazaar", di cui Aleksej Brodovič fu il rivoluzionario direttore artistico dal 1934 al 1958. Per "Harper's Bazaar" il fotografo ritrae molti protagonisti della vita artistica e letteraria francese, con i quali era solito socializzare. I soggetti ritratti in quest'occasione saranno pubblicati nel volume Les artistes de ma vie, del 1982, due anni prima della sua morte. Brassaï scompare il 7 luglio 1984, subito dopo aver terminato la redazione di un libro su Proust al quale aveva dedicato diversi anni della sua vita. È sepolto nel cimitero di Montparnasse, nel cuore della Parigi che ha celebrato per mezzo secolo. La mostra sarà accompagnata da un catalogo bilingue italiano-francese edito da Silvana Editoriale e curato dallo stesso Philippe Ribeyrolles, con testi di Daria Jorioz, Philippe Ribeyrolles, Silvia Paoli e Annick Lionel-Marie, posto in vendita a € 36,00. (Comunicato ufficio stampa Studio ESSECI)

Immagine:
Brassaï, Couple au bal des Quatre Saisons, rue de Lappe © Estate Brassaï Succession-Philippe Ribeyrolles

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Joseph Kosuth
"Non autem memoria"

14 giugno 2025 (inaugurazione) - 12 aprile 2026
Kunstmuseum Stuttgart - Stoccarda (Germania)
www.liarumma.com

Art as Idea as Idea è un principio tanto semplice quanto profondo, che Joseph Kosuth ha elaborato negli anni '60 e che ha guidato il suo percorso artistico da allora in poi. Kosuth è considerato uno dei più importanti esponenti dell'Arte Concettuale americana. In questo movimento artistico, l'idea alla base dell'opera riveste un ruolo centrale. Parole e linguaggio sono i principali strumenti artistici impiegati nella realizzazione dell'opera.

Stoccarda ha rappresentato una piattaforma importante per Joseph Kosuth negli anni '80 e '90. L'artista è stato protagonista in città con numerose mostre ed è stato docente presso l'Accademia Statale di Belle Arti dal 1991 al 1997. Il Kunstmuseum Stuttgart possiede un'eccezionale collezione di opere di Kosuth, la più ampia in Germania. In occasione del suo ottantesimo compleanno, il museo dedica una sala alla presentazione di opere tratte dalla collezione, a cura dell'artista stesso e di Ulrike Groos, direttrice del Kunstmuseum Stuttgart.

Joseph Kosuth (1945, Usa) è uno dei pionieri dell'arte concettuale e dell'arte installativa, iniziando negli anni Sessanta con opere che indagano il linguaggio e le strategie di appropriazione. Il suo lavoro ha esplorato coerentemente la produzione e il ruolo del significato all'interno dell'arte. La sua oltre cinquantennale indagine sul rapporto tra linguaggio e arte si è manifestata attraverso installazioni, mostre in musei, commissioni pubbliche e pubblicazioni in Europa, le Americhe e l'Asia. Kosuth ha partecipato tra l'altro a sette Documenta e quattordici Biennali di Venezia. (Estratto da comunicato stampa)

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Marzia Migliora
"Lotta per l'esistenza"

inaugurazione 21 giugno 2025
Arte Sella - Malga Costa, Villa Strobele, Borgo Valsugana (Trento)

Il progetto espositivo, a cura di Lorenzo Fusi, è composto da tre gruppi di opere realizzate in dialogo con il paesaggio della Val di Sella. La mostra, come rivela il titolo, prende ispirazione dal concetto centrale espresso nel trattato di Charles Darwin L'Origine delle Specie, in cui lo studioso afferma che la sopravvivenza delle specie dipende dalla loro forza e adattabilità.

Oggi che questa visione agonistica è messa in discussione, la riflessione contemporanea evidenzia il mutualismo, l'interdipendenza e la co-evoluzione ambientale, e la sopravvivenza viene vista come un processo che coinvolge tutte le forme di vita, interconnesse in un sistema complesso. Questa interconnessione viene interpretata da Marzia Migliora in opere che raccontano un mondo sempre più ibrido e fluido, tradotto in una dimensione ironica, sognante e talvolta perturbante, esplorando il rapporto tra natura, azione umana e trasformazione ecologica e interrogandosi poeticamente sulle forze che stanno ridisegnando la Natura in un'epoca segnata da instabilità climatica e crisi ambientale.

Il percorso espositivo si compone di tre capitoli: negli spazi della Malga Costa vengono esposti nelle nicchie tre diorami in carta, parte della serie dei Paradossi dell'Abbondanza iniziata dall'artista nel 2017. Questi diorami costituiscono l'introduzione al tema centrale della mostra, una riflessione sulla fragilità dell'ecosistema. Ogni diorama è uno spazio instabile e misterioso, in cui coesistono visioni scientifiche e mondi fantastici e la fragile carta con cui sono realizzati diventa simbolo della vulnerabilità dell'ambiente e della necessità di ripensare il rapporto dell'uomo con la natura. Tra i protagonisti dei diorami anche il Bostrico Tipografo (Ips typographus), un piccolo coleottero che negli alberi abbattuti dalla tempesta Vaia ha trovato l'habitat ideale proliferando incontrollato e trasformando il paesaggio di Arte Sella.

Sempre negli spazi della Malga, un'installazione immersiva realizzata in carta e cartapesta occupa quasi interamente lo spazio polifunzionale, dando forma a un paesaggio immaginario in continua metamorfosi, un ambiente teatrale e accogliente popolato da organismi che sfuggono ad ogni classificazione. La scenografia ideata da Migliora intreccia storie umane e naturali in un racconto di specie in evoluzione, in cui creature mutanti, funghi giganti, profili montani edi ghiacciai coesistono in divenire. Accompagna l'esposizione l'installazione sonora Run fast and bite hard, (2022), risultato della collaborazione dell'artista con il rumorista Marco Ciorba, che esplora i confini tra naturale e artificiale, tra ciò che è creato dall'uomo e ciò che appartiene alla natura.

La mostra prosegue negli spazi di Villa Strobele con l'ultima parte intitolata Cronaca dell'Assenza, che raccoglie un gruppo di opere su carta, nate da un intervento dell'artista sulle pagine originali dello storico domenicale La Domenica del Corriere. Con un gesto semplice e incisivo, Migliora cancella la presenza umana e animale dalle illustrazioni, lasciando che siano solo i paesaggi, le montagne, le foreste e le vallate a raccontare le vicende evocate dalle didascalie. Un mondo apparentemente vuoto, ma carico di significato in cui la Natura diventa testimone del passato e protagonista di un presente in cui l'umanità è scomparsa, da corpo a una riflessione sul destino dell'uomo e sulla necessità di ascoltare la Terra.

Con la mostra Lotta per l'esistenza, Marzia Migliora propone una messa in scena del rapporto dell'uomo con l'ambiente costruendo con linguaggi diversi - teatro, scienza, letteratura, storia - una narrazione eco-centrica che mette in discussione il nostro ruolo nel mondo. La natura, qui, non è solo sfondo, ma la protagonista, parte attiva di un racconto in cui esseri umani e non umani sono legati da relazioni di interdipendenza, in un ecosistema che cambia, in un paesaggio condiviso dove ogni forma di vita prende parte alla costante lotta per l'esistenza.

Questo progetto espositivo segna l'inizio di una collaborazione tra Marzia Migliora e Arte Sella che culminerà con la riapertura del percorso montano di collegamento tra Malga Costa e Villa Strobele, in fase di recupero dopo la tempesta Vaia nel 2018 e che tornerà presto a essere nuovamente accessibile. In occasione di Lotta per l'esistenza è stato riaperto come sede espositiva anche l'edificio dell'ex stalla che accoglierà gli appuntamenti con l'arte, la danza, il design, la musica e il teatro, grazie alla consolidata collaborazione con Levico Acque. Accompagna la mostra una pubblicazione bilingue (italiano e inglese) a cura di Lorenzo Fusi, edita da Dario Cimorelli Editore. (Comunicato stampa)

Immagine:
Marzia Migliora, Lotta per l'esistenza (Struggle for Existence), 2025, installazione ambientale, cartapesta dipinta a mano, carta telata, dimensioni variabili Foto di Mariano Dallago. Courtesy: the artist; Arte Sella; Lia Rumma Gallery

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Isole e Idoli
27 giugno (inaugurazione) - 16 novembre 2025
Museo MAN - Nuoro
www.museoman.it | www.studioesseci.net

La mostra - a cura di Chiara Gatti e Stefano Giuliani - nasce per rispondere a queste domande e per comprendere come il potere simbolico e mitico delle figure arcaiche, custodite entro i confini dell'insularità, si sia rigenerato, a distanza di secoli, nelle forme del moderno. L'allestimento, curato dall'architetto Giovanni Maria Filindeu, organizza l'insieme delle opere esposte in una forma spaziale che richiama la configurazione di un arcipelago formato da piccoli raggruppamenti tematici. A guidare l'articolazione degli elementi, sia a parete che a pavimento, sono l'uso intenzionale e critico del colore e la scelta dei materiali. In particolare, il celenit (un aggregato di fibre di legno e cemento) utilizzato per le basi espositive, oltre all'impiego della sabbia lavata, legante naturale ed evocativo, i cui toni algidi sposano la palette estiva delle trame che disegnano mappe metafisiche.

Una selezione di oltre 70 opere conta reperti archeologici in arrivo dai maggiori musei di archeologia della Sardegna, dal Menhir Museum di Laconi e dai Musei della Bretagna, oltre al prestito eccezionale concesso dal Dipartimento di antichità greche, etrusche e romane del Musée du Louvre di Parigi. Accanto a questi, le opere dei maestri moderni giungono da importanti collezioni europee, fra cui la National Gallery Prague (per le sculture lignee di Gauguin), la Galleria d'arte moderna di Milano, il Musée départemental Maurice Denis, il Museo della città di Locarno, la Fondation Giacometti e gli Archives Henri Matisse, cui si aggiungono l'Archivio Florence Henri e collezioni private italiane come Diffusione Italia International Group srl e la collezione di stampe di Enrico Sesana.

Un affondo dedicato alla Sardegna preistorica offre, infine, un approfondimento sul mondo dell'idolo in terra sarda, articolato intorno a quattro nuclei tematici principali: il toro (simbolo maschile associato al culto del potere e della fertilità), la Dea Madre (figura femminile legata alla nascita e alla continuità della vita), il "capovolto" (rappresentazione dell'aldilà e del rovesciamento rituale), e le statue menhir antropomorfe, veri idoli scolpiti nella pietra e destinati a dominare il paesaggio come presenze eterne.

In bilico fra neolitico e alba del Novecento, fra archeologia ed avanguardia, fra gli idoli cicladici e le sculture lignee che Gauguin intagliò nei suoi anni di Tahiti, il percorso fluttua fra passato e presente in cerca di ritorni, sentimenti condivisi, eredità genetiche, spinte effusive destinate a riaffiorare a fasi alterne, come nei cicli geologici, e a guidare le mani degli autori tese a plasmare forme affini. Non, dunque, l'idea del viaggiatore che, esplorando, trova, assorbe e replica. Ma il concetto, più vitale, che l'antico e il moderno si tocchino al di fuori del tempo e dello spazio, fortissimamente nutriti da una medesima necessità: rappresentare l'altrove attraverso statue, steli, monoliti che personifichino l'invisibile in terra.

«Non serve - scrive Chiara Gatti nel suo testo - il revisionismo postcoloniale per affermare che, nella loro statura ieratica, non vi sia nulla di primitivo, esotico, conturbante. È astrazione allo stato puro. Sono dee madri, pietose e grandiose allo stesso tempo, come prefiche egizie, come offerenti etrusche, come ancelle rubate alla pittura vascolare greca. E i loro sguardi che scrutano nel vuoto, immersi in un'attesa casoratiana, ricordano l'immobilità disarmata della Melencolia di Dürer, allegoria dell'intelletto umano che medita sul destino del cosmo».

Ponendosi criticamente come una riflessione sui concetti odierni di alterità, primitivismo e sulle loro ricadute nel cuore del dibattito postcoloniale - esteso ben oltre la storia dell'arte - la mostra affonda dentro ragioni antropologiche connaturate alla presenza di figure totemiche nei circoscritti perimetri di un'isola e spiega quanto maestri del calibro di Gauguin, Pechstein, Miró, Arp o Matisse, nel corso dei loro viaggi, abbiano rielaborato tale convivenza, proiettando le loro stesse icone statuarie nella dimensione assoluta del sacro.

Partendo dalla prima "fuga" di Gauguin verso la Bretagna, nel 1886, secondo un concetto di isola come luogo ideale, immune dalle derive del mondo civilizzato, il percorso narra l'esperienza di Jean Arp, che collezionava statuette cicladiche, irretito dal loro magnetismo concentrato in un pugno, e di Max Pechstein approdato nel 1914 nell'arcipelago di Palau, dove visse a contatto con le comunità locali sull'isola di Angaur e vi ritrasse volti maschili solenni come divinità.

«Vedevo gli idoli scolpiti in cui una trepidante pietà e il timore reverenziale di fronte all'imperscrutabile potere della natura avevano impresso speranza, paura e soggezione, davanti al loro ineluttabile destino». Joan Miró, nei suoi appunti quotidiani, evocava le statue Moai dell'Isola di Pasqua, come riferimento potente per nuove forme scultoree, riconoscendo in esse l'incarnazione di uno spirito ancestrale. E ancora, Alberto Giacometti che aveva trovato la propria isola fra i massi erratici del Maloja, fece di ogni suo ritratto un idolo, un custode del tempio, inginocchiato al cospetto dell'immateriale.

Scrive Matteo Meschiari nel suo testo a catalogo: «Il punto è cercare di capire non tanto la sociologia, la filosofia e la geopolitica dell'essere e vivere l'isola, quanto in che modo la geomorfologia Terra-Mare contenga in sé dei fossili di pensiero mitico, in che modo l'incontro tra roccia e acqua sia una specie di campo morfogenetico in grado di generare mito. Gli stereotipi concettuali legati all'isola sono un filtro oscurante: esclusione, separatezza, solitudine, naufragio, arroccamento, prigione, esilio, confino, sono solo i più diffusi, ma appena ci spostiamo in culture Ocean-centered come quella vichinga o quella polinesiana, ci rendiamo conto che l'Occidente è impastoiato in un paradigma coloniale geocentrico che dà sempre priorità alle terre, uno sguardo continentale che perpetua un modello geografico egemonico dove il mare è il vuoto.

Per chi vive in mare, al contrario, l'acqua è il centro del mondo, le sue mappe indicano paesaggi sommersi e moti di correnti, mentre le isole, soprattutto quelle oceaniche, sono piccole pause, zone di sospensione nell'immensità salata, e l'arcipelago è un iperoggetto bucherellato tenuto assieme dal dinamismo delle acque, dal pieno del mare». (Comunicato ufficio stampa Studio ESSECI - Sergio Campagnolo)

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"Blue"
www.barbarafrigeriogallery.com/artisti/blue

L'inclinazione del blu all'approfondimento è così grande che proprio nelle tonalità più profonde diventa più intensa e acquista un effetto interiore più caratteristico. Quanto più il blu è profondo, tanto più fortemente richiama l'uomo verso l'infinito, suscita in lui la nostalgia della purezza e infine del sovrasensibile. (Wassily Kandinsky) Così scriveva Kandinsky, questa selezione è un invito a tuffarci in questi blu di cielo, di mare e di altri elementi dipinti o fotografati da artisti contemporanei. Gli autori presenti sono: Maurizo Bottoni, Daniele Cestari, Gianluca Chiodi, Maurizio Galimberti, Roshanak Khalilian, Carolina Magnin, Gabriele Marsile, Massimiliano Muner, Enrico Pescantini e Tom Porta. (Comunicato di presentazione)

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Giulia Galasso
"Acquerelli botanici, un viaggio tra forme e colori"

31 maggio (inaugurazione) - 02 novembre 2025
Castello di Postignano
www.castellodipostignano.it

Mostra di acquerelli presentata dall'agronoma e archeologa arborea Isabella Dalla Ragione. L'esposizione, nell'ambito della 13a edizione della manifestazione culturale "Un Castello all'orizzonte ", si svolge al borgo umbro restaurato. La mostra presenta i dipinti botanici realizzati dall'artista nell'arco di un ventennio. La rappresentazione della natura con l'acquerello consente di evidenziare con la trasparenza, la delicatezza e, al tempo stesso, la forza delle pennellate, la bellezza del mondo vegetale, la sua straordinaria varietà di strutture e colori.

Un tributo alla bellezza silenziosa del mondo naturale, ma anche un invito ad osservare con diverso sguardo e con profonda sensibilità la natura che ci circonda. La pittura botanica non come mera riproduzione fedele di una foglia o di un fiore, ma piuttosto come racconto visivo del dialogo intimo e profondo tra l'artista e il soggetto, dialogo fatto di osservazione scientifica, emozione e interpretazione.

Giulia Galasso (Napoli, 1960), laureata in Scienze dell'informazione ha lavorato nel settore dell'Information Technology e insegnato Informatica in diversi atenei. Spinta dalla passione avuta sin da bambina per le attività artistiche e dall'amore per la natura e i giardini, dal 2005 ha iniziato a seguire corsi di acquerello botanico con Maria Rita Stirpe via via con crescente interesse. Ha poi arricchito la propria formazione anche con altri artisti e sperimentato diverse tecniche. Nella pittura botanica ha trovato il mezzo ideale per unire le due anime, quella scientifica e quella creativa, trovando un punto di sintesi che corrisponde alla propria sensibilità. Ha partecipato a diverse mostre collettive di pittura botanica la prima delle quali nel 2010 a Villa Pisani a Stra. (Comunicato stampa Patrizia Cavalletti Comunicazione)

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Giancarlo Sangregorio. 100 anni (1925 - 2025)
La pietra il legno i luoghi. Un viaggio tra le opere e i luoghi dello scultore

aprile-dicembre 2025
www.fondazionesangregoriogiancarlo.it | www.irmabianchi.it

Nel centenario della nascita dello scultore milanese Giancarlo Sangregorio (1925-2013), per valorizzarne il lungo percorso creativo, la Fondazione che porta il suo nome presenta l'ambizioso progetto ideato e curato da Lorella Giudici e Francesca Marcellini, un itinerario artistico, culturale e naturalistico, con esposizioni tematiche, eventi e approfondimenti. L'importante percorso diffuso coinvolge musei, spazi pubblici lombardi, piemontesi e svizzeri partendo da Milano - sua città di nascita - fino a Varese, ai comuni sulle sponde del Lago Maggiore lombarda e piemontese, al Lago d'Orta, la Val Vigezzo fino al MUSEC di Lugano.

Per condurre il pubblico alla scoperta delle opere dello scultore è stata studiata la nuova app gratuita fsg-app, dai contenuti interattivi, dinamica e intuitiva. Uno strumento che trasforma la scoperta artistica in un'esperienza di connessione con il paesaggio e con il tessuto cittadino, in un dialogo continuo tra arte, ambiente e storia. L'evento ha i patrocini di Regione Lombardia e del Comune di Milano, il sostegno di Fondazione Cariplo ed il coinvolgimento di istituzioni prestigiose, come Palazzo Citterio, Pinacoteca di Brera, Gallerie d'Italia, Museo della Permanente, MUSEC, MA*GA, Università degli Studi dell'Insubria e una rete di comuni e di enti legati al territorio in cui l'artista ha vissuto e lavorato.

Una innovativa proposta che nasce dalla consapevolezza che per Sangregorio la scultura, e più in generale l'arte, deve comunicare con la natura e con l'uomo, in un cammino costellato di sorprendenti connessioni, di approfondimenti e di stupore reciproco. In quest'ottica, il centenario è stato pensato come viaggio nello spazio e nel tempo, che mette in connessione le opere con i luoghi che le hanno viste nascere o che le hanno accolte. Il cuore delle iniziative è la Fondazione Sangregorio a Sesto Calende (Varese), dove sono programmate visite guidate alla scoperta della casa-museo dello scultore.

Giancarlo Sangregorio nasce a Milano nel 1925. Comincia da autodidatta a scolpire la pietra, affascinato dalla materia delle cave dell'Ossola, dove trascorre lunghi periodi. Terminati gli studi classici, frequenta i corsi di scultura all'Accademia di Brera a Milano, sotto la guida di Marino Marini. Esordisce nel 1948 partecipando alla Prima Biennale d'Arte Sacra al Palazzo del Broletto di Novara. Nel 1949 prende invece parte al Premio Internazionale Città di Varese allestita a Villa Mirabello e nel 1950 partecipa al Concorso d'arte contemporanea presso la Galleria Nazionale d'arte moderna di Roma.

Dal 1950 al 1958 soggiorna spesso in Versilia, dove lavora il marmo delle Apuane, modella figure e cuoce ceramiche nelle fornaci di Viareggio. Intraprende lunghi viaggi all'estero, in particolare a Parigi, dove ha uno studio. È del 1952 la sua prima personale a Milano alla Galleria Colonna. Da allora è presente alle più significative manifestazioni d'arte nazionali e internazionali. A partire dagli anni Sessanta incomincia un'intensa attività espositiva in tutta Europa: Bruxelles, Düsseldorf, Stoccarda, Locarno, Basilea, Colonia, Friburgo.

L'interesse per le arti primitive, lo avvicina all'Africa dei Dogon e proprio in Mali viene a contatto con la realtà cultuale delle maschere. Dopo l'Africa, è la volta di un viaggio in Oceania che lo porta lungo il corso del fiume Sepik dove si avvicina ai lavori degli scultori della Nuova Guinea. All'inizio degli anni settanta nascono le prime impronte in cellulosa di lino e cotone, una ricerca che nasce dalle forme della sua scultura, impresse nella carta bagnata, e che porterà avanti fino agli anni duemila. Giancarlo Sangregorio ha vissuto e lavorato a Sesto Calende fino al 2013, nella casa-atelier oggi sede della Fondazione da lui voluta per sostenere e divulgare la sua opera. (Estratto da comunicato ufficio stampa IBC Irma Bianchi Communication)

Immagine:
Giancarlo Sangregorio, Studio per itinerario nel vuoto, 1983

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Scenari | Sei Mostre a Scenari
Firenze, 12 aprile - 20 novembre 2025

"Scenari" si campiona ad essere, in una città come Firenze, lo specchio di un'arte di frontiera, assolutamente in movimento, ipermoderna, ipertesa, ipercolta, mente e cuore, ma anche progetto e destino della comunicazione estetica. E' con questo progetto, ideato e diretto dall'illustre Storico dell'Arte Moderna e Contemporanea Prof. Carlo Franza, figura di piano internazionale, che si vuole indicare e sorreggere l'arte nuova e, dunque, protagonisti e bandiere, bandendo ogni culto del transitorio per porgere a tutti il culto dell'eterno.

Il terzo millennio che fa vivere i processi creativi in un clima di saccheggiamento della realtà, perchè il futuro è ora, fra rappresentazioni e interpretazioni, ci porta a cogliere il nuovo destino della bellezza. Con l'arte vogliamo aprire finestre sul mondo, con l'arte vogliamo aprire stagioni eroiche, con l'arte vogliamo inaugurare una nuova civiltà. Finestre sul mondo è un punto di partenza. Con "Scenari" si troveranno ad essere coinvolti, ogni volta, sei artisti con sei mostre personali. I sei di questo capitolo sono Andy Ceausu, Sergio Gimelli, Monica Gorini, Pierluigi Ghidini, Fulvio Marino, Mario Zappa.

___ Pierluigi Ghidini | "La biblioteca dei sogni"
Plus Florence - Piano Terzo Rosso

Scrive Carlo Franza nel testo: "Pierluigi Ghidini ha scoperto e umanizzato la materia e il colore, in un racconto fantastico che è diventato una biblioteca dei sogni. Un mondo capace di accogliere la fisionomia dell'universo nei suoi tre regni, vegetale, minerale e animale, con una figuralità altamente poetica da richiamare i versi di Segio Corazzini e Aldo Palazzeschi. L'artista bresciano è divenuto oggi un campione assoluto del colore e del segno, è stato capace di movimentare capitoli e romanzi colorati ove si leggono non solo i dati dell'esistenza e del vivere, ma il sogno miracolato di un mondo che tutti noi vorremmo.

Una pittura altamente educativa che vive tra i profili e i segni che paiono rifarsi a Paul Klee, essa mostra la vita nel senso della durata della qualità e dell'immediatezza, senza classificazioni stucchevoli e leziose. Ogni dipinto è una sorta di abbecedario del mondo, e la realtà riedifica rigorosamente i profili del vissuto, di oggetti, cose e animali che si succedono in ordine memoriale, come un inventario civile e pubblico. Pierluigi Ghini come pochi artisti italiani rivisita la natura, l'ambiente che ci circonda, il mondo, riprendendo e producendo una tormentata e magica interpretazione delle forme a volte, di quelle occasioni che circolano e si mostrano come influorescenze cromatiche a volte fauves, a volte da realismo magico.

La sua lezione, alta e singolare, è un grande racconto sulla natura, e la visione del mondo si legge e si vede come un libro aperto da riprodurre. Questi dipinti sono oggi un vero patrimonio dell'umanità, ma vanno letti anche come frammenti musivi per la grafia e dispensatori di un legame profondo con la bellezza per l'estetica. Pierluigi Ghidini contempla il mondo prima di riscriverlo a colori, e l'universo è percepito attraverso il gesto creativo oggi affogato in una luce profonda, testimoniale, preziosa, magica, unica, sorprendentemente avvolta in una sana follia".

Pierluigi Ghidini (Brescia, 1944) si avvicina alla pittura molto giovane ed è attivo già dal 1960, mentre nel 1966 inizia la sua attività lavorativa alla "Società italiana per l'esercizio telefonico" (Sip). Seguono riflessioni per una ricerca stilistica e alcune presenze e incontri con altri artisti, come Eugenio Levi e Alberto Bizzai. Frequenta l'ambiente artistico vivendo le prime esperienze negli studi di pittori quali Gianni Boscaglia e Giulio Mottinelli, nel clima di un'amicizia nel condividere i dibattiti sull'arte di quegli anni.

I primi passi sono determinati dalla sua indole semplice che lo condurrà sul sentiero di un vedutismo tradizionale richiamabile al maestro Ennio Morlotti, di cui assorbe gli interessi informali-materici orientati all'elaborazione di tematiche ricorrenti. A Brescia la prima personale nel 1969 alla "Galleria La Tavolozza", cui seguirà quella di Bergamo, alla "Galleria La Simonetta" nel 1972, che decreta e prevede un successo che poi si avvererà nelle mostre che seguiranno (...) Nel 2013 entra a far parte del "Catalogo Sartori d'Arte moderna e contemporanea". Alla metà degli anni Settanta inizia a liberarsi dagli schemi espressivi di derivazione geometrica. Nel corso del decennio successivo, infatti, ne segna il distacco e abbraccia con decisione una nuova idea di natura includendo nei suoi paesaggi la flora e la fauna.

Negli anni Novanta sposta la sua azione artistica verso un rinnovamento della società, quale punto di partenza per la sua pittura impegnata sul versante della poetica naturalista cui aggiunge i sentimenti della città nella denuncia della globalizzazione consumistica. (...) Il Duemila di Pier Luigi Ghidini è nell'affermare la sua ricerca artistica con elementi simbolici accompagnati da un "filo" che diverrà la firma della sua cifra stilistica. Ora la sua pittura muta, in cui la componente fantastica viene sempre più ad assumere il suo ruolo. (...)

___ Sergio Gimelli | "Storie di ieri e di oggi"
Plus Florence - Piano Primo Fucsia

Scrive Carlo Franza nel testo: "La mostra presenta un nucleo consistente di opere che abbracciano "storie di ieri e di oggi", ovvero opere variamente datate di diverse epoche. Segnano non solo un percorso artistico di sicuro interesse, ma offrono anche la visione totalizzante di uno svolgimento ideativo, creativo, tecnico, e artistico. Il recente capitolo di opere di Sergio Gimelli, muove all'interno di quel filone che è propaggine naturale dell'immagine ormai compromessa, così da portarsi ad appartenere ad una sorta di "nuova icona" che approdata su rive lontane dal realismo lirico, è divenuta oggi realtà sublime, assolutamente libera, svaporata, transitante; sicchè ormai lontana da un realismo tout court per essere, come di fatto lo è, "ideographic picture", estetica nuova della cultura europea, che si fa racconto dell'oggi.

Con tecniche diverse, carte applicate, ritagli e colori e toni pastellati, il lavoro di Gimelli vive una radicalità del nuovo gesto pittorico, racconta il presente, si fa diario e memoria di tracciati esistenziali e di figure - occasioni già care a molti artisti contemporanei - che riprendono con naturalità l'umano desiderio del sublime e di emozioni assolute. Memorie, ma anche nostalgie, leggende dell'oggi, miti, dove la concretizzazione ha lasciato il posto all'accenno, a tracce impresse in modo talvolta informale, immagini imperanti che sfuggono ormai le intenzioni figurative o narrative, per essere infine eroiche, oltre la bellezza, in quanto ritornanti all'arte anestetica, non bella, ma decisamente pretesto e filosofia.

Egli racconta la storia dell'oggi, quotidiana, transitante, attraverso una narrazione che utilizza elementi di cronaca domestica e privata, il cui contenuto e la cui costruzione sono ugualmente significativi all'interno di uno spazio dove si trasmettono dei pensieri che vanno al di là del tempo e lo spazio rappresentati. Gimelli scandaglia il mondo e lo ferma con l'immagine, tra il fotografico e la distorsione, l'occasione sopraggiunta, propizia, con la visione potenziata nel clima del colore piuttosto che nel segno, va alla ricerca del tempo perduto grazie a una creatività che fa aggallare interi mondi di recupero della memoria, attraverso materiali che sollevano il pensiero fra intervalli di tempo".

Sergio Gimelli (Milano, 1976), dopo la Laurea in Pittura, allievo di Stefano Pizzi, e in Nuove Tecnologie all'Accademia di Brera, la sua formazione artistica ha trovato continuità nella frequentazione dello studio dell'artista Marisa Settembrini portando maggiormente la sua ricerca verso la sperimentazione pur non tralasciando il suo interesse per il ritratto e la figura. (...) Ancora nel 2021 è presente con un'opera al Barriques Museum di Gibellina; è invitato a partecipare all'8a edizione della biennale del "Museo sotto le stelle" di Casoli di Atri curata dal Prof Giorgio Seveso (...)

Del 2021 e 2022 è la partecipazione presso la Casa Museo Sartori di Castel d'Ario (MN) nelle rassegne "Autoritratti e ritratti di personaggi illustri" e "Artisti per Nuvolari", entrambe curate da Arianna Sartori. Nel 2022 è anche presente con un nucleo di opere alla mostra "I ritmi delle tracce", a cura di Arianna Sartori e Carlo Franza, alla Galleria Sartori di Mantova e, invitato dal Prof. Pizzi alla realizzazione di un'opera per la mostra "Guerra alla Guerra!" promossa dall'Accademia di Brera. (...)

___ Monica Gorini | "Sperimentazioni visuali"
Plus Florence - Piano Arancio

Scrive Carlo Franza nel testo: "Installazioni, fotografia, performance, linguaggi multimediali e molto altro, sono il parlato visivo dell'artista Monica Gorini e del suo furore, del dono della creatività che si spinge verso un'estremizzazione del concetto di limite, di rapporto tra l'esistente e i significati che l'esistente mostra. Nel tracciato tra inconscio e conscio, il tramite è il mestiere, che ogni artista si fabbrica da solo, specie nella contemporaneità. L'artista è quasi obbligato, dalla sua stessa forza, a praticare il percorso della creazione, fino allora finita; da questo assunto occorre partire per leggere questa mostra che presenta una serie di disegni, di appunti, di studi, di idee. Beninteso, non che questi fogli siano da meno di opere finite, anzi si mostrano in tutta la loro freschezza e illuminazione. Sono a mio avviso opere compiute.

Linee, tracciati, esagoni, triangoli, cerchi, rettangoli, angoli, frattali, geometrie dell'universo, tutto si mostra in un linguaggio basato su ciò che percepiamo e che, secondo la scienza attuale, è molto diverso dalla realtà. La realtà atomica delle cose, di un oggetto, di un dipinto, di una scultura, di un foglio di carta è uno spazio nel quale si aggirano sistemi di particelle che poco hanno in comune con l'apparenza di ciò che vediamo. Monica Gorini con questi disegni esplora l'invisibile e lo traduce in materia, geometria e forme pittoriche.

Questi disegni della Gorini oscillano tra rigore scientifico ed emotività, tra logica e intuizione. La percezione del mondo vivente come rete di relazioni rende il ragionare in questa prospettiva la caratteristica fondamentale del pensiero sistemico. La Gorini con istinto e speculazione critica ha creato un proprio linguaggio, immagini vitali ma indefinite, diventate icone. Arte astratto-geometrica che si spinge, pur con una spiritualità contenuta, verso un costruttivismo utopico, costruttore di ordine e progetto".

Monica Gorini (Domodossola, 1967), diplomata all'Accademia di Belle Arti di Brera, ha da sempre affiancato all'attività artistica la formazione in ambito pedagogico didattico, collaborando con Università e Accademie, con Istituzioni legate al mondo dei non vedenti come U.I.C. Unione Italiana Ciechi e Istituto dei Ciechi di Milano. Tra le esperienze all'estero, in questo settore, si ricorda la partecipazione alla poster session della conferenza: "Multimodal approach to learning, creativity and communication" organizzata da Art Education for the blind di New York, e da Teachers College Columbia University, presso il Metropolitan Museum of Art di New York. È in questa occasione che l'artista ha esposto due sue sculture multisensoriali.

Monica Gorini, facendo tesoro dell'esperienza vissuta per molti anni con persone non vedenti, ha sviluppato una forma di espressione che si avvale di diversi linguaggi: pittura, scultura, fotografia, video e installazioni. Nel suo approccio cross-modale alla Natura, ossia con una interconnessione tra i sensi, molto vicini alla sinenstesia, il suo pensiero è olistico, c'è il riconoscimento di una intelligenza dell'Universo che unifica il Tutto e che coinvolge molti aspetti del sapere: matematici, botanici, filosofici, estetici, scientifici, poetici, persino spirituali.

Le sue opere, frutto di sperimentazioni, sono spesso accompagnate da testi poetici che compone in prima persona. Autodidatta in ambito fotografico, combina sovente riferimenti e materiali del proprio mondo poetico e onirico con teorie scientifiche e filosofiche riunendoli in un'unica forma di narrazione. Sensibilmente legata al mondo della natura e dei diritti è alla ricerca di un'estetica che stimoli anche riflessioni attuali ed intime, finalizzate allo sviluppo di una coscienza sociale e di una nuova ecologia spirituale del mondo Ha esposto sia in Italia che all'estero in mostre personali e collettive.

___ Andy Ceausu | "Mondi immaginari"
Plus Florence - Piano Quinto Verde

Scrive Carlo Franza nel testo: "Ancora una mostra di eccezionale progettualità e dimensione creativa, quella di Andy Ceausu costruita sul versante dell'arte digitale, il cui titolo "Mondi immaginari" ben movimenta e focalizza una realtà che si è fatta poesia, dopo essersi addentrata nella storia e nelle finestre del mondo, carpito quanto potesse essere utile alla formulazione di una nuova visione e ricreare nuovi mondi, nuove realtà, nuove finestre, nuove occasioni di spazio e di natura così che la poesia insufflasse una sorta di anima, di ribaltare e creare nuove illusioni, intervenendo pittoricamente, dopo aver filtrato e creato una distanza reale fra noi e i soggetti rappresentati.

Lavora in modo eccelso sulla classicità, su reperti antichi, motivando nuove citazioni, nuove costruzioni, nuovi spazi rivisitati, citazioni quasi pop, lasciando a noi proiezioni e interpretazioni. Questa mostra "Mondi immaginari" lascia muovere da una parte brillanti cromie e paesaggi visionari, ma anche trasfigurazioni di ardente intensità che lasciano catturare e mostrare uno stile pittorico quasi ermetico, spirituale, orfico. L'incontro del reale si mescola nella luce di iconografie fantastiche, evidenziando in Ceausu una personalità forte, potente, dove lo straniamento dell'immagine lo pone oggi fra le figure più significative del fare arte digitale. Ma i mondi sono soprattutto luoghi, capaci di immaginazione e poesia, e cogliere e mostrare, come sa ben fare l'artista, quelle segrete corrispondenze di ascendenza baudelairiana, creando un dialogo fra l'io e la realtà esterna.

Questi luoghi, tessere di memoria hanno, per sua capacità, di riscoprire la lingua delle cose, la voce degli elementi, renderli comprensibili attraverso la visione di ciò che essi sono, mondi nella loro pura essenza. Ancora una volta Ceausu s'è mostrato maestro di rilievo, fotografo e artista che miracolosamente ha posato l'occhio su un focus, su talune immagini, amate per cultura e poesia, intrecciando storia di ieri e di oggi, e ne è venuto fuori un libro visivo di straordinaria forza, un documento artistico prezioso e attualissimo".

Andi (Andy) Ceausu è un vignettista Israeliano, nato e cresciuto in Romania. Andy si è laureato in Ingegneria Elettrica nel 1987. Alla ricerca del modo migliore per esprimere idee umoristiche e spirito satirico, Andy ha scelto un linguaggio universale: i fumetti/vignette e le rappresentazioni grafiche in generale. Ha partecipato a mostre e concorsi internazionali, pubblicando vignette e illustrazioni su varie riviste. Negli ultimi anni ha spostato il suo interesse principalmente sulle mostre a tema. Le sue mostre personali sono incentrate in particolar modo sui fenomeni sociali, sulla cultura e sulla protezione dell'ambiente. Dal 2016 pubblica saggi umoristici e satirici su un giornale locale. Andy è membro dell'Associazione Israeliana Vignettisti dal 1994.

___ Mario Zappa | "L'incanto del paesaggio lombardo"
Pluce Florence - Piano Terra Beige

Scrive Carlo Franza nel testo: "Questa mostra parte e vuole essere come un primo evento di una serie che intendono celebrare Mario Zappa, artista brianzolo, per rendere omaggio all'artista lombardo scomparso il 31 dicembre 2017 a 94 anni. Uno deicaposcuola del paesaggio lombardo, maestro indiscusso. L'attività artistica di Mario Zappa, un pittore conosciuto per i suoi "grigi" e per essere stato indicato come il continuatore del naturalismo lombardo caratterizzato dalla pittura di Ennio Morlotti e di altri artisti che del paesaggio ne hanno fatto un emblema. Così si è espresso il Sindaco di Desio, Simone Gargiulo: "Mario Zappa, un pittore desiano conosciuto per le sue opere di "grigi" e per le rappresentazioni del naturalismo lombardo, capace di catturare i paesaggi locali offrendo, a chi li osserva, l'opportunità di poter apprezzare la bellezza dei luoghi attraverso il suo sguardo artistico".

Preziose le parole del Prof. Franco Cajani: "Ho conosciuto Mario Zappa, nella primavera del 1975, in occasione della sua personale, presentata dall'amico critico Carlo Fumagalli, presso la Galleria seregnese diretta da Olga Colombo. Allora registravo a suo favore "l'umore denso e materico che sta tra la concessione pittorica di un Morlotti e quella di un Dubuffet" sviluppando una propria ricerca soprattutto materica al lume dei lirici valori inconfondibilmente lombardi. Non posso esimermi dal ricordare il suo soggiorno parigino nella Mecca dell'Arte.

Zappa ha rivisitato i luoghi sacri ai grandi artisti francesi, respirato l'arte, violato le clausure degli impressionisti: dal quartiere di Montparnasse alla Cattedrale di Notre Dame, da Montmartre al Louvre. All'avvicinarsi dell'evento del Terzo Millennio, con il quinto volume della "Collana artisti contemporanei", per i tipi editi All'Insegna dell'Annunziata, registriamo che il lirismo di Zappa va di pari passo con quello poetico degli uomini del suo tempo perseverando nello studio e nella ricerca assidua del colore, accendendolo con un dato materico che il caleidoscopio della tavolozza fa trasparire con ascendenti di francesismo frutto dei suoi soggiorni "bohemiens".

L'intera articolazione delle tematiche affrontate dall'artista è varia, paesaggi, nature morte, ritratti, processioni e altro; ma è il paesaggio brianzolo a vivere e a raccontarsi in un tripudio di colori, che vanno dai rossi ai verdi, dai gialli ai blu, dai bianchi ai grigi, ecc. Quel che mi ha maggiormente colpito in tutti questi dipinti che raccontano la Brianza è quel dipingere alla maniera "informale" che già visse Morlotti fra gli anni Cinquanta e Sessanta, un descrivere il paesaggio a tocchi, a pennellate, in uno sfarfallio materico che aveva abbandonato ogni traccia di realismo.

Eppoi i titoli stessi dei dipinti mostrano e raccontano come la Brianza fosse diventata per l'artista la bandiera del vivere, il cuore della sua pittura, l'artifizio del suo procedere pittorico, così in "Paesaggio manzoniano", "Brianza", "Lago di Brianza", "Fiori sul lago di Oggiono", "Maggio in Brianza", "Lago di Lecco", "Alba in Brianza", "Carnevale in Brianza", ecc. E infine, tra i dipinti dell'artista, taluni in donazione al Comune di Desio, non può non sorprendere quel bel dipinto che ha titolo "Omaggio a Ennio Morlotti" del 2005 (olio su tela, 46x59cm). Quella di Mario Zappa non è stata solo una vita per l'Arte, ma un vivere l'arte lombarda, e un territorio come la Brianza, in modo quasi sacrale, consegnandoci una pittura che si è fatta storia del Nord e d'Italia".

Mario Zappa (Monza, 1924), allievo di Vittorio Viviani, negli anni '50 del secolo scorso, all'interno della "Libera Accademia di pittura" di Desio. Da subito ha ottenuto premi e riconoscimenti ai concorsi cui partecipava. Viene identificato, negli anni '60, come "Il pittore dei grigi". L'esperienza di partecipazione alla politica attiva desiana (1965-1970), in un periodo di forte contestazione studentesca e non solo, lo porta a riflettere e realizzare una serie di opere sul tema della "Condizione umana e sociale nell'Universo" (1969-1973). A metà degli anni '70, Zappa abbandona il colore grigio. Le opere diventano colorate, fortemente materiche, tanto che Ennio Morlotti lo indica, nel 1977, come suo degno erede e continuatore del "Naturalismo Lombardo".

Gli anni '80 sono dedicati alla rappresentazione della "Brianza" (campi, laghi, boschi, fiori, marcite) con un breve intervallo di opere dedicate a "Parigi" (1987). Gli anni '90 si identificano con una sola parola: "Divertimento". Costituiscono un vero e proprio spazio di ricerca sia per gli argomenti sia per le tecniche utilizzate (alternando la pittura ad olio con tecniche miste, la realizzazione di piccole sculture in creta e di incisioni xilografiche) e sia per l'uso di supporti diversi dalla tela (tra cui anche manichini di negozio e lastre di plexiglass).

Nei primi anni 2000, alla soglia degli 80 anni, Zappa si confronta con il tema dell'esistenza prendendo in prestito la Divina Commedia, dipingendo figure oniriche e paesaggi immaginari (2003-2005), e l'arte sacra con una serie di crocifissioni e deposizioni (2005-2007). Dal 2007 rivisita il paesaggio lombardo aprendo il periodo delle "Impressioni della memoria" e dal 2010 l'attenzione si concentra sul tema "Le Acque" dipingendo marine, scorci di lago, scorci di fiumi, marcite, temporali. Dipinge fino alla fine dei suoi giorni; muore il 31 dicembre 2017 a quasi 94 anni d'età. Sue opere sono presenti in collezioni pubbliche e private, in Italia ed all'estero. (...)

___ Fulvio Marino | "Opere aperte"
Plus Florence - Piano Quarto Azzurro

Scrive Carlo Franza nel testo: "Lontana ormai da copie di natura, l'arte di Fulvio Marino vive e chiarisce le impressioni ottiche che sono di esperienze visuali, che si possono trasferire sulla tela semplificando, arricchendo di colori, rafforzando qualità immanenti del quadro, perché l'arte può essere capita come qualcosa di artificiale, come decisione emotiva o spirituale alla ricerca di un'armonia di vita. L'arte di Fulvio Marino pare quindi una citazione postmodern di quei nuclei astratto-geometrici che hanno anche declinato il secondo novecento.

Il pittore concentra l'immagine astratta, quasi un fuoco, piuttosto che disperdere, portandosi verso un punto che muove l'osservatore ad una visione totale, punto che conferisce ai quadri una grandezza immaginaria. I quadri iniziano da qualche parte e si spingono verso la fine della tela, mostrano la concentrazione frammentaria di un avvenimento, di un'idea, di una riflessione in crescita. Queste forme astratto-geometriche, votate a un'inclinazione informale che mi riporta a nomi illustri dell'arte italiana degli anni Sessanta, queste scansioni matematiche di spazi liberi di tolleranza tanto da far parlare di "opere aperte" spiegano un nuovo senso del possibile che deve esistere, esattamente come il senso del reale.

Esplosioni, eruzioni, paesaggi stellari, nebulose, spazi infiniti, fuochi d'artificio, tutto gioca su simmetrie e corrispondenze, e i percorsi, le tracce, la polpa materica generante, soggiacciono a una tensione emotiva che fa meditare il ripensamento e l'appropriazione di strutture spaziali, rendendo questo lavoro opera "in divenire", dove velo e materia, forza del segno ed equilibrio cromatico, grafie e tralicci compositivi, sono linguaggi personalissimi di una severa coscienza, architetture rigorose quanto palpitanti. Luce e colore, talvolta anche squillanti, fatti di travestimenti, insinuazioni, esplosioni, affermazioni atmosferiche, sono al servizio di queste costruzioni formali, e il processo di crescita via via arriva all'affermazione di timbri stellari, bloccati e raffreddati come un magma rappreso".

Fulvio Marino è un'artista contemporaneo con radici nella cultura urbana e un background accademico nel design. Sin da giovane, ha trovato nella street art e nei graffiti il suo primo mezzo di espressione, sperimentando con colori, forme e simbolismi che ancora oggi caratterizzano il suo linguaggio visivo. Dopo aver affinato il suo talento nelle strade, ha deciso di approfondire la sua conoscenza dell'arte e del design frequentando l'Istituto Europeo di Design (IED), dove ha esplorato nuove tecniche e materiali, ampliando la sua visione creativa.

Questa esperienza gli ha permesso di fondere la spontaneità dell'arte urbana con un approccio più strutturato e concettuale. Oggi, la sua produzione spazia dalla pittura alla street art, mantenendo sempre un forte legame con le tematiche dell'identità, della memoria urbana e della trasformazione degli spazi pubblici. Ha collaborato con progetti istituzionali che promuovono l'arte come strumento di dialogo sociale. Attraverso il suo lavoro, Fulvio Marino continua a esplorare il confine tra arte istituzionale e sperimentazione urbana, mantenendo viva l'energia e l'autenticità delle sue origini artistiche.

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___ Salvatore Spedifico | "Il simposio della bellezza"
Plus Florence - Salone delle Regole

In uno spazio ove alberga già il progetto "Scenari", a Firenze, è ospitata la mostra "Il simposio della bellezza" con opere dell'artista Salvatore Spedicato. L'esposizione, ideata e curata dall'illustre Storico dell'Arte Moderna e Contemporanea Prof. Carlo Franza, figura di piano internazionale, è una sorta di termometro della spettacolarità e della storicità dell'arte nuova, di un'arte che si fa veicolo di novelle idee scolpite nella cultura occidentale, di un'arte capace di rigenerare mondi e uomini, e si fa anche bussola in un mare di proposizioni della cultura e delle arti internazionali.

Scrive Carlo Franza nel testo: "E' grande scultore, nel forgiare il bronzo, modellare la pietra e l'argilla, come altrettanto lo è nel disegnare. Nel disegno Salvatore Spedicato, artista italiano e salentino, già docente e direttore dell'Accademia di Belle Arti di Lecce, è superlativamente un virtuoso, un impeccabile maestro di cultura occidentale, ma anche greca e romana. Qui si innesta la sua ricerca della bellezza, di quella grande piacevolezza descrittiva e di sicura professionalità, che lo hanno portato alle sue opere eccellenti, per la consumata abilità nell'incisione e la grazia dei soggetti femminili. Il suo stile si è sempre distinto per l'uso di linee fluide e delicate, con una particolare attenzione ai dettagli dei volti, dei capelli e dell'abbigliamento delle sue modelle.

Molto appartiene alla classicità, alla grecità, alla mitografia. Nella sua arte e ancor più nel suo disegno Salvatore Spedicato riusciva a catturare l'essenza e la grazia femminile, utilizzando colori tenui e giochi di luce. I suoi ritratti trasmettono, ancora oggi, un senso di raffinatezza e intimità, con una grande attenzione ai dettagli e una forte sensibilità estetica. Non si dimentichi che J. Joachim Winckelmann osservò: "La generale e principale caratteristica dei capolavori greci è una nobile semplicità e quieta grandezza, sia nella posizione che nell'espressione. Come la profondità del mare che resta sempre immobile per quanto agitata ne sia la superficie, l'espressione delle figure greche, per quanto agitate da passioni, mostra sempre un'anima grande e posata".

Certamente Salvatore Spedicato è grande scultore ma lo è altrettanto nell'arte del disegno, per via dell'essere dotato del "sentimento del bello" che non è poca cosa. E' così che oggi il suo procedere lo apparenta a quella grande compagine di scultori figurali o figurativi che annovera Manzù, Fazzini, Greco, Messina, Montanarini, e altri. Il sentimento e la poesia della Magna Grecia, quell'anima che virtuosa vive nelle forme, la cultura del mondo ellenico che si riversò sul Salento e alla quale Spedicato ha sempre aderito ad essa con intima spontaneità, enucleando via via in un linguaggio personalissimo, lirico, un prezioso e vero documento spirituale.

Paesaggi e figure femminili, una società raffinata leggibile nei panneggi, veneri della bellezza, santuari campestri, simboli e paesaggi bucolici della sua terra, oggetti e anfore, fontane greche, miraggi di cielo, terra e mare tradotti in scultura e in pittura, una mitologia quasi pompeiana filtrata dal suo cuore e dalla sua mente, tutto si sfoglia come radice e ornamento in un'atmosfera composita, impreziosita dalle innumerevoli possibilità di amplissime proporzioni del segno e del disegno, con la nostalgia della storia greco-romana e del mito universale dell'antico.

Segnatamente per gli aspetti esperienziali, nei suoi fogli vive sia l'esperienza poetica, che l'esperienza amorosa e l'esperienza politica del vivere. Questi tre campi, infatti, sono quelli più e meglio rappresentati nella pittura lirica simposiale che giunge nel suo lavoro, e, per quanto il ragionamento possa apparire circolare, proprio questa centralità tematica è spia dell'importanza ricoperta da poesia, amore e politica del vivere. La mostra diventa così evento storico di grande rilevanza, per un artista che è stato determinante nel Novecento e oltre e che ha lasciato, disseminate un po' ovunque, opere di virtuosa fattura, di incredibile bellezza".

Salvatore Spedicato (Arnesano, 1939) si forma nell'Istituto d'Arte "G. Pellegrino" di Lecce, acquisendo il diploma di maestro d'arte nel 1956. Dal 1960 è abilitato all'insegnamento in diversi istituti d'arte a Bari e nel Salento. Da citare la docenza presso l'Istituto d'arte di Parabita e la direzione della scuola serale di Disegno e Plastica "E. Maccagnani" di Lecce. Giudicato da una commissione composta dai maestri Luigi Montanarini, Raffaele Spizzico e Pericle Fazzini, dal 1971 sino al 2006 tiene la cattedra di Scultura presso l'Accademia di Belle Arti di Lecce, dove per quattordici anni (1979-1993) ne è autorevole direttore. Scultore attivo dal 1957, partecipa, a partire dagli anni Sessanta, a numerose rassegne nazionali ed internazionali, documentate da numerosi critici e storici dell'arte.

___ Eugenia Serafini | "Di rose e di fiori"
Plus Florence - Salone del Glicine

In uno spazio ove alberga già il progetto "Scenari", a Firenze, è ospitata la mostra "Di rose e di fiori" con opere di Eugenia Serafini. L'esposizione, ideata e curata dall'illustre Storico dell'Arte Moderna e Contemporanea Prof. Carlo Franza, figura di piano internazionale, è una sorta di termometro della spettacolarità e della storicità dell'arte nuova, di un'arte che si fa veicolo di novelle idee scolpite nella cultura occidentale, di un'arte capace di rigenerare mondi e uomini, e si fa anche bussola in un mare di proposizioni della cultura e delle arti internazionali.

Scrive Carlo Franza nel testo: "Di rose e di fiori", con questo bel titolo si apre la nuova mostra dell'illustre artista italiana Eugenia Serafini, coinvolgendo il suo fare e la sua creatività attorno a un tema che da sempre ha toccato il cuore, la mente e l'anima di tantissimi artisti italiani ed esteri. Il più famoso ritrattista della Belle Epoque francese, l'italiano Giovanni Boldini (1842-1931) amava sostanzialmente due cose, le belle donne aristocratiche e le rose. Il periodo più significativo della sua produzione artistica, che va dal 1880 al 1920 circa, vede la messa a punto di una tecnica pittorica molto personale, fatta di pennellate fluide e potenti che donavano una vitalità sofisticata alle donne ritratte, spesso in pose delicatamente seduttive, da rendere ciascuna d'affascinante moderna bellezza.

Tipiche quanto le sue famose pennellate sono anche le rose che l'artista spesso sceglieva di posizionare sulle stesse donne ritratte, come accento del loro fascino e come simbolo di sensualità femminile. Sono quasi sempre rose ibride di tè, una grande novità dell'epoca e "alla moda" quanto i vestiti dei suoi soggetti.Mi vien da pensare anche alla "Rosa Meditativa di Salvador Dalì, visto che il movimento pittorico surrealista sapeva ben coniugare realtà e sogno, e in questo famoso dipinto di Dalì, una grande rosa rossa fluttua sopra un paesaggio minimalista e scarno in contrasto con l'imperiosa voluttà del fiore e l'immensità del cielo.

Da sempre la rosa, nell'immaginario collettivo, è associata a significati e simbologie varie, può rappresentare, in base al colore, la passione e l'amore, la purezza, la vanità, la bellezza, la decadenza o la morte. La rosa nell'arte è simbolo dell'amore che trionfa, è legata al mito di Venere e Adone, indica i martiri e i tormenti che hanno subito, la rosa bianca simboleggia la purezza virginale. Vi è un'opera del pittore inglese Lawrence Alma Tadema, in cui la rosa è davvero protagonista, ha per titolo "Le rose di Eliogabalo".

Potrei aggiungere tanti altri nomi, ne aggiungo solo uno ed è quello di Elica Balla (Roma, 1914-1993), la minore delle due figlie di Giacomo Balla, quasi recluse nel variopinto ambiente della casa-studio del grande futurista, seguì le orme del padre nella pittura e nelle arti applicate, e che ci ha lasciato un bellissimo dipinto che ha per titolo "Rose". Coinvolgenti, spettacolari, cariche di vita e di speranza, ed anche di generosità, queste opere su rose e fiori di Eugenia Serafini sono un capitolo di grande passione per la bellezza e la vita di ogni persona. Sono anche una sorta di pittura augurale.

Mai dimenticata la tenue tonalità di quelle fiorescenze botaniche in questa serie di carte colorate, Eugenia Serafini sceglie spesso le forme vulcaniche e i colori intensi di queste rose nuove con un cuore "a spirale" un gesto della natura che forse ha ispirato non poco le sue personali pennellate, e fiori multipli, iris, petunie, papaveri, calle, rose bianche. L'artista esprime con tocchi veloci e attraverso colori meravigliosi e variopinti la bellezza dei fiori e la loro magnificenza, essi, tutti, sono il segno evidente della bellezza, di una natura incontenibile.

Fiori terrestri e fiori celesti, fiori e rose colte nella loro bellezza naturale e nella loro freschezza, attraverso svariati colori la Serafini ha inscenato una scena paradisiaca, unica, divina, magica, dove i fiori sono diventati parte principe di essa, capaci di farsi leggere dal tratto delle pennellate, spesso morbide, acquerellate; uno splendore toccante, non eterno ma ricco d'infinito, dove la realtà si tocca attraverso le ore della giornata, dalla mattina alla sera".

Eugenia Serafini, Docente universitaria, artista e scrittrice/performer, giornalista, si è laureata in Lettere Classiche all'Università La Sapienza di Roma ed è stata allieva del grande e illustre Natalino Sapegno. Figura complessa e interessante, è stata Docente di Storia dell'Arte dell'Accademia di Belle Arti di Carrara e dell'Accademia dell'Illustrazione e della Comunicazione Visiva di Roma, e dal 1999 Docente di Disegno dell'Università della Calabria. E' nata a Tolfa (RM), piccolo e attraente borgo etrusco, nel 1946 e il suo percorso culturale l'ha portata a diventare artista di spicco nell'arte contemporanea internazionale.

Poeta performer e installazionista, lavora da anni alla contaminazione intermediale e all'arte totale, utilizzando e fondendo gli apporti di diversi rami creativi: da quello visivo-digitale a quello teatrale, poetico e musicale che utilizza nella creazione delle sue installazioni performative. Direttrice editoriale dell'Artecom-onlus, ne ha ideato e dirige la Collana di Libri d'Artista e la Sezione per l'Ex-libris ed è responsabile delle rubriche di Arte e Letteratura Contemporanea della rivista FOLIVM. Numerose le sue pubblicazioni di saggi e monografie di artisti moderni e contemporanei.

Vanta una vasta produzione di scrittura creativa e libri d'artista. Una delle sue ultime pubblicazioni è il bellissimo volume di poesia visuale e performativa con CD delle sue Performances, "Canti di cAnta stOrie", Roma 2008, presentato dall'indimenticabile professor Mario Verdone che le è stato vicino per tanti anni nel suo percorso artistico ed esistenziale. Realizza da anni eventi di Cultura sul Territorio nella città di Roma ed eventi multimediali con partecipazioni internazionali di altissimo livello. (Estratto da comunicato stampa)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Opera di Pierluigi Ghidini nella mostra La biblioteca dei sogni
2. Opera di Sergio Gimelli nella mostra Storie di ieri e di oggi
3. Opera di Monica Gorini nella mostra Sperimentazioni visuali
4. Opera di Andy Ceausu nella mostra Mondi immaginari
5. Opera di Mario Zappa nella mostra L'incanto del paesaggio lombardo
5. Opera di Fulvio Marino nella mostra Opere aperte
6. Opera di Salvatore Spedifico nella mostra Il simposio della bellezza
7. Opera di Eugenia Serafini nella mostra Di rose e di fiori

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"Altezza e solitudine"
Bacci | Barone | Barzagli | Fontana | Poloni | Sofianopulo | Zevola

19 marzo - 19 dicembre 2025
AD FORMANDUM - Trieste
www.adformandum.org

Da AD FORMANDUM (società cooperativa sociale / socialna zadruga), la mostra con le opere di sette artisti. Questa proposta è indice di un confronto tra autori diversi per formazione e per provenienza geografica, e di cui negli anni la rivista JULIET ha seguito il percorso artistico e ne ha promosso il lavoro per mezzo di progetti editoriali ed espositivi di varia natura. Sebbene questi autori, di primo acchito, sembrino rispondere a istanze emotive distanti fra loro, in seconda battuta denotano, tuttavia, nel loro linguaggio espressivo delle note comuni legate alla dinamica di un canto cromatico molto articolato e vivace. Nessun azzeramento, quindi, né rarefazione concettuale che possa farci pensare alla pittura sottrattiva degli anni Settanta è riscontrabile nelle opere esposte all'interno degli spazi del Centro di formazione AD FORMANDUM.

Ricordiamo i nomi degli autori che ritroveremo all'interno di questo percorso: Elisabetta Bacci, Nino Barone, Massimo Barzagli, Carlo Fontana, Ferdy Poloni, Antonio Sofianopulo, Oreste Zevola. Un insieme di opere di grandi e piccole dimensioni saranno quindi disposte in dialogo serrato dove un colore richiamerà quello contermine e una campitura si manifesterà come perimetro di un mondo sconosciuto e il segno diverrà vocabolo primario e primigenio. Questo progetto sarà presentato da Roberto Vidali, direttore della rivista d'arte "Juliet". A fine serata seguirà un rinfresco organizzato dagli allievi del corso di tecniche di cucina e operative per il servizio sala e bar, coordinati dagli insegnanti della scuola alberghiera. La mostra è promossa dall'Associazione Juliet. (Comunicato stampa)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Elisabetta Bacci, "Untitled", dal ciclo Light Square del 2021, acrilico su tela cm 100x100 / 50x50 / 25x25, installazione realizzata nel giugno del 2024 a Banja Luka, Photo credit: Borislav Brezo, courtesy of Banski Dvor
2. Oreste Zevola, pittura a tempera su tela a grana sottile, 2010
3. Carlo Fontana, Due cerchi 2012, pittura alchidica su tela, cm 100x150

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Bianco al femminile
Sei secoli di capolavori tessili dalle collezioni di Palazzo Madama

26 febbraio 2025 - 02 febbraio 2026
Palazzo Madama - Sala tessuti - Torino
www.palazzomadamatorino.it

Un'esposizione che racconta la stretta connessione, materiale e simbolica, che lega il bianco, il colore naturale della seta e del lino, alla donna. Attraverso una selezione di cinquanta manufatti tessili custoditi nelle collezioni di Palazzo Madama, di cui sei restaurati in occasione di questa occasione e quattordici esposti per la prima volta, la curatrice Paola Ruffino accompagna lungo una storia secolare che passa per ricami minuti, intricati merletti e arriva al più iconico degli indumenti femminili di colore bianco: l'abito da sposa.

Il ricamo in lino medievale, la lavorazione dei merletti ad ago o a fuselli, il ricamo in bianco su bianco sono arti con cui le mani femminili hanno creato capolavori. Questo legame sottile e indissolubile attraversa i secoli e vede le donne nel ruolo di autrici, creatrici e custodi della tradizione, raffinate fruitrici e committenti di tessuti e accessori di moda. Momento clou della moda del bianco è, in Francia e in Europa, il finire del XVIII secolo. Il fascino esercitato dalla statuaria greca e romana ispira un abbigliamento che guarda all'antico. Le giovani adottano semplici abiti en-chemise, trattenuti in vita da una fusciacca; il modello del cingulum delle donne romane sposate, portato alto sotto al seno, dà avvio ad una moda che durerà per trent'anni. I tessuti preferiti sono mussole di cotone, garze di seta, rasi leggeri, bianchi o a disegni minuti, come le porcellane dei servizi da tè.

Intorno a questo fulcro, illustrato da abiti, miniature, ventagli e accessori femminili, l'esposizione esplora il passato e il futuro. Al XIV e XV secolo riconducono i ricami dei monasteri femminili, in particolare di area tedesca e della regione del lago di Costanza, lavorati in lino su tela di lino naturale, dove il disegno, fatto di punti semplici ma ampiamente variati, è delineato soltanto da un contorno in seta colorata. Un tipo di lavoro che, per la povertà dei materiali e per la facilità di esecuzione, si diffuse poi in ambito domestico laico, per la decorazione di tovaglie e cuscini. In Italia, sui teli domestici perdurarono a lungo motivi decorativi di origine medievale tipicamente mediterranei, quali uccelli, castelli, alberi della vita, delineati in bianco sui manufatti in tela 'rensa', una tela rada e sottile, di cui due rari esemplari sono in esposizione, forse siciliani o sardi.

Tra XVI e XVII secolo nacque in Europa la lavorazione del merletto, che vide protagonisti i lini bianchissimi e la straordinaria abilità delle merlettaie veneziane e fiamminghe. Una scelta di bordi e accessori in pizzo italiani e belgi illustra gli eccezionali risultati decorativi di quest'arte esclusivamente femminile, che nel Settecento superò gli stretti confini della casa o del convento e si organizzò in manifatture.

Nel XIX secolo, l'inizio della produzione meccanizzata causò la perdita di virtuosismo nell'arte manuale del merletto, virtuosismo che riemerse invece nel ricamo in filo bianco sulle sottili tele batista e sulle mussole dei fazzoletti femminili. Quattro splendidi esemplari illustrano l'alta raffinatezza raggiunta da questi accessori, decorati con un lavoro a ricamo che, a differenza di quello in sete policrome e oro dei grandi parati da arredo e liturgici e dell'abbigliamento, fin dal medioevo praticato anche dagli uomini, restò sempre un'attività soltanto al femminile, anche quando esercitata a livello professionale.

L'esposizione si conclude nel XX secolo con uno dei temi che più vedono uniti la donna e il colore bianco nella nostra tradizione, l'abito da sposa, con un abito del 1970, corto, accompagnato non dal velo ma da una avveniristica cagoule, una scelta non scontata che ribadisce la forza e la persistenza del rapporto tra l'immagine della donna e il candore del bianco. La selezione di tessuti è accostata nell'allestimento a diverse opere di arte applicata, fra cui miniature, incisioni, porcellane, legature provenienti dalle collezioni del museo.

In occasione del nuovo allestimento delle collezioni tessili, Palazzo Madama propone un laboratorio di cucitura in forma meditativa a cura di Rita Hokai Piana nelle giornate di sabato 15 e 22 marzo e 5 e 12 aprile 2025. Tutte le info sul sito. (Comunicato ufficio stampa Fondazione Torino Musei)

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Anna Dormio
"Trigger"

08 marzo (inaugurazione) - da definire (prolungamento del periodo di mostra per tutta l'estate)
Ass. Culturale beBOCS - Catania

Mostra a cura di a cura di Giulia Papa. La ricerca di Anna Dormio è rivolta alla manipolazione delle superfici e delle identità di oggetti e corpi. Attraverso la commistione di varie tecniche artistiche, prevalentemente pittura e fotografia, Dormio compie prelievi/appropriazioni di frammenti, scarti, brevi testi, appunti dimenticati o perduti, antiche fotografie, su cui apporta interventi pittorici o da cui derivano lente e continue accumulazioni, in grado di riconfigurare la loro identità e rigenerarne il senso. Un'azione affettiva e semantica con cui rielabora piccoli eventi originati dalla casualità, dalla perdita o dall'abbandono.

Anna Dormio si è laureata in pittura presso l'Accademia di Belle Arti di Lecce, città in cui ha fondato il collettivo artistico e project space Kunstschau. È attiva e impegnata nel panorama artistico contemporaneo in Puglia e in tutto il territorio nazionale. (Estratto da comunicato stampa)

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Claudio Argentiero
"Paesaggi"

Barbara Frigerio Gallery - Milano
www.barbarafrigeriogallery.com/artisti/claudio-argentiero

Alcune fotografie di Claudio Argentiero, personalità attiva da più di trent'anni nel mondo della fotografia, tra progetti personali e curatela di mostre. Da sempre interessato alla documentazione del territorio e ai mutamenti avvenuti nel tempo, legati al decadimento dell'industria manifatturiera e alla trasformazione del paesaggio. Nelle sue corde l'interesse per il territorio che non fa clamore, ambito da indagare e rivelare attraverso sguardi personali che riportano il quotidiano alla poetica delle piccole cose. (Estratto da comunicato di presentazione)

Immagine:
Claudio Argentiero, Sicilia - Scala dei Turchi, 2017, carta cotone certificata, formati cm 50x70 e 60x90

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Nasce l'Archivio Regina
www.archivioregina.it

Dopo la prima grande retrospettiva museale italiana presentata alla GAMeC di Bergamo nel 2021, in seguito alla parallela acquisizione da parte del Centre Pompidou di Parigi di un significativo nucleo di opere dell'artista e dopo essere tornata protagonista nel 2022 in occasione della 59. Esposizione Internazionale d'Arte di Venezia, l'eredità intellettuale di Regina Cassolo Bracchi (Mede 1894 - Milano 1974) trova rappresentanza nell'associazione a lei intitolata, denominata "Archivio Regina Cassolo Bracchi", a Milano.

Fondato per iniziativa di Gaetano e Zoe Fermani, con il supporto scientifico di Paolo Campiglio, Chiara Gatti e Lorenzo Giusti, l'Archivio Regina è un'associazione culturale nata per studiare, catalogare e promuovere l'arte di Regina Cassolo Bracchi a livello italiano ed estero, curando la tutela del suo nome, della sua produzione artistica e della documentazione a essa riferita, tramite la certificazione e l'archiviazione della sua opera generale, oltre alla realizzazione di un catalogo ragionato.

Regina Cassolo Bracchi è stata la prima scultrice dell'avanguardia storica italiana. Fu futurista negli anni della formazione e astrattista radicale nella piena maturità. È stata la prima donna del Novecento italiano a utilizzare materiali sperimentali, come latta, alluminio, filo di ferro, stagno, carta vetrata. E anche la prima artista in Italia ad appendere nell'aria geometrie fluttuanti fatte di frammenti plastici, Plexiglass, perspex o rhodoid. Innovativa nei modi e nelle intuizioni, sosteneva che il progetto e l'idea fossero superiori, nella loro originalità larvale, all'opera finita. «Scelgo temi di tale semplicità, costruzioni talmente elementari che potrebbero essere riprodotte da chiunque in base ad una mia esatta descrizione».

Eppure la storia l'aveva dimenticata. Come molte donne dell'arte di inizio secolo, Regina era rimasta ai margini dei manuali. Un caso femminile all'ombra dei maestri, seppure il suo nome comparisse in calce ai manifesti del Futurismo (firmò nel 1934 il Manifesto tecnico dell'aeroplastica futurista) e sebbene sia stata notata da André Breton e da Léonce Rosenberg che, dopo un incontro parigino nel 1937, le propose un contratto con la sua galleria, cui lei rinunciò per tornare in Italia. La critica ha spesso distrattamente omesso la sua presenza dalle cronache, nonostante Regina avesse avuto un ruolo di punta quale unica donna del MAC italiano, il Movimento Arte Concreta (fondato nel 1948), sempre attiva nei contatti con la direzione del gruppo francese "Espace" (nato nel 1951). La sua mente teorica animò, infatti, la vivacità culturale del secondo dopoguerra, coinvolta nel dibattito artistico dall'amico Bruno Munari che la conobbe al tempo dell'avventura futurista e la volle poi al suo fianco nel mondo dell'arte concreta.

Impegnato nel regesto del corpus completo delle opere di Regina Cassolo Bracchi, fra sculture, disegni, maquette, taccuini, l'Archivio Regina lancia un appello per censire esemplari a oggi non conosciuti o non catalogati, al fine di costituire un database offerto in consultazione a studiosi e studenti, in vista di una sempre maggiore e approfondita conoscenza e divulgazione della ricerca dell'artista. L'Archivio Regina è costituito dal lascito dell'artista a Gaetano e Zoe Fermani, membri del comitato scientifico accanto a Paolo Campiglio, docente di Storia dell'Arte Contemporanea presso l'Università degli Studi di Pavia, Lorenzo Giusti, direttore della GAMeC di Bergamo, e Chiara Gatti, direttrice del MAN di Nuoro.

Fra i prossimi appuntamenti internazionali che vedranno la presenza di Regina, si segnalano sin da ora: il nuovo allestimento del Centre Pompidou di Parigi che riserverà una sala del percorso alla vicenda del gruppo MAC e del suo gemellaggio con il gruppo francese "Espace", partendo proprio dalle opere di Regina giunte recentemente in collezione e la pubblicazione, a cura di Alessandro Giammei e Ara Merjian, del volume monografico dedicato alla scultura moderna in Italia, Fragments of Totality, edito da Yale University Press. (Comunicato stampa)

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Nasce in Italia l'archivio online dell'artista pre-pop americano Ray Johnson

Aperto permanentemente alla consultazione dal 13 gennaio 2023
Sandro Bongiani Arte Contemporanea - Salerno
www.sandrobongianivrspace.it

Dopo l'Archivio "Ray Johnson Estate" di New York, nasce in Italia "Ray Johnson Archivio Coco Gordon", archivio online del grande artista pre-pop Ray Johnson, uno dei più influenti artisti americani contemporanei accessibile ora nella startup Sandro Bongiani Arte Contemporanea con una raccolta ragionata di materiali inediti per tutti gli studiosi e per chi intende conoscerlo meglio. In questa piattaforma web é possibile consultare una parte considerevole di opere, foto dell'artista, performances, e testi scritti di Ray Johnson degli anni 1970-1995, che grazie alla collaborazione di Coco Gordon in oltre 25 anni di assidua frequentazione ha raccolto e conservato, ora finalmente pubblicati online.

Oggi, nell'era del Web e del sapere stratificato, la raccolta dell'archivio digitale Ray Johnson di Coco Gordon conserva e diffonde il sapere rispondendo a esigenze specifiche di consultazione dei materiali visivi archiviati assolvendo alla fondamentale funzione di conservazione, selezione e accessibilità dei dati che diventano l'oggetto primario di attenzione e consultazione da parte dello studioso d'arte. Uno strumento necessario e utile che svolge la doppia funzione di rendere accessibile il patrimonio e conservarlo correttamente senza esporlo a imprevedibili rischi. L'Archivio Ray Johnson comprende un ampia raccolta di materiali tra cui, ma non solo, corrispondenza, mail art, collage, fotografie documentarie, oggetti e cimeli. Un ringraziamento speciale va all'artista Coco Gordon e ai diversi collaboratori che hanno contribuito a realizzare la sezione del sito web dedicato a Ray Johnson. (Sandro Bongiani)

La Galleria Sandro Bongiani Arte Contemporanea nata come spazio culturale no-profit, vuole mettere in discussione il proprio ruolo di spazio culturale indipendente sostenendo nuovi modi di interagire con il pubblico e attivando nuove forme di partecipazione e di coinvolgimento con presenze e progetti interattivi che possano essere condivisi in tempo reale con il maggior numero di utenti in qualsiasi parte del mondo. A distanza di 60 anni dalla nascita della Mail Art (1962) e a 50 anni esatti (1972) dalla prima e unica mostra in Italia di Ray Johnson presso la Galleria Schwarz a Milano con una presentazione di Henry Martin, noi della Sandro Bongiani Arte Contemporanea di Salerno abbiamo dedicato quasi un intero anno di lavoro a Ray Johnson con cinque mostre interattive e un progetto internazionale svolte da aprile fino a novembre 2022, in contemporanea con la 59 Biennale Internazionale di Venezia 2022.

Inoltre, a 27 anni esatti dalla scomparsa di Ray Johnson (13 gennaio 1995), è stata realizzata catalogazione e la digitalizzazione online di tutte le opere di Ray presenti nell'Archivio Coco Gordon di Colorado USA, con oltre 780 documenti tra opere e foto inedite dell'artista americano, testi, inviti, lettere, opere e riflessioni con i relativi commenti di Coco Gordon, memorial e collaborazioni, cronologia degli eventi e testi critici di Sandro Bongiani, archiviati, ognuna per codice numerico per essere più facilmente consultata, in una utile e significativa presentazione interattiva destinata ad essere conosciuta e valorizzata da parte degli studiosi per opportuni studi e approfondimenti sul lavoro innovativo svolto da questo importante artista pre-pop americano.

L'Archivio Ray Johnson, a completamento dell'attività in corso, viene presentato ufficialmente e reso visibile permanentemente il 13 gennaio 2023, (giorno e mese della sua scomparsa), nella startup web sandrobongianivrspace.it, che si affianca con orgoglio e per importanza all'Archivio americano "Ray Johnson Estate" di New York. Tutto ciò ci sembra un chiaro esempio di come si può relazionare con l'arte contemporanea in modo creativo e produrre nuova cultura. (Sandro Bongiani)

Ray Johnson (1927-1995) è stato un personaggio chiave nel movimento della Pop Art. Primariamente un collagista, è stato anche un precoce performer e un artista concettuale. Definito nei primi tempi "Il più famoso artista sconosciuto di New York", è considerato uno dei padri fondatori e un pioniere dell'uso della lingua scritta nell'arte visuale. In scena negli anni ' 60, il suo lavoro e il modo in cui che ha deciso di distribuirlo ha influenzato il futuro dell'arte contemporanea. Nato il 16 ottobre 1927 a Detroit, nel Michigan, Johnson ha frequentato il Black Mountain College sperimentale con Robert Rauschenberg e Cy Twombly. Ray Johnson era un artista americano noto per la sua pratica innovativa di Correspondence Art. 

Una pratica basata su collage, il suo lavoro combina fotografia, disegno, performance e testo su distanze geografiche, attraverso la spedizione della posta. I progetti di Johnson includevano prestazioni concettualmente elaborate che si occupavano di relazioni interpersonali e disordini psichici. "sono interessato a cose e cose che si disintegrano o si disgregano, cose che crescono o hanno aggiunte, cose che nascono da cose e processi del modo in cui le cose mi accadono realmente", ha detto l'artista. I suoi primi anni di vita comprendevano lezioni sporadiche al Detroit Art Institute e un'estate alla Ox-Bow School di Saugatuck, nel Michigan. Nel 1945, Johnson lasciò Detroit per frequentare il progressivo Black Mountain College in North Carolina.

Durante i suoi tre anni nel programma, ha studiato con un certo numero di artisti, tra cui Josef Albers, Jacob Lawrence, John Cage e Willem de Kooning. nel 1948, trascorse un po' di tempo creando arte astratta e poi approdando al Dada con suoi collage che incorporano frammenti di fumetti, pubblicità e figure di celebrità. Johnson spesso rifiutava di partecipare a mostre in galleria e ha preferito creare  una rete di corrispondenti di mailing e un nuovo modo di fare arte. Questo metodo di diffusione dell'arte divenne noto come la corrispondenza School di New York e ampliato per includere eventi improvvisati e cene. Trasferitosi a New York nel 1949, Johnson stringe amicizia tra Robert Rauschenberg e Jasper Johns, sviluppando una forma idiosincratica di Pop Art.

Nei decenni successivi, Johnson divenne sempre più impegnato in performance e filosofia Zen, fondendo insieme  la pratica artistica con la vita. Nel 1995 Ray Johnson si suicidò, gettandosi da un ponte a Sag Harbor, New York, poi nuotando in mare e annegando. Le circostanze in cui è morto sono ancora poco chiare. Nel 2002, un documentario sulla vita dell'artista chiamato How to Draw a Bunny,  ci fa capire il suo lavoro di ricerca. Oggi, le sue opere si trovano nelle collezioni della National Gallery of Art di Washington, D.C., del Museum of Modern Art di New York, del Walker Art Center di Minneapolis e del Los Angeles County Museum of Art.  In questi ultimi anni tutto il suo lavoro sperimentale è stato rivalutato dalla critica come anticipatore della Pop Art e persino dell'arte comportamentale americana.

- Presentazione di 781 documenti in 11 sezioni e 34 box
Dynamic vision of the interactive itinerary Slide Show, durata 54 minutes
www.sandrobongianivrspace.it/ray-johnson-coco-gordon

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Potrà restare per sempre ad Atene il Fregio del Partenone proveniente dalla Sicilia

Il governo della Regione Siciliana, con delibera di Giunta, ha dato il proprio consenso alla cosiddetta "sdemanializzazione" del bene, cioè l'atto tecnico che si rendeva necessario per la restituzione definitiva del frammento. Dallo scorso 10 gennaio, il frammento si trova già al Museo dell'Acropoli di Atene, dove nel corso di una cerimonia, a cui ha preso parte il Premier greco Kyriakos Mitsotakis, è stato ricongiunto al fregio originale.

In base all'accordo, a febbraio da Atene è arrivata a Palermo un'importante statua acefala della dea Atena, databile alla fine del V secolo a.C., che ha già riscosso notevole successo di visitatori e che resterà esposta al Museo Salinas per quattro anni; al termine di questo periodo, giungerà un'anfora geometrica della prima metà dell'VIII secolo a.C. che potrà essere ammirata per altri quattro anni nelle sale espositive del museo archeologico regionale. (Estratto da comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

Presentazione

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Archivi tematici del XX secolo
Galleria Allegra Ravizza - Lugano
www.allegraravizza.com

Dal Futurismo al Decadentismo. Le piccole raccolte, frutto di studio approfondito, hanno l'ambizione di far riscoprire le sensazioni dimenticate o incomprese del nostro bagaglio culturale e la gioia che ne deriva. La cultura è come il rumore, per citare John Cage (Los Angeles, 1912- New York, 1992): "Quando lo vogliamo ignorare ci disturba, quando lo ascoltiamo ci rendiamo conto che ci affascina" (J. Cage, "Silenzio", 1960). Il rumore della cultura è imprescindibile e continuo in ogni aspetto della nostra vita. (...) Ma quando lo ascoltiamo, l'eco del rumore della Cultura, sentiamo che rimbalza su ogni parete intorno a noi e si trasforma per essere Conoscenza e Consapevolezza. (...) Chi ama la musica tecno, metallica e disco non può ignorare Luigi Russolo (Portogruaro, 1885 - Laveno-Mombello, 1947), probabilmente, lo dovrebbe venerare, in quanto la sua intuizione ha trasformato per sempre il Rumore. (...)

In questa epoca dove, per naturali dinamiche evolutive del pensiero, la ragione del figlio prevale su quella dei padri, come nel Futurismo o nel '68, il desiderio di annullamento è comprensibile e necessario ma la conoscenza storica di quello che si vuole rinnovare ne è il fondamento. Per questo motivo proponiamo dodici archivi tematici con oggetto di ricerca proprio la comprensione. La troviamo adatta a questo periodo storico che ci racchiude nelle nostre stanze e ci sta cambiando profondamente. La speranza è che ci sarà un nuovo contemporaneo, forse più calmo ma più attento, una nascente maturità verso un nuovo Sincrono. Cassaforti come scatole del Sin-Crono (sincrono dal greco sýnkhronos "contemporaneo", composta di sýn "con, insieme" e khrónos "tempo") per la comprensione dell'arte dei Rumori e del teatro Futurista, della Poesia e della musica che ci hanno traghettato lungo il secolo scorso. (Estratto da comunicato stampa)

[1] J. Cage, "Silence", 1960
[2] J. Cage, "Silence", 1960
[3] For a greater understanding, see L. Russolo, Futurist manifesto "L'Arte dei Rumori", 1913
[4] Synchrony, sinkrono/ adj. [from the Greek sýnkhronos "contemporary", composed of sýn "with, together" and khrónos "time"]. - 1. [that happens in the same moment: oscillation, noun].

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Forme uniche della continuità nello spazio
Nella Galleria nazionale di Cosenza la versione "gemella" dell'opera bronzea di Umberto Boccioni

Presso la casa d'aste Christie's di New York, è stato venduta l'opera bronzea di Umberto Boccioni (1882-1916) Forme uniche della continuità nello spazio per oltre 16 milioni di dollari (diritti compresi), pari a oltre 14 milioni di euro, dà, di riflesso, enorme lustro alla Galleria nazionale di Cosenza. Nelle sale espositive di Palazzo Arnone, infatti, i visitatori possono ammirare gratuitamente una versione "gemella" della preziosa opera del grande scultore reggino donata alla Galleria nazionale di Cosenza dal mecenate Roberto Bilotti. L'opera è uno dei bronzi numerati, realizzati tra il 1971 e 1972 su commissione del direttore della galleria d'arte "La Medusa" di Roma, Claudio Bruni Sakraischik.

Forme uniche della continuità nello spazio è stata modellata su un calco del 1951 di proprietà del conte Paolo Marinotti, il quale, nel frattempo, aveva ottenuto l'originale dalla vedova di Filippo Tommaso Marinetti, ritenuto il fondatore del movimento futurista. La celebre scultura è stata concepita da Boccioni nel 1913 ed è oggi raffigurata anche sul retro dei venti centesimi di euro, proprio quale icona del Futurismo che più di tutte ha influenzato l'arte e la cultura del XX secolo. Il manufatto originale è in gesso e non è stato mai riprodotto nella versione in bronzo nel corso della vita dell'autore. Quella presente nella Galleria nazionale di Cosenza, dunque, rappresenta un'autentica rarità, insieme ai tanti altri tesori artistici e storici esposti negli spazi di Palazzo Arnone. (Comunicato stampa)

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La GAM Galleria d'Arte Moderna Empedocle Restivo di Palermo insieme a Google Arts & Culture porta online la sua collezione pittorica

Disponibili su artsandculture.google.com oltre 190 opere e 4 percorsi di mostra: "La nascita della Galleria d'Arte Moderna", "La Sicilia e il paesaggio mediterraneo", "Opere dalle Biennali di Venezia" e "Il Novecento italiano". La GAM - Galleria d'Arte Moderna Empedocle Restivo - di Palermo entra a far parte di Google Arts & Culture, la piattaforma tecnologica sviluppata da Google per promuovere online e preservare la cultura, con una Collezione digitale di 192 opere.

Google Arts & Culture permette agli utenti di esplorare le opere d'arte, i manufatti e molto altro tra oltre 2000 musei, archivi e organizzazioni da 80 paesi che hanno lavorato con il Google Cultural Institute per condividere online le loro collezioni e le loro storie. Disponibile sul Web da laptop e dispositivi mobili, o tramite l'app per iOS e Android, la piattaforma è pensata come un luogo in cui esplorare e assaporare l'arte e la cultura online. Google Arts & Culture è una creazione del Google Cultural Institute.

- La Collezione digitale

Grazie al lavoro di selezione curato dalla Direzione del Museo in collaborazione con lo staff di Civita Sicilia, ad oggi è stato possibile digitalizzare 192 opere, a cui si aggiungeranno, nel corso dei prossimi mesi, le restanti opere della Collezione. Tra le più significative già online: Francesco Lojacono, Veduta di Palermo (1875), Antonino Leto, La raccolta delle olive (1874), Ettore De Maria Bergler, Taormina (1907), Michele Catti, Porta Nuova (1908), Giovanni Boldini, Femme aux gants (1901), Franz Von Stuck, Il peccato (1909), Mario Sironi, Il tram (1920), Felice Casorati, Gli scolari (1928), Renato Guttuso, Autoritratto (1936).

- La Mostra digitale "La nascita della Galleria d'Arte Moderna"

La sezione ripercorre, dal punto di vista storico, sociale e artistico, i momenti fondamentali che portarono all'inaugurazione, nel 1910, della Galleria d'Arte Moderna "Empedocle Restivo". Un'affascinante ricostruzione di quel momento magico, a cavallo tra i due secoli, ricco di entusiasmi e di fermenti culturali che ebbe il suo ammirato punto di arrivo nell'Esposizione Nazionale di Palermo del 1891-92, evento chiave per la fondazione della Galleria e per le sue prime acquisizioni, le cui tematiche costituiscono la storia di un'epoca.

- La Mostra digitale "La Sicilia e il paesaggio Mediterraneo"

Un viaggio straordinario nel secolo della natura, come l'Ottocento è stato definito, attraverso le opere dei suoi più grandi interpreti siciliani che hanno costruito il nostro immaginario collettivo: dal "ladro del sole" Francesco Lojacono ad Antonino Leto, grande amico dei Florio in uno storico sodalizio artistico, per giungere al "pittore gentiluomo" Ettore De Maria Bergler, artista eclettico e protagonista dei più importanti episodi decorativi della Palermo Liberty, e infine Michele Catti, nelle cui tele il paesaggio si fa stato d'animo e una Palermo autunnale fa eco a Parigi.

- La Mostra digitale "Opere dalle Biennali di Venezia"

In anni di fervida attività espositiva, la Biennale di Venezia si contraddistinse subito come eccezionale occasione di confronto internazionale e banco di prova delle recenti tendenze dell'arte europea. Dall'edizione del 1907 presente all'evento con la sua delegazione, la Galleria d'Arte Moderna seppe riportare a Palermo opere che ci restituiscono oggi la complessa temperie della cultura artistica del primo Novecento, dalle atmosfere simboliste del Peccato di Von Stuck, protagonista della Secessione di Monaco, alla raffinata eleganza della Femme aux gants di Boldini.

- La Mostra digitale "Il Novecento italiano"

Un percorso che si snoda lungo il secolo breve e ne analizza le ripercussioni sui movimenti artistici coevi, spesso scissi tra opposte visioni e ricchi di diverse sfumature e declinazioni. Tra il Divisionismo di inizio secolo, figlio delle sperimentazioni Ottocentesche, e l'Astrattismo degli anni Sessanta, si consumano in Italia i conflitti mondiali, il Ventennio fascista, i momenti del dopoguerra. La lettura delle opere d'arte può allora funzionare come veicolo attraverso il quale comprendere le complesse evoluzioni e gli eventi cardine che hanno caratterizzato la prima metà del Novecento italiano. (Comunicato stampa)

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||| Sicilia ||| Apre al pubblico la Fonte Aretusa a Siracusa
www.fontearetusasiracusa.it

Concluso l'intervento di adeguamento strutturale e funzionale del sito, la Fonte Aretusa   ha aperto al pubblico il 6 agosto con un percorso di visita che consente di ammirarne dall'interno la bellezza, accompagnati dalle voci italiane di Isabella Ragonese, Sergio Grasso e Stefano Starna. Il percorso di visita restituisce l'emozione di un "viaggio" accanto allo specchio di acqua dolce popolato dai papiri nilotici e da animali acquatici, donati dai siracusani come devozione a una mitologia lontana dalle moderne religioni, superando le difficoltà di accedervi e permettendo di compiere una specie di percorso devozionale in piena sicurezza. L'audioguida è disponibile anche in lingua inglese, francese, spagnola e cinese.

È il primo risultato del progetto di valorizzazione elaborato da Civita Sicilia come concessionario del Comune di Siracusa con la collaborazione della Fondazione per l'Arte e la Cultura Lauro Chiazzese. Il progetto, elaborato e diretto per la parte architettonica da Francesco Santalucia, Viviana Russello e Domenico Forcellini, ha visto la collaborazione della Struttura Didattica Speciale di Architettura di Siracusa e si è avvalso della consulenza scientifica di Corrado Basile, Presidente dell'Istituto Internazionale del papiro - Museo del Papiro.

Da oltre duemila anni, la Fonte Aretusa è uno dei simboli della città di Siracusa. Le acque che scorrono nel sottosuolo di Ortigia, ragione prima della sua fondazione, ritornano in superficie al suo interno, dove il mito vuole che si uniscano a quelle del fiume Alfeo in un abbraccio senza tempo. È un mito straordinario, cantato nei secoli da poeti, musicisti e drammaturghi. La storia di Aretusa e Alfeo è una storia d'amore, inizialmente non corrisposto, tra una ninfa e un fiume che inizia in Grecia e trova qui il suo epilogo, simbolo del legame che esiste tra Siracusa e la madrepatria dei suoi fondatori. Ma la Fonte Aretusa è anche il luogo nelle cui acque, nel corso dei secoli, filosofi, re, condottieri e imperatori si sono specchiati e genti venute da lontano, molto diverse tra loro, sono rimaste affascinate, anche attraverso le numerose trasformazioni del suo aspetto esteriore.

La Fonte ospita da millenni branchi di pesci un tempo sacri alla dea Artemide e, da tempi più recenti, una fiorente colonia di piante di papiro e alcune simpatiche anatre che le valgono il nomignolo affettuoso con cui i Siracusani di oggi talvolta la chiamano, funtàna de' pàpere. Dalla Fonte si gode un tramonto che Cicerone descrisse "tra i più belli al mondo" e la vista del Porto Grande dove duemila anni fa si svolsero epiche battaglie navali che videro protagonista la flotta siracusana e dove le acque di Alfeo e Aretusa si disperdono nel mare in un abbraccio eterno. (Comunicato Ufficio stampa Civita)

Prima del nuovo numero di Kritik... / Iniziative culturali

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Incanto e Decadenza
Thomas Mann nel cinema a 150 anni dalla nascita e 70 dalla morte

08 ottobre - 10 dicembre 2025 (ogni mercoledì alle ore 21, ingresso libero)
Goethe-Institut Palermo - Sala Wenders (Cantieri Culturali alla Zisa) - Palermo
www.goethe.de/deutschevita | Locandina

Quest'anno ricorre un importante doppio anniversario: 150 anni dalla nascita (1875) e 70 anni dalla morte (1955) di Thomas Mann, premio Nobel per la Letteratura e tra i più influenti narratori del Novecento. La sua opera ha saputo esplorare le tensioni della modernità, oscillando tra rigore formale e inquietudine esistenziale, ironia e senso del tragico, mettendo in scena le contraddizioni di una borghesia europea attraversata da crisi profonde e destini individuali in conflitto con la storia.

Il Goethe-Institut Palermo dedica al grande autore tedesco una rassegna speciale nell'ambito della nuova edizione del Cineclub La Deutsche Vita. Il titolo è Incanto e decadenza. Thomas Mann nel cinema. Un percorso che intreccia memoria letteraria e visione filmica, in cui si riflettono i grandi temi della poetica manniana: la tensione tra arte e vita, la seduzione dell'abisso, la malattia come metafora, il tempo come enigma. La rassegna si svolge nella Sala Wenders del Goethe-Institut, ai Cantieri Culturali alla Zisa, in collaborazione con l'Assessorato alla Cultura della Città di Palermo, l'Efebo d'Oro Film Festival Palermo e il Sicilia Queer Filmfest.

___ Un nuovo inizio: dal martedì pomeriggio al mercoledì sera

Il Cineclub del Goethe-Institut Palermo, appuntamento culturale ormai storico della città, si rinnova nel calendario: dopo tanti anni di proiezioni il martedì pomeriggio, l'incontro con il cinema tedesco si sposta al mercoledì sera alle ore 21, in un orario più conviviale e accessibile a nuove fasce di pubblico. Tutte le proiezioni sono in versione originale con sottotitoli in italiano. Per le scuole interessate sono previste proiezioni speciali in giorni e orari da concordare. (Per prenotazioni: info-palermo@goethe.de; Foto dei film della rassegna su richiesta a info-palermo@goethe.de)

___ Un viaggio tra letteratura e cinema

La rassegna accompagna il pubblico in un itinerario che attraversa alcune tra le più significative trasposizioni cinematografiche delle opere di Thomas Mann: dai celebri Buddenbrooks e Morte a Venezia a titoli meno noti come Wälsungenblut (L'incesto) e Unordnung und frühes Leid (Disordine e dolore precoce), fino a opere dense e complesse come Der Zauberberg (La montagna incantata) e Doktor Faustus. Accanto a registi di fama internazionale come Luchino Visconti, si incontrano autori tedeschi di generazioni diverse: da Rolf Thiele a Franz Seitz, da Egon Günther a Klaus Maria Brandauer, fino a Heinrich Breloer e Detlev Buck, che hanno tradotto in immagini i mondi interiori, le ambiguità morali e i conflitti spirituali messi in scena da Mann.

___ Un'eredità sempre attuale

"Incanto e decadenza è forse la formula che meglio restituisce l'anima di Thomas Mann: una scrittura capace di affascinare con la sua perfezione formale, ma sempre percorsa da forze oscure e da una lucida consapevolezza della caduta. I film qui raccolti portano sullo schermo questa tensione, rendendola esperienza sensibile e condivisa" afferma la direttrice del Goethe-Institut Palermo e curatrice della rassegna Heidi Sciacchitano. Che prosegue: "Thomas Mann continua a parlarci ancora oggi, perché nelle sue opere ha colto le contraddizioni fondamentali della modernità: la tensione tra ordine e crisi, bellezza e dissoluzione, individuo e storia. A distanza di decenni, la lucidità e la vertigine di Thomas Mann continuano a interrogarci, con quella ambivalenza inquieta che solo i classici sanno mantenere viva."

___ La rassegna

La rassegna si apre con Buddenbrooks, sontuosa trasposizione del romanzo d'esordio del 1901, opera che rivelò al mondo un giovanissimo Thomas Mann. L'ascesa e il declino della famiglia di mercanti di Lubecca diventano specchio di un'intera società borghese in trasformazione: Breloer ne restituisce la coralità, la grandezza epica e la fragilità segreta, introducendo subito i temi cardine dell'autore. Segue Tonio Kröger, racconto del 1903, in cui Mann riversò molto di sé stesso: il conflitto insanabile tra la rispettabilità borghese delle origini e la vocazione all'arte, vissuta come destino di estraneità e malinconia. Rolf Thiele ne offre un adattamento intimo e lirico, dove l'autobiografia si trasfigura in ritratto universale dell'artista. Con Morte a Venezia, Visconti trasforma la novella del 1912 in una delle più celebri opere del cinema europeo.

La storia del musicista Gustav von Aschenbach, alter ego di Mann, diventa una sinfonia di immagini e suoni, dove bellezza e morte, desiderio e dissoluzione si fondono in una visione estetica assoluta. Di tono diverso ma non meno provocatorio è Wälsungenblut (L'incesto), dal racconto del 1905, che mette in scena la trasgressione e la febbre della giovinezza. Il film di Thiele accentua la vena scandalosa e ironica del testo, giocando con la tensione tra mito e realtà borghese. Il cuore filosofico e simbolico della rassegna è La montagna incantata, ispirata al romanzo pubblicato nel 1924, dopo la lunga esperienza dello scrittore a Davos. Il sanatorio diventa metafora dell'Europa alla vigilia della Grande Guerra, luogo di sospensione temporale e riflessione esistenziale: la versione cinematografica di Geißendörfer concentra e distilla l'immenso tessuto narrativo di Mann.

Più breve e intimo, ma non meno incisivo, è Disordine e dolore precoce, racconto del 1925 che attinge direttamente alla vita familiare di Mann, proiettando in chiave ironica e malinconica i turbamenti di un padre borghese di fronte al mutare dei tempi e dei rapporti generazionali. Con Mario e il mago, scritto nel 1930, la parabola letteraria di Mann si intreccia apertamente con la storia politica europea. Allegoria della seduzione del potere e del fascismo nascente, il film di Klaus Maria Brandauer trasforma l'atmosfera inquieta della novella in un dramma ipnotico, ancora di bruciante attualità.

La riflessione sulla memoria culturale tedesca prende forma in Lotte in Weimar, dal romanzo del 1939, in cui la figura di Goethe è evocata attraverso lo sguardo della donna che lo amò giovanissima. È un omaggio all'eredità letteraria, ma anche un dialogo sul senso della storia e della tradizione, che Günther rende con eleganza e profondità. Dalla lunga gestazione dell'esilio americano nasce Doktor Faustus (1947), in cui Mann affida alla storia del musicista Adrian Leverkühn una cupa allegoria della Germania del Novecento. L'adattamento di Seitz affronta con intensità il dramma del genio e della colpa, tra invenzione artistica e condanna morale. Infine, a chiudere il percorso, Le confessioni del filibustiere Felix Krull, romanzo pubblicato postumo nel 1954 e rimasto incompiuto. In questa storia di seduzione e inganno, più leggera e mondana, emerge un'altra faccia di Mann, quella ironica e teatrale.

Il recente film di Detlev Buck ne coglie il fascino vitale, consegnando alla rassegna un epilogo giocoso e brillante, specchio di una modernità che non smette di rinnovarsi. Dall'ascesa borghese dei Buddenbrook all'ironia mondana di Felix Krull, questa rassegna compone un viaggio che non è solo cronologico, ma anche esistenziale e storico: attraversa le metamorfosi di un autore che ha saputo incarnare le tensioni dell'Europa moderna e le ambiguità dell'animo umano. Il cinema, rielaborando di volta in volta le sue pagine, restituisce la possibilità di rivivere quelle domande sull'arte, sulla libertà, sulla fragilità del vivere, che rendono Thomas Mann un classico sempre attuale.

___ Calendario delle proiezioni

08.10 - Buddenbrooks di Heinrich Breloer, 2008
15.10 - Tonio Kröger di Rolf Thiele, 1964
22.10 - Morte a Venezia di Luchino Visconti, 1971
29.10 - Wälsungenblut (L'incesto) di Rolf Thiele, 1965
05.11 - Der Zauberberg (La montagna incantata) di Hans W. Geißendörfer, 1982
12.11 - Unordnung und frühes Leid (Disordine e dolore precoce) di Franz Seitz, 1977
19.11 - Mario und der Zauberer (Mario e il mago) di Klaus Maria Brandauer, 1994
26.11 - Lotte in Weimar di Egon Günther, 1975
03.12 - Doktor Faustus di Franz Seitz, 1982
10.12 - Bekenntnisse des Hochstaplers Felix Krull (Le confessioni del filibustiere Felix Krull) di Detlev Buck, 2021

___ Schede dei film

.. 08.10, Buddenbrooks, di Heinrich Breloer, Germania 2008, 151'
con Armin Mueller-Stahl, Jessica Schwarz, August Diehl, Mark Waschke

Nel cuore del XIX secolo, la famiglia Buddenbrook, ricchi commercianti di Lubecca, attraversa tre generazioni segnate da ambizione, dovere e desiderio. Mentre i fratelli Thomas, Christian e Tony cercano ciascuno a modo loro di mantenere il prestigio della casata, le tensioni tra vocazione personale e responsabilità sociale minano dall'interno la solidità dell'impresa familiare. Il lento declino è inesorabile, specchio di un'epoca che cambia. Con uno sguardo insieme classico e partecipe, Heinrich Breloer porta sullo schermo il romanzo che valse a Thomas Mann la fama internazionale, restituendone con eleganza visiva e sensibilità narrativa il respiro epico e il dramma intimo. Attento ai dettagli storici e ai conflitti interiori dei personaggi, il film cattura il lento disfacimento di un mondo borghese fondato sull'apparenza e sul sacrificio.

.. 15.10, Tonio Kröger, di Rolf Thiele, Germania 1964, 90'
con Jean-Claude Brialy, Nadja Tiller, Werner Hinz

Tonio Kröger è un giovane scrittore borghese diviso tra il rigore del suo ambiente d'origine e l'irrequietezza della vocazione artistica. Tornando nella città natale dopo anni di distanza, ripercorre i ricordi dell'adolescenza: l'amicizia idealizzata per Hans, l'amore inconfessato per Inge e il progressivo distacco da un mondo che lo ha formato ma da cui si sente escluso. Il viaggio nel passato diventa così una ricerca identitaria, sospesa tra nostalgia e disincanto. Rolf Thiele traduce l'introspezione del racconto di Mann in un film elegante e misurato, capace di restituire la tensione tra vita e arte, tra appartenenza e solitudine. Senza mai cadere nel didascalico, il regista esplora con sensibilità il dramma esistenziale di un uomo che sente di appartenere a due mondi, senza poter abitare pienamente nessuno dei due.

.. 22.10, Morte a Venezia, di Luchino Visconti, Italia 1971, 125'
con Dirk Bogarde, Björn Andrésen, Silvana Mangano, Romolo Valli

Gustav von Aschenbach, un maturo compositore tedesco, giunge a Venezia in cerca di riposo, ma trova nella figura enigmatica del giovane Tadzio un'ossessione che lo condurrà a un lento smarrimento. Mentre la città è avvolta da un'epidemia silenziosa, il protagonista si abbandona alla contemplazione di una bellezza irraggiungibile, in un'estasi che confonde desiderio, arte e morte. Con straordinaria sensibilità visiva, Visconti traduce il racconto di Mann in un'opera di grande raffinatezza estetica, trasformando la decadenza fisica e morale in uno spettacolo di immagini intrise di simbolismo. La scelta di Mahler come colonna sonora, il ritmo rarefatto e l'ossessiva attenzione per i dettagli creano un'atmosfera sospesa, ipnotica, in cui il dramma interiore del protagonista si rifrange nella bellezza corrotta della città lagunare.

.. 19.10, Wälsungenblut (L'incesto), di Rolf Thiele, Germania 1965, 85'
con Elena Nathanael, Michael Maien, Gerd Baltus

Ambientato nella Monaco raffinata e decadente degli anni Venti, Wälsungenblut racconta una giornata nella vita dei gemelli aristocratici Siegmund e Sieglinde, uniti da un legame ambiguo e disturbante. Alla vigilia del matrimonio di lei con un borghese ebreo, il loro rapporto si carica di tensione, desiderio e repulsione, culminando in un gesto trasgressivo che sfida le convenzioni sociali e morali dell'epoca. Rolf Thiele porta sullo schermo il racconto breve di Mann con uno stile sontuoso e teatrale, che sottolinea tanto il languore estetizzante dell'ambiente quanto la carica distruttiva dei suoi protagonisti. Tra echi wagneriani e sguardi carichi di simbolismo, il film esplora con sottile ironia e inquietudine il tema della decadenza di una classe sociale, il conflitto tra istinto e norma, e l'illusione della purezza aristocratica. Un'opera provocatoria e visivamente ricercata, che amplifica il sottotesto scandaloso del racconto originario senza mai cadere nella volgarità.

.. 05.11, Der Zauberberg (La montagna incantata), di Hans W. Geißendörfer, Germania, Italia, Francia 1982, 153'
con Christoph Eichhorn, Marie-France Pisier, Rod Steiger, Flavio Bucci

Hans Castorp, giovane ingegnere amburghese, sale per una breve visita a un sanatorio sulle Alpi svizzere dove è ricoverato il cugino, ma finisce per restarvi sette anni. Nel microcosmo sospeso del sanatorio, il tempo perde consistenza e Castorp si confronta con idee, passioni e figure emblematiche: l'umanista Settembrini, il mistico Naphta, la sensuale Clawdia Chauchat. Intorno a lui, l'Europa si avvicina inesorabilmente al baratro della guerra. Geißendörfer affronta l'impresa di portare sullo schermo il romanzo-fiume di Mann con rigore e ambizione. Il film condensa la complessità filosofica del testo in una narrazione che privilegia il tono contemplativo e la stratificazione simbolica. L'ambientazione ovattata, la recitazione sobria e la fotografia rarefatta contribuiscono a creare un'atmosfera fuori dal tempo, dove la malattia diventa metafora dell'attesa, della crisi, e della paralisi spirituale di un'intera civiltà.

.. 12.11, Unordnung und frühes Leid (Disordine e dolore precoce), di Franz Seitz, Germania 1977, 86'
con Martin Held, Ruth Leuwerik, Sabine von Maydell

In una città tedesca del primo dopoguerra, il professor Abel Cornelius, colto e misurato uomo di lettere, osserva con crescente smarrimento il disgregarsi dell'ordine familiare e sociale. Attorno a lui, i figli inseguono mode frivole e libertà nuove, mentre la moglie tenta di mantenere una parvenza di normalità domestica. In occasione di una festa in casa, il fragile equilibrio tra generazioni si incrina definitivamente, rivelando la distanza emotiva tra il passato colto e l'incalzante presente. Il film restituisce con misura e sensibilità il tono sommesso e ironico del racconto di Mann, cogliendo il senso di spaesamento di un uomo che assiste impotente alla fine del suo mondo. La regia si affida a un realismo controllato, fatto di piccoli gesti, dialoghi allusivi e atmosfere ovattate, in cui la malinconia si intreccia a un sottile umorismo. Più che un dramma familiare, il film è un ritratto del declino di una classe intellettuale, sorpassata da un'epoca che non le appartiene più.

.. 19.11, Mario und der Zauberer (Mario e il mago), di Klaus Maria Brandauer, Germania, Austria, Francia 1994, 120'
con Klaus Maria Brandauer, Julian Sands, Anna Galiena

In una località balneare dell'Italia fascista, un'atmosfera apparentemente tranquilla si carica gradualmente di tensione e inquietudine. Al centro della scena compare Cipolla, un ambiguo e inquietante mago ipnotizzatore, che con il suo potere verbale e psicologico soggioga il pubblico. Tra questi c'è anche Mario, giovane cameriere la cui innocenza verrà messa alla prova in modo tragico. Brandauer, qui anche interprete dello spietato Cipolla, firma una regia intensa e teatrale, costruendo un film cupo e allegorico in cui la figura del mago diventa metafora trasparente dell'ascesa dei totalitarismi. L'opera conserva l'impianto moralistico e simbolico del racconto di Mann, amplificando il senso di oppressione e di manipolazione collettiva attraverso una messa in scena claustrofobica e una recitazione fortemente espressiva. Un film che riflette, con rigore e inquietudine, sulla vulnerabilità dell'individuo di fronte al carisma perverso del potere.

.. 26.11, Lotte in Weimar, di Egon Günther, Germania 1975, 119'
con Lilli Palmer, Martin Hellberg, Rolf Ludwig, Katharina Thalbach

Charlotte Kestner, un tempo musa giovanile di Goethe e ispiratrice del personaggio di Lotte ne I dolori del giovane Werther, arriva ormai anziana nella Weimar della maturità del poeta. La sua presenza suscita curiosità e aspettative, e mentre incontra figure del suo passato e della società culturale del tempo, affiora il peso del mito e della memoria. Lotte attende infine un incontro con Goethe stesso, tra nostalgia, orgoglio e disillusione. Film raffinato e colto, che riesce a tradurre in immagini la dimensione più dialogica e intellettuale del romanzo di Mann. Con un tono pacato e quasi teatrale, il film riflette sul tempo, sulla trasformazione del sentimento in letteratura e sull'identità personale deformata dalla fama. Katharina Thalbach e Lilli Palmer offrono interpretazioni misurate che rendono palpabile la tensione tra storia vissuta e mito letterario. Un'opera profondamente riflessiva, che interroga con delicatezza cosa resta, davvero, delle passioni quando diventano patrimonio universale.

.. 03.12, Doktor Faustus, di Franz Seitz, Germania 1982, 117'
con Jon Finch, Herbert Grönemeyer, André Heller, Hanns Zischler

Adrian Leverkühn, giovane compositore tedesco in cerca di ispirazione assoluta, stringe un patto simbolico con il diavolo: in cambio di genio e grandezza artistica, accetta la rinuncia all'amore e alla salute mentale. Attraverso il racconto del suo amico fidato Serenus Zeitblom, si ricostruisce la parabola tragica di un uomo che incarna, nella sua rovina, il destino stesso della Germania del XX secolo. Franz Seitz affronta il romanzo più complesso e cupo di Thomas Mann con rigore intellettuale e senso della misura. Lontano da ogni spettacolarizzazione, il film predilige un tono sobrio e meditativo, affidandosi a dialoghi densi e a una messinscena essenziale ma carica di tensione simbolica. La figura di Leverkühn diventa il perno di una riflessione profonda sul rapporto tra genialità e dannazione, arte e responsabilità morale. Un'opera difficile, ma affascinante, che restituisce la densità filosofica del testo originale con rispetto e sobrietà visiva.

.. 10.12, Bekenntnisse des Hochstaplers Felix Krull (Le confessioni del filibustiere Felix Krull), di Detlev Buck, Germania 2021, 114'
con Jannis Niewöhner, Liv Lisa Fries, David Kross

Felix Krull è giovane, affascinante e dotato di un talento naturale per l'inganno. Figlio di un industriale fallito, trasforma il proprio fascino in un'arma per scalare la società, assumendo identità altrui, seducendo uomini e donne, e sfidando continuamente i limiti tra realtà e finzione. La sua parabola è quella di un truffatore che si muove con leggerezza in un mondo pronto a credere a ogni illusione ben confezionata. Detlev Buck rivisita con tono brillante e ritmo vivace il romanzo incompiuto di Mann, trasformandolo in un racconto di formazione mascherato da commedia elegante. Il film mescola ironia e ambiguità con un'estetica moderna e colorata, restituendo la dimensione giocosa ma anche profondamente critica del testo. L'ascesa di Felix diventa uno specchio delle ipocrisie sociali e del desiderio borghese di lasciarsi ingannare da ciò che luccica. (Comunicato ufficio stampa Goethe-Institut Palermo)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Locandina della rassegna cinematografica Incanto e Decadenza Thomas Mann nel cinema a 150 anni dalla nascita e 70 dalla morte 2. Buddenbrooks, di Heinrich Breloer, Germania 2008, © Bavaria Film, Stefan Falke

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Novecento dimenticato: Le scrittrici italiane degli anni '30 - '40
09 ottobre 2025 - 17 marzo 2026
Biblioteca Comunale Chelliana - Grosseto
www.fondazionebianciardi.it

La rassegna vuole indagare gli esordi letterari di quelle scrittrici che, nella prima metà del secolo scorso, spesso dovevano firmarsi con la sola iniziale del nome, per nascondere il sesso. Anche se l'attività letteraria di ciascuna continuerà, perfezionandosi e maturando nel tempo, tuttavia il nucleo fondante delle singole scritture è legato a quel tempo e ne segna i caratteri. (Comunicato di presentazione)

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Matera Film Festival 6
08-16 novembre 2025
www.materafilmfestival.it | www.reggiespizzichino.com

Torna l'appuntamento con il Matera Film Festival, mostra e concorso internazionale dedicato al cinema, alle serie tv, al comics & game e ai nuovi linguaggi audiovisivi. L' 8 maggio si apriranno le iscrizioni al concorso, fino al 31 agosto. I registi e le registe interessate potranno inviare le proprie opere cinematografiche fino al 31 agosto 2025 per essere valutate ai fini della selezione ufficiale. Tutte le informazioni, il regolamento completo e le modalità di partecipazione sono disponibili sul sito ufficiale

I premi Balena Giuliana saranno assegnati dalla giuria tecnica al miglior lungometraggio, documentario e cortometraggio, e sono offerti da Fratelli Cartocci Srl, una storica azienda romana attiva nel settore cinematografico e televisivo fondata nel 1947. Oltre ai premi principali, verrà conferito il Premio Balena Giuliana alla carriera a una figura di spicco del cinema internazionale. Saranno inoltre attribuite menzioni speciali per opere particolarmente meritevoli.

Il programma 2025 in continuità con le precedenti edizioni comprenderà circa cento opere cinematografiche suddivise in sezioni competitive e non competitive. Le tre sezioni competitive saranno: il concorso lungometraggi, che accoglierà un massimo di dieci film selezionati; il concorso documentari, con un massimo di dieci opere; e il concorso cortometraggi, che potrà accogliere fino a venti titoli. Le sezioni non competitive includeranno il fuori concorso e le retrospettive. Le sezioni collaterali, come negli anni precedenti, saranno: Qui e Ora, Eroi per casa, Matera Film Edu, Fuori serie, Focus Italia, Matera for the World, Città visibili o condivisibili.

Inoltre, in seguito al riconoscimento di Capitale Mediterranea della Cultura e del Dialogo 2026, il presidente Dario Toma e il direttore generale Nando Irene annunciano che, già a partire da questa edizione, il festival concentrerà un'attenzione speciale sulla cinematografia dei Paesi mediterranei nel programma "MFF Focus Mediterraneo". Il programma includerà una sezione tematica, tavole rotonde, retrospettive e ospiti internazionali, con l'obiettivo di esplorare, attraverso il cinema, culture, trasformazioni e bellezze di questa area, crocevia di civiltà attraverso un dialogo per la pace. Nel 2026 sarà previsto un forum con le delegazioni degli altri festival del Mediterraneo.

Il simbolo del festival, la Balena Giuliana, è ispirato alla figura emersa dal ritrovamento fossile avvenuto nei pressi di Matera, divenuta emblema di un legame profondo tra il territorio e la memoria geologica e culturale. Rappresenta un ponte ideale tra passato e futuro, proprio come il cinema, capace di raccontare storie e trasformazioni. L'apertura ufficiale della sesta edizione avrà luogo sabato 8 novembre presso il CineTeatro Guerrieri di Matera con la proiezione di un film in anteprima. (Estratto da comunicato ufficio stampa REGGI&SPIZZICHINO Communication)

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Franco Battiato
Dalla Sicilia all'Iperspazio

Pagina dedicata

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FEDIC
72 anni di cinema in 70 film di registi

www.youtube.com/watch?v=rcUaIdZelGE&list=PLtVRElSqB9q4Pwu_-LZKjttvjb3-9_PUI

Sul canale Mi Ricordo - L'Archivio di tutti, la playlist FEDIC-72 anni di cinema, composta da 70 cortometraggi di autori FEDIC (Federazione Italiana dei Cineclub), tra cui ricordiamo Giuseppe Ferrara e Franco Piavoli e Bruno Bozzetto, conservati e digitalizzati dal CSC-Archivio Nazionale Cinema Impresa. La rassegna online è composta da opere che fanno parte della storia della FEDIC, un'Associazione Culturale nata nel 1949 a Montecatini Terme, e realizzate da registi il cui contributo rilevante è servito a promuovere il superamento dell'etichetta di cinema amatoriale, per arrivare ad affermare quella di Cinema Indipendente.

La playlist propone titoli di fiction e documentari di impegno civile, di critica sociale, di osservazione della realtà, come quelle di Giampaolo Bernagozzi, Nino Giansiracusa, Renato Dall'Ara, Adriano Asti, Luigi Mochi, Francesco Tarabella e del duo Gabriele Candiolo - Alfredo Moreschi; non mancano opere narrative, spesso poetiche, come quelle di Paolo Capoferri, Piero Livi, Mino Crocè e Nino Rizzotti, ma anche di Massimo Sani, Giuseppe Ferrara e Franco Piavoli, che si sono poi affermati come autori cinematografici e televisivi.

Un impegno che si riscontra anche nella sperimentazione di nuove forme espressive, si pensi a Tito Spini e, per quanto riguarda il cinema d'animazione, a Bruno Bozzetto e Nedo Zanotti. Non mancano opere recenti capaci di offrire uno sguardo acuto sul nuovo millennio, tra queste ricordiamo i film di Enrico Mengotti, Turi Occhipinti - Gaetano Scollo, Rocco Olivieri - Vincenzo Cirillo, e Franco Bigini, Giorgio Ricci, Giorgio Sabbatini e Beppe Rizzo che rende omaggio a Totò. Sono testimonianze, tracce interessanti, da leggere nel loro insieme, per aggiungere un punto di vista nuovo sul Paese. Uno sguardo che completa quello offerto dal cinema d'impresa, di famiglia e religioso conservato, digitalizzato e reso disponibile dall'Archivio Nazionale Cinema Impresa sui propri canali: Youtube CinemaimpresaTv, Documentalia e Mi ricordo-l'archivio di tutti. Il fondo FEDIC, composto da 5442 audiovisivi, è stato depositato nell'Archivio di Ivrea nel 2017. (Estratto da comunicato stampa)

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Il diario di Angela. Noi due cineasti

Ogni giorno, da sempre, Angela tiene un diario, scritto e disegnato: fatti pubblici, privati, incontri, letture, tutto vi viene registrato. Anche il rapporto di due viaggi in Russia, 1989-1990. Cadeva l'URSS. Diario su librini cinesi, sin da prima di Dal Polo all'Equatore (1986), del nostro ininterrotto lavoro sulla violenza del 900. Dai nostri tour negli Stati Uniti con i "Film Profumati" di fine anni '70, all'Anthology Film Archive di New York, al Berkeley Pacific Film Archive... Rileggo ora questi diari e rivedo il film-diario di tutti questi anni, sono rimasto da solo, dopo molti anni di vita e di lavoro d'arte insieme. L'ho portata sulle Alpi Orientali che amava e dove insieme camminavamo.

Angela rivive per me nelle sue parole scritte a mano, con calligrafia leggera, che accompagnano i suoi disegni, gli acquarelli, i rotoli lunghi decine di metri. Guardo i nostri film privati, dimenticati. Registrazioni che stanno dietro al nostro lavoro di rilettura e risignificazione dell'archivio cinematografico documentario. La vita di ogni giorno, fatta di cose semplici, le persone vicine che ci accompagnano, la ricerca nel mondo dei materiali d'archivio, un viaggio in Armenia sovietica con l'attore Walter Chiari. Testimonianze che nel corso del tempo abbiamo raccolto. E' il mio ricordo di Angela, della nostra vita. Rileggo questi quaderni e ne scopro altri a me sconosciuti. (...)

Rivedere l'insieme dei quaderni del Diario infinito di Angela e lo sguardo all'indietro dei nostri film privati, che accompagnano la nostra ricerca. Il mio disperato tentativo di riportarla al mio fianco, di farla rivivere, la continuazione del nostro lavoro come missione attraverso i suoi quaderni e disegni, una sorta di mappa per l'agire ora, che ne contiene le linee direttrici e ne prevede la continuazione. Angela ed io abbiamo predisposto nuovi importanti progetti da compiere. La promessa, il giuramento, di continuare l'opera. (Yervant Gianikian)

Angela Ricci Lucchi è nata a Ravenna nel 1942. Ha studiato pittura a Salisburgo con Oskar Kokoschka. E' scomparsa lo scorso 28 febbraio a Milano. Yervant Gianikian ha studiato architettura a Venezia, già dalla metà degli anni '70 si dedica al cinema, l'incontro con Angela Ricci Lucchi segnerà il suo percorso artistico e privato. I film di Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi sono stati presentati nei più importanti festival internazionali, da Cannes a Venezia, da Toronto alla Berlinale, da Rotterdam a Torino alle Giornate del Cinema Muto. Retrospettive della loro opera sono state ospitate nelle maggiori cineteche del mondo (dalla Cinémathèque Française alla Filmoteca Española, dalla Cinemateca Portuguesa al Pacific Film Archive di Berkeley) e in musei come il MoMA di New York, la Tate Modern di Londra e il Centre Pompidou di Parigi.

Tra i luoghi che hanno ospitato le loro installazioni, citiamo almeno la Biennale di Venezia, la Fondation Cartier Pour l'Art Contemporain di Parigi, la Fundacio "La Caixa" di Barcellona, il Centro Andaluz de Arte Contemporaneo di Siviglia, il Mart di Rovereto, il Witte de With Museum di Rotterdam, il Fabric Workshop and Museum di Philadelphia, il Palais des Beaux-Arts di Bruxelles, il Museo d'Arte Contemporanea di Chicago, l'Hangar Bicocca di Milano, Documenta 14 a Kassel. (Comunicato stampa Lara Facco)

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«In bocca al lupo»
Racconto di Sasha Marianna Salzmann ispirato alla città di Palermo

"Hausbesuch - Ospiti a casa", progetto del Goethe-Institut, ha portato la scrittrice, curatrice e drammaturga tedesca Sasha Marianna Salzmann a Palermo, ospite in casa dei palermitani. Da questa esperienza è nato il racconto ispirato al capoluogo siciliano In bocca al lupo.

Sasha Marianna Salzmann (Volgograd - ex Unione Sovietica, 1985) attualmente è autrice in residenza del teatro Maxim Gorki di Berlino, ben noto per le sue messe in scena dedicate alla post-migrazione. La sua pièce teatrale Muttermale Fenster blau ha vinto nel 2012 il Kleist Förderpreis. Nel 2013 il premio del pubblico delle Giornate Teatrali di Mülheim (Mülheimer Theatertage) è stato assegnato all'opera teatrale Muttersprache Mameloschn che affronta tre generazioni di tedeschi ebrei. Sasha Marianna Salzmann è famosa per i suoi ritratti umoristici dedicati a tematiche politiche. Il suo racconto In bocca al lupo è stato scritto durante il suo soggiorno nel capoluogo siciliano nel luglio 2016 per il progetto "Hausbesuch - Ospiti a casa" del Goethe-Institut. Tradotto in cinque lingue, farà parte di un e-book che uscirà in primavera e che il Goethe-Institut presenterà alla Fiera del Libro di Lipsia. (Comunicato Goethe-Institut Palermo)

Racconto scaricabile alla pagina seguente

Pagina dedicata al soggiorno palermitano di Sasha Marianna Salzmann, con videointervista

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"Giallo Kubrick": Le Ultime Cento Ore

Alla Biblioteca "Luigi Chiarini" del Centro Sperimentale di Cinematografia a Roma è conservata una sceneggiatura dattiloscritta del 1964 intitolata Le Ultime Cento Ore, attribuita a Stanley Kubrick, della quale non esiste traccia in nessuna monografia, filmografia, studio. Si tratta di una copia di deposito legale catalogata nei primi anni '90. Il primo a sollevare dei dubbi sull'autenticità del copione fu Tullio Kezich nel 1999 sollevando un gran polverone sulla stampa nazionale, quello che venne definito il "giallo Kubrick" rimase irrisolto fino ad oggi. Grazie alla passione di uno studioso kubrickiano, Filippo Ulivieri, che non si è accontentato di come la questione fosse stata accantonata. Sono state ricostruite le vicende e individuati gli autori, finalmente Filippo Ulivieri ha reso noto il resoconto e come sono stati risolti i relativi misteri del "giallo Kubrick". (Comunicato Susanna Zirizzotti - Ufficio Comunicazione/stampa e archivio storico Centro Sperimentale di Cinematografia-Scuola Nazionale di Cinema)

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"Basta muoversi di più in bicicletta per ridurre la CO2"
Nuovo studio dell'European Cyclists' Federation sulle potenzialità della mobilità ciclistica nelle politiche UE di riduzione delle emissioni di gas climalteranti entro il 2050

Le elevate riduzioni delle emissioni dei gas serra previste dalla UE sono sotto esame: quest'anno i progressi e i risultati effettivi sembrano non raggiungere gli obiettivi fissati dalla stessa Unione Europea. Recenti rapporti sulle tendenze nel settore dei trasporti europei mostrano che la UE non riuscirà a ottenere la riduzione delle emissioni dei mezzi di trasporto del 60% tra il 1990 e il 2050 affidandosi alla sola tecnologia. Un interessante approccio all'argomento è messo in luce da un recente studio effettuato dall'European Cyclists' Federation (ECF), che ha quantificato il risparmio di emissioni delle due ruote rispetto ad altri mezzi di trasporto.

Anche tenendo conto della produzione, della manutenzione e del carburante del ciclista, le emissioni prodotte dalle biciclette sono oltre 10 volte inferiori a quelle derivanti dalle autovetture. Confrontando automobili, autobus, biciclette elettriche e biciclette normali, l'ECF ha studiato che l'uso più diffuso della bicicletta può aiutare la UE a raggiungere gli obiettivi di riduzione dei gas serra nel settore trasporti, previsti entro il 2050. Secondo lo studio, se i cittadini della UE dovessero utilizzare la bicicletta tanto quanto i Danesi nel corso del 2000, (una media di 2,6km al giorno), la UE conseguirebbe più di un quarto delle riduzioni delle emissioni previste per il comparto mobilità.

"Basta percorrere in bici 5 km al giorno, invece che con mezzi a motore, per raggiungere il 50% degli obiettivi proposti in materia di riduzione delle emissioni", osserva l'autore Benoit Blondel, dell'Ufficio ECF per l'ambiente e le politiche della salute. Che aggiunge: "Il potenziale di raggiungimento di tali obiettivi per le biciclette è enorme con uno sforzo economico assolutamente esiguo: mettere sui pedali un maggior numero di persone è molto meno costoso che mettere su strada flotte di auto elettriche". Lo studio ha altresì ribadito la recente valutazione da parte dell'Agenzia europea dell'ambiente, secondo la quale i soli miglioramenti tecnologici e l'efficienza dei carburanti non consentiranno alla UE di raggiungere il proprio obiettivo di ridurre del 60% le emissioni provenienti dai trasporti. (Estratto da comunicato stampa FIAB - Federazione Italiana Amici della Bicicletta)

Prima del nuovo numero di Kritik... / Libri

Prefazioni e recensioni di Ninni Radicini

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Presentazione libri da Comunicato case editrici / autori

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La materia del contendere
di Giancarlo Pontiggia, Garzanti, 2025

Presentazione della raccolta di poesie
05 novembre 2025, ore 18.30 (ingresso libero)
Centro Culturale di Milano (Auditorium CMC)
www.centroculturaledimilano.it | www.deangelispress.com

Il primo appuntamento del nuovo ciclo di incontri "Io è un altro", dedicato al rapporto tra poesia e senso religioso nell'orizzonte europeo contemporaneo, a cura di Gianfranco Lauretano, vede protagonista Giancarlo Pontiggia, una delle voci più alte e riconosciute della poesia italiana attuale. Intervengono: Giancarlo Pontiggia; Paola Fantolini (Docente di letteratura Istituto Sacro Cuore di Milano), Davide Ferrari (Attore, regista e scrittore). Modera l'incontro Gianfranco Lauretano.

Al centro della presentazione in programma al Centro Culturale di Milano, il suo ultimo libro La materia del contendere, edito da Garzanti e già selezionato nella cinquina del Premio Strega 2025 per la poesia. Un'opera intensa e profondamente meditativa, che già nel titolo affronta il tema della "contesa" originaria tra essere e non essere, tra presenza e assenza di senso: "Tutto è pieno di dèi, di vita che pullula. / Oppure: non c'è un bel niente".

Pontiggia propone una parola poetica calma e profonda, che si oppone con forza ma senza clamore al nichilismo delle filosofie del linguaggio contemporanee e a una poesia ridotta a mero esercizio tecnico. La sua è una voce limpida, che cerca di ricomporre la controversia e riapre alla possibilità di nominare il reale, di restituire al mondo la sua forma e la sua luce: "Poter dire 'questa è una scodella', / affondare / in una litania di nomi veri, sacri". Il suo gesto poetico che dialoga con il silenzio-ascolto nasce da radici profonde: da un lato la tradizione lombarda, fatta di sobrietà e tensione civile; dall'altro l'eco dei classici - i lirici greci, Virgilio - e la loro "misura", capace di accogliere, senza smarrirla, anche la dismisura dell'esperienza umana e del suo bisogno d'infinito. La materia del contendere è, ad oggi, uno dei libri più letti e amati dell'anno, il più compiuto e potente nella produzione di Giancarlo Pontiggia. (Ufficio stampa CMC Centro Culturale di Milano - De Angelis Press, Milano)

Immagini:
1. Copertina del libro La materia del contendere, raccolta di poesie di Giancarlo Pontiggia
2. Giancarlo Pontiggia

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I sei anni di Marcello Rumma 1965-1970
a cura di Gabriele Guercio, Francesco Guzzetti

Il volume è stato presentato il 4 ottobre 2025 a La Feltrinelli - Napoli
www.liarumma.it

È la prima disamina critica rigorosa di un'impresa culturale e di un impegno civile che hanno inciso profondamente sulla trasformazione dell'arte e della cultura degli ultimi decenni del Novecento. Sono anni in cui Marcello Rumma è impegnato su più fronti complementari - direttore didattico, collezionista, organizzatore di mostre, amico di artisti, critici e intellettuali, e infine editore a tempo pieno -, con l'obiettivo di aprire varchi, ridisegnare connessioni tra Salerno l'Italia, e l'Europa, così come tra cultura e comunità, percorsi individuali e orizzonti collettivi, passato e presente. Chi lo ha conosciuto ricorda come ogni sua iniziativa sembrasse volta a realizzare un progetto, un piano onnicomprensivo.

È questa animata coralità che il volume si prefigge di evocare, grazie anche all'indagine documentata e profonda di studiosi provenienti da diversi ambiti disciplinari oltre che geografici, proponendo un mosaico originale e, più in generale, una nuova periodizzazione di quello spaccato cruciale di storia e storia dell'arte contemporanea. La pubblicazione si distingue per la varietà di voci in campo, stili di scrittura e riflessioni, ma anche per la strutturazione grafica e per l'impaginazione, che rafforzano il progetto editoriale. A Marcello Rumma è stata dedicata la mostra omonima al Museo Madre di Napoli (16 dicembre 2019 - 29 giugno 2020) curata da Gabriele Guercio con Andrea Viliani. (Comunicato stampa)

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"Nel Peloponneso. Viaggiando tra storia e leggenda. Memorie di un Filelleno"
di Rudy Caparrini, prefazione di Peggy Petrakakos, ed. Masso delle Fate
* Novità editorale *

La Grecia è uno dei pochi stati al mondo dove si possono trovare tracce sia di storia sia di leggenda, componente quest'ultima che appartiene solo a quelle culture che sono state capaci di lasciare un'impronta indelebile nell'evoluzione della civiltà umana. La regione più leggendaria della Grecia è senza dubbio quella del Peloponneso, resa immortale dalle opere di Omero e Tucidide. Il Peloponneso è stato decisivo pure per le sorti della Grecia moderna perché proprio lì si sono avute, nel secolo XIX, le più importanti sollevazioni dei greci contro gli oppressori, i turchi ottomani.

Abbiamo oggi consapevolezza di ciò che è stata la grande storia del Peloponneso? L'autore, che ha compiuto più viaggi nella regione per vedere i luoghi dell'antichità (ovvero della gloria) e quelli della lotta per l'indipendenza (quindi della riscossa), cerca di rispondere a questo interrogativo narrando le sensazioni che ha provato camminando in questa terra dal fascino inimitabile.

"Vi invito a intraprendere questo viaggio, a scoprire il Peloponneso visto con gli occhi del suo autore, profondo conoscitore della storia e della cultura ellenica, che si può definire filelleno. Vi invito a camminare tra le rovine antiche, a respirare l'aria che un tempo ispirò i più grandi pensatori e artisti della storia" (Arch. Peggy Petrakakos - Console On. di Grecia a Firenze)

Rudy Caparrini, giornalista pubblicista e scrittore, è un filelleno convinto ed entusiasta. È stato curatore e coautore del volume La Grecia contemporanea (1974-2006). Un modello di sviluppo politico, economico e sociale (2007). Ha pubblicato numerosi articoli riguardo alla nazione ellenica su testate cartacee e online tra cui: "Nuova Antologia", "Il Mulino", "Foro Ellenico", "Mondo Greco", "Pagine di Difesa", "Equilibri", "Avanti!". Studioso di politica internazionale, ha pubblicato per Masso delle Fate Edizioni la monografia Il Medio Oriente Contemporaneo 1914-2005. Da Lawrence d'Arabia a Osama bin Laden, con prefazione di Franco Cardini (2005). Appassionato di calcio, in particolare della Fiorentina, a tale argomento ha dedicato due libri: Azzurri... no grazie! Perché i fiorentini hanno odiato la nazionale (2009); Odissea Viola. Aspettando Ulisse lo Scudetto (2010).

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Odissea Viola. Aspettando Ulisse lo Scudetto
di Rudy Caparrini, ed. NTE, collana "Violacea", 2010
Presentazione

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Lettere "inutili"
di Luciano Bianciardi

Presentazione 03 luglio 2025 alla Biblioteca Chelliana di Grosseto
www.fondazionebianciardi.it

La Fondazione Luciano Bianciardi invita alla presentazione del primo volume delle Lettere "inutili" di Luciano Bianciardi edito da ExCogita nella collana della FLB, con la curatela di Arnaldo Bruni. Si tratta della prima cospicua sezione dell'epistolario bianciardiano (123 lettere sulle 443 totali), destinata ai familiari. Il volume, grazie al commento di Arnaldo Bruni, si offre come repertorio eccellente di indicazioni sul tormentato percorso di vita di Bianciardi, una sorta di mappa di un viaggio che sin dalle sue origini, segnate dal servizio militare e dai i tormenti della guerra, si presenta "agro", rimanendo tale anche nei resoconti inviati a casa da Milano, quando ormai si è consolidato il mestiere della straordinaria scrittura dell'autore grossetano.

La presentazione, condotta da Emilio Guariglia, caporedattore de "Il Tirreno" a Grosseto, vedrà la partecipazione di Luciana Bianciardi, figlia di Luciano e direttrice di ExCogita, insieme a Nicola Turi, docente di letteratura italiana all'Università di Firenze. (Comunicato stampa)

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I nascosti
di Valentina Tamborra, Minimum fax, 2024

Il libro è stato presentato l'11 giugno 2025 presso Nonostante Marras (Milano)
www.antoniomarras.com

Ormai ridotti a poco più di ottantamila anime, i sami sono un popolo in larga parte nomade, dedito all'allevamento delle renne, che si muove da sempre libero negli immensi paesaggi artici oggi suddivisi tra quattro distinti paesi: Norvegia, Svezia, Finlandia e Russia. Valentina Tamborra li ha raggiunti, ritratti, interpellati per quattro anni consecutivi, nel corso di altrettanti viaggi, e ha costruito un reportage fotografico e narrativo senza precedenti. Ne ha raccontato la vita e le tradizioni, la resistenza a un lungo processo di integrazione forzata, i problemi quotidiani legati a un cambiamento climatico che sembra non conoscere sosta.

«Sono arrivata oltre il Circolo Polare Artico, nel Finnmark, per ascoltare la storia di chi per troppo tempo non ha avuto voce. Oggi provo a restituirla attraverso volti, parole, immagini, e non so se riuscirò a farlo nel modo migliore perché parlare delle storie altrui è complesso, ci si sente sempre in qualche modo inadeguati. C'è qualcosa però che mi fa sentire di poterci provare: vengo da un confine io stessa, ho imparato ben presto cosa significa stare ai margini».

Valentina Tamborra è fotografa e giornalista. Si occupa principalmente di reportage e ritratto e nel suo lavoro unisce scrittura e immagine. I suoi progetti sono stati oggetto di mostre a Milano, Venezia, Roma e Napoli. Numerose le pubblicazioni sui principali media nazionali, ha altresì partecipato come ospite a diverse interviste radiofoniche e televisive. Docente di fotografia presso Istituto Italiano di Fotografia, a Milano. Ha realizzato e realizza workshop e speech in alcuni fra i più prestigiosi istituti italiani. Ha sviluppato progetti con enti del turismo e ambasciate. Nell'Aprile 2018, in occasione del Photofestival di Milano, vince il Premio AIF Nuova Fotografia. Nel 2024 ha pubblicato con minimum fax il volume fotografico e narrativo "I Nascosti" in doppia edizione italiana e inglese. (Comunicato ufficio stampa Nonostante Marras)

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Walter Rosenblum. Master of photography
di Angelo Maggi, Silvana Editoriale, 2025

Il volume è stato presentato il 4 aprile 2025 alla Sala Rossini Caffè Pedrocchi (Padova)

Walter Rosenblum (1919-2006) è stato un esponente di spicco nella storia della fotografia per oltre mezzo secolo. La nuova monografia di Angelo Maggi esplora la vita di Rosenblum, il suo lavoro e gli eventi storici significativi che egli ha documentato, offrendo uno sguardo completo sui suoi contributi nel campo della fotografia. Durante la giovinezza, l'esperienza diretta delle condizioni degli immigrati in America ha plasmato il suo approccio empatico alla fotografia e il suo impegno per la giustizia sociale. Come membro attivo della Photo League, ha documentato molte istanze pressanti del suo tempo, dagli anni turbolenti della Grande Depressione alle realtà sanguinose della Seconda Guerra Mondiale.

L'eredità fotografica di Rosenblum fornisce intensi affondi nelle vite di coloro che ha immortalato e mette in risalto la sua appassionata determinazione nel cogliere l'essenza dei soggetti. L'architettura della fotografia si riferisce al potere del fotografo di comporre l'immagine con magistrale lucidità visiva. Delineare i confini dello sguardo fotografico stabilisce un dialogo tra soggetto e contesto proprio come in un progetto architettonico. La mostra fotografica "Walter Rosenblum. Master of Photography" allestita alla Galleria Civica Cavour è aperta fino al 4 maggio 2025. (Comunicato stampa)

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Itinerari della rabbia
La rabbia. Malattia del corpo, della mente, dello spirito
a cura di Renato Rizzi, Edizioni NEMS

Il libro è stato presentato il 25 marzo 2025 alla Fondazione Mudima (Milano)
www.mudima.net

La rabbia, altrimenti declinata come ira, collera, bile, sdegno è un sentimento ancestrale. Spesso viene detto che la rabbia è un sentimento positivo, che ci aiuta a non rimuginare sul torto subito e perciò impedisce una sua deriva nell'astio o, peggio, nel rancore. Questo stato emotivo, perciò, è una reazione a ciò che si percepisce come ingiusto o sbagliato e che si tramuta in indignazione, irritazione, contrarietà. A titolo di esempio si può citare l'elaborazione di un lutto o di una prognosi infausta, che passa attraverso cinque fasi.

La rabbia, dopo la negazione/rifiuto occupa il secondo posto, ed è una fase molto delicata e bisognosa di aiuto. Altro esempio banale è la rabbia scatenata da un insulto o presunto tale nei confronti non solo di se stessi, ma di un amico, parente, consorte: Will Smith che dà uno schiaffo al comico Chris Rock che aveva fatto una battuta sulla calvizie della moglie. Ognuno di noi almeno una volta al giorno è rabbioso o arrabbiato. Al primo termine si dà solitamente una valenza caratteriale, al secondo comportamentale. D'altra parte, la rabbia è stata sin dall'inizio sia malattia che metafora, un groviglio di significati dove medicina e politica, sapere e potere sono avviluppati in modo irrimediabile.

L'approccio a tale tema viene svolto in questo volume prendendo in considerazione tutti gli argomenti che girano intorno al termine "rabbia". Per tale ragione verranno commentate non solo le basi psicologiche e sociologiche, comprese le tecniche di "sollievo", ma anche gli ambiti interessati alla rabbia, dalla pittura alla letteratura, dalla etologia alla medicina, dall'anziano al bambino, dalla religione alla storia, dalla economia alla politica. Gli autori provengono sia dal mondo accademico che dal mondo della comunicazione, in modo che il volume sia fruibile da gran parte dei lettori. (Comunicato stampa)

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Yoko Ono. Brucia questo libro dopo averlo letto
di Francesca Alfano Miglietti e Daniele Miglietti, Shake Edizioni, 2025

Il libro è stato presentato il 18 marzo 2025 alla Nonostante Marras (Milano)
www.antoniomarras.com

Un ritratto intenso e approfondito di Yoko Ono, artista che ha rivoluzionato il sistema dell'arte e le sue regole. Il volume indaga l'impatto che "la donna più odiata del rock" ha avuto sulla musica sperimentale, sul punk, sulla new wave e sulla cultura underground, ridefinendo il concetto stesso di artista e icona, esplorando le opere e le mostre più recenti dedicate a Ono ed intrecciandole con il contesto sociale, artistico e politico che ha reso possibile quella stagione di sperimentazione radicale.

Come dice Francesca Alfano Miglietti: "si colma finalmente un'irrazionale lacuna: l'assenza nel panorama editoriale di un testo organico su Yoko Ono, figura centrale della controcultura artistica del Novecento. Negli anni cinquanta Yoko Ono iniziò a scrivere quelle che definiva "istruzioni", ovvero delle "partiture" per l'arte più e più volte interpretabili dal pubblico, rifiutando così l'aura mistico-borghese dell'artista ma anche il concetto di opera d'arte come oggetto materiale e tangibile e pertanto idoneo al mercato. Anticipando il concettualismo emerso nel decennio successivo, abbatté i confini tra musica, performance, poesia e arte visiva, inaugurando l'utilizzo dei concerti e degli eventi artistici quali luoghi per incoraggiare il pubblico a prendere coscienza delle proprie idee. È stata pioniera dell'arte concettuale e partecipativa, ma anche della musica underground di fine secolo".

Per Yoko Ono arte e attivismo andavano di pari passo e molte delle sue opere sono manifesti contro la guerra. Di questi la più nota è sicuramente la performance Bed-In del 1969, durante la quale Yoko Ono e John Lennon rimasero a letto per tutta una settimana per protestare contro la guerra in Vietnam. "La trasformazione della loro luna di miele in performance, - osservano gli autori - ha cambiato la tradizione pacifista dei sit-in, un'ulteriore forma di condivisione di un momento privato e felice, trasformato in una campagna internazionale per la pace che includeva la diffusione del loro famoso slogan: War is over - if you want it". (Estratto da comunicato stampa)

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Yoko Ono
"Wish Tree for Sicily" ("L'albero dei desideri per la Sicilia")

Taormina, 27 luglio - 30 settembre 2024

Progetto di arte interattivo e itinerante avviato da Yoko Ono diversi anni fa che questa estate approda in Sicilia, allestito a Isola Bella. Il progetto della celebre artista sceglie Taormina per lanciare a tutto il mondo messaggi universali di pace e solidarietà. Protagonisti i visitatori internazionali che, come in Giappone, esprimono i loro desideri su bigliettini di carta appesi agli alberi dell'isolotto.

Presentazione mostra

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"Cose"
di Giulio Paci, ed. Clinamen, 2025, p. 62, euro 13,50

Il libro è stato presentato l'01 marzo 2025 a Lo Spazio (Pistoia)

Giulio Paci presenta la sua nuova raccolta poetica. Dialoga con l'autore Andrea Ulivi. Se considerassimo l'uomo solo dal punto di vista delle cose che possiede e che lo circondano smarriremmo del tutto il senso del tempo e gli eventi apparirebbero solo come una inafferrabile evanescenza. Più nessun sapere, allora. Ma l'uomo non è solo le sue cose: ogni volto rimanda a simboli e segni vitali, disvelando la vita nella sua continua interruzione e rinascita. Ogni volto è anche lo scorrere delle parole che l'uomo confida a se stesso, un sapere che pur sembra arenarsi nello sconforto di non poterle superare, nella stasi della loro ripetizione quotidiana.

Nella nostra radicale distanza da noi stessi e da quel mondo che le parole dicono, sempre si chiede di poter andare oltre il confine delle cose mostrate. Ricordare certi frammenti del tempo talvolta reca un po' di pace, crea la possibilità di rigenerare quella sfida originaria che è la vita stessa, ripercorrendone i passi, così da acquietare la radicale insoddisfazione di trovarsi nudi di fronte a un paesaggio umano fatto di cose e da cose limitato.

Giulio Paci si è laureato in Filosofia presso l'Università di Firenze e, sempre presso quella Università, ha conseguito la laurea in Scienze Filosofiche. Tra le sue raccolte poetiche, ricordiamo: Niente (2018) e La Soglia (2019) con Giuliano Ladolfi Editore. Con Edizioni della Meridiana ha pubblicato i seguenti lavori: Io sono già morto (2021), Profugo (2022), Anche il nulla riposa (2023), Nessuna Moltitudine (2024).

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Martire a domicilio
di Beatrice Beneforti, ed. Castelvecchi, 2025, p. 128, euro 19,50.

Il libro è stato presentato il 20 febbraio 2025 alla Libreria Lo Spazio di Pistoia

"Sogno i morti di tutto il mondo" scriveva Carlo sui fogli che gli davano in ospedale. Ora è un anziano schizofrenico incapace di qualunque interazione. Lei, la protagonista senza nome, lo ha conosciuto nel duemilaventi. In mezzo alla strada che costeggia il vecchio manicomio di Pistoia, aveva trovato la sua cartella clinica, tutta piena di disegnini fatti con la biro. Alberto ha invertito il giorno con la notte, preferisce la luna. Ha un materasso singolo nella struttura di un letto matrimoniale. Pare non soffrire mai. Segue una terapia piuttosto forte. Come sarebbe senza? Violento? Lui che è così innocuo. Lui che, buono buono, segue le indicazioni del medico, al contrario di lei che cerca sempre di fare di testa sua, di negare ogni potere alla malattia.

La malattia mentale come inciampo ma anche come lente d'ingrandimento per cercare una forma di verità non melliflua come quelle persone educate che non sai mai se fanno qualcosa perché devono o perché vogliono. Una storia che si muove in una provincia di gesti semplici e rassicurazioni facili ma che sa essere crudele, che non perdona lo scarto e si accanisce con chi non sa ubbidire. Con chi si porta appresso ombre pesanti, con gli indecisi. Coi pazzi, soprattutto.

Beatrice Beneforti, fotografa e autrice. Ha lavorato come artista di Trash Art per l'azienda Hera Ambiente, in Officina Scart. Insieme ad altri coetanei ha creato il collettivo "BUG! Bollettino Urgenze" che si occupa di salute mentale. Da anni lavora sul tema della malattia mentale, intervistando ex pazienti manicomiali e raccogliendone le testimonianze: da qui nasce questo primo romanzo. (Comunicato stampa)

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"0 1 2"
di Daniel Wisser

Il libro è stato presentato lo 05 febbraio 2025 al Forum Austriaco di Cultura a Roma www.austriacult.roma.it

Daniel Wisser, «una delle voci più interessanti della letteratura austriaca contemporanea» (Süddeutsche Zeitung), già insignito del Österreichischer Buchpreis nel 2018 per "Königin der Berge", presenta a Roma "0 1 2", il suo ultimo romanzo, uscito in lingua tedesca. L'incontro e le letture sono in lingua tedesca. In cooperazione con l'Österreich Institut Roma e l'Associazione Austriaci in Roma.

__ Sinossi

Morto da trent'anni, al programmatore Erik Montelius viene concessa una seconda vita: è il primo paziente al mondo a uscire dalla conservazione criogenica. Ora vede la propria esistenza non più divisa in vita e morte, ma in prima vita, seconda vita e morte. Ma anche nella seconda vita il mondo non è migliore: sua moglie ha sposato il socio in affari di Erik, che ha anche rubato le sue idee. Le persone indossano mascherine a coprire naso e bocca, scorrono i propri computer portatili e hanno rinunciato alla possibilità di una società giusta e rispettosa dell'ambiente. Erik non ha nulla, né soldi, né casa, né documenti. Ma ha un sospetto sulla persona da ringraziare per la sua prima morte. E ha un contratto per un libro e quindi l'opportunità di portare alla luce la verità... (Comunicato stampa)

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Trentasei Minuti
di Sandro Cappelli, Nuove Esperienze, 2025

Il libro è stato presentato il 17 gennaio 2025 presso Lo Spazio (Pistoia)

È solo attraverso l'immaginazione più intima, quella che rievoca sensazioni e ricordi che si può pensare di unire il confine che delimita il sogno dalla realtà. Di questo fanno parte anche i dialoghi impossibili instaurati con chi non è più presente, o più semplicemente, si è allontanato da noi. Questo libro descrive, con malinconica ironia, la necessità di ogni uomo di calarsi in una dimensione diversa per ricreare il contatto diretto con qualcuno con cui si è venuto a creare un legame indissolubile. Un viaggio nei ricordi che testimonia come nel profondo dell'anima, presente e futuro, così come sacro e profano, possano fondersi fino a diventare irriconoscibili.

Oltre alla scrittura Sandro Cappelli (Pistoia, 1960) è impegnato in attività di volontariato in ENPA e come attore e adattatore di testi nella compagnia teatrale Teste fra le Nuvole, che opera per scopi benefici. Nel 2023 ha pubblicato il suo primo romanzo "È quasi ora di andare". (Comunicato stampa)

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"Il carteggio con Heinz Riedt"
di Primo Levi, ed. Einaudi, 2024, p. 420, euro 23,00

Il libro è stato presentazione l'11 gennaio 2025 alla Libreria Lo Spazio (Pistoia)

Martina Mengoni presenterà "Il carteggio con Heinz Riedt" di Primo Levi, da lei curato per Einaudi. Dialogheranno con lei Massimo Bucciantini, Giovanni Capecchi e Donatella Giovannini, mentre Massimiliano Barbini inteverrà con letture dal carteggio.

Heinz Riedt era un tedesco molto diverso da quelli che Primo Levi conobbe ad Auschwitz: fu soldato nella Wehrmacht e poi partigiano nella Resistenza veneta; lavorò con Brecht e tradusse Goldoni, Calvino e Pinocchio; visse a Berlino Est e poi fuggí in Germania Ovest con la famiglia. E fu lui a tradurre in tedesco Se questo è un uomo e Storie naturali. Ai quesiti lessicali che Riedt gli pone, Levi risponde rievocando il gergo e le espressioni del Lager. La ricerca della parola piú adatta costringe Levi a rituffarsi nella sua drammatica esperienza per riportarla nella lingua in cui l'ha vissuta: il tedesco. Ma le loro lettere non riguardano solo il lavoro tecnico della traduzione: a poco a poco diventano un dialogo fra amici che si scambiano opinioni sulla letteratura, sulla politica, sul mondo editoriale, e sulle rispettive vite. Questo con Heinz Riedt è il primo carteggio di Levi pubblicato in volume.

«Non ho mai nutrito odio nei riguardi del popolo tedesco, e se lo avessi nutrito ne sarei guarito ora, dopo aver conosciuto Lei. Non comprendo, non sopporto che si giudichi un uomo non per quello che è, ma per il gruppo a cui gli accade di appartenere. So anzi, da quando ho imparato a conoscere Thomas Mann, da quando ho imparato un po' di tedesco (e l'ho imparato in Lager!), che in Germania c'è qualcosa che vale, che la Germania, oggi dormiente, è gravida, è un vivaio, è insieme un pericolo e una speranza per l'Europa». (Primo Levi a Heinz Riedt 13 maggio 1960)

«E al Suo libro, cosí necessario e giusto, posso solo augurare che venga letto con intelligenza in Germania, che "parli" non a pochi, ma a molti, moltissimi, che abbia la sua "reazione". E cosí sarà anche per me in un certo senso una risposta, una delle risposte che attendo dai tedeschi con chiarezza». (Heinz Riedt a Primo Levi 8 giugno 1960) (Comunicato stampa)

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Articoli di Ninni Radicini sulla Germania contemporanea

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Croce e il fascismo
di Mino Franzinelli, Laterza 2024

Il libro è stato presentato il 29 novembre 2024 alla Biblioteca della Fondazione Spadolini (Firenze)
www.fondazionerossisalvemini.eu

Per vent'anni Benedetto Croce fu l'unica voce libera del nostro Paese. L'unico intellettuale a cui il regime fascista, per il suo prestigio e il suo carisma, concedeva una certa libertà di espressione. Da solo, attraverso i suoi libri, la sua rivista e le sue relazioni, riuscì a tenere accesa la fiamma della speranza in tanti giovani. Un racconto che ripropone l'eterna battaglia tra libertà e asservimento della cultura. Benedetto Croce non è stato soltanto uno dei più grandi intellettuali italiani del Novecento ma ha svolto una funzione fondamentale durante il Ventennio fascista, impedendo al regime di ottenere una egemonia assoluta sulla cultura del nostro Paese.

Con un taglio originale, questo libro, oltre a seguire l'atteggiamento di Croce dinanzi al fascismo - accolto con simpatia, poi combattuto con tenacia e inventiva -, ricostruisce non soltanto la biografia del filosofo nel ventennio più tormentato del Novecento, ma ricollega lo studioso liberale ai protagonisti della cultura italiana ed europea, da Thomas Mann a Stefan Zweig.

Con una ricca documentazione inedita, Franzinelli illustra l'offensiva degli squadristi e la 'macchina del fango' scatenata contro il filosofo dissidente. Emerge il ruolo di Croce nella formazione di giovani che - da Giorgio Amendola a Vittorio Foa, da Leone Ginzburg a Piero Gobetti - lo presero quale riferimento in momenti decisivi della loro esistenza. Una particolare attenzione è dedicata alla battaglia di Croce contro il razzismo: era nota la sua contrarietà alla persecuzione degli ebrei, ma ora emergono la continuità e la profondità del suo impegno, che non trova pari in nessun altro intellettuale italiano. (Comunicato stampa Fondazione Ernesto Rossi e Gaetano Salvemini)

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Articoli di Ninni Radicini

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Le parole risuonavano con incoraggiante semplicità
di Roberto Vidali, postfazione: Gabriele Perretta, pagg 206, Juliet Editrice, settembre 2024, extra issue Juliet n 219 / ottobre, pubblicazione con apparati iconografici, progetto grafico di Piero Scheriani
www.juliet-artmagazine.com

Questo fascicolo firmato da Roberto Vidali è l'ennesima testimonianza della scrittura proteiforme che l'autore ha iniziato a praticare fin dal 1975, alla ricerca di una terra dove ancorarsi, il che non va letto come motivo di immaturità o di evoluzione, ma di ricerca e di attenzione alla diversità e all'esondazione immaginifica. Questo fascicolo si basa su collage di testi pubblicati nell'arco di tempo che va dal 1985 al 2023, tutti rielaborati e rivisitati, in modo da poter dare una veste organica e una cornice di riferimento ad argomenti e spunti che altrimenti sarebbero stati visti come dei frammenti privi di alcun fondamento di attualità. L'aspetto più curioso di questa pubblicazione è che raccoglie un insieme di cento testi dedicati ad altrettanti artisti e che all'epoca sono stati (in parte) pubblicati con i più diversi pseudonimi.

A ben vedere il risultato non è per nulla filologico, dal momento che asseconda quella modalità di approccio che vede la forza della parola in gara con la potenzialità espressiva di qualsiasi immagine e la sua perenne possibilità di essere rielaborata. La stessa scelta di ricomporre i singoli testi senza la separazione in capoversi e privandoli delle originarie note a piè di pagina rende la scrittura compressa e soffocata. Questa scelta non è stata dettata da un vuoto manierismo, quanto dalla semplice volontà di rappresentare la concatenazione delle frasi come una valanga irrefrenabile.

L'insieme di questa narrazione trae origine, in massima parte, da una selezione di articoli stampati, a partire dal 1985, sulle pagine della rivista "Juliet". Altri scritti, inseriti in questa silloge, sono stati divulgati sul sito juliet-artmagazine.com. Solo uno di questi è stato recuperato da un catalogo, un altro è stato pubblicato sul sito olimpiainscena.it e l'ultimo della sequenza, peraltro, è inedito. Infine, per continuare questo gioco di ombre, in questo cumulo di parole addensate ne sono state inserite alcune che non furono camuffate da uno pseudonimo, giusto per aprirsi all'idea che, forse, finanche la firma di Roberto Vidali, messa ad architrave di tutto questo progetto la si possa far apparire come un puro gioco della fantasia. A ben vedere la questione trova una porta aperta. Il resto, quello che rimane in disparte, è il silenzio.

Roberto Vidali (Capodistria, 1953), sotto il segno del Sagittario; dal 1955 risiede, più o meno, a Trieste. Dopo aver compiuto gli studi presso l'Accademia di BB.AA. di Napoli si è dedicato alla promozione dell'arte contemporanea. Dal 1975 al 1987 è stato direttore esecutivo per la sezione arti figurative del Centro La Cappella di Trieste, dove ha curato quarantaquattro mostre, tra le quali ricordiamo quelle di Riccardo Dalisi, Giuseppe Desiato, Stefano Di Stasio, Živko Marušic. Dal 1979 al 1985 ha collaborato alla pagina culturale del quotidiano "Il Piccolo" e dal 1980 è direttore editoriale della rivista Juliet.

Ha inoltre firmato svariate pubblicazioni; tra le altre: "L'uva di Giuseppe" (1986), "Uhei, uistitì" (1988), "Sul Filomarino slittando" (1990), "Bestio!" (1993), "Merlino, pinturas" (1993), "Massini, énkaustos" (1994), "Sofianopulo, quadros" (1994), "Oreste Zevola, rosso tango" (1994), "Mondino, tauromania" (1995), "Barzagli, impressos" (1995), "Libellule" (1995), "Perini, photos" (1996), "Notturno, setas" (1996), "Ascoltatemi!" (1997), "Kastelic, cadutas" (1997), "Damioli, Venezia New York" (1998), "Onde di formiche a far filari" (1998), "Carlo Fontana" (1999), "Topin meschin" (1999), "Giungla" (1999), "No, non è lei" (2003), "Mamma, vogghiu fa' l'artista" (2007), "Otto fratto tre" (2010).

A seguire "I pensieri di Giacomino Pixi", pubblicato nel 2012, "Tutto intorno a noi" del 2021 e "Tre bacche di rovo", datato 2022. Nel 2024 ha dedicato la cura di un catalogo al lavoro di Aldo Damioli. Dal 1991 è coordinatore per l'attività espositiva dell'Associazione Juliet nella cui sede ha presentato innumerevoli artisti; tra gli altri si segnalano: Piero Gilardi, Marco Mazzucconi, Maurizio Cattelan, Ernesto Jannini, Paola Pezzi, Luigi Ontani, Enrico T. De Paris, Alberto Garutti, Mark Kostabi, Massimo Giacon, Cuoghi Corsello, Aldo Mondino, Aldo Damioli, Botto & Bruno, Bonomo Faita. Nel 1994 ha partecipato alla realizzazione della pagina culturale del quotidiano "La Cronaca" e nel 1997 ha pubblicato alcune interviste sulla pagina culturale de "Il Meridiano". Dal 1998 al 2010 è stato direttore incaricato della PARCO Foundation di Casier. Dal novembre del 2000 e fino alla sua chiusura ha collaborato al mensile "Network Caffé", dal 2005 e fino al 2009 ha collaborato con il mensile "Zeno". (Comunicato di presentazione)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Copertina dell'extra issue firmato da Roberto Vidali, progetto grafico di Piero Scheriani, Juliet Editrice, ott 2024
2. Lubiana, Cukrarna, maggio 2023, Roberto Vidali in una foto di Elisabetta Bacci

___ Altre pubblicazioni Juliet editrice presentate nella newsletter Kritik

Aldo Damioli | "Venezia New York"
testo di Roberto Vidali, gennaio 2024
Presentazione

Gentilissima signora Aurelia
a cura di Lucia Budini e Giuliana Carbi Jesurun
Presentazione

Poligoni platonici
di Carlo Fontana, gennaio 2023
Presentazione

"Tre bacche di rovo"
di Roberto Vidali, dicembre 2022
Presentazione

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"Trieste è un'isola"
Francesco De Filippo, ed. Castelvecchi, €17.50

Il libro è stato presentato il 13 giugno 2024
Ufficio di collegamento della Regione FVG - Bruxelles

Trieste, una città lacerata dai conflitti e dalle travagliate vicende del confine orientale nel Novecento, secondo il giornalista e scrittore Francesco De Filippo, è un'isola della mente, ovviamente non della geografia: un posto unico, che si riconosce in codici specifici, a partire dal dialetto, linguaggio usato universalmente da ogni strato sociale, e tradizioni che assumono quasi il ruolo di rituali civili, che servono per comunicare un'identità fortissima, uno scudo che si è formato dopo un lungo periodo segnato da un senso di continua minaccia di invasione.

Quest'isola inoltre "galleggia" sul non detto ma non rimosso, su vicende del passato che rimangono rilevanti ma non emergono quasi mai nel discorso pubblico. Sono alcune delle riflessioni che sono emerse nel corso della presentazione del volume all'Ufficio di collegamento della Regione Friuli Venezia Giulia a Bruxelles, in cui l'autore ha dialogato con Marianna Accerboni, curatrice della mostra "L'arte triestina al femminile nel '900", visitabile all'Istituto italiano di Cultura di Bruxelles e nell'ambito della quale si è svolta la presentazione della spy story di De Filippo.

Insomma, per tutte queste caratteristiche, una città, o meglio, un'isola da scoprire, svelare lentamente con l'oculatezza dedicata a un oggetto antico e prezioso. Un'isola bifronte: da un lato isceralmente attaccata al passato, dall'altro proiettata nel futuro con una imprenditoria illuminata e un numero altissimo di enti di ricerca scientifica, all'avanguardia.

"Ho scelto lo stile poliziesco perché mi ha permesso di accompagnare il lettore nella scoperta non solo della trama del libro ma anche della città stessa", ha specificato De Filippo. Trama che porta il lettore tra Trieste, Napoli - la città d'origine dello scrittore e del suo personaggio principale, Vincenzo Tagliente, di cui si leggono "le prime e involontarie indagini" - e gli Stati Uniti d'America. Ma tutto parte dal campo profughi di Padriciano, a pochi chilometri dal centro del capoluogo giuliano, dove migliaia di esuli istriano-dalmati sono transitati. Il libro racconta come la catena di violenze e ingiustizie operate dai regimi totalitari si sono ripercosse sulla gente comune.

Ma lo fa "mescolando al dramma il sorriso come nella migliore tradizione partenopea", come ha sottilmente ricordato Accerboni che, introducendo l'autore, ha sottolineato l'intreccio del pathos del racconto poliziesco alla tragicità di eventi storici epocali come l'esodo di 350.000 istriani e le foibe - che segnarono la città nel difficile periodo del dopoguerra. Più altri "momenti di divertissement d'ispirazione quasi teatrale com'è nella cultura partenopea, cui l'autore appartiene". All'incontro erano presenti intellettuali e artisti italiani, belgi e francesi e anche Enrico Tibuzzi, responsabile della sede del Belgio dell'Agenzia Ansa, e Italo Rubino, vicepresidente del Circolo di Bruxelles dell'Associazione Giuliani nel Mondo.

Francesco de Filippo (Napoli, 1960), è stato inviato all'estero per Il Sole 24 Ore ed è responsabile dell'Agenzia Ansa per il Friuli Venezia. È autore di oltre venti libri, tra romanzi, saggi e varia, diversi dei quali tradotti in Francia, Germania e Repubblica Ceca. Il romanzo d'esordio, Una storia anche d'amore (Rizzoli, 2001), ha vinto il premio Cypraea, è entrato in cinquina per il Premio Berto ed è stato finalista al Premio Arezzo. Il successivo, L'affondatore di gommoni (Mondadori, 2004), è stato pubblicato nella Repubblica Ceca e in Francia, dove è stato selezionato per il Supercampiello Europa e per il prestigioso premio Polar. Nel 2001 ha vinto il Premio Paris Noir con il romanzo L'Offense (Métailié). Numerosi suoi racconti sonostati pubblicati su quotidiani e periodici (la Repubblica, Carta, Il manifesto) e compaiono in varie antologie. Fra le sue ultime opere Filosofia per i prossimi umani (con Maria Frega - Giunti, 2020), e per Castelvecchi La nuova via della seta (2019), No vax: il grande sogno negato (2022) e i romanzi Le visioni di Johanna (2019), Prima sterminammo gli uccelli... (2020).

Il progetto espositivo è promosso e sostenuto da Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia e Associazione Foemina APS di Trieste e realizzato in coproduzione con Istituto Italiano di Cultura di Bruxelles, con il patrocinio del Comune di Trieste,  media partner  Il Piccolo, quotidiano di Trieste, e con l'organizzazione di Associazione Giuliani nel Mondo e Circolo AGM di Bruxelles, Ente Friuli nel Mondo e Fogolâr Furlan di Bruxelles e il contributo di Fondazione CRTrieste, Ciaccio Arte - Big Broker Insurance Group (Milano), Francesco Katalan casa di spedizioni S.r.l. (Muggia, Trieste), Azienda Agricola Zidarich (Trieste), Rotary Club Trieste Alto Adriatico, Biesse Forniture elettriche Studio Luce, Videoest Trieste, Grafica Goriziana. (Ufficio stampa per l'Italia Studio Pierrepi - Alessandra Canella)

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Valeria D'Obici
Dizionario di un'attrice "sui generis"
di Francesco Foschini con Stefano Careddu, Falsopiano 2023

Il volume è stato presentato il 9 maggio 2024 a Nonostante Marras (Milano)
www.antoniomarras.com

A presentare il libro dialogano con Francesco Foschini, autore del volume, Rocco Moccagatta, docente IULM e critico, e la protagonista Valeria D'Obici.

Scheda libro: "Se quel giorno del 1966 fossi andata all'appuntamento con Lucio Battisti, che voleva formare un gruppo musicale tutto al femminile, alle ore 17.30 all'ex Trianon di Milano, forse avrei fatto la cantante e non l'attrice... ma questo non lo saprò mai, perché gli diedi buca". "A un certo punto della mia vita ho deciso di diventare attrice, non che prima di quel momento non ci avessi mai pensato: da bambina mi piaceva prendere parte alle recite scolastiche, poi scrivevo e interpretavo delle scenette umoristiche, inventavo spettacolini con le mie compagne di classe... Ma la cosa fondamentale era poter esprimere le emozioni che avevo dentro. Quindi, se avessi suonato bene uno strumento musicale, tipo il pianoforte, non so se avrei fatto l'attrice, perché mi sarei sfogata suonando".

Con una prefazione di Rocco Moccagatta. Francesco Foschini è critico cinematografico e programmatore. Ha preso parte a progetti redazionali promossi da Milano Film Network e da La Biennale di Venezia. Collabora, e ha collaborato, con "Alias/il manifesto", "duels.it", "Film Tv", "Taxidrivers", "Sentieri selvaggi", Festival MIX Milano. Stefano Careddu è videomaker, montatore e organizzatore di eventi. Collabora con alcune riviste online di informazione cinematografica e, dal 2017, dirige l'Alessandria Film Festival e altre rassegne cinematografiche nel Monferrato. (Comunicato stampa ufficio stampa Maria Bonmassar)

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Aldo Damioli
"Venezia New York"

testo di Roberto Vidali, progetto grafico di Piero Scheriani, Juliet Editrice, gen 2024, 72 pp, 150 x 210 mm
www.juliet-artmagazine.com

Juliet Editrice ha concluso la realizzazione di una pubblicazione dedicata al lavoro di Aldo Damioli, l'autore conosciuto a livello internazionale per il ciclo pittorico "Venezia New York" e che a Trieste, ancora più di vent'anni fa, era stato proposto dallo Studio Arte 3, in primo luogo da Mariagrazia Avidano Bonzano e in seguito dal figlio Paolo Bonzano. Il testo che accompagna la pubblicazione è firmato da Roberto Vidali, direttore editoriale della rivista Juliet. Il progetto grafico è di Piero Scheriani.

Il testo di Roberto Vidali, intitolato "Paesaggi elettivi", è incentrato sul ruolo che questo autore ha avuto nella pittura del nuovo millennio e sui rapporti che il suo processo ha con la storia dell'arte. In particolare il testo si sofferma sulle possibili (e insolite) connessioni con la pittura di Botticelli, Canaletto e Guardi. Un lavoro di meticolosa esecuzione, giocato sul dettaglio e sulla forma, sulla prospettiva e sul capriccio, da intendersi come spunti capaci di fornire il pretesto all'invenzione e all'evasione. Il ciò vale a dire che queste opere non parlano di puro realismo, ma di fantasia, di invenzione, di pretesti per dimostrare come la pittura possa essere falsificazione, narrazione fantasiosa, montaggio di parti incongrue e che per essere moderna deve essere anche concettuale.

E la pittura di Damioli è concettuale proprio perché nel titolo evoca (o indica) qualcosa che non c'è o che non viene rappresentato: per esempio nelle sue tele la città di Venezia (pur indicata nel titolo) è solo evocata per confronto con la città di New York o con altra città (sia questa Parigi o Pechino) giusto per dare l'impressione che se di tanto si può parlare, tutto non può (o non deve) essere mostrato. Questa poetica pittorica va contro la durezza ideologica e materica propugnata da Joseph Beuys o in avversione a quei postulati delle neoavanguardie che hanno condotto alla disseminazione del linguaggio oltre che alla sottrazione della centralità dell'esperienza estetica. E questo perché se Damioli, riguardo alla sua pittura cerca un confronto o deve pensare a un autore dei nostri giorni non pensa a Cattelan, ma a Sean Landers, non pensa a Damien Hirst, ma a John Currin.

Damioli, che ha esordito ancora negli anni Novanta con la Galleria di Guido Carbone a Torino, ha poi intessuto per anni rapporti di collaborazione con la mitica Galleria del Milione di Milano e con Santo Ficara di Firenze, il tutto giocando di sponda e in rapporto di collaborazione con critici come Edoardo Di Mauro, Elena Pontiggia e Luca Beatrice. Ricordiamo, infine, che il lavoro di Aldo Damioli, incentrato sul ciclo "Venezia New York", fu presentato anche in una mostra che si tenne nel foyer del Teatro Verdi di Trieste, ancora nel 2012. (Comunicato di presentazione)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Aldo Damioli, Venezia New York, 2022, acrilico su tela cm. 80x100
2. Copertina della pubblicazione dedicata al lavoro di Aldo Damioli, Juliet Editrice, gen 2024
3. Aldo Damioli, Venezia New York, 2022, acrilico su tela cm. 60x60

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Cannoli Siciliani
Mare, amore e altre cose buone
di Roberta Corradin, Giunti editore, p. 320, euro 18,00

Il libro è stato presentato il 10 novembre 2023 presso Lo Spazio Pistoia - Libreria Bacaro

Mare, sole, amore: la Sicilia d'estate ha molte promesse, ma non per Arianna, che lavora senza sosta alla redazione di due libri in due lingue diverse. Si consola con le tante delizie che l'isola offre anche agli stacanovisti come lei: granite, gelati, cannoli e menu di pesce. Nel frattempo, seduta a cena col laptop aperto, guarda distrattamente Nisso, diminutivo di Dionisso, chef belloccio e un po' arrogante che le ricorda un giovane Antonio Banderas e manda avanti due ristoranti. Lui ha vissuto sempre in Sicilia, lei è cittadina del mondo. Lui ha poco più di trent'anni, lei poco più di cinquanta. Nessuno dei due ha tempo e voglia di innamorarsi. Ognuno dei due ha un sogno. Diverso. Ma non così tanto.

Il destino se ne frega della iniziale riluttanza dei due e tesse trame al posto loro, finendo per intrecciarli stretti in una storia che, anno dopo anno, li porta a confrontarsi e a costruire insieme case, menu, ristoranti, progetti reali e immaginari. Respireranno modi di pensare, stili di vita, cibi e spezie prima sconosciuti. E realizzeranno tante cose buone, da mangiare e non solo, per chi siede ai tavoli del loro ristorante sulla piazzetta di una borgata di mare e per tutta la comunità locale, a partire dalle molte donne a cui Arianna mostrerà che nella vita si può sempre scegliere, e cambiare vita è sempre un'opzione valida. Sullo sfondo, la bellezza mozzafiato della Sicilia barocca, il mare splendente e le colline degli Iblei. Una storia d'amore scritta con uno stile ironico e sagace e con un finale a sorpresa che vi farà ridere, pensare, piangere e sognare. E chissà, anche cambiare.

Classe 1964, Roberta Corradin ha scritto Ho fatto un pan pepato... Ricette di cucina emotiva (Zelig 1995), Un attimo, sono nuda (Piemme 1999), Le cuoche che volevo diventare (Einaudi 2008), La repubblica del maiale (Chiarelettere 2013), Piovono mandorle (Piemme 2019). Traduce dal francese e dall'inglese le fortunate serie di Katherine Pancol e Richard Osman. Ha avuto il privilegio di vivere in luoghi affascinanti, tra cui Parigi, New York, Cambridge, la Sicilia sudorientale, dove ambienta i suoi libri. Su Instagram @rocorradin per conoscere i suoi nuovi progetti in Sicilia e per visitare e soggiornare con lei nelle location del libro. (Comunicato stampa)

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Gaetano Rapisardi. Architetto 1893-1988
a cura di Clementina Barucci e Marco Falsetti, Campisano Editore, Roma 2022

* Il libro è stato presentato il 16 ottobre 2023 all'Accademia Nazionale di San Luca - Roma
www.accademiasanluca.it

Il volume si propone di far luce sull'opera del progettista siciliano ricostruendone un profilo quanto più possibile esaustivo, al fine di colmare una pagina rimasta troppo a lungo incompleta. Noto soprattutto per gli edifici della Sapienza - le Facoltà di Lettere e di Giurisprudenza - e per il grande complesso della piazza e della basilica del Don Bosco al Tuscolano degli anni Cinquanta, Gaetano Rapisardi è ricordato nella storiografia perlopiù come fidato collaboratore di Marcello Piacentini.

Tale inquadramento, a nostro avviso riduttivo, dimentica (e talvolta omette) la complessità dell'opera rapisardiana nonché l'interessante sfida tipologica che ha visto l'architetto confrontarsi con una eccezionale varietà di temi, specialmente nel periodo del dopoguerra quando Rapisardi, insieme al fratello Ernesto (spesso coautore delle opere), interrompe la collaborazione con il Maestro (mantenendo comunque rapporti molto cordiali). Si è cercato di restituire, attraverso questo studio, tutto il complesso del suo lavoro, che annovera oltre 150 opere conosciute ad oggi, alcune delle quali solo mediante riferimenti contenuti in carteggi o documenti d'archivio.

I progetti e le realizzazioni di Rapisardi interessano un arco temporale molto ampio, che va dall'inizio degli anni Venti fino ai primi anni Settanta, e che copre dunque oltre un cinquantennio di attività professionale. A fronte di una instancabile opera di disegno, di progettazione e di cantiere non si registra, sfortunatamente, un'altrettanta intensa produzione teorica (se si eccettua qualche relazione di progetto) alla qual cosa si deve l'equivoca interpretazione della sua opera.

Rapisardi fu infatti, per quanto ci è dato di sapere dalle rare testimonianze dirette raccolte, dedito soprattutto all'attività progettuale e di disegno, assorbito al punto dal non trovare il tempo di sistematizzare questa sua opera all'interno di un corpus teorico, il che non implica naturalmente che tali realizzazioni mancassero di "spessore critico", come è stato talvolta ingiustamente sotteso. Il volume è pubblicato con il supporto del Dipartimento di Storia disegno e restauro dell'architettura dell'Università di Roma "Sapienza". (Comunicato ufficio stampa Maria Bonmassar)

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L'autobiografia della nazione
di Piero Gobetti, a cura di Cesare Panizza, Aras Edizioni 2023

Il libro è stato presentato il 29 maggio 2023 alla Biblioteca della Fondazione Spadolini Nuova Antologia a Firenze
Introduce e presiede Cosimo Ceccuti; intervengono, con il curatore, Marino Biondi e Paolo Bagnoli
www.fondazionerossisalvemini.eu

Fra i più risoluti oppositori di Mussolini, Gobetti compendiò la sua lettura del fascismo nella famosa formula dell'"autobiografia della nazione". Nei suoi scritti, sullo sfondo di una riflessione storica e politica che sottolineava l'arretratezza culturale del paese e l'inadeguatezza delle sue classi dirigenti, il successo del fascismo era letto a riprova dell'immaturità politica degli italiani. Si trattava di una tendenza alla "servitù volontaria" sedimentatasi nelle fibre della nazione in assenza di quei processi di modernizzazione della società e della politica avviatisi in Occidente con la riforma protestante e la nascita del capitalismo. Paradossalmente, però, proprio per il suo carattere di "rivelazione", la lotta contro il fascismo poteva offrire l'occasione per una rigenerazione della nazione. La dittatura aperta che rappresentava l'aspirazione di Mussolini e del fascismo avrebbe infatti permesso la selezione di nuove élites politiche destinate a rigenerare il costume politico degli italiani in senso liberale e democratico. (Comunicato di presentazione Fondazione Ernesto Rossi e Gaetano Salvemini)

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Decio Gioseffi
Storia dell'arte in Europa

* Libro presentato il 13 febbraio 2023 presso il Palazzo della Regione Friuli Venezia Giulia (Trieste)
www.triestecontemporanea.it

A distanza di trent'anni dalla sua stesura viene pubblicata una inedita Storia dell'arte in Europa raccontata da Decio Gioseffi con sensibilità non usuale al tempo in cui fu scritta. Prima presentazione dell'importante opera del grande storico dell'arte triestino, ora proposta nella collana «I libri di XY», diretta da Roberto de Rubertis, da Il Poligrafo di Padova e dall'Università di Trento ed edita con la partecipazione di Società di Minerva e Trieste Contemporanea: relatore sarà Valerio Terraroli, professore di Storia della critica d'arte all'Università di Verona, introdotto da Nicoletta Zanni, già professore di Storia della critica d'arte all'Università di Trieste e curatrice, assieme a Giuliana Carbi Jesurun, della edizione.

Fra i progetti di celebrazione del centenario della nascita di Decio Gioseffi (1919-2007), i promotori hanno ritenuto di estremo interesse lavorare su questo inedito e dare così alle stampe uno degli ultimi scritti dello studioso triestino che fu tra le personalità più rappresentative della cultura storico-artistica italiana della seconda metà del Novecento.

Il libro raccoglie esempi illustri della storia dell'arte europea attraverso i secoli - dalle grotte di Altamira al Rinascimento maturo (ed era prevista anche una continuazione fino alla seconda metà del ventesimo secolo) - e si occupa dell'intera filiera dell'arte occidentale, a partire dal rapporto con l'eredità dell'Antico e gli scambi con l'arte del Vicino Oriente, arrivando alle eccellenze che hanno generato e contraddistinto il Rinascimento italiano ed europeo. A corredo, sono state scelte alcune immagini tra quelle più emblematiche nelle sue lezioni universitarie introduttive e di metodo storico-artistico.

La modernità dell'applicazione alla narrazione storica dei fatti dell'arte da parte di Decio Gioseffi di un metodo operatorio proveniente dal mondo scientifico, discusso anche nel suo lungo sodalizio con Carlo Ludovico Ragghianti, ancor oggi affascina infatti in questo libro e si nutre della vasta conoscenza non solo specialistica dell'autore. Sicché i passaggi dedicati a collocare la produzione artistica nella società e nella storia sono cruciali e questa Storia dell'arte in Europa si dispiega in un ampio tessuto connettivo fatto di bellissime pagine che parlano anche di moda, letteratura, ingegneria e tecnologia, strategia militare, storia delle lingue.

Decio Gioseffi (Trieste 1919-2007), accademico dei Lincei, già membro e poi presidente (dal 1980 al 1989) del Comitato di Settore per i Beni Artistici e Storici presso il Ministero dei Beni Culturali (ex Consiglio Superiore di Belle Arti), dopo la laurea a Padova in Archeologia e storia dell'arte antica, dal 1943 all'Università di Trieste è stato prima assistente di Luigi Coletti e poi di Roberto Salvini, docente ed infine direttore dal 1964 al 1993 dell'Istituto di Storia dell'arte medioevale e moderna. Perspectiva artificialis: per la storia della prospettiva. Spigolature e appunti (Premio Olivetti 1957) inizia i suoi studi pionieristici sulla prospettiva e sulla rappresentazione dello spazio nell'arte, proseguiti nel 1960 con La cupola vaticana: un'ipotesi michelangiolesca (Premio IN/ARCH 1962) e con la monografia Giotto architetto (1963).

La presentazione triestina avviene con il patrocinio di ICOMOS Consiglio Internazionale dei Monumenti e dei Siti-Comitato Nazionale Italiano e con la collaborazione dell'associazione L'Officina e dell'Associazione Amici Dei Musei Marcello Mascherini ODV. Il volume è pubblicato, con il supporto della Regione autonoma Friuli Venezia Giulia, sotto gli auspici di Ministero della Cultura - Segretariato regionale per il Friuli Venezia Giulia; Università degli Studi di Trieste; Centro Internazionale di Studi di Architettura Andrea Palladio, Vicenza; Fondazione Centro Studi sull'Arte Licia e Carlo Ludovico Ragghianti, Lucca; SISCA Società italiana di storia della critica d'arte, Roma; Archivio degli Scrittori e della Cultura Regionale, Università di Trieste. (Comunicato stampa Trieste Contemporanea)

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Gentilissima signora Aurelia
a cura di Lucia Budini e Giuliana Carbi Jesurun, ed. Juliet editrice

Il libro è stato presentato il 28 gennaio 2023 allo Studio Tommaseo di Trieste
www.triestecontemporanea.it

Trieste Contemporanea presenta la seconda pubblicazione della collana libraryline dedicata a Miela Reina (Trieste 1935 -Udine 1972). Il libro pubblica per la prima volta una selezione delle lettere che Miela Reina scrisse alla madre Aurelia Cesari Reina, in fittissima sequenza, negli anni di formazione all'Accademia di Venezia, quindi, dall'autunno del 1955 all'autunno del 1959, data della laurea.

L'interessantissimo epistolario vede la luce, grazie alla trascrizione e all'ordinamento dei manoscritti conservati nell'archivio privato delle famiglie Budini Reina. Sono carte molto speciali poiché contengono molti disegni e bozzetti che si è deciso di riprodurre nel testo delle lettere, aggiungendo una parte di immagini e fotografie provenienti dall'archivio familiare e di riferimenti (grazie alle immagini gentilmente concesse dall'Archivio fotografico ERPAC - Servizio catalogazione, promozione, valorizzazione e sviluppo del territorio, dalla Fondazione CRTrieste e dall'Archivio fotografico del Museo Revoltella - Galleria d'arte moderna di Trieste) ai dipinti citati nel testo, dei quali nel racconto epistolare alla mamma si seguono giorno per giorno le fasi di realizzazione.

Il libro è occasione per conoscere una inedita Miela Reina, giovanissima, versatile e gioiosa nell'apprendere a tutto campo, non solo la pittura al corso di Bruno Saetti (lo spaccato della vita degli studenti fuori sede del tempo è vivacissimo), ma anche dalle molte letture e frequentazioni della vita culturale veneziana (dal cinema al teatro ai concerti) e dai viaggi (in Francia a conoscere Chagall e in Spagna per lavorare alla tesi di laurea sulla pittura castigliana). Questa studentessa diventerà da lì a poco una dei più originali e attenti artisti italiani in dialogo avvincente e autorevole con le tendenze internazionali dell'arte degli anni Sessanta e Settanta - e proprio leggendo queste lettere e le modalità della sua partenza verso l'arte dei grandi c'è ancora il rimpianto che la sua breve vita non le abbia permesso di donarci più a lungo la sua immaginifica creatività: poiché fu "autrice di una vivacissima stupefatta visione del mondo, di una attonita e apocalittica kermesse non eroica" come ebbe a scrivere l'amico e grande estimatore Gillo Dorfles.

Gentilissima Signora Aurelia vuole contribuire a far meglio conoscere una delle figure artistiche più alte della nostra regione e a renderle omaggio. Alla presentazione di sabato, che verrà proposta anche in streaming, in dialogo con le curatrici saranno Paola Bonifacio, storica dell'arte autrice di Miela Reina, la prima monografia sull'artista edita da Mazzotta nel 1999, e (in videoconferenza) Marina Beer, scrittrice e saggista che hanno contribuito all'interpretazione della creatività e degli affetti di Miela Reina a Venezia con due testi pubblicati nel libro in forma di postfazione.

Gentilissima Signora Aurelia è il secondo volume di libraryline, una nuova collana editoriale della Biblioteca di Trieste Contemporanea che raccoglie testi inediti e prime traduzioni di artisti o di autori che hanno contribuito all'arte visiva contemporanea europea o alla sua comprensione. Con la collana, coordinata dalla direttrice della Biblioteca di Trieste Contemporanea Elettra Maria Spolverini (che introdurrà l'incontro di presentazione) e firmata dalla grafica triestina Giulia Lantier, si concretizza una idea di divulgazione della storia dell'arte contemporanea molto cara al comitato triestino, e anche si intercetta e continua un'altra delle missioni prioritarie di Trieste Contemporanea, prevalentemente conosciuta per lo sguardo che da più di un quarto di secolo rivolge alla produzione di arte visiva contemporanea dei paesi dell'Europa dell'Est.

Un mandato, per così dire di reciprocità rispetto all'importazione della conoscenza della cultura artistica ad Est di Trieste: offrire l'opportunità di approfondire all'esterno le espressioni internazionali della produzione di pensiero e di cultura del nostro territorio. Tra le attività svolte in questo segmento merita ricordare le pubblicazioni su e di Sergio Miniussi, la monografia di Marco Pozzetto sugli architetti Berlam, i film documentari su Leo Castelli e su Leonor Fini e si può già anticipare l'ultima iniziativa che verrà resa pubblica in febbraio: la partecipazione alla pubblicazione dell'inedita e importantissima Storia dell'arte in Europa del grande storico dell'arte triestino Decio Gioseffi. (Comunicato stampa)

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Poligoni platonici
di Carlo Fontana, Juliet Editrice, gennaio 2023, testo critico di Gabriele Perretta, progetto grafico di Piero Scheriani, pagg 40 + cover con alette
www.juliet-artmagazine.com

* Presentazione e diffusione in anteprima in occasione della 46° edizione di Arte Fiera, a Bologna, nello stand Juliet, nelle giornate del 2, 3, 4, 5 febbraio 2023.

Poligoni platonici è la quinta pubblicazione che Juliet Editrice dedica al lavoro di Carlo Fontana, con immagini commentate e testo critico di Gabriele Perretta. Carlo Fontana (Napoli, 1951), vive a Casier (Treviso). Si è diplomato all'Accademia di BB.AA. di Napoli, nel corso di pittura con il maestro Domenico Spinosa. Dopo aver esordito con happening dalla fissità teatralizzata e con attività estetica nel territorio, in concomitanza alle teorie formulate negli anni Settanta da Enrico Crispolti, nel decennio successivo inizia un percorso pittorico che vede il colore e la ricerca della luce al centro della sua opera. Sue opere sono presenti, a Trieste, presso la sede della Soprintendenza, nel palazzo storico dell'ITIS e al Museo Diocesano (ex Seminario), a Bologna presso la Collezione Zavettini e nel circuito nazionale sloveno presso la Galerija Murska Sobota.

Tra i critici che si sono occupati del suo lavoro si ricordano: Francesca Agostinelli, Giulia Bortoluzzi, Boris Brollo, Antonio Cattaruzza, Enrico Crispolti, Edoardo Di Mauro, Pasquale Fameli, Robert Inhof, Emilia Marasco, Gabriele Perretta, Alice Rubbini, Maria Luisa Trevisan, Roberto Vidali.

La prima testimonianza, prodotta da Juliet Editrice, ancora nel lontano 1999, fu un libro d'artista di formato quadrato, con copertina rossa e con testo introduttivo firmato da Roberto Vidali. Lì si parlava della natura figurativa dell'opera di Carlo Fontana, dell'uso quasi matissiano del colore, della scomposizione dell'immagine che era in debito con la poetica cubista della prima ora, ma ci soffermava anche a dare una giustificazione storica di un lavoro che di primo acchito poteva sembrare povero d'intenti e di idee, mentre dietro c'era tutto un percorso storico, una linea continua che procedeva dalle prime esperienze operate nel sociale e sul territorio, assieme al gruppo degli Ambulanti, nel corso degli anni Settanta.

In questo caso, invece, il catalogo, a parte un excursus storico di immagini (tutte spiegate ed analizzate con testi lapidari) propone solo un insieme di opere che dobbiamo prosaicamente definire astratto-geometriche e che fanno parte della più recente produzione dell'autore. Gabriele Perretta, nel ricostruire il percorso di questo autore, parte dalla prima performance/azione conosciuta di Carlo Fontana: siamo nel 1974, "Fate l'amore non la guerra", dove solo la sottrazione di una virgola distingue questo titolo dallo slogan in voga negli anni Settanta e che si rifaceva alle guerre di liberazione del Terzo Mondo in secundis e alla guerra del Vietnam in primis, una guerra rovinosa che si concluderà appena l'anno successivo.

L'aggancio, sottolineato da Perretta, va poi, al 1975, con le prime azioni sul territorio di Napoli, progettate assieme al gruppo degli Ambulanti, dove le tessere di mosaico che l'autore distribuiva alle persone che lo avvicinavano, sono già anticipazione di quelle macchie di colore che oggi ritroviamo nei suoi quadri. Ora che la figura che Carlo Fontana interpreta (nelle sfilate del Quartiere Bagnoli di Napoli o di Piazza San Marco a Venezia) fosse quella dell'acquaiolo (di napoletana memoria) o fosse quella afro-napulitana di un povero portatore d'acqua, quello che conta è che il colore era testimonianza già presente e fondante fin da quei lontani anni Settanta, quando nell'arte internazionale il dominio maggiore era quello del bianco e nero (si pensi alle foto di Gilbert & George, di Bernd & Hilla Becher, di Urs Lüthi, di Joseph Beuys e così via).

In questo modo Gabriele Perretta ci fa toccare con mano le ragioni storiche del lavoro di Carlo Fontana, mentre allo stesso tempo sottolinea come il nome di Enrico Crispolti, a cornice di quella situazione culturale (si pensi alla X Quadriennale del 1975, alla Biennale di Venezia del 1976, alla Biennale di Gubbio, nel 1979) non sia stato dei più appropriati perché in realtà non ha saputo valorizzare il lavoro dei singoli autori, preferendo fotografare un fenomeno dalla portata collettiva, spesso però confondendone il valore dei singoli apporti individuali. (Estratto da comunicato stampa)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Atelier di Carlo Fontana con opere in lavoro, ph courtesy Juliet
2. Carlo Fontana, Solidi a base rettangolare, 2020, olio su tela, cm 50x50, ph courtesy Juliet

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"Tre bacche di rovo"
di Roberto Vidali, Juliet Editrice, dicembre 2022, pagg 92, extra issue Juliet n 210 / dicembre, pubblicazione con apparati iconografici, copertina di Antonio Sofianopulo, progetto grafico di Piero Scheriani

Questo fascicolo firmato da Roberto Vidali è l'ennesima testimonianza della "proteo-scrittura" che l'autore pratica fin dal 1980, alla ricerca di una terra dove ancorarsi, il che non va letto come motivo di immaturità o di evoluzione, ma di ricerca e di attenzione alla diversità. Questo testo mette insieme più modalità: una presunta tipologia da manuale di storia dell'arte (scorrevole e con analisi precise e puntuali dei fatti) con istanze da mente critica che conduce a paragoni tra situazioni simili e ad affioramenti nella contemporaneità, dove si trovano idee personalissime e riscontri soggettivi.

Gli intrecci e i rimandi sono molteplici ed è sì questa una pratica diffusa all'interno della critica contemporanea, ma forse non praticata con una modalità così variegata, nel senso che il magma che affiora da questa narrazione indica dei pensieri ossessivi, sebbene non sempre gli esempi offerti o i punti di meditazione siano messi sulla carta per dare la certezza della risposta. Uno dei temi ricorrenti dell'intero sviluppo narrativo, è quello della "classicità" ovvero di una possibile istanza classica presente nel mondo contemporaneo, un mondo che è stato costruito sui palazzi abbattuti dalle avanguardie storiche e di cui noi viviamo l'eredità. E quali sono le radici di queste avanguardie? Quali le radici della poetica di Duchamp e del successivo lavoro concettuale di Kosuth?

Ecco, l'autore ci dà quattro nomi: Seurat, van Gogh, Gauguin, Cézanne. E approfondisce la loro importanza con la lettura di una singola opera. L'aspetto insolito di questo testo sono le note, una specie di racconto parallelo e di lunghezza pari a un quinto dei tredici capitoli in cui è suddiviso il libro. Le note non sono stilate in maniera accademica (con gli op.cit. e gli ibidem e il rinvio alle pagine specifiche), perché bisogna domandarsi: quanti sono quelli che nel leggere un saggio sentono veramente il bisogno di andare a cercare il confronto col testo a cui rinvia la nota? Meglio, allora, una nota che aiuta ad approfondire o rinvia a un ulteriore collegamento invece di trovarsi alla sterile informazione di un titolo, di una pagina, di un anno di pubblicazione. Perciò, molte sono le domande che vengono poste e poche sono le risposte che vengono date, proprio per lasciare la possibilità a ogni lettore di cercare di proseguire con i propri piedi un percorso di approfondimento.

Tutto ciò può essere utile, senza pretendere che il metodo sia democratico o partecipativo, perché ogni testo è, innanzitutto, una testimonianza del proprio pensiero, e questo testo firmato da Roberto Vidali non è da meno. Questa pubblicazione, con solo sette immagini che ne illustrano il percorso narrativo, dedica la copertina al lavoro di Antonio Sofianopulo, come modello ed esempio di una pittura che si fa punto interrogativo della contemporaneità. "Tre bacche di rovo" verrà diffuso e distribuito al BAF (Bergamo, 13, 14, 15 gennaio 2023) e ad Arte Fiera (Bologna, 3, 4, 5 febbraio 2023)

Roberto Vidali (Capodistria, 1953) dal 1955 risiede, più o meno, a Trieste. Dopo aver compiuto gli studi presso l'Accademia di BB.AA. di Napoli si è dedicato alla promozione dell'arte contemporanea. Dal 1975 al 1987 è stato direttore esecutivo per la sezione arti figurative del Centro La Cappella di Trieste, dove ha curato quarantaquattro mostre, tra le quali ricordiamo quelle di Riccardo Dalisi, Giuseppe Desiato, Stefano Di Stasio, Živko Marušic. Dal 1979 al 1985 ha collaborato alla pagina culturale del quotidiano "Il Piccolo" e dal 1980 è direttore editoriale della rivista Juliet.

Ha inoltre firmato svariate pubblicazioni; tra le altre: "L'uva di Giuseppe" (1986), "Uhei, uistitì" (1988), "Sul Filomarino slittando" (1990), "Bestio!" (1993), "Merlino, pinturas" (1993), "Massini, énkaustos" (1994), "Sofianopulo, quadros" (1994), "Oreste Zevola, rosso tango" (1994), "Mondino, tauromania" (1995), "Barzagli, impressos" (1995), "Libellule" (1995), "Perini, photos" (1996), "Notturno, setas" (1996), "Ascoltatemi!" (1997), "Kastelic, cadutas" (1997), "Damioli, Venezia New York" (1998), "Onde di formiche a far filari" (1998), "Carlo Fontana" (1999), "Topin meschin" (1999), "Giungla" (1999), "No, non è lei" (2003), "Mamma, vogghiu fa' l'artista" (2007), "Otto fratto tre" (2010).

A seguire "I pensieri di Giacomino Pixi", pubblicato nel 2012. Dal 1991 è coordinatore per l'attività espositiva dell'Associazione Juliet nella cui sede ha presentato innumerevoli artisti; tra gli altri si segnalano: Piero Gilardi, Marco Mazzucconi, Maurizio Cattelan, Ernesto Jannini, Paola Pezzi, Luigi Ontani, Enrico T. De Paris, Alberto Garutti, Mark Kostabi, Massimo Giacon, Cuoghi Corsello, Aldo Mondino, Aldo Damioli, Botto & Bruno, Bonomo Faita. Nel 1994 ha partecipato alla realizzazione della pagina culturale del quotidiano "La Cronaca" e nel 1997 ha pubblicato alcune interviste sulla pagina culturale de "Il Meridiano". Dal 1998 al 2010 è stato direttore incaricato della PARCO Foundation di Casier. Dal novembre del 2000 e fino alla sua chiusura ha collaborato al mensile "Network Caffé", dal 2005 e fino al 2009 ha collaborato con il mensile "Zeno". (Comunicato stampa)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Antonio Sofianopulo, Guardando a Est e Ovest, 2002, olio su tela cm 40x60, Ph courtesy Victor Saavedra, Barcelona 2. Copertina di "Tre bacche di rovo"
3. Roberto Vidali, davanti a una tela di Živko Marušic, in una foto di Eugenio Vanfiori

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Dopo Terra Matta
Incontro con Giovanni Rabito

Il romanzo della vita passata
di Vincenzo Rabito, testo rivisto e adattato da Giovanni Rabito, ed. Einaudi

Presentazione libro il 29 settembre 2022 alla Sala Giuseppe Di Martino a Catania

A cura dei Centri Culturali Gruppo Iarba, Fabbricateatro e Le stelle in tasca, si svolgerà un incontro con Giovanni Rabito, figlio di Vincenzo, autore di Terra Matta. Nell'occasione, sarà presentato Il romanzo della vita passata, secondo dattiloscritto autobiografico di Vincenzo Rabito, una nuova riscrittura della sua vita a tutt'oggi interamente inedita e successiva alla prima stesura pubblicata sempre da Einaudi nel 2007. Discuteranno, insieme al curatore di Il romanzo della vita passata, delle peculiarità che attribuiscono un'importanza particolare alla seconda stesura autobiografica, Nino Romeo, Daniele Scalia e Orazio Maria Valastro. Graziana Maniscalco leggerà una selezione di brani dell'opera.

Scrive Giovanni Rabito nella prefazione: «Come ben sanno i lettori di Terra matta, mio padre non è mai andato a scuola. Ha imparato a leggere e a scrivere da solo, come da solo ha imparato il mestiere di vivere e l'arte di lavorare duro per vivere meglio. Allo stesso modo, da solo, ha imparato a usare la macchina da scrivere, uno strumento tecnologicamente avanzato almeno per i suoi tempi, e infine a diventare scrittore: scrittore della sua vita, del suo paese natale, della sua gente e forse addirittura del suo secolo».

Vincenzo Rabito (Chiaramonte Gulfi, 1899-1981), «Ragazzo del '99», è stato bracciante da bambino, è partito diciottenne per il Piave, ha fatto la guerra d'Africa e la Seconda guerra mondiale. È stato minatore in Germania, poi è tornato in Sicilia, dove si è sposato e ha allevato tre figli. Il suo Terra Matta ha vinto il «Premio Pieve» nel 2000, ed è conservato presso la Fondazione Archivio Diaristico Nazionale di Pieve Santo Stefano.

Giovanni Rabito, figlio di Vincenzo, nasce nel 1949 a Chiaramonte Gulfi in Sicilia, e risiede attualmente a Sydney in Australia. Nel 1967 inizia i suoi studi universitari di Giurisprudenza a Messina, trasferendosi in seguito a Bologna nel 1968. In quegli anni prende parte al movimento letterario italiano della Neoavanguardia, il Gruppo 63 costituitosi a Palermo nel 1963. Scrive poesie pubblicate in riviste letterarie come Tèchne, fondata nel 1969 da Eugenio Miccini come laboratorio dello sperimentalismo verbo-visivo legato all'esperienza del Gruppo 70, e Marcatré, rivista di arte contemporanea, letteratura, architettura e musica, fondata e diretta da Eugenio Battisti nel 1963. Condivide con il padre la passione per la scrittura. Grazie a Giovanni Rabito, il dattiloscritto del padre intitolato Fontanazza, la storia di vita di un uomo che ha attraversato il novecento italiano, è presentato nel 1999 all'Archivio Diaristico Nazionale di Pieve Santo Stefano. Fontanazza è stato premiato nel 2000, e pubblicato con il titolo Terra Matta nel 2007. (Comunicato stampa)

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Uno Stato senza nazione
L'elaborazione del passato nella Germania comunista (1945-1953)
di Edoardo Lombardi, ed. Unicopli, 2022, p. 138, euro 18.00

Il libro è stato presentato il 29 settembre 2022 presso Lo Spazio (Pistoia)
www.lospaziopistoia.it

Lo Spazio Pistoia, in collaborazione con l'Istituto Storico della Resistenza e dell'Età Contemporanea di Pistoia presenta il saggio. Ne discuterà con l'autore Stefano Bottoni (Università di Studi di Firenze). Provata dall'esperienza del secondo conflitto mondiale e con un passato difficile da elaborare, la Germania entrava nel 1945 in uno dei periodi più complessi della sua storia, divisa e occupata dalle potenze alleate vincitrici. In questo nuovo contesto, i comunisti tedesco-orientali riconobbero immediatamente nella storia uno strumento per legittimare il proprio ruolo di guida delle masse. Una consapevolezza che, con la nascita della Repubblica Democratica Tedesca nel 1949, portò la SED (ovvero il Partito socialista unificato di Germania, che per quarant'anni fu la compagine politica dominante nella Germania Est) a trasformare la storia in uno strumento istituzionale.

Essa divenne infatti la base fondante per legittimare l'esistenza del «primo Stato socialista sul suolo tedesco», riplasmando e in certi casi reinventando il passato. Erano i primi passi di uno Stato senza Nazione, il cui tentativo di appropriazione della storia andò realizzandosi in modo molto graduale e non senza difficoltà, come questo libro racconta, seguendone dettagliatamente gli sviluppi.

Edoardo Lombardi è dottore magistrale in Scienze storiche presso l'Università degli Studi di Firenze. Dal 2018 collabora con l'Istituto storico della Resistenza e dell'Età contemporanea di Pistoia (Isrpt), per il quale svolge attività di ricerca e di didattica sul territorio. Nel 2020 entra a far parte della redazione del periodico dell'istituto, «Farestoria. Società e storia pubblica». I suoi interessi di studio riguardano soprattutto la storia culturale della Germania e dell'Italia in Età contemporanea, con particolare attenzione alle politiche culturali della Repubblica democratica tedesca. (Comunicato stampa)

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Matthias Schaller - Horst Bredekamp
Ad omnia: Sull'opera del veronauta Matthias Schaller
ed. Petrus Books, 862 fotografie, 156 pagine, hardcover, 32.5x21.5 cm, 2022, edizione tedesca-italiana (dal 3 maggio)

Anche se non appaiono quasi mai gli esseri umani sono onnipresenti nelle fotografie di Matthias Schaller (Dillingen an der Donau, 1965). Con grande precisione e sensibilità, l'artista ha creato in oltre vent'anni di attività, un universo fotografico senza precedenti: ritratti "ambientali", ensemble di oggetti e spazi che raccontano le persone. Che si tratti di studi d'artista, di interni domestici, di teatri, di tavolozze e strumenti o di abiti, le sue serie fotografiche trasmettono l'idea che i segni che lasciamo sulla realtà dicano tanto su una persona quanto la sua presenza fisica.

Accanto alle attuali mostre Porträt al Kunstpalast di Düsseldorf e Antonio Canova a cura di Xavier F. Salomon ai Musei Civici di Bassano del Grappa, Matthias Schaller ha presentato il libro edito da Petrus Books, casa editrice di Schaller, con un saggio di Horst Bredekamp (Kiel, 1947), Professore di Storia dell'arte alla Humboldt-Universität di Berlino. Un libro che attraverso 862 fotografie racconta gli ultimi vent'anni della sua attività di fotografo ed editore, e che idealmente si ricollega alla pubblicazione del 2015 (Steidl Publisher) con un testo/intervista di Germano Celant dal titolo Matthias Schaller, in cui venivano raccontati i suoi primi dieci anni di attività dal 2000 al 2010. Tra gli autori che hanno collaborato collaborato per le pubblicazioni di Matthias Schaller sono Julian Barnes (London), Andreas Beyer (Basel), Gottfried Boehm (Basel), Germano Celant (Milano), Mario Codognato (Venezia), Xavier F. Salomon (New York City), Thomas Weski (Berlin).

Matthias Schaller ha studiato antropologia visiva presso le Università di Hamburg, Göttingen e Siena. Si laurea con una tesi sul lavoro di Giorgio Sommer (Frankfurt, 1834 - 1914 Napoli), uno dei fotografi di maggior successo dell'Ottocento. Il lavoro di Schaller è stato esposto, tra gli altri, al Museo d'Arte Moderna di Rio de Janeiro, al Wallraf-Richartz Museum di Köln, al Museum Serralves di Porto e al SITE di Santa Fe. Nel 2022 oltre alle mostre inaugurate Porträt e Antonio Canova, sono di prossima apertura Das Meisterstück presso Le Gallerie d'Italia a Milano (30 giugno), Matthias Schaller alla Kunstverein Schwäbisch Hall (28 ottobre). (Comunicato stampa Lara Facco P&C)

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Communism(s): A Cold War Album
di Arthur Grace, introduzione di Richard Hornik, 192 pagine, 121 immagini b&n, cartonato in tela, aprile 2022
www.damianieditore.com

Grazie ad un raro e prezioso visto da giornalista, il fotografo americano Arthur Grace ha potuto valicare ripetutamente la Cortina di Ferro durante gli anni '70 e '80 e documentare un mondo che a lungo è stato celato all'occidente. Communism(s): A Cold War Album è una raccolta di oltre 120 fotografie in bianco e nero realizzate da Grace in quel periodo e per la maggior parte fino ad oggi inedite. Questi scatti, realizzati in Unione Sovietica, Polonia, Romania, Jugoslavia e Repubblica Democratica Tedesca, restituiscono il costante e a tratti crudele rapporto tra la claustrofobica irregimentazione di stato e la (soffocata) voglia di contatti con il mondo esterno della popolazione.

Nelle fotografie di Grace emerge forte il contrasto tra la propaganda di regime fatta di simboli e architetture che rimandano ad un'idea di grandezza ed efficienza e le difficoltà della vita quotidiana fatta di lunghe file per l'approvvigionamento del cibo. Il libro è arricchito da un'introduzione scritta da Richard Hornik, ex capo dell'ufficio di Varsavia della rivista Time.

Arthur Grace ha realizzato servizi fotografici in tutto il mondo per i magazine Time e Newsweek. Suoi lavori sono apparsi anche in molte altre riviste, tra cui Life, The New York Times Magazine, Paris Match e Stern. Prima di Communism(s): A Cold War Album, Grace ha pubblicato altri cinque libri fotografici; ha esposto in numerosi musei e gallerie negli Stati Uniti e all'estero; sue opere fotografiche sono incluse nelle collezioni permanenti di importanti istituti tra cui il J. Paul Getty Museum, la National Portrait Gallery e lo Smithsonian. (Comunicato ufficio stampa Damiani Editore)

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Guttuso e il realismo in Italia, 1944-1954
di Chiara Perin, Silvana Editoriale, Collana Studi della Bibliotheca Hertziana, 2020

Il libro è stato presentato il 13 aprile 2022 alla Accademia Nazionale di San Luca (Roma)

Alla caduta del fascismo anche gli artisti dovettero affrontare nuovi e dilemmi. Quale linguaggio per manifestare il proprio impegno civile? Come interpretare la lezione dei maestri italiani, di Picasso e delle avanguardie? Avventurarsi nel terreno dell'astrazione o ripiegare sulle forme rassicuranti del realismo? Il volume indaga questi e analoghi interrogativi alla luce delle esperienze figurative maturate in Italia tra 1944 e 1954.

L'ambiente romano trova particolare risalto: lì, infatti, si concentravano i dibattiti più vitali grazie alla presenza del capofila realista, Renato Guttuso. Limitando la ridondanza delle coeve pagine critiche a vantaggio dell'analisi di opere e contesto, acquistano evidenza gli aspetti meno noti del movimento: i modelli visivi, i generi ricorrenti, le controversie tra i tanti esponenti. In appendice, una fitta cronologia consente al lettore di seguire da vicino eventi e polemiche del decennio. (Estratto da comunicato ufficio stampa Maria Bonmassar)

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Eolie enoiche
Racconti di vini, di sole, di vignaioli sensibili alla terra
ed. DeriveApprodi, 2022, p. 192, euro 16,00

Il libro è stato presentato il 26 febbraio 2022 alla libreria Lo Spazio (Pistoia)

Isole Eolie, un arcipelago da sogno. Nino Caravaglio, 57 anni, vignaiolo di Salina, sincero, appassionato, testardo, sensibile. Protagonista della viticultura eoliana, da oltre trent'anni lavora al recupero di vigne e vitigni, contribuendo a ridare forma a un paesaggio agricolo fatto di vecchie tecniche e nuove pratiche, relazioni umane solidali e sensibilità ambientale. Nino è un vignaiolo tout-court, di quelli che non si siedono mai e il loro vino deve sempre mirare all'eccellenza senza mai essere modaiolo perché rispecchia l'unicità di queste terre.

Dodici ettari di vigna divisi in quasi 40 appezzamenti: 40 campi da seguire, 40 potature, 40 vendemmie seguendo le stagioni (si parte in agosto dal mare e si sale poi sugli altipiani). Corinto nero e Malvasia i vitigni principali, da soli o mescolati con cataratto, nerello mescalese, calabrese, perricone. Alcuni dei nomi che Nino ha dato alle varie vinificazioni sono da soli poesia: Occhio di terra, Nero du munti, Infatata, Scampato, Inzemi, Abissale, Chiano cruci...

Le vigne di mare delle Eolie - quelle di Caravaglio e di altri coraggiosi precursori, le cui storie si intrecciano nel libro di Simonetta Lorigliola - hanno le radici nei crateri dei vulcani o negli appezzamenti a strapiombo sul mare, ma i loro occhi sono puntati sulla terra. Perché nelle storie di chi torna ad abitare con vitalità aree impervie dell'Italia e del pianeta stanno le premesse non solo di nuove agricolture, ma anche di nuove ecologie e forme di vita.

Libro presentato da Simonetta Lorigliola e Nino Caravaglio. Modera l'incontro Cesare Sartori. A seguire degustazione dei vini Infatata e Occhio di Terra (Malvasia), Nero du Munti (Corinto Nero).

Simonetta Lorigliola, giornalista e autrice, si occupa di cultura materiale. È nata e cresciuta in Friuli. Ha frequentato l'Università degli studi di Trieste, laureandosi in Filosofia. È stata Responsabile Comunicazione di Altromercato, la principale organizzazione di Commercio equo e solidale in Italia. Ha collaborato con Luigi Veronelli, nella sua rivista "EV Vini, cibi, intelligenze" e nel progetto di contadinità planetaria t/Terra e libertà/critical wine. Ha vissuto in Messico, ad Acapulco, insegnando Lingua e cultura italiana.

Ha diretto "Konrad. Mensile di informazione critica del Friuli Venezia Giulia". Da molti anni collabora con il Seminario Veronelli per il quale è oggi Caporedattrice e Responsabile delle Attività culturali. Con DeriveApprodi ha pubblicato "È un vino paesaggio.Teorie e pratiche di un vignaiolo planetario in Friuli" (2018) ed "Eolie enoiche. Racconti di vini, di sole, di vignaioli sensibili alla terra" (2020). Scrive di vino come intercessore culturale di storie, utopie e progetti sensibili. (Estratto da comunicato stampa)

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The Rough Guide - Sicilia
Guida turistica di Robert Andrews, Jules Brown, Kate Hughes
Recensione

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1989 Muro di Berlino, Europa
www.iger.org

Quaderno della Fondazione Gramsci Emilia-Romagna, a cura di Roberto Ventresca e Teresa Malice, pubblicato per Luca Sossella Editore. Un racconto corale che raccoglie i contributi, gli spunti, le riflessioni delle voci di tutti coloro che hanno reso possibile la realizzazione del progetto internazionale Breaching the Walls. We do need education! Un progetto internazionale dedicato alla rielaborazione critica, attraverso un coinvolgimento plurale di istituzioni e cittadini, della storia e della memoria della caduta del Muro di Berlino e degli eventi da questa scatenati.

Risultato tra i progetti vincitori, nel programma Europa per i cittadini 2014-2020, del bando Memoria europea 2019, è stato promosso dalla Fondazione Gramsci Emilia-Romagna, in qualità di capofila, unitamente a 5 partner europei: l'Università di Bielefeld, l'Institute of Contemporary History di Praga, il Comune di Tirana, l'Associazione Past/Not Past di Parigi e l'History Meeting House di Varsavia. (Comunicato stampa)

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Dario Argento
Due o tre cose che sappiamo di lui

a cura di Steve Della Casa, ed. Electa e Cinecittà, pagg. 160, cm 24x30, ita/ing, 80 illustrazioni a colori, 28 euro
In libreria dal 12 ottobre 2021

Regista, sceneggiatore e produttore cinematografico capace di dedicarsi a generi come il giallo, il thriller e l'horror creando un proprio universo visivo ed espressivo, Dario Argento si configura tra i registi italiani più noti al mondo. Il volume monografico a lui dedicato è pubblicato da Electa e Cinecittà, in occasione della rassegna cinematografica organizzata da Cinecittà in collaborazione con il Lincoln Center che verrà inaugurata il prossimo anno a New York e durante la quale saranno proposti 17 film originali integralmente restaurati.

Curato da Steve Della Casa, noto critico cinematografico, il volume vuole rendere omaggio ai tratti distintivi del cinema di Dario Argento attraverso una raccolta di interventi di autori di rilievo internazionale -da Franco e Verdiano Bixio a John Carpenter, da Steve Della Casa a Jean-François Rauger, a George A. Romero e Banana Yoshimoto-. Il risultato è una polifonia di voci dal carattere eterogeneo, tra cui due interviste inedite e conversazioni con il regista, che offrono al lettore la possibilità di confrontarsi con le testimonianze di chi ha vissuto il "fenomeno Dario Argento" in prima persona e di coglierne gli elementi più originali che hanno rivoluzionato il panorama cinematografico mondiale.

Argento si colloca infatti fra le figure più interessanti del cinema contemporaneo, su scala internazionale. Ne sono testimonianza la capacità di sviluppare una sintesi personalissima dell'estetica e delle novità emergenti durante gli anni Sessanta, che vedono un progressivo ridursi della centralità del grande schermo a vantaggio di nuove soluzioni tecnologiche. Nelle sue pellicole emerge un uso sorprendente della cinepresa a mano mescolato con virtuosismi da cinema tradizionale, così come un'attenzione quasi maniacale per la colonna sonora, vera protagonista dei suoi film che spesso raggiunge livelli di notorietà altissimi.

Rintracciamo nel suo modo di girare un linguaggio che si evolve in continuazione, fino a contaminarsi esplicitamente con quello delle clip musicali e scelte di produzione di avanguardia, come lavorare sempre con un casting di artisti internazionali, peculiarità che ricorre raramente nel panorama del cinema italiano. Tema centrale è poi il trionfo della visionarietà a scapito della sceneggiatura, tratto che contraddistingue la libertà creativa del cinema di Dario Argento, capace di generare nel pubblico un'attenzione quasi ipnotica ed un forte impatto visivo. Il volume si conclude con una filmografia completa e l'elenco delle sceneggiature scritte per altri film, insieme ad un ricco apparato fotografico del dietro le quinte delle produzioni più memorabili, tra cui Suspiria (1977), Il gatto a nove code (1971), Profondo rosso (1975), Phenomena (1985). (Comunicato ufficio stampa Electa)

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David Hemmings nel film Profondo Rosso diretto da Dario Argento

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Un calcio alla guerra, Milan-Juve del '44 e altre storie
di Davide Grassi e Mauro Raimondi

Il libro è stato presentato il 9 ottobre 2021 presso l'Associazione Culturale Renzo Cortina a Milano

A settantasei anni dalla fine della Seconda Guerra Mondiale, Davide Grassi e Mauro Raimondi, da sempre interessati agli intrecci tra storia e sport, hanno unito le loro passioni per creare un libro di impegno civile. "Un calcio alla guerra" narra di storie individuali e collettive che esaltano il coraggio e l'abnegazione dei molti sportivi coinvolti nell'assurdità della guerra. Vicende di persone che sono passate dal campo di calcio alla lotta per la Liberazione, in qualche caso pagando con la vita.

Storie vissute in bilico tra pallone e Resistenza al nazifascismo come quelle di Bruno Neri, Giacomo Losi, Raf Vallone, Carlo Castellani, Michele Moretti, Antonio Bacchetti, Dino Ballacci, Cestmir Vycpalek, "Cartavelina" Sindelar, Erno Erbstein, Arpad Weisz, Géza Kertész, Gino Callegari, Vittorio Staccione, Edoardo Mandich, Guido Tieghi, e Alceo Lipizer, solo per citare i più celebri. Le incredibili partite giocate tra partigiani e nazisti, come quella che si disputò a Sarnano nel maceratese nel 1944, o quelle fra reclusi nei lager e i loro aguzzini, vere e proprie partite della morte, a cui si ispirò il film di John Houston, "Fuga per la vittoria", passando per un episodio che pochi conoscono: il rastrellamento avvenuto dopo la partita fra Milan e Juventus del 2 luglio 1944, correlata da una accurata ricerca d'archivio.

Senza trascurare i protagonisti di altri sport. Tra i tanti Alfredo Martini, partigiano che diventò commissario tecnico della Nazionale italiana di ciclismo, il pallanuotista e rugbista, Ivo Bitetti, fra coloro che catturarono Benito Mussolini in fuga, il ciclista tedesco Albert Richter, che aiutò gli ebrei a scappare e venne impiccato, i tanti pugili costretti a combattere per la vita sul ring di Auschwitz per il divertimento dei loro kapò o che si ribellarono lottando alla guerra nazifascista, come Leone Jacovacci, Lazzaro Anticoli, Pacifico di Consiglio e Settimio Terracina.

Interverranno gli autori e Marco Steiner, figlio di Mino Steiner, il nipote di Giacomo Matteotti protagonista di uno dei racconti del libro, che per la sua attività nella Resistenza venne deportato e assassinato in campo di concentramento. Questo libro è dedicato a tutte le persone che hanno sognato un pallone, dei guantoni, una sciabola, un paio di sci, un'auto da corsa, una piscina o una pista d'atletica insieme alla libertà. Con l'obiettivo di ricordare, per dare un calcio alla guerra.

Davide Grassi, giornalista pubblicista, ha collaborato con diversi quotidiani nazionali, tra cui il Corriere della Sera, e con magazine di calcio e radio. Ha scritto e curato diversi libri soprattutto di letteratura sportiva, ma anche di storia della Seconda guerra mondiale e musica. Con il suo primo libro nel 2002 ha vinto il premio "Giornalista pubblicista dell'anno" e nel 2003 è stato premiato come "L'addetto stampa dell'anno". Il suo sito è www.davideg.it

Mauro Raimondi, per molti anni insegnante di Storia di Milano, sulla sua città ha pubblicato Il cinema racconta Milano (Edizioni Unicopli, 2018), Milano Films (Frilli, 2009), Dal tetto del Duomo (Touring Club, 2007), CentoMilano (Frilli, 2006). Nel 2010 ha inoltre curato la biografia del poeta Franco Loi in Da bambino il cielo (Garzanti). Nella letteratura sportiva ha esordito nel 2003 con Invasione di campo. Una vita in rossonero (Limina).

Davide Grassi e Mauro Raimondi insieme hanno pubblicato Milano è rossonera. Passeggiata tra i luoghi che hanno fatto la storia del Milan (Bradipolibri, 2012) e Milan 1899. Una storia da ricordare (El nost Milan, 2017). Insieme ad Alberto Figliolia, hanno pubblicato Centonovantesimi. Le 100 partite indimenticabili del calcio italiano (Sep, 2005), Eravamo in centomila (Frilli, 2008), Portieri d'Italia (A.car Edizioni, 2013, con 13 tavole di Giovanni Cerri) e Il derby della Madonnina (Book Time, 2014). Nel 2019 hanno partecipato alla raccolta di racconti Milanesi per sempre (Edizioni della Sera). (Comunicato stampa)

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Sparta e Atene. Autoritarismo e Democrazia
di Eva Cantarella

Un bel libro, di facile lettura e di carattere divulgativo, destinato non sono a specialisti e addetti i lavori, bensì a tutti coloro che siano anche dei semplici appassionati della grande Storia della Grecia Classica. Pur se dedicato a un argomento ampiamente trattato da autorevoli studiosi, il testo offre l'occasione di approfondire tematiche non troppo note inerenti Sparta e Atene, le due città simbolo di uno dei periodi storici che più accendono la fantasia di una moltitudine di lettori. (Estratto da recensione di Rudy Caparrini)

Recensione nel Blog di Rudy Caparrini

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"Un regalo dal XX Secolo"
Piccole raccolte di cultura - Binomio di musica e poesia - Dal Futurismo al Decadentismo di Gabriele D'Annunzio
www.allegraravizza.com

La Galleria Allegra Ravizza propone una selezione di Edizioni Sincrone nell'ampio progetto Archivi Telematici del XX Secolo. Con i loro preziosi contenuti, ogni Edizione tratta e approfondisce un preciso argomento del secolo scorso. Dal Futurismo al Decadentismo. Le piccole raccolte, frutto di studio approfondito, hanno l'ambizioso scopo di far riscoprire le sensazioni dimenticate o incomprese del nostro bagaglio culturale e la gioia che ne deriva.

Le Edizioni Sincrone qui presentate, si incentrano su due temi principali: la Musica Futurista e i capolavori letterari del poeta Gabriele D'Annunzio. Dalla raccolta dannunziana "Canto Novo" alla tragedia teatrale "Sogno di un tramonto d'autunno", dal Manifesto futurista di Francesco Balilla Pratella a "L'Arte dei Rumori" di Luigi Russolo, ogni Edizione contiene una vera e propria collezione di musiche, accompagnate da un libro prezioso, una raccolta di poesie o una fotografia: un Racconto dell'Arte per la comprensione dell'argomento.

Canto Novo
di Gabriele D'Annunzio
A diciannove anni, nel 1882, Gabriele D'Annunzio pubblica la raccolta di poesie "Canto Novo", dedicata all'amante Elda Zucconi. I sentimenti, la passione, l'abbattimento e il sensualismo che trapelano dalle parole del poeta divengono note e melodie grazie al talento musicale di grandi compositori del Novecento tra cui Franco Casavola, Francesco Paolo Tosti e Ottorino Respighi. L'Edizione Sincrona contiene il volume "Canto Novo" insieme alle musiche dei grandi compositori che a questo si ispirarono. (Euro 150,00 + Iva)

Poema Paradisiaco
di Gabriele D'Annunzio

"La sera", tratta da "Poema Paradisiaco" (1893) di Gabriele D'Annunzio, fu sicuramente una delle poesie maggiormente musicate dai compositori del Novecento. Nella Edizione Sincrona sono contenute le liriche di compositori come Franco Casavola, Francesco Paolo Tosti, Ottorino Respighi e Pier Adolfo Tirindelli, che si ispirarono ai versi del Vate creando varie interpretazioni melodiche e attuando diverse scelte musicali, insieme al volume "Poema Paradisiaco" di D'Annunzio. (Euro 150,00 + Iva)

Sogno di un tramonto d'autunno
di Gabriele D'Annunzio

Concepito nel 1897, "Sogno di un Tramonto d'Autunno" è composto dal Vate per il suo grande amore: Eleonora Duse, che interpretò infatti il ruolo della protagonista durante la prima rappresentazione del 1899. All'interno dell'Edizione Sincrona è presente il volume "Sogno di un tramonto d'autunno" del 1899 accompagnato dalla musica del noto compositore Gian Francesco Malipiero composta nel 1913, le cui note sono racchiuse in un audio oggi quasi introvabile. Oltre a questo prezioso materiale, l'Edizione racchiude ad una fotografia della bellissima Eleonora Duse e due versioni del film omonimo "Sogno di un Tramonto d'Autunno" diretto da Luigi Maggi nel 1911. (Euro 200,00 + Iva)

Raccolta di 100 liriche su testi
di Gabriele D'Annunzio

La sensibilità, lo spirito e la forte emotività presente nei versi di Gabriele D'Annunzio non poterono che richiamare l'attenzione di grandi artisti e compositori del Novecento come Franco Casavola, Francesco Paolo Tosti, Ildebrando Pizzetti e Domenico Alaleona che, affascinati dalle parole del Vate, tradussero in musica le sue poesie. L'Edizione Sincrona contiene 100 liriche musicate dai grandi compositori insieme ai rispettivi testi e volumi di Gabriele D'Annunzio da cui sono tratte: "Canto Novo", "Poema Paradisiaco", "Elettra" e "Alcione" (rispettivamente Libro II e III delle "Laudi"), "La Chimera e l'Isotteo" e infine la copia anastatica di "In memoriam". (Euro 500,00 + Iva)

La Musica Futurista

La Musica futurista, grazie a compositori come Francesco Balilla Pratella, Luigi Russolo, Franco Casavola e Silvio Mix, stravolse completamente il concetto di rumore e suono, rinnegando con forza la tradizione musicale Ottocentesca. Le musiche futuriste presenti all'interno di questa Edizione Sincrona svelano nuove note, nuovi timbri, nuovi rumori mai sentiti prima, dimostrando come le ricerche e le invenzioni futuriste riuscirono a cambiare per sempre il futuro della musica. Insieme a questa corposa raccolta musicale, l'Edizione contiene un video introduttivo e due testi fondamentali per poter contestualizzare e comprendere appieno il panorama storico in cui la Musica Futurista sorse: "La musica futurista" di Stefano Bianchi e gli esilaranti racconti di Francesco Cangiullo contenuti in "Le serate Futuriste". (Euro 200,00 + Iva)

Il Manifesto di Francesco Balilla Pratella | Musica Futurista

Fondato nel 1909, il Futurismo si manifestò in ogni campo artistico. Nel 1910, su richiesta di Filippo Tommaso Marinetti, il giovane compositore Francesco Balilla Pratella scrisse il "Manifesto dei Musicisti Futuristi", un'energica ribellione alla cultura borghese dell'Ottocento in nome del coraggio, dell'audacia e della rivolta. L'Edizione Sincrona presenta, insieme al manifesto originale del 1910, la musica futurista di uno dei maggiori compositori del Primo Futurismo: Francesco Balilla Pratella. Ad accompagnare il prezioso manifesto e le musiche, sono presenti inoltre due manuali fondamentali per la comprensione del lavoro e della figura di Francesco Balilla Pratella dal titolo "Testamento" e "Caro Pratella". (Euro 500,00 + Iva)

Il Manifesto di Luigi Russolo | Musica Futurista

"La vita antica fu tutta silenzio. Nel XIX secolo, con l'invenzione delle macchine, nacque il Rumore": con questa dichiarazione esposta nel manifesto "L'Arte dei Rumori" del 1913 il futurista Luigi Russolo rinnova e amplifica il concetto di suono/rumore stravolgendo per sempre la storia della musica. In questa Edizione Sincrona sono contenuti le musiche e i suoni degli Intonarumori di Russolo, insieme al manifesto del 1913 "L'Arte dei Rumori" che teorizzò questa strabiliante invenzione! Per poter comprendere e approfondire la figura del grande inventore futurista, l'Edizione contiene anche un libro "Luigi Russolo. La musica, la pittura, il pensiero". (Euro 500,00 + Iva)

Video su Musica Futurista
youtu.be/T04jDobaB-Q

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Ultima frontiera
Diario, incontri, testimonianze
di Giovanni Cerri, Casa editrice Le Lettere, Collana "Atelier" a cura di Stefano Crespi, Firenze 2020
www.lelettere.it

Nell'orizzonte contemporaneo appare significativa la testimonianza di questi scritti di Giovanni Cerri. In un connotato diaristico, divenuto sempre più raro, vive la "voce" dei ricordi, dei volti, dei momenti esistenziali, delle figure dell'esistere: richiami all'adolescenza, le prime immagini dell'arte nello studio del padre, conoscenze di personaggi testimoniali, incontri con artisti. In una scrittura aperta, esplorativa, emergono due tematiche in una singolare originalità: la periferia come corrispettivo della solitudine dell'anima; lo sguardo senza tempo nell'inconscio, in ciò che abbiamo amato, in ciò che non è accaduto.

Giovanni Cerri (Milano, 1969), figlio del pittore Giancarlo Cerri, ha iniziato la sua attività nel 1987 e da allora ha esposto in Italia e all'estero in importanti città come Berlino, Francoforte, Colonia, Copenaghen, Parigi, Varsavia, Toronto, Shanghai. Nel continuo richiamo al territorio urbano di periferia, la sua ricerca si è sviluppata nell'indagine tematica dell'archeologia industriale con il ciclo dedicato alle Città fantasma. Nel 2011, invitato dal curatore Vittorio Sgarbi, espone al Padiglione Italia Regione Lombardia della Biennale di Venezia. Nel 2014 presenta la mostra Milano ieri e oggi nelle prestigiose sale dell'Unione del Commercio a Palazzo Bovara a Milano. Nel 2019 alla Frankfurter Westend Galerie di Francoforte è ospitata la mostra Memoria e Futuro. A Milano, nell'anno di Leonardo, in occasione del quinto centenario leonardesco.

- Dalla postfazione di Stefano Crespi

«Nel percorso di questa collana «Atelier», sono usciti in una specularità scritti di artisti e scritti di letterati: gli scritti degli artisti nelle cadenze dell'orizzonte interiore (ricordiamo: Confessioni di Filippo de Pisis, Cieli immensi di Nicolas de Staël); gli scritti dei letterati nel tradurre, nel prolungare in nuova vita il fascino, l'enigma dei quadri (ricordiamo Giovanni Testori, Yves Bonnefoy). Nelle istanze oggi di comunicazione mediatica, di caduta dell'evento, il libro di Giovanni Cerri, Ultima frontiera, si apre a uno spazio senza fine di sensi, luce, eros, avventura dell'immagine, della parola. Accanto allo svolgimento della pittura, vivono, rivivono, nelle sue pagine, anche dagli angoli remoti della memoria, i tratti del vissuto, i momenti dell'esistere: richiami all'adolescenza, le prime immagini dell'arte nello studio del padre, figure di artisti, personaggi testimoniali, i luoghi, il luogo ultimativo della periferia, occasioni di accostamento a quadri del passato, museali. [...]

Soffermandoci ora in alcuni richiami, ritroviamo il senso di un percorso, i contenuti emozionali, quella condizione originaria che è l'identità della propria espressione. In una sorta di esordio, viene ricordato lo studio del padre, artista riconosciuto, Giancarlo Cerri. Uno studio in una soffitta di un antico edificio. Ma anche «luogo magico», dove si avvia la frase destinale, il viaggio di Giovanni Cerri che percepisce la differenza (o forse anche una imprevedibile relazione) tra figurazione come rappresentazione e astrazione come evocazione. David Maria Turoldo è stato una figura testimoniale in una tensione partecipe alle ragioni dell'esistere e al senso di una vita corale. Lo scritto di Giovanni Cerri ha la singolarità di un ricordo indelebile nella conoscenza, con la madre, all'abbazia di S. Egidio a Fontanella e poi nella frequentazione, dove Turoldo appare come presenza, come voce, come forza di umanità. Scrive Cerri: «un uomo fatto di pietra antica, come la sua chiesa».

Michail Gorbaciov, negli anni dopo la presidenza dell'Unione Sovietica, in un viaggio in Italia, con la moglie Raissa ha una sosta a Sesto San Giovanni, dove visita anche l'occasione di una mostra di tre giovani artisti. Giovanni Cerri, uno dei tre artisti, conserva quel momento imprevedibile di sorpresa con gli auguri di Gorbaciov. Un'emozione suscita la visita al cimitero Monumentale: una camminata, un viaggio inconfondibile nelle testimonianze che via via si succedono. In particolare, toccante la tomba di una figura femminile mancata a ventiquattro anni. Rivive, in Cerri, davanti alla scultura dedicata a questa figura femminile, una bellezza seducente, il mistero di un eros oltre il tempo. Nelle pagine di diario appaiono, come tratti improvvisi, occasioni, emozioni.

Così il ricordo di Floriano Bodini nella figura, nel personaggio, nelle parole, nel fascino delle sue sculture in una visita allo studio. Giovanni Cerri partecipa all'inaugurazione della mostra di Ennio Morlotti sul ciclo delle bagnanti. In quella sera dell'inaugurazione erano presenti Morlotti e Giovanni Testori sui quali scrive Cerri: «cercatori inesausti delle verità nascoste, tra le pieghe infinite dello scrivere e del dipingere». Un intenso richiamo alla scoperta della Bovisa: «un paesaggio spettrale» nella corrosione, nella vita segreta del tempo. Accanto al percorso diaristico, Giovanni Cerri riporta in una sezione alcuni testi di sue presentazioni in cataloghi o nello stimolo di un'esposizione. In un ordine cronologico della stesura dei testi figurano Alessandro Savelli, Giancarlo Cazzaniga, Franco Francese, Alberto Venditti, Marina Falco, Fabio Sironi.

Si tratta di artisti con una singolarità, un connotato originario. Si riconferma la scrittura di Cerri, fuori da aspetti categoriali, didascalici. Una scrittura esplorativa nelle intuizioni, nei riferimenti creativi, in un movimento dialettico: esistenza e natura, interno ed esterno, presenza e indicibile, immagini e simboli, «una luce interiore» e «l'ombra, il mistero, l'enigma della vita». In conclusione al libro si presentano due interviste con Giovanni Cerri curate da Luca Pietro Nicoletti nel 2008, da Francesca Bellola nel 2016. Appaiono, limpidamente motivati, momenti tematici, espressivi, con intensa suggestione di rimandi. Inevitabile, infine, una considerazione sul rapporto del pensiero, della scrittura con la pittura.

Più che a richiami in relazioni specifiche, dirette, il percorso di Cerri nella sua eventicità destinale può essere ricondotto a due tematiche: la visione interiore della periferia e lo sguardo senza tempo nel volto. Tematiche che hanno una connessione anche psicologica nell'alfabeto oscuro dell'esistenza, del silenzio. La periferia è l'addio ancestrale nelle sue voci disadorne, stridenti, perdute, nella solitudine in esilio dalle cifre celesti. Nell'intervista di Francesca Bellola c'è un'espressione emblematica di Giovanni Cerri sulla periferia: «non sono più solo le zone periferiche delle città industriali con le strade, i viali e le tangenziali ad essere desolate, ma è anche la nostra anima, il nostro terreno interiore, a evidenziare i segni di abbandono». Il titolo che segna in modo così sintomatico l'opera di Cerri è Lo sguardo senza tempo. In un'osservazione generale, il «vedere» è la scena dei linguaggi, lo sguardo è inconscio, memoria, ciò che abbiamo amato, ciò che non è accaduto [...]» (Comunicato ufficio stampa De Angelis Press)

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Il calzolaio dei sogni
di Salvatore Ferragamo, ed. Electa, pag. 240, oltre 60 illustrazioni in b/n, in edizione in italiano, inglese e francese, 24 euro, settembre 2020

Esce per Electa una nuova edizione, con una veste grafica ricercata, dell'autobiografia di Salvatore Ferragamo (1898-1960), pubblicata per la prima volta in inglese nel 1957 da George G. Harrap & Co., Londra. Salvatore Ferragamo si racconta in prima persona - la narrazione è quasi fiabesca - ripercorrendo l'avventura della sua vita, ricca di genio e di intuito: da apprendista ciabattino a Bonito, un vero "cul-de-sac" in provincia di Avellino, a calzolaio delle stelle di Hollywood (le sue calzature vestirono, tra le altre celebrità, Marilyn Monroe, Audrey Hepburn, Sofia Loren e Greta Garbo), dalla lavorazione artigianale fino all'inarrestabile ascesa imprenditoriale.

Il volume - corredato da un ricco apparato fotografico e disponibile anche in versione e-book e, a seguire, audiolibro - ha ispirato il film di Luca Guadagnino "Salvatore - Shoemaker of Dreams", Fuori Concorso alla 77esima Mostra del Cinema di Venezia: la narrazione autobiografica diventa un lungometraggio documentario che delinea non solo l'itinerario artistico di Ferragamo, ma anche il suo percorso umano, attraverso l'Italia e l'America, due mondi che s'intrecciano fortemente. (Comunicato stampa)

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Federico Patellani, Stromboli 1949
ed. Humboldt Books

Il libro è stato presentato il 30 giugno 2020
www.mufoco.org

Il Museo del Cinema di Stromboli e il Museo di Fotografia Contemporanea presentano il libro in una diretta (canali YouTube e Facebook del Mufoco) che vedrà intervenire Alberto Bougleux, Giovanna Calvenzi, Emiliano Morreale, Aldo Patellani e Alberto Saibene. La pubblicazione è introdotta dalle parole della lettera con cui Ingrid Bergman si presenta a Roberto Rossellini: "Caro Signor Rossellini, ho visto i suoi film Roma città aperta e Paisà e li ho apprezzati moltissimo.

Se ha bisogno di un'attrice svedese che parla inglese molto bene, che non ha dimenticato il suo tedesco, non si fa quasi capire in francese, e in italiano sa dire solo 'ti amo', sono pronta a venire in Italia per lavorare con lei". Rossellini, dopo aver ricevuto questa lettera da Ingrid Bergman, allora una delle massime stelle hollywoodiane, la coinvolge nel progetto che diventerà il film Stromboli, terra di Dio (1950), ma ancor prima del film è la storia d'amore tra il regista romano e l'attrice svedese a riempire le cronache di giornali e rotocalchi.

Federico Patellani, uno dei migliori fotografi dell'epoca, si reca sull'isola eoliana: le sue fotografie fanno il giro del mondo, perché non documentano solo la realizzazione del film, ma anche le condizioni di vita degli abitanti e la forza degli elementi. Dall'archivio Patellani, presso il Museo di Fotografia Contemporanea, sono emerse le fotografie che aiutano a ricostruire nella sua integrità quella celebre storia. (Comunicato stampa)

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La Dama col ventaglio
di Giovanna Pierini, Mondadori Electa, 2018
Il libro è stato presentato il 20 novembre 2019 a Roma al Palazzo Barberini

Il romanzo mette in scena Sofonisba Anguissola ultranovantenne a Palermo - è il 1625 - nel suo tentativo di riacciuffare i fili della memoria e ricordare l'origine di un dipinto. La pittrice in piedi davanti alla tela cerca di ricordare: aveva dipinto lei quel ritratto? È passato tanto tempo. Nonostante l'abbacinante luce di mezzogiorno la sua vista è annebbiata, gli occhi stanchi non riconoscono più i dettagli di quella Dama con il ventaglio raffigurata nel quadro. È questo il pretesto narrativo che introduce la vicenda biografica di una delle prime e più significative artiste italiane. Sofonisba si presenta al lettore come una donna forte, emancipata e non convenzionale, che ha vissuto tra

Cremona, Genova, Palermo e Madrid alla corte spagnola. Tra i molti personaggi realmente esistiti - Orazio Lomellini, il giovane marito; il pittore Van Dyck; Isabella di Valois, regina di Spagna - e altri di pura finzione, spicca il giovane valletto Diego, di cui Sofonisba protegge le scorribande e l'amore clandestino, ma che non potrà salvare. La ricostruzione minuziosa di un'Italia al centro delle corti d'Europa, tra palazzi nobiliari, botteghe artigiane e viaggi per mare, e di una città, Palermo, fa rivivere le atmosfere di un'epoca in cui una pittrice donna non poteva accedere alla formazione accademica e doveva superare numerosi pregiudizi sociali. Tra le prime professioniste che seppero farsi largo nella ristretta società degli artisti ci fu proprio Sofonisba, e questo racconto, a cavallo tra realtà e finzione, ne delinea le ragioni: l'educazione lungimirante del padre, un grande talento e una forte personalità.

Giovanna Pierini, giornalista pubblicista, per anni ha scritto di marketing e management. Nel 2006 ha pubblicato Informazioni riservate con Alessandro Tosi. Da sempre è appassionata d'arte, grazie alla madre pittrice, Luciana Bora, di cui cura l'archivio dal 2008. Questo è il suo primo romanzo. (Comunicato stampa Maria Bonmassar)

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Elogio della finta
di Olivier Guez, di Neri Pozza Editore, 2019

«Manoel Francisco dos Santos, detto Garrincha (lo scricciolo), era alto un metro e sessantanove, la stessa altezza di Messi. Grazie a lui il Brasile divenne campione del mondo nel 1958 e nel 1962, e il Botafogo, il suo club, regnò a lungo sul campionato carioca. Con la sua faccia da galeotto, le spalle da lottatore e le gambe sbilenche come due virgole storte, è passato alla storia come il dribblatore pazzo, il più geniale e il più improbabile che abbia calcato i campi di calcio. «Come un compositore toccato da una melodia piovuta dal cielo» (Paulo Mendes Campos), Garrincha elevò l'arte della finta a essenza stessa del gioco del calcio.

Il futebol divenne con lui un gioco ispirato e magico, fatto di astuzia e simulazione, un gioco di prestigio senza fatica e sofferenza, creato soltanto per l'Alegria do Povo, la gioia del popolo. Dio primitivo, divise la scena del grande Brasile con Pelé, il suo alter-ego, il re disciplinato, ascetico e professionale. Garrincha resta, tuttavia, il vero padre putativo dei grandi artisti del calcio brasiliano: Julinho, Botelho, Rivelino, Jairzinho, Zico, Ronaldo, Ronaldinho, Denílson, Robinho, Neymar, i portatori di un'estetica irripetibile: il dribbling carioca. Cultore da sempre del football brasiliano, Olivier Guez celebra in queste pagine i suoi interpreti, quegli «uomini elastici che vezzeggiano la palla come se danzassero con la donna più bella del mondo» e non rinunciano mai a un «calcio di poesia» (Pier Paolo Pasolini).  

Olivier Guez (Strasburgo, 1974), collabora con i quotidiani Le Monde e New York Times e con il settimanale Le Point. Dopo gli studi all'Istituto di studi politici di Strasburgo, alla London School of Economics and Political Science e al Collegio d'Europa di Bruges, è stato corrispondente indipendente presso molti media internazionali. Autore di saggi storico-politici, ha esordito nella narrativa nel 2014. (Comunicato stampa Flash Art)

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Nosferatu
di Paolo D'Onofrio, ed. Edizioni NPE, formato21x30cm, 80 pag., cartonato b/n con pagine color seppia, 2019
edizioninpe.it/product/nosferatu

Il primo adattamento a fumetti del film muto di Murnau del 1922 che ha fatto la storia del cinema horror. Nosferatu il vampiro (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens), diretto da Friedrich Wilhelm Murnau e proiettato per la prima volta il 5 marzo 1922, è considerato il capolavoro del regista tedesco e uno dei capisaldi del cinema horror ed espressionista. Ispirato liberamente al romanzo Dracula (1897) di Bram Stoker, Murnau ne modificò il titolo, i nomi dei personaggi (il Conte Dracula diventò il Conte Orlok, interpretato da Max Schreck) e i luoghi (da Londra a Wisborg) per problemi legati ai diritti legali dell'opera.

Il regista perse la causa per violazione del diritto d'autore, avviata dagli eredi di Stoker, e venne condannato a distruggere tutte le copie della pellicola. Una copia fu però salvata dallo stesso Murnau, e il film è potuto sopravvivere ed arrivare ai giorni nostri. L'uso delle ombre in questo film classico ha avuto una eco infinita nel cinema successivo, di genere e non. Edizioni NPE presenta il primo adattamento a fumetti di questa pellicola: un albo estremamente particolare, che riprende il film fotogramma per fotogramma, imprimendolo in color seppia su una carta ingiallita ed invecchiata, utilizzando per il lettering lo stesso stile delle pellicole mute e pubblicato in un grande cartonato da collezione. (Comunicato stampa)

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Errantia
Poesia in forma di ritratto
di Gonzalo Alvarez Garcia

Il libro è stato presentato il 7 agosto 2018 alla Galleria d'arte Studio 71, a Palermo
www.studio71.it

Scrive l'autore in una sua nota nel libro "... Se avessi potuto comprendere il segreto del geranio nel giardino di casa o della libellula rossa che saltellava nell'aria sopra i papiri in riva al fiume Ciane, a Siracusa, avrei capito anche me steso. Ma non capivo. Ad ogni filo d'erba che solleticava la mia pelle entravo nella delizia delle germinazioni infinite e sprofondavo nel mistero. Sentivo confusamente di appartenere all'Universo, come il canto del grillo. Ma tutto il mio sapere si fermava li. Ascoltavo le parole, studiavo i gesti delle persone intorno a me come il cacciatore segue le tracce della preda, convinto che le parole e i gesti degli uomini sono una sorta di etimologia.

Un giorno o l'altro, mi avrebbero portato a catturare la verità.... Mi rivolsi agli Dei e gli Dei rimasero muti. Mi rivolsi ai saggi e i saggi aggiunsero alle mie altre domande ancora più ardue. Seguitai a camminare. Incontrai la donna, che non pose domande. Mi accolse con la sua grazia ospitale. Da Lei ho imparato ad amare l'aurora e il tramonto...". Un libro che ripercorre a tappe e per versi, la sua esistenza di ragazzo e di uomo, di studioso e di poeta, di marito e padre. Errantia, Poesia in forma di ritratto, con una premessa di Aldo Gerbino è edito da Plumelia edizioni. (Comunicato stampa)

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L'ultima diva dice addio
di Vito di Battista, ed. SEM Società Editrice Milanese, pp. 224, cartonato con sovracoperta, cm.14x21,5 €15,00
www.otago.it

E' la notte di capodanno del 1977 quando Molly Buck, stella del cinema di origine americana, muore in una clinica privata alle porte di Firenze. Davanti al cancello d'ingresso è seduto un giovane che l'attrice ha scelto come suo biografo ufficiale. E' lui ad avere il compito di rendere immortale la storia che gli è stata data in dono. E forse molto di più. Inizia così il racconto degli eventi che hanno portato Molly Buck prima al successo e poi al ritiro dalle scene, lontana da tutto e da tutti nella casa al terzo piano di una palazzina liberty d'Oltrarno, dove lei e il giovane hanno condiviso le loro notti insonni.

Attraverso la maestosa biografia di un'attrice decaduta per sua stessa volontà, L'ultima diva dice addio mette in scena una riflessione sulla memoria e sulla menzogna, sul potere della parola e sulla riduzione ai minimi termini a cui ogni esistenza è sottoposta quando deve essere rievocata. Un romanzo dove i capitoli ricominciano ciclicamente con le stesse parole e canzoni dell'epoca scandiscono lo scorrere del tempo, mentre la biografia di chi ricorda si infiltra sempre più nella biografia di chi viene ricordato. Vito di Battista (San Vito Chietino, 1986) ha vissuto e studiato a Firenze e Bologna. Questo è il suo primo romanzo. (Comunicato Otago Literary Agency)

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Zenobia l'ultima regina d'Oriente
L'assedio di Palmira e lo scontro con Roma
di Lorenzo Braccesi, Salerno editrice, 2017, p.200, euro 13,00

Il sogno dell'ultima regina d'Oriente era di veder rinascere un grande regno ellenistico dal Nilo al Bosforo, piú esteso di quello di Cleopatra, ma la sua aspirazione si infranse per un errore di valutazione politica: aver considerato l'impero di Roma prossimo alla disgregazione. L'ultimo atto delle campagne orientali di Aureliano si svolse proprio sotto le mura di Palmira, l'esito fu la sconfitta della regina Zenobia e la sua deportazione a Roma, dove l'imperatore la costrinse a sfilare come simbolo del suo trionfo. Le rovine monumentali di Palmira - oggi oggetto di disumana offesa - ci parlano della grandezza del regno di Zenobia e della sua resistenza eroica. Ancora attuale è la tragedia di questa città: rimasta intatta nei secoli, protetta dalle sabbie del deserto, è crollata sotto la furia della barbarie islamista.

Lorenzo Braccesi ha insegnato nelle università di Torino, Venezia e Padova. Si è interessato a tre aspetti della ricerca storica: colonizzazione greca, società augustea, eredità della cultura classica nelle letterature moderne. I suoi saggi piú recenti sono dedicati a storie di donne: Giulia, la figlia di Augusto (Roma-Bari 2014), Agrippina, la sposa di un mito (Roma-Bari 2015), Livia (Roma 2016). (Comunicato stampa)

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Napoleone Colajanni tra partito municipale e nazionalizzazione della politica
Lotte politiche e amministrative in provincia di Caltanissetta (1901-1921)

di Marco Sagrestani, Polistampa, 2017, collana Quaderni della Nuova Antologia, pag. 408
www.leonardolibri.com

Napoleone Colajanni (1847-1921) fu una figura di rilievo nel panorama politico italiano del secondo Ottocento. Docente e saggista, personalità di notevole levatura intellettuale, si rese protagonista di importanti battaglie politiche, dall'inchiesta parlamentare sulla campagna in Eritrea alla denuncia dello scandalo della Banca Romana. Il saggio ricostruisce il ruolo da lui svolto nella provincia di Caltanissetta, in particolare nella sua città natale Castrogiovanni e nell'omonimo collegio elettorale. In un'area dove la lotta politica era caratterizzata da una pluralità di soggetti collettivi - democratici, repubblicani, costituzionali, socialisti e cattolici - si pose come centro naturale di aggregazione delle sparse forze democratiche, con un progetto di larghe convergenze finalizzato alla rinascita politica, economica e morale della sua terra. (Comunicato stampa)

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Stappiamolarte
www.al-cantara.it/news/stappiamo-larte

La pubblicazione realizzata con le opere di 68 artisti provenienti dalle diverse parti d'Italia è costituita da immagini di istallazioni e/o dipinti realizzati servendosi dei tappi dell'azienda. All'artista, infatti, è stata data ampia libertà di esecuzione e, ove lo avesse ritenuto utile, ha utilizzato, assieme ai tappi, altro materiale quale legno, vetro, stoffe o pietre ma anche materiali di riciclo. Nel sito di Al-Cantara, si può sfogliare il catalogo con i diversi autori e le relative opere. Nel corso della giornata sarà possibile visitare i vigneti, la cantina dell'azienda Al-Cantàra ed il " piccolo museo" che accoglie le opere realizzate.

Scrive nel suo testo in catalogo Vinny Scorsone: "...L'approccio è stato ora gioioso ora riflessivo e malinconico; sensuale o enigmatico; elaborato o semplice. Su esso gli artisti hanno riversato sensazioni e pensieri. A volte esso è rimasto tale anche nel suo ruolo mentre altre la crisalide è divenuta farfalla varcando la soglia della meraviglia. Non c'è un filo comune che leghi i lavori, se non il fatto che contengano dei tappi ed è proprio questa eterogeneità a rendere le opere realizzate interessanti. Da mano a semplice cornice, da corona a bottiglia, da schiuma a poemetto esso è stato la fonte, molto spesso, di intuizioni artistiche singolari ed intriganti. Il rosso del vino è stato sostituito col colore dell'acrilico, dell'olio. Il tappo inerte, destinato a perdersi, in questo modo, è stato elevato ad oggetto perenne, soggetto d'arte in grado di valicare i confini della sua natura deperibile...". (Comunicato stampa)

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Stelle in silenzio
di Annapaola Prestia, Europa Edizioni, 2016, euro 15,90

Millecinquecento chilometri da percorrere in automobile in tre giorni, dove ritornano alcuni luoghi cari all'autrice, già presenti in altri suoi lavori. La Sicilia e l'Istria fanno così da sfondo ad alcune tematiche forti che il romanzo solleva. Quante è importante l'influenza di familiari che non si hanno mai visto? Che valore può avere un amore di breve durata, se è capace di cambiare un destino? Che peso hanno gli affetti che nel quotidiano diventano tenui, o magari odiosi? In generale l'amore è ciò che lega i personaggi anche quando sembra non esserci, in un percorso che è una ricerca di verità tenute a lungo nascoste.

Prestia torna quindi alla narrativa dopo il suo Caro agli dei" (edito da "Il Filo", giugno 2008), che ha meritato il terzo premio al "Concorso nazionale di narrativa e poesia F. Bargagna" e una medaglia al premio letterario nazionale "L'iride" di Cava de'Tirreni, sempre nel 2009. Il romanzo è stato presentato dal giornalista Nino Casamento a Catania, dallo scrittore Paolo Maurensig a Udine, dallo psicologo Marco Rossi di Loveline a Milano. Anche il suo Ewas romanzo edito in ebook dalla casa editrice Abel Books nel febbraio 2016, è arrivato semifinalista al concorso nazionale premio Rai eri "La Giara" edizione 2016 (finalista per la regione Friuli Venezia Giulia) mentre Stelle in silenzio, come inedito, è arrivato semifinalista all'edizione del 2015 del medesimo concorso.

Annapaola Prestia (Gorizia, 1979), Siculo-Istriana di origine e Monfalconese di adozione, lavora dividendosi tra la sede della cooperativa per cui collabora a Pordenone e Trieste, città in cui gestisce il proprio studio psicologico. Ama scrivere. Dal primo racconto ai romanzi a puntate e alle novelle pubblicati su riviste a tiratura nazionale, passando per oltre venti pubblicazioni in lingua inglese su altrettante riviste scientifiche specializzate in neurologia e psicologia fino al suo primo romanzo edito Caro agli dei... la strada è ancora tutta in salita ma piena di promesse.

Oltre a diverse fan-fiction pubblicate su vari siti internet, ha partecipato alla prima edizione del premio letterario "Star Trek" organizzato dallo STIC - Star Trek Italian Club, ottenendo il massimo riconoscimento. Con suo fratello Andrea ha fondato la U.S.S. Julia, un fan club dedicato a Star Trek e alla fantascienza. Con suo marito Michele e il suo migliore amico Stefano, ha aperto una gelateria a Gradisca d'Isonzo, interamente dedicata alla fantascienza e al fantasy, nella quale tenere vive le tradizioni gastronomiche della Sicilia sposandole amabilmente con quelle del Nord Est d'Italia. (Comunicato Ufficio stampa Emanuela Masseria)

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I quaranta giorni del Mussa Dagh
di Franz Werfel, ed. Corbaccio, pagg.918, €22,00
www.corbaccio.it

«Quest'opera fu abbozzata nel marzo dell'anno 1929 durante un soggiorno a Damasco, in Siria. La visione pietosa di fanciulli profughi, mutilati e affamati, che lavoravano in una fabbrica di tappeti, diede la spinta decisiva a strappare dalla tomba del passato l'inconcepibile destino del popolo armeno.» Grande e travolgente romanzo, narra epicamente il tragico destino del popolo armeno, minoranza etnica odiata e perseguitata per la sua antichissima civiltà cristiana, in eterno contrasto con i turchi, con il grande Impero ottomano detentore del potere. Verso la fine del luglio 1915 circa cinquemila armeni perseguitati dai turchi si rifugiarono sul massiccio del Mussa Dagh, a Nord della baia di Antiochia.

Fino ai primi di settembre riuscirono a tenere testa agli aggressori ma poi, cominciando a scarseggiare gli approvvigionamenti e le munizioni, sarebbero sicuramente stati sconfitti se non fossero riusciti a segnalare le loro terribili condizioni a un incrociatore francese. Su quel massiccio dove per quaranta giorni vive la popolazione di sette villaggi, in un'improvvisata comunità, si ripete in miniatura la storia dell'umanità, con i suoi eroismi e le sue miserie, con le sue vittorie e le sue sconfitte, ma soprattutto con quell'affiato religioso che permea la vita dell'universo e dà a ogni fenomeno terreno un significato divino che giustifica il male con una lungimirante, suprema ragione di bene.

Dentro il poema corale si ritrovano tutti i drammi individuali: ogni personaggio ha la sua storia, ogni racconto genera un racconto. Fra scene di deportazioni, battaglie, incendi e morti, ora di una grandiosità impressionante, ora di una tragica sobrietà scultorea, ma sempre di straordinaria potenza rappresentativa, si compone quest'opera fondamentale dell'epica moderna. Pubblicata nel 1933 I quaranta giorni del Mussa Dagh è stata giustamente considerata la più matura creazione di Werfel nel campo della narrativa. Franz Werfel (Praga, 1890 - Los Angeles, 1945) dopo la Prima guerra mondiale si stabilì a Vienna, dove si impose come uno dei protagonisti della vita letteraria mitteleuropea. All'avvento del nazismo emigrò in Francia e poi negli Stati Uniti. Oltre a I quaranta giorni del Mussa Dagh, Verdi. Il romanzo dell'opera, che rievoca in modo appassionato e realistico la vita del grande musicista italiano. (Comunicato Ufficio Stampa Corbaccio)

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- 56esima Esposizione Internazionale d'Arte della Biennale di Venezia
Padiglione nazionale della Repubblica di Armenia
Presentazione rassegna

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Cuori nel pozzo
Belgio 1956. Uomini in cambio di carbone.
di Roberta Sorgato
www.danteisola.org

Il libro rievoca le condizioni di vita precedenti alla grande trasformazione degli anni Sessanta del Novecento, e la durissima realtà vissuta dagli emigrati italiani nelle miniere di carbone del Belgio, è un omaggio rivolto ai tanti che consumarono le loro vite fino al sacrificio estremo, per amore di quanti erano rimasti a casa, ad aspettarli. Pagine spesso commosse, dedicate a chi lasciò il paese cercando la propria strada per le vie del mondo. L'Italia li ha tenuti a lungo in conto di figliastri, dimenticandoli. La difficoltà di comunicare, le enormi lontananze, hanno talvolta smorzato gli affetti, spento la memoria dei volti e delle voci. Mentre in giro per l'Europa e oltre gli oceani questi coraggiosi costruivano la loro nuova vita. Ciascuno con la nostalgia, dove si cela anche un po' di rancore verso la patria che li ha costretti a partire.

Qualcuno fa i soldi, si afferma, diventa una personalità. Questi ce l'hanno fatta, tanti altri consumano dignitosamente la loro vita nell'anonimato. Altri ancora muoiono in fondo a un pozzo, cadendo da un'impalcatura, vittime dei mille mestieri pesanti e pericolosi che solo gli emigranti accettano di fare. Ora che cinquant'anni ci separano dalla nostra esperienza migratoria, vissuta dai predecessori per un buon secolo, la memorialistica si fa più abbondante. Esce dalla pudica oralità dei protagonisti, e grazie ai successori, più istruiti ed emancipati si offre alla storia comune attraverso le testimonianze raccolte in famiglia. Con la semplicità e l'emozione che rendono più immediata e commossa la conoscenza. (Estratto da comunicato stampa di Ulderico Bernardi)

La poetessa veneta Roberta Sorgato, insegnante, nata a Boussu, in Belgio, da genitori italiani, come autrice ha esordito nel 2002 con il romanzo per ragazzi "Una storia tutta... Pepe" seguito nel 2004 da "All'ombra del castello", entrambi editi da Tredieci (Oderzo - TV). Il suo ultimo lavoro, "La casa del padre" inizialmente pubblicato da Canova (Treviso) ed ora riproposto nella nuova edizione della ca-sa editrice Tracce (Pescara).

«L'Italia non brilla per memoria. Tante pagine amare della nostra storia sono cancellate o tenute nell'oblio. Roberta Sorgato ha avuto il merito di pescare, dal pozzo dei ricordi "dimenticati", le vicende dei nostri minatori in Belgio e di scrivere "Cuori nel pozzo" edizioni Marsilio, sottotitolo: "Belgio 1956. Uomini in cambio di carbone". Leggendo questo romanzo - verità, scritto in maniera incisiva e con grande e tragico realismo, si ha l'impressione di essere calati dentro i pozzi minerari, tanto da poter avere una vi-sione intima e "rovesciata" del titolo ("Pozzi nel cuore" potrebbe essere il titolo "ad honorem" per un lettore ideale, così tanto sensibile a questi temi).

Un lettore che ha quest'ardire intimista di seguire la scrittrice dentro queste storie commoventi, intense, drammatiche - e che non tengono conto dell'intrattenimento letterario come lo intendiamo comunemente - è un lettore che attinge dal proprio cuore ed è sospinto a rivelarsi più umano e vulnerabile di quanto avesse mai osato pensare. In questo libro vige lo spettacolo eterno dei sentimenti umani; e vige in rela-zione alla storia dell'epoca, integrandosi con essa e dandoci un ritratto di grande effetto. Qui troviamo l'Italia degli anni cinquanta che esce dalla guerra, semplice e disperata, umile e afflitta dai ricordi bellici. Troviamo storie di toccanti povertà; così, insieme a quell'altruismo che è proprio dell'indigenza, e al cameratismo che si fa forte e si forgia percorrendo le vie drammatiche della guerra, si giunge ai percorsi umani che strappavano tanti italiani in cerca di fortuna alle loro famiglie.

L'emigrazione verso i pozzi minerari belgi rappresentava quella speranza di "uscire dalla miseria". Pochi ce l'hanno fatta, molti hanno pagato con una morte atroce. Tutti hanno subito privazioni e vessazioni, oggi inimmaginabili. Leggere di Tano, Nannj, Caio, Tonio, Angelina e tanti altri, vuol dire anche erigere nella nostra memoria un piccolo trono per ciascuno di loro, formando una cornice regale per rivisitare quegli anni che, nella loro drammaticità, ci consentono di riflettere sull'"eroismo" di quelle vite tormentate, umili e dignitose.» (Estratto da articolo di Danilo Stefani, 4 gennaio 2011)

«"Uomini in cambio di carbone" deriva dal trattato economico italo-belga del giugno 1946: l'accordo prevedeva che per l'acquisto di carbone a un prezzo di favore l'Italia avrebbe mandato 50 mila uomini per il lavoro in miniera. Furono 140 mila gli italiani che arrivarono in Belgio tra il 1946 e il 1957. Fatti i conti, ogni uomo valeva 2-3 quintali di carbone al mese.» (In fondo al pozzo - di Danilo Stefani)

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La passione secondo Eva
di Abel Posse, ed. Vallecchi - collana Romanzo, pagg.316, 18,00 euro
www.vallecchi.it

Eva Duarte Perón (1919-1952), paladina dei diritti civili ed emblema della Sinistra peronista argentina, fu la moglie del presidente Juan Domingo Perón negli anni di maggior fermento politico della storia argentina; ottenne, dopo una lunga battaglia politica, il suffragio universale ed è considerata la fondatrice dell'Argentina moderna. Questo romanzo, costruito con abilità da Abel Posse attraverso testimonianze autentiche di ammiratori e detrattori di Evita, lascia il segno per la sua capacità di riportare a una dimensione reale il mito di colei che è non soltanto il simbolo dell'Argentina, ma uno dei personaggi più noti e amati della storia mondiale.

Abel Posse (Córdoba - Argentina, 1934), diplomatico di carriera, giornalista e scrittore di fama internazionale. Studioso di politica e storia fra i più rappresentativi del suo paese. Fra i suoi romanzi più famosi ricordiamo Los perros del paraíso (1983), che ha ottenuto il Premio Ròmulo Gallegos maggior riconoscimento letterario per l'America Latina. La traduttrice Ilaria Magnani è ricercatrice di Letteratura ispano-americana presso l'Università degli Studi di Cassino. Si occupa di letteratura argentina contemporanea, emigrazione e apporto della presenza italiana. Ha tradotto testi di narrativa e di saggistica dallo spagnolo, dal francese e dal catalano.

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Odissea Viola. Aspettando Ulisse lo Scudetto
di Rudy Caparrini, ed. NTE, collana "Violacea", 2010
www.rudycaparrini.it

Dopo Azzurri... no grazie!, Rudy Caparrini ci regala un nuovo libro dedicato alla Fiorentina. Come spiega l'autore, l'idea è nata leggendo il capitolo INTERpretazioni del Manuale del Perfetto Interista di Beppe Severgnini, nel quale il grande scrittore e giornalista abbina certe opere letterarie ad alcune squadre di Serie A. Accorgendosi che manca il riferimento alla Fiorentina, il tifoso e scrittore Caparrini colma la lacuna identificando ne L'Odissea l'opera idonea per descrivere la storia recente dei viola.

Perché Odissea significa agonia, sofferenza, desiderio di tornare a casa, ma anche voglia di complicarsi la vita sempre e comunque. Ampliando il ragionamento, Caparrini sostiene che nell'Odissea la squadra viola può essere tre diversi personaggi: Penelope che aspetta il ritorno di Ulisse lo scudetto; Ulisse, sempre pronto a compiere un "folle volo" e a complicarsi la vita; infine riferendosi ai tifosi nati dopo il 1969, la Fiorentina può essere Telemaco, figlio del padre Ulisse (ancora nei panni dello scudetto) di cui ha solo sentito raccontare le gesta ma che mai ha conosciuto.

Caparrini sceglie una serie di episodi "omerici", associabili alla storia recente dei viola, da cui scaturiscono similitudini affascinanti: i Della Valle sono i Feaci (il popolo del Re Alcinoo e della figlia Nausicaa), poiché soccorrono la Fiorentina vittima di un naufragio; il fallimento di Cecchi Gori è il classico esempio di chi si fa attrarre dal Canto delle Sirene; Edmundo che fugge per andare al Carnevale di Rio è Paride, che per soddisfare il suo piacere mette in difficoltà l'intera squadra; Tendi che segna il gol alla Juve nel 1980 è un "Nessuno" che sconfigge Polifemo; Di Livio che resta coi viola in C2 è il fedele Eumeo, colui che nell'Odissea per primo riconosce Ulisse tornato ad Itaca e lo aiuta a riconquistare la reggia.

Un'Odissea al momento incompiuta, poiché la Fiorentina ancora non ha vinto (ufficialmente) il terzo scudetto, che corrisponde all'atto di Ulisse di riprendersi la sovranità della sua reggia a Itaca. Ma anche in caso di arrivasse lo scudetto, conclude Caparrini, la Fiorentina riuscirebbe a complicarsi la vita anche quando tutto potrebbe andare bene. Come Ulisse sarebbe pronta sempre a "riprendere il mare" in cerca di nuove avventure. Il libro è stato presentato il 22 dicembre 2010 a Firenze, nella Sala Incontri di Palazzo Vecchio.

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Leni Riefenstahl. Un mito del XX secolo
di Michele Sakkara, ed. Edizioni Solfanelli, pagg.112, €8,00
www.edizionisolfanelli.it

«Il Cinema mondiale in occasione della scomparsa di Leni Riefenstahl, si inchina riverente davanti alla Salma di colei che deve doverosamente essere ricordata per i suoi geniali film, divenuti fondamentali nella storia del cinema.» Questo l'epitaffio per colei che con immagini di soggiogante bellezza ha raggiunto magistralmente effetti spettacolari. Per esempio in: Der Sieg des Glaubens (Vittoria della fede, 1933), e nei famosissimi e insuperati Fest der Völker (Olympia, 1938) e Fest der Schönheit (Apoteosi di Olympia, 1938).

Michele Sakkara, nato a Ferrara da padre russo e madre veneziana, ha dedicato tutta la sua esistenza allo studio, alla ricerca, alla regia, alla stesura e alla realizzazione di soggetti, sceneggiature, libri (e perfino un'enciclopedia), ed è stato anche attore. Assistente e aiuto regista di Blasetti, Germi, De Sica, Franciolini; sceneggiatore e produttore (Spagna, Ecumenismo, La storia del fumetto, Martin Lutero), autore di una quarantina di documentari per la Rai.

Fra le sue opere letterarie spicca l'Enciclopedia storica del cinema italiano. 1930-1945 (3 voll., Giardini, Pisa 1984), un'opera che ha richiesto anni di ricerche storiche; straordinari consensi ebbe in Germania per Die Grosse Zeit Des Deutschen Films 1933-1945 (Druffel Verlag, Leoni am Starnberg See 1980, 5 edizioni); mentre la sua ultima opera Il cinema al servizio della politica, della propaganda e della guerra (F.lli Spada, Ciampino 2005) ha avuto una versione in tedesco, Das Kino in den Dienst der Politik, Propaganda und Krieg (DSZ-Verlag, München 2008) ed è stato ora tradotta in inglese.

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L'Immacolata nei rapporti tra l'Italia e la Spagna
a cura di Alessandra Anselmi

Il volume ripercorre la storia dell'iconografia immacolistica a partire dalla seconda metà del Quattrocento quando, a seguito dell'impulso impresso al culto della Vergine con il pontificato di Sisto IV (1471-1484), i sovrani spagnoli si impegnano in un'intensa campagna volta alla promulgazione del dogma. Di grande rilevanza le ripercussioni nelle arti visive: soprattutto in Spagna, ma anche nei territori italiani più sensibili, per vari motivi, all'influenza politica, culturale e devozionale spagnola. Il percorso iconografico è lungo e complesso, con notevoli varianti sia stilistiche che di significato teologico: il punto d'arrivo è esemplato sulla Donna dell'Apocalisse, i cui caratteri essenziali sono tratti da un versetto del testo giovanneo.

Il libro esplora ambiti culturali e geografici finora ignorati o comunque non sistemati: la Calabria, Napoli, Roma, la Repubblica di Genova, lo Stato di Milano e il Principato Vescovile di Trento in un arco cronologico compreso tra la seconda metà del Quattrocento e il Settecento e, limitatamente a Roma e alla Calabria, sino all'Ottocento, recuperando all'attenzione degli studi una produzione artistica di grande pregio, una sorta di 'quadreria "ariana" ricca di capolavori già noti, ma incrementata dall'acquisizione di testimonianze figurative in massima parte ancora inedite.

Accanto allo studio più prettamente iconografico - che si pregia di interessanti novità, quali l'analisi della Vergine di Guadalupe, in veste di Immacolata India - il volume è sul tema dell'Immacolata secondo un'ottica che può definirsi plurale affrontando i molteplici contesti - devozionali, cultuali, antropologici, politici, economici, sociali - che interagiscono in un affascinante gioco di intrecci. (Estratto da comunicato stampa Ufficio stampa Soprintendenza per i Beni Storici, Artistici ed Etnoantropologici della Calabria)

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Mario Del Monaco: Dietro le quinte - Le luci e le ombre di Otello
(Behind the scenes - Othello in and out of the spotlight)
di Paola Caterina Del Monaco, prefazione di Enrico Stinchelli, Aerial Editrice, 2007
Presentazione

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Le stelle danzanti. Il romanzo dell'impresa fiumana
di Gabriele Marconi, ed. Vallecchi, pagg.324, Euro 15,00
www.vallecchi.it

L'Impresa fiumana fu un sogno condiviso e realizzato. Uno slancio d'amore che non ha eguali nella storia. D'Annunzio, fu l'interprete ispiratore di quello slancio, il Comandante, il Vate che guidò quella straordinaria avventura, ma protagonisti assoluti furono i tantissimi giovani che si riversarono nella città irredenta e là rimasero per oltre un anno. L'età media dei soldati che, da soli o a battaglioni interi, parteciparono all'impresa era di ventitré anni. Il simbolo di quell'esperienza straordinaria furono le stelle dell'Orsa Maggiore, che nel nostro cielo indicano la Stella Polare. Il romanzo narra le vicende di Giulio Jentile e Marco Paganoni, due giovani arditi che hanno stretto una salda amicizia al fronte. Dopo la vittoria, nel novembre del 1918 si recano a Trieste per far visita a Daria, crocerossina ferita in battaglia di cui sono ambedue innamorati.

Dopo alcuni giorni i due amici faranno ritorno alle rispettive famiglie ma l'inquietudine dei reduci impedisce un ritorno alla normalità. Nel febbraio del 1920 li ritroviamo a Fiume, ricongiungersi con Daria, uniti da un unico desiderio. Fiume è un calderone in ebollizione: patrioti, artisti, rivoluzionari e avventurieri di ogni parte d'Europa affollano la città in un clima rivoluzionario-libertino. Marco è tra coloro che sono a stretto contatto con il Comandante mentre Giulio preferisce allontanarsi dalla città e si unisce agli uscocchi, i legionari che avevano il compito di approvvigionare con i beni di prima necessità anche con azioni di pirateria. (...) Gabriele Marconi (1961) è direttore responsabile del mensile "Area", è tra i fondatori della Società Tolkieniana Italiana e il suo esordio narrativo è con un racconto del 1988 finalista al Premio Tolkien.

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Mappa del sito www.ninniradicini.it

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